Einmal ging ich in eine Kneipe. Einer war schon da. Nach mir kam ein anderer. Der setzte sich zu dem einen. Habe die Ehre!, sagte der eine. Lang nicht gesehen. Wie geht’s dir? Sagte der andere: Mir geht’s gut, i bin verheirat’. Es gibt mehrere mögliche Gründe für seine Hochwetterlage (ich geh mal davon aus, dass er mit einer Frau verheiratet war): Kann sein, dass die Frau gut kochte und ihm die Wohnung putzte und die Wäsche wusch. Kann sein, dass sie einen Batzen Geld mit in die Ehe gebracht hatte. Kann sein, er hat den von ihm bis zur Eheschließung nicht potenziell regelmäßig vollziehbaren Geschlechtsverkehr gemeint. Vielleicht war er auch einfach nur glücklich mit seiner Frau. Vielleicht weil er sie liebte. Oder sie ihn. Oder vielleicht, weil sie immer einer Meinung waren. Er schätzte also vielleicht den Konsens, der mit der Frau, und trotz dieser, ins Haus eingekehrt war – das politische Wohlgefühl im Kleinen, das Harmoniebedürfnis der Sanftmütigen, Ängstlichen und Hilflosen. Im Großen ist Konsens das Harmoniebedürfnis der Regierenden den Regierten gegenüber zwecks problemfreier Durchsetzung ihres politischen Willens. Einer Regierung, die es schafft, einen möglichst breiten Konsens in der Bevölkerung herzustellen, geht es gut. Die kann ihr Zeug...

Das politische Wohlgefühl

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Das Globe Theatre

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Die Worte seien ihm schon wie Asche im Mund, sagt Sewan Latchinian. Das klingt nach Hugo von Hofmannsthals „Chandos“-Brief, ein Dokument extremer Hoffnungslosigkeit. Das ist nun schon ungefähr hundert Jahre her – aber in Mecklenburg-Vorpommern kreist der politisch gewollte Unsinn in Sachen Theaterreform einerseits so schnell, dass man als Chronist gar nicht mehr hinterherkommt, andererseits bleibt alles so schlecht wie immer. Nein, es wird immer schlechter. Man wird mit Zahlen beschossen, bis einem schwindlig ist, und zum Spiel gehört, dass diese Zahlen, auf deren Grundlage gestern noch schwerwiegende Beschlüsse getroffen wurden, morgen schon wieder heftig dementiert werden. Nur eines scheint dabei klar und immer klarer zu werden: Es ist eine schiefe Ebene, auf der die Theater in Mecklenburg langsam herabrutschen – ins Nichts. Ist das unaufhaltsam? Es scheint so, denn gegen Vernunft und andere gute Gründe, selbst sparsamste Haushaltsführung, erweisen sich Kultusminister Mathias Brodkorb (SPD) und Rostocks Oberbürgermeister Roland Methling (parteilos) als taub. Mit den betroffenen Künstlern spricht man überhaupt nicht über diese Fragen. Wo käme man da hin – fahrendem Volk ist nicht zu trauen, haltet euch die Taschen zu und holt die Wäsche von der Leine! Sogar einem derart bürgerlichen Autor wie Thomas Mann passierte es, dass er...

Das Volkstheater Rostock: Wo die Böcke zu Gärtnern werden

Kahlschlag

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

Moskauer! Schreibt es euch in den Kalender. Etwas Großes ist am Entstehen.“ Es blitzt. Und wir drängen aufgescheucht an die Fenster. Es ist der 26. Januar 2015. Tauwetter hat eingesetzt. Wer draußen auf der Straße unterwegs ist, schliddert durch Matsch und Reste von Schnee. Unsere Blicke jedoch gehen nicht runter auf die sechsspurig befahrene Straße, die in Verlängerung Richtung Südosten auf den Kreml verweist. Sie sind auf das Haus gegenüber gerichtet. Twerskaja uliza Nr. 23. Ein Gebäude von 1915, zartgrün und dezent mit Stuck verzuckert, jetzt zackig, pixelig und irr mit psychedelischen Lichtprojektionen bespielt. Kratzige Sounds fiepen aus den Lautsprechern. Muster laufen über die Fassade, mal abstrakt, mal konkret, bis sich schließlich ein Gesicht aus dem Wirrwarr schält: Konstantin Sergejewitsch Stanislawski, ein kerniger Blick unter hoher Stirn, umkränzt von einem Heiligenschein, der eine Glühbirne skizziert. „Etwas Großes ist am Entstehen.“ Der Theaterkritiker der Moscow Times John Freedman weissagte dies schon voraus. Etwas Großes, da komplett Neues, das derjenige, der das russische Theater kenne, wohl als eine Art Ketzerei bezeichnen würde. Ketzerei? Boris Juchananow lächelt uns mit zusammengekniffenen Augen hinter eckiger Hornbrille über seinen gigantischen Arbeitstisch hinweg freundlich an. Es sind komplizierte Tage für Intendanten wie ihn. Und irgendwie aber auch...

Mitten in der politischen Eiszeit eröffnet in Moskau ein neues Theater: das Elektrotheater Stanislawski, das als offener Kulturraum auch mit Regiestars aus Europa kollaboriert

Mission Electric

Aachen Theater B. Bicker: Illegal (K. Blaszkiewitz, 24.04.) Augsburg Theater M. Verhoef: Playboy (K. Plötner, 30.04.) Bamberg E. T. A.-Hoffmann-Theater W. Herrndorf: Tschick (F. Behnke, 12.04.); K. Pollak: Wie im Himmel (H. Gohde, 30.04.) Basel Kaserne C. Maier: Like a Prayer (C. Maier, 07.04., UA) Theater Ich brauche Wahrheit und Aspirin! (T. Ryser, 10.04.) Bautzen Deutsch-Sorbisches Volkstheater M. Gavran: Smjase zakazane (Lachen verboten) (J. Jamnik, 25.04.) Bayreuth studiobühne W. Allen: Gott (B. Franz, 18.04.) Berlin Ballhaus Naunynstrasse R. d. Paula: Part of you (R. d. Paula, 13.04., UA) Deutsches Theater P. Handke: Immer noch Sturm (F. Abt, 29.04.); F. Schiller: Don Carlos (S. Kimmig, 30.04.) Grips Theater V. Ludwig: Ein Fest bei Baba Dengiz (Y. Yolcu, 17.04., UA) Maxim Gorki Theater O. Pamuk: Schnee (H. Savas Mican, 11.04.); Komitas – Dokufiktionales Musiktheater von Marc Sinan (M. Sinan, 17.04.); Zentralrat der Asozialen in Deutschland (T. Royale, 30.04.) Schaubühne am Lehniner Platz M. v. Mayenburg: Stück Plastik (M. v. Mayenburg, 25.04.) Sophiensaele Lovefuckers: SPAM (I. Sajeviç/N. Zapfe, 09.04., UA) Theater an der Parkaue D. Lindemann: Herr Fritz vom Geheimdienst (K. Hentschel, 12.04., UA); S. Naoura: Star (S. Sobottka, 14.04., UA) Biel / Solothurn TOBS A. Kaye Campbell: Apologia (C. Diem, 17.04., SEA)...

April 2015

Premieren

double feiert Jubiläum

Ja, ein Wort zu „Baal“ sei noch gestattet, aber nicht zu Frank Castorfs Inszenierung (die ich nicht gesehen habe), und auch nicht zu der neuesten Posse, die der Clan der Brecht-Verwalter mit dem Verbot der Arbeit wieder einmal geliefert hat. Die Gelegenheit ist vielmehr günstig, um noch einmal an das andere, ebenfalls bei Erscheinen qua Erbschaftsrecht verbotene „Baal“-Produkt zu erinnern: Volker Schlöndorffs Film von 1969, mit dem 24-jährigen Rainer Werner Fassbinder, letztes Jahr zum ersten Mal wieder gezeigt. Es stimmt (und ist nach der Wiederaufführung auch öfter geschrieben worden): Man kann diesen „Baal“ guten Gewissens feiern. Und zwar nicht nur, weil Fassbinder vielleicht der einzige Schauspieler ist, dem man abnimmt, dass er das Gedicht „Vom ertrunkenen Mädchen“ geschrieben haben könnte. Gerade wenn man Schlöndorffs Version heute wiedersieht, ist faszinierend, dass man in ihr einfach nicht die verdrucksten, verklemmten und geduckten Körper zu Gesicht bekommt, die für das sonstige deutsche Kino postfaschistischer Provenienz so typisch sind. Oder genauer: Man kann richtiggehend sehen, wie dieses Körpersystem aufbricht; eine echte Öffnung (von der im durchschnittlichen deutschen Film unserer Tage freilich nicht mehr viel zu sehen ist: Man vergleiche den Fassbinder-„Baal“ mit dem von Matthias Schweighöfer, 2003, von den Brecht-Erben nicht verboten). Allerdings: Eine...

kirschs kontexte: Noch ein Wort zu „Baal“

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Christoph Leibolds Kommentar zum Verbot von Frank Castorfs Münchner „Baal“-Inszenierung („Theater brauchen Gedankenfreiheit“, TdZ 3/2015) bedarf der Kommentierungen: „Man stelle sich vor: Es gibt jemand ein Porträt von sich bei Georg Baselitz in Auftrag. Und als es fertig ist, bemerkt er konsterniert: ‚Das Bild steht ja auf dem Kopf!‘“ Der Vergleich ist absurd. Leibolds Kommentar geht von einem verkürzten Kunstbegriff aus. Er sieht nur den Regisseur als Künstler. Der Dramatiker als Künstler taucht bei ihm an keiner Stelle auf. Falsch ist der Vergleich auch deshalb, weil es weder die Verlage noch die von ihnen vertretenen Autoren sind, die Inszenierungen in Auftrag geben, sondern die Theater. Man stelle sich also vor: Ein Theater entscheidet sich für ein Stück, und als die Proben beginnen, bemerkt es konsterniert: „Der Text ist ja ‚Baal‘!“ „Frank Castorf inszeniert nicht erst seit gestern. Dass er Stücke zuweilen auf den Kopf stellt, sollte niemanden überraschen, der nur ein klein wenig Ahnung vom Gegenwartstheater hat. Umso verwunderlicher ist nun die Empörung des Suhrkamp Verlags und der Brecht-Erbin Barbara Brecht-Schall.“ Umgekehrt: Die Brecht-Erbin und Suhrkamp nehmen nicht erst seit gestern die Rechte an Brechts Stücken wahr. Dass sie auf Werkeinheit bestehen, sollte niemanden überraschen, der nur ein klein wenig...

Ein Kommentar zum Kommentar zu „Baal“

Nur der Regisseur ein Künstler?

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Aus Jerusalem erreicht uns die Nachricht vom Tod Fred Dürens, des Schauspielers, der ein Vierteljahrhundert lang eine Hauptgestalt in Theater und Film jenes östlichen Deutschlands war, das von den Rückwanderern aus Fluchtländern in Ost und West sein geistiges und künstlerisches Profil erhielt. An der Schauspielschule des Deutschen Theaters erhielt das 1928 geborene Arbeiterkind seine erste Ausbildung, nach Engagements in Potsdam, Ludwigslust, Wismar, Schwerin kam er ans Berliner Ensemble. Dort warf sich der 26-Jährige im „Kaukasischen Kreidekreis“, der Aufführung, mit der Brechts Theater Paris und London eroberte, zusammen mit Benno Besson in die schwere Rüstung der beiden Panzerreiter, die der flüchtigen Magd ins Gebirge nachsetzten, um ihr den geretteten Säugling wieder abzunehmen; schon in dieser winzigen Rolle prägte er sich in Tonfall und Haltung unverwechselbar ein. Besson und Düren – die Verbindung war folgenreich, im Bund mit andern stellten diese beiden einige Jahre später das Berliner Theater auf den Kopf. Oder auf die Füße? In der Spur dessen, was Brecht Verfremdung genannt hatte, ein genuin komödisches Verfahren, machten sie ein Theater des geschwinden Denkens und der beweglichen Glieder, und sein Ort hätte wohl das Berliner Ensemble sein können, an dem Düren 1955 in Ostrowskis „Ziehtochter“ den trunksüchtigen Negligentow mit der neurasthenischen...

Dem Schauspieler Fred Düren zum Gedächtnis

Der Friedenskämpfer

Warum Theater,

Was passiert, wenn man eine Giraffe fängt und sie in ein Wohnzimmer schafft? Man kann es sich als ein einigermaßen schweres Chaos vorstellen. In der Kunsthalle Zürich zeigen die iranischen Künstler Ramin Haerizadeh (geb. 1975), Rokni Haerizadeh (geb. 1978) und Hesam Rahmanian (geb. 1980), was es heißen kann, wenn alles auseinanderbricht – und auch noch Kunst werden kann. Seit über fünf Jahren leben die drei in einem gemeinsamen Haus in Dubai, das sie bis an den Rand mit Sachen vollstopfen, die sie überall aufsammeln. Dort synchronisieren sie von früh bis spät eine gestörte Gebrauchswelt der Dinge mit ihren eigenen Vorstellungen von Kunst und Gesellschaft. Mag sein, dass manche darin eher ein soziokulturelles Experiment erkennen. Andere entdecken in diesem schönen Wirrwarr eine neue Form künstlerischer Praxis. In der Ausstellung Slice A Slanted Arc Into Dry Paper Sky haben sie die Hälfte ihres Wohnhauses zu einem mehrteiligen Environment zusammengestellt. Die Besucher betreten eine Art Wunderkammer, in der Wände und sogar die Böden mit Zeichnungen, Postern und Gemälden versehen sind. Man flaniert vorbei an orientalischen Mustertapeten und in Prismen zerlegten Spiegeln, obskuren Objekten und zahlreichen Readymades, wie z. B. einem meterhohen Turm aus Badesandaletten. Die Besucher sieht man dann oft ratlos vor den...

Kunst: Ein schönes Wirrwarr

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Lässt man Rabih Mroués Werk vorm inneren Auge Revue passieren, dann fällt als Erstes auf, wie vielfältig und überraschend seine Ausdrucksformen sind, wie groß seine Lust und Klugheit beim Experimentieren mit immer neuen Stilmitteln. Er denkt seine Kunst stets vom Inhalt her, lädt sie auf mit Fantasie und Dringlichkeit, feiner Ironie und Tabubrüchen, was den Inhalt verschärft und die Kunst beunruhigender macht. Das ist besonders eindrucksvoll angesichts eines Kulturbetriebs, in dem so viele nichts anderes tun, als eine einmal erfolgreiche Masche zu Tode zu reiten, und das gar noch als ihre Handschrift ausgeben. Bei Mroué ist das anders; sein Markenzeichen ist die Vielfalt, nicht die Wiederholung, er breitet sich aus, statt sich einzuspinnen, und findet für jede neue Arbeit einen neuen Ansatz. „Kunst ist dafür da, Fragen zu stellen, sie muss sie nicht beantworten“, sagt er. „Je mehr Fragen ich habe, desto genauer muss ich mir überlegen, wie ich jede einzelne stelle, und gerade diese Herausforderung suche ich.“ Er sieht sich bis heute als Theatermacher, auch wenn manche ihn, spätestens seit seiner Teilnahme an der dOCUMENTA (13), als bildenden Künstler einordnen. „Theater hat viele Formen – auch wenn ich eine Installation mache, verwende ich ja immer theatrale Elemente.“ 1967 in...

In seinen Performances thematisiert der libanesische Künstler Rabih Mroué stets sein Land, seine Herkunft und seine Familie – mit großer Wirkung

Zerrissene Heimat

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Die Worte seien ihm schon wie Asche im Mund. Das sagt ein Intendant, der vor nicht mal einem Jahr enthusiastisch, zupackend, mitreißend einen schwierigen Posten antrat. Der mit Zahlen beschossen wurde. Und mit künstlerisch erfolgreichen Produktionen reagiert. Sewan Latchinian, Intendant des Volkstheaters Rostock, schreibt Gunnar Decker, „glaubte als Retter zu kommen“. Gesucht jedoch war: „ein Abwickler“. „Am 25. Februar beschloss die Rostocker Bürgerschaft mit 26 zu 21 Stimmen den Abbau...

Editorial

■ Der Gründer und Geschäftsführer des GRIPS Theaters in Berlin Volker Ludwig und der künstlerische Leiter Stefan Fischer-Fels haben sich einvernehmlich auf eine vorzeitige Beendigung der Zusammenarbeit zum 31. Juli 2016 geeinigt. Fischer-Fels ist seit der Spielzeit 2011/12 künstlerischer Leiter am GRIPS. Sein Vertrag lief ursprünglich bis zum Jahr 2018. Mit Beginn der Intendanz von Wilfried Schulz zur Spielzeit 2016/17 soll Stefan Fischer-Fels nun die künstlerische Leitung des Kinder- und Jugendtheaters des Düsseldorfer Schauspielhauses übernehmen. Der derzeitige Leiter Christof Seeger-Zurmühlen wird zum Team von Stefan Fischer-Fels gehören und mit ihm gemeinsam eine Düsseldorfer Bürgerbühne aufbauen. Am GRIPS Theater sei laut Volker Ludwig eine geeignete Nachfolge für Fischer-Fels schon in Sicht. ■ Die derzeitige Leiterin des Landestheaters Niederösterreich Bettina Hering übernimmt mit Beginn der Intendanz von Markus Hinterhäuser in der Saison 2017/18 die Leitung des Schauspiels der Salzburger Festspiele. Hering, geboren 1960 in Zürich, arbeitete mit Regisseuren wie Einar Schleef, Hans-Jürgen Syberberg und Peter Palitzsch zusammen. Seit Beginn der Spielzeit 2012/13 ist sie künstlerische Leiterin des Landestheaters Niederösterreich in St. Pölten. ■ Kathrin Mädler übernimmt mit der Spielzeit 2016/17 die Intendanz des Landestheaters Schwaben. 1976 in Osnabrück geboren, studierte Mädler Dramaturgie, Theater- und Literaturwissenschaft. Von 2005 bis 2012 war sie Schauspieldramaturgin...

Meldungen

Es gibt Bücher, in denen man sich verlaufen kann. Labyrinthe der Gelehrsamkeit, durch die sich der Leser dann hindurchtastet. Gemeint sind dicke Bücher, sehr dicke Bücher, Aufbewahranstalten für viele Wörter und noch mehr Namen, Fakten und Zahlen. Insgesamt 1520 Seiten umfasst Günther Rühles Werk „Theater in Deutschland“, und dies ist streng genommen nur ein Fragment, die Jahre von 1945 bis 1966 umfassend, aber im Fragmentarischen sehr wohl dem Anspruch auf Vollständigkeit verpflichtet. Eine akribische Sisyphusarbeit! Aber auch – und vor allem – die Liebeserklärung eines inzwischen 90-jährigen Autors an das Theater als jene Schule von Herz und Intellekt, die er durchlief und deren einzelne Stationen er hier noch einmal, den Leser daran teilhaben lassend, rekapituliert. Erinnerung ist das, was eine Gegenwart ohne Gedächtnis, die sich beharrlich scheut, in den Spiegel des Werdens und Vergehens zu blicken, so bitter nötig hat. Darum ist Rühles Werk ein Geschenk an uns, eines, an dem wir zu tragen haben werden. Ein Buch wie dieses gleicht den barocken Wunderkammern um 1700, in denen man (vor der Erfindung des Museums) all das zusammensammelte, was Schauwert hatte – hier nun von Hilpert und Brecht über Zuckmayer, Kortner, Kipphardt bis zu Besson, Zadek und Heiner Müller. Lasst dicke...

Günther Rühle: Theater in Deutschland 1945 – 1966, Fischer Verlag, Frankfurt/Main, 1519 S., 46 EUR.

Wer vieles bringt …

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Sie holt weit aus. In ihrer Eröffnungsrede zum sechstägigen Festival Offene Welt spannt die Publizistin Mely Kiyak einen weiten Bogen der Ungeheuerlichkeiten aus den Geschehnissen der jüngeren Geschichte. Über die alltäglichen Begegnungen von Opfern und Tätern im frühen Nachkriegsdeutschland spricht die politische Kolumnistin. Ernsthaft, freundlich und unaufgeregt. Berichtet vom Deutschen Herbst, von Saddam Hussein, deutschen Soldaten in Afghanistan, vom 11. September 2001, syrischen und libanesischen Flüchtlingslagern und von den Menschen vor Lampedusa: „Die Welt war nie in Ordnung und wird es niemals sein.“ Was also tun? Ein Frage, die sich der seit Januar amtierende Intendant des Theaters im Pfalzbau, Tilman Gersch, auch gestellt hat – und zwar am chronisch klammen Chemiestandort Ludwigshafen am Rhein, wo Menschen aus 140 Nationen auf höchst unterschiedlichem Niveau zwischen hochaufragenden wie längst bröckelnden 70er-Jahre-Illusionen zusammenleben. Sein Festivalneuling mit dem schönen Titel Offene Welt, das der Mann mit Wiesbadener Biennale-Erfahrung gleich zu Amtsantritt im Eilverfahren – und mit 80-prozentiger Finanzierung durch den Europäischen Fonds für regionale Entwicklung (EFRE) – gewuchtet hat, ist mit 3000 Zuschauern zahlenmäßig kein Überraschungserfolg geworden. Inhaltlich jedoch schon. Was Gersch mit den Kuratoren Jürgen Berger, Daniel Richter, Bernd Jestram und Barbara Wendland eingeladen und auf den Weg gebracht hat, ist fraglos das...

Tilman Gersch, neuer Intendant des Ludwigshafener Theaters im Pfalzbau, fragt mit dem Festival Offene Welt nach Heimat und Fremdheit

Grenzen, die über Menschen gehen

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Jetzt ist alles politisch

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Ein Stück, das sich mit Krieg auseinandersetzt, dem Krieg den Krieg erklärt, kommt nicht umhin, sich der Frage nach dem Bild vom Krieg zu stellen, einem Kriegsbild nachzuspüren als gäbe es ein Abbild des Krieges. Als Abbild wäre es nur der Schein von Krieg, ein Illusionieren des Schreckens im Licht einer Ästhetisierung von Wunden und Tod. Wenn ein Krieg wie der Erste Weltkrieg, den das Stück uncanny valley motivisch ins Bild nimmt, sich selbst einer Maschinerie von Bildern bedient, um die Schlacht auf den Feldern mit propagandistischen Bildern nochmals auszuschlachten, um dem realen Sterben ein letztes Mal die Illusion einer Begründung des Todes zur Seite zu stellen – das Epos von Helden, den Appell ans Nationale, ans Gewissen im Glauben an die Souveränität, dann ergibt sich für ein Stück die Möglichkeit, diesen Bildern auf Augenhöhe ins Gesicht zu schauen, den Bildern Bilder entgegenzusetzen. In diesem Sinne war die Illusionsmaschinerie des Ersten Weltkriegs ein kriegerisches Mittel und damit Teil eines Kriegs, der sich selbst als Krieg von Illusionen zu erkennen gibt: Was den Weltkrieg begleitete, war ein Krieg von Weltbildern und ein Bilderkrieg. <h2>Der begehbare Blick</h2> Die Inszenierung von uncanny valley basiert auf der Inszenierung von Bildern und greift dafür auf...

Ein Krieg und sein Double

Manche Begriffe geben Rätsel auf. Was etwa heißt Nihilismus? Starker Unglaube? Dafür gibt es das Wort Atheismus, das trifft es besser. Verlust aller Werte? Der ist mit den Worten Krise oder Verfall genauer beschrieben. Der russische Autor Iwan Wyrypajew aber lässt in seinem Vierpersonenstück keinen Zweifel, was es ist: „eine verfickte, überflüssige Scheiße“. Mit Plastefolie verhängt die Bühne, die auf den ersten Blick wie eine Eiswüste wirkt oder wie jener weiße Raum, der in Georg Trakls „Psalm“ mit Milch getüncht wurde. Weiß: die Farbe des Todes, der Kälte der modernen Welt, von der Iwan Wyrypajew nur als „Plastewelt“ spricht. „Unerträglich lange Umarmung“ ist ein Selbstmörderstück. Und zugleich wird hier die Abwesenheit jeglichen Sinns eines kruden Materialismus, wie er unsere Konsumwelt prägt, ausgemalt. Die Orte: New York und Berlin, zwei mittlerweile zum Verwechseln ähnliche Orte, nur dass Berlin billiger sei. Aber was ist diese urbane Welt? Wenn man die richtigen Softdrogen nehme, dann werde man vielleicht nie mitbekommen, dass „diese magische Wunderwelt eigentlich nur eine Plastetüte ist, die Gott der Herr auf den Müll geworfen hat“. Was also kommt nach der Leere, dem unausweichlichen Selbstmord des Einzelnen und ganzer Gesellschaften? Wyrypajew hat es mit der „galaktischen“ Perspektive, die nichts anderes als...

Deutsches Theater: „Unerträglich lange Umarmung“ (UA) von Iwan Wyrypajew. Regie Andrea Moses, Bühne Rebecca Ringst, Kostüme Svenja Gassen

Berlin: Nihilismus trifft Esoterik

Was folgt

Der ungarische Theater- und Filmregisseur Kornél Mundruczó setzt seinem sechsten Spielfilm, Underdog, ein Zitat von Rainer Maria Rilke voran: „Vielleicht ist alles Schreckliche im tiefsten Grunde das Hilflose, das von uns Hilfe will.“ Wie jeder gute Film, so erzählt auch dieser von dem, was wir als schillernde Oberfläche wahrnehmen, und zugleich von etwas anderem. Der Horror, der sich vor unserem Auge entfaltet, meint auch das Böse in uns selbst. Das Schlussbild mahnt jene Einkehr und Barmherzigkeit an, die unserem Alltag längst ausgetrieben scheinen. „Underdog“ ist ein Film von Menschen und Tieren. Mundruczó entwirft das Bild einer künftigen, gar nicht fernen Gesellschaft, in der bloß noch Rassehunde geduldet, Mischlinge aber mit hohen Steuern belegt, ausgesetzt, verfolgt und getötet werden. Ein verstoßenes Tier wird zum Kampfhund getrimmt, es wird mit der Peitsche gefügig gemacht, zum Hass erzogen. Irgendwann kommt es frei, sammelt andere um sich, greift die Menschen an, ein wohlorganisierter Kampftrupp. Die gedemütigte Kreatur schlägt zurück. Mit offenem Ausgang. Zwar ist der Film insgesamt ein wenig schlicht konstruiert, doch angesichts der Misere des ungarischen Kinos, das seit Viktor Orbáns Amtsantritt auf seichte Massenware setzt, scheint mir „Underdog“ als Hoffnungszeichen für eine Filmkunst, die auf politisch-moralische Diskurse nicht verzichten will, wichtig und...

Film: Die Armee der Hunde

Rechnung an Theater der Zeit

Das reizende Gartenhaus, in dem üblicherweise die Pressekonferenzen stattfinden, wird man vermissen. Auch den erhabenen Blick auf die Elbe herab in den Vorstellungspausen. Vielleicht auch den vertrauten Saal mit 350 Plätzen und seine intensivrote Bestuhlung. Der Zuschauer bemerkt selten, mit welchen Schwierigkeiten die Theatermacher hinter der Bühne zu kämpfen haben. Nur mit technischen Sondergenehmigungen konnte das tjg. theater junge generation in Dresden in den vergangenen fünf Jahren den Spielbetrieb aufrechterhalten. Ab Sommer 2016 winkt der Umzug vom Ortsteil Cotta am Dresdner Stadtrand in das zum Kulturkraftwerk umgestaltete ehemalige Kraftwerk Mitte. Es kommt also doch noch vor, dass neue Theater errichtet werden. Die Kulturstadt Dresden sonnt sich zumeist im Glanz der ehemals kurfürstlichen und nun in Landesträgerschaft befindlichen Kunstsammlungen und Theater. Nach der Wende brauchte es mehr als zwanzig Jahre, ehe sich die Stadt zu ihren ersten eigenen Kulturbauten durchrang. Ein Konzerthaus für die beiden Spitzenorchester Philharmonie und Staatskapelle kam nicht zustande. Seit 2013 aber stöhnt der Stadthaushalt unter gleich zwei kulturellen Großprojekten. Der 1969 eröffnete Kulturpalast wird umgebaut und erhält einen akustisch hochwertigen Konzertsaal, und in das lange brachliegende Stadtkraftwerk von 1895 ziehen die städtische Operette und das tjg sowie Künstler und Kreativwirtschaft ein. Beide Vorhaben kosten jeweils einen knapp...

Erfahrungen mit Theater kann man gar nicht früh genug machen – Das Dresdner Theater Junge Generation

Erstkontakt

Armin Petras, Sie und Ihr Alter Ego Fritz Kater haben nie Kinderstücke geschrieben, „kreidekreis“ ist Ihr erstes. Wie kam es dazu? Das ist eine ziemlich verrückte Geschichte. Ich war auf einer Theaterkonferenz in China, in Chongqing. Mir wurde dort gesagt, dass diese Stadt 32 Millionen Menschen hat, zusammengelegt aus drei Millionenstädten. Ich kann’s nicht ganz glauben, denn dann wäre es die größte Stadt der Welt – vielleicht müssen Sie das mal recherchieren (ist hiermit geschehen: Nimmt man die administrativen Stadtgrenzen, wäre Chongqing wirklich die größte Stadt der Welt. Die Kernstadt aber zählt nur 4,3 Millionen Menschen; Anm. des Interviewers). Ich habe dort im Fernsehen einen Bericht gesehen über aidskranke Kinder in China, die in Heime abgeschoben werden. Und das hat mich sehr berührt. Da war ich natürlich sofort beim „Kreidekreis“ von Brecht – ein ganz seltsames Stück, das ich gar nicht verstanden habe. Die Story ist trotzdem großartig. In Deutschland habe ich dann drei Übertragungen der chinesischen Ursprungsfabel gelesen, eine davon ist von Klabund. Ich bin ein großer Expressionismus-Fan – ein tolles Stück, auch die Sprache ist großartig. Und im Endeffekt ist das, was wir – Lara Kugelmann und ich – gemacht haben, auf der Basis von Klabund entstanden. Ich...

Armin Petras, Autor, Regisseur und Intendant des Staatsschauspiels Stuttgart, über sein erstes Kinderstück „kreidekreis“ im Gespräch mit Otto Paul Burkhardt

Die Welt als eine veränderbare beschreiben

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

So kann es nicht weitergehen. Aber wie sonst? Und wieso ändert sich so wenig auf der Welt, wenn doch so viele Menschen einsehen, dass es höchste Zeit dafür ist? Die (Un-)Veränderbarkeit der Welt beschäftigt wieder vermehrt deutsche Bühnen. Am Mainfranken Theater Würzburg hat Schauspieldirektor Stephan Suschke zwei Stücke in einer Doppelinszenierung zueinander in Beziehung gesetzt, die vom Scheitern revolutionärer Ideen erzählen: Auf Bertolt Brechts „Die heilige Johanna der Schlachthöfe“ folgt „Der Auftrag“ von Heiner Müller. Brecht erzählt vom Preis gesellschaftlicher Veränderung und von zwei Menschen, die in letzter Konsequenz davor zurückschrecken, ihn persönlich zu bezahlen. Da ist zum einen Pierpont Mauler, Fleischkönig von Chicago. In Momenten der Schwäche kokettiert der Großkapitalist mit dem Gedanken, die Not der Schlachthofarbeiter zu lindern. Schlussendlich aber spielt er doch das Spiel der rücksichtslosen Gewinnmaximierung weiter. Und da ist die Heilsarmistin Johanna, die sich auf die Seite der Arbeiter stellt, dann aber als Botin eines Streikaufrufs versagt: Sie unterschlägt ihn aus Angst vor Gewalt, nicht zuletzt gegen die eigene Person. Das Drama handelt vom Kampf der drei großen Ks – Kommunismus, Kapital und Kirche –, wobei Letztere eine unheilige Allianz bilden. Indem die Soldaten Gottes (bei Brecht nennen sich die Heilsarmisten die „Schwarzen Strohhüte“) die...

Mainfranken Theater: „Die heilige Johanna der Schlachthöfe“ von Bertolt Brecht und „Der Auftrag“ von Heiner Müller. Regie Stephan Suschke, Bühne Momme Röhrbein, Kostüme Angelika Rieck

Würzburg: Der Clown im Fahrstuhl

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Das Erste, was ich von Jürgen Holtz im Dunkeln höre, ist ein Husten hinter dem Vorhang. Kein Hüsteln, sondern ein kräftiges, entschlossenes Husten. Noch ein letztes Mal der Kampf mit den Bronchien, aber dann mit viel Luft in den Lungen an die Arbeit! Erste öffentliche Probe von Thomas Bernhards „Die Macht der Gewohnheit“, Regie Claus Peymann. Jürgen Holtz ist krank gewesen, aber nun ist er wieder dabei. Nur noch sechs Tage bis zur Premiere. Holtz spielt die Hauptrolle, den Zirkusdirektor Caribaldi, auf den jedoch die organisatorische Leitung seines Unternehmens wirkt, als müsste er ständig Essig trinken. So sagt sein Gesicht, oval und gefährlich lächelnd. In diesem Clown sitzt ein Diktator, der über Leichen geht, auf dem Sprung. Das Husten dauert an. Peymann in der ersten Reihe als eine Art regieführender Entertainer, der gleichzeitig das Publikum unterhält und sich über die Fortschritte der Inszenierung auf der Bühne gelegentlich erkundigt, fragt besorgt: „Alles in Ordnung, Jürgen?“ – „Ne!!!“, tönt die Stimme hinter dem Vorhang. – Peymann schweigt ratlos, ruft dann: „Licht!“ und „Vorhang!“, und nun sehen wir Jürgen Holtz (82 Jahre alt) auf dem Boden liegen, nein, kriechen. Es staubt. Stößt er irgendwo an, steigen lauter weiße Wolken auf. Ein Regieeinfall, über...

Der Schauspieler Jürgen Holtz

Zirkus der Albträume

Derman sendedir

Es braucht fast zwei Seiten, bis der Erzähler in Leif Randts neuem Roman Planet Magnon vom Wir zum Ich findet. Statt weiterhin aus der Perspektive des Kollektivs zu sprechen, sagt er endlich „ich“. „Draußen war es viel windiger, als ich im Bus angenommen hatte“, lautet der Satz, mit dem Randt den Wechsel vom Plural zum Singular inszeniert, und tatsächlich verdichtet sich darin das Thema seiner interstellaren Dystopie. Wir befinden uns im Jahr 48 n.AS. Die neue Zeitrechnung ist einer neuen Erlöserfigur geschuldet, einer „Actual-Sanity“ genannten künstlichen Intelligenz, die nichts anderes als die totale Marktforschung betreibt. Jedes Gesetz entspricht durchweg dem Willen der Bevölkerung, und das Bewusstsein darüber sorgt dafür, dass die auf mehrere Planeten verteilte Menschheit (die diesen Namen im Grunde nicht mehr verdient) weitestgehend friedlich und positiv gestimmt vor sich hin lebt, unterstützt von diversen Drogen, deren Erforschung ja von allen gewollt wird und also sinnvoll ist. Wenn da nur diese Subjekte nicht wären, die sich gegen die Ideologie des Kollektivs zu wehren beginnen: Wo Wir war, soll wieder Ich werden, und zwar im Dienste der guten alten bürgerlichen Glaubenssätze. Die Rebellen, man nennt sie „Hanks“, wollen das Individuum und dessen Liebesfähigkeit zurück; auch vor Anschlägen schrecken sie nicht...

Literatur: Wo Wir war, soll wieder Ich werden

Die Stress-Knoten auflösen

Im deutschen Theater gab es schon lange keinen Richard III. mehr, der sich ins Gedächtnis eingegraben hätte. Der letzte dieser Art war wohl Thomas Thieme als dirty rich motherfucker in Luk Percevals Adaption von Shakespeares Historienzyklus unter dem Titel „Schlachten!“ (1999) – monologisierend mit einer Flasche Rotwein, geblendet von einem Scheinwerfer einsam gegen das Publikum wütend. Die in einem modernen Verständnis solistische Struktur des Königsdramas war damit einmal freigelegt. Raffinierte List gegen Gegner, Hybris und diese anfeuernde Selbstzweifel; das alles lauert und belauert sich in einer Figur, die sich – bei Shakespeare ab und zu, bei Perceval/Thieme ununterbrochen – direkt ans Publikum wendet: dieses abstößt und zu Verständnis verführt. Mitleid und Entsetzen nicht ausgeschlossen. Lars Eidinger setzt in der Regie Thomas Ostermeiers seinen Richard III. in ein ähnlich direktes Verhältnis zum Publikum, als großteils bewundernder Zuschaupartner eines mörderischen Aufstiegs zur einsamen Macht, durchaus auch mit der Konnotation eines sich verbrennenden Bühnenstars, der Eidinger als viel diskutierter Hamlet der Ostermeier-Inszenierung von 2008 in diesem Shakespeare-Zusammenhang immer noch ist. Sein wichtigstes Requisit ist daher auch ein von oben hängendes Mikrofon mit Handlampe, mit dem Eidinger alle Ansprachen und inneren Monologe hinreißend vorführt; am Ende baumelt er daran wie an einem Galgen. Dass...

„Richard III.“ an der Schaubühne Berlin in der Regie von Thomas Ostermeier

Monolog im Echoraum

In einer kleinen Stadt, fast einem Dorf. Eine einzige Straße. Kleine, armselige Parterre-Häuschen. Kleine. Darunter eines, vielleicht das armseligste: die Schule (…) leer und verlassen. (…) Ich klebte mein Gesicht an die Fensterscheiben. Sehr, sehr lange habe ich in die dunkle und verwirrende Tiefe meiner Erinnerungen geblickt.“ (Tadeusz Kantor: „Ein Reisender – seine Texte und Manifeste“, Nürnberg 1988) Der das geschrieben hat, der große polnische Maler, Bühnenbildner, Regisseur und Kunsttheoretiker Tadeusz Kantor, sitzt mit seinem Werk in der Falle: Die Geschichte des 20. Jahrhunderts hat zugeschnappt. Entgegen dem Gefangensein im Schicksal – eine osteuropäische Lebensart, wie sie heute in Russland zutage tritt – nimmt Kantor sein Schicksal jedoch in die Hand, indem er zeitlebens an und mit seinen Erinnerungen arbeitet. Gebürtig aus einfachen Verhältnissen im multireligiösen Galizien, führt ihn sein Weg 1932 nach Krakau. Hier gründet er im Zweiten Weltkrieg ein illegales Wohnzimmertheater, das er „unabhängig“ nennt. „Armselige“, von der Zeit gezeichnete, allgemein geringgeschätzte Objekte (objets trouvés wie bei Marcel Duchamps) aus der Wirklichkeit werden zu wichtigen Akteuren seiner Inszenierungen. Von Beginn an besteht Kantors Kunst aus Realität. Da die Wirklichkeit absurd ist, kann die Kunst sich nicht anders gebärden. Historisch determiniert – um den marxistischen Jargon der Zeit...

Dem polnischen Universalgenie Tadeusz Kantor zum 100. Geburtstag – eine längst fällige Wiederentdeckung

Aus der Falle

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Spannungsgeladene Gesichter. In einer Rotunde aus knittrigen Papierwänden sitzen die Zuschauer einander gegenüber und blicken sich an. Alle sind Zaungäste in dieser familiären Manege, in der zwei Performer abwechselnd Vater, Sohn und Erzähler mimen und das Bühnenbild vor den Augen des Publikums live entstehen lassen: Norman Groteguts Silhouette steht zähneputzend am selbstgemalten Waschbecken hinter der Schattenwand, während Matthias Meyer seine mikrofonverstärkten Kaffeeeingieß-Geräusche aufzeichnet, die, in einer Schleife abgespielt, den laufenden Wasserhahn akustisch illustrieren. Kennzeichnend für pulk fiktion: Die Zuschauer können live auf der Bühne nachvollziehen, welche Theatermittel genutzt und wie aus ihnen illusionsreiche Effekte hervorgebracht werden. Bereits das junge Publikum ab fünf Jahren nimmt so Theater als Medium wahr. In Bonn miteinander im Jungen Ensemble Marabu, dem theaterpädagogischen Angebot des professionellen freien Kindertheaters Marabu, groß geworden, verschlug es die Gründerinnen Hannah Biedermann (freischaffende Regisseurin und Performerin) nach Hildesheim bzw. Eva von Schweinitz (Regisseurin und Medienkünstlerin) nach New York zum Studium. Als Kernteam formierten sie sich 2007 in Hildesheim und arbeiten seit 2012 in Köln unter dem Namen pulk fiktion, wobei der Pulk im Namen die Ansammlung von möglichst wiederkehrenden Gästen meint, die an ihren Produktionen mitwirken. pulk fiktion lässt Kinder Dinge entdecken, statt sie ihnen zu erklären. Bild- und klangreich...

Die freie Theatergruppe pulk fiktion bietet Kindern Theater auf Augenhöhe

Schau mir in die Augen, Kleines!

Europa taumelt – irgendwo zwischen Schuldenkrise, aufkeimendem Extremismus und dieser trotzigen Haltung, mit der die Privilegien an den Südgrenzen des Kontinents verteidigt werden. Was wird bloß aus dem alten Kontinent? Antworten auf diese Frage gibt das Theater Marie, das in seiner jüngsten Produktion mit fünf unverbundenen Einaktern die Zukunft Europas umspielt. Dafür hat die Schweizer Landesbühne mit Ariane Koch und Joël László zwei Autoren beauftragt, die beide unlängst den Dramenprozessor absolviert haben, also jenes Schweizer Förderprogramm, das sich seit 14 Jahren um den Nachwuchs in Sachen Bühnendramatik bemüht. Entstanden sind fünf grundverschiedene Texte, wobei das Eröffnungsstück zugleich das originellste ist. Denn für ihren kurzen Einakter war Ariane Koch shoppen: auf <a href="http://fiverr.com" target="_blank">fiverr.com</a>, einer real existierenden Internetplattform, auf der man kreative Dienstleistungen von Kulturarbeitern aus dem digitalen Nirgendwo erwerben kann. Die 1988 geborene Koch hat bestellt: ein Gedicht, einen Song und eine Rede über die Zukunft Europas. Alles wurde geliefert – und kann nun vom dreiköpfigen Schauspielensemble auf der Plattformbühne mit dem Druck auf einen Buzzer eingespielt werden. Und so hören wir, wie ein Singer-Songwriter zur schrammelnden Gitarre die Zukunft Europas im Jahr 2100 besingt: „Auch heute – nicht weniger als 1320 / sind die Überlebenden immer noch / den schwel-...

Theater Marie: „Zukunft Europa“: „www.fiverr.com“ (UA), „Enzyklopädie des Verschwindens“ (UA) und „Costa Concordia. Mare Nostrum“ (UA) von Ariane Koch, „Ich bin das Tier mit dem Fell“ (UA) und „Reykja

Aarau: Die Zukunft eines taumelnden Kontinents

Performatives Theater, Stückentwicklungen, Roman- und Filmbearbeitungen – alles, was in den vergangenen Jahren im Abendspielplan erst als Modetrend und dann als nachhaltige Entwicklung beschrieben wurde, gibt es auch im Kinder- und Jugendtheater. Oder es war schon vorher da. In vielen Bereichen – wie bei der Zusammenarbeit mit internationalen Theatermachern – waren die Jugendbühnen die Vorreiter. Nur entsprechend wahrgenommen wurden und werden sie nicht, weil immer noch bei vielen Regisseuren, Intendanten, Dramaturgen und Kritikern das Vorurteil herrscht, dass Kinder- und Jugendtheater künstlerisch nur in Ausnahmefällen ernst genommen werden muss. Wenn überhaupt. Natürlich ist das purer Unfug, aber Vorurteile halten sich hartnäckig. Wenn es darum geht, möglichst große Teile der Bevölkerung anzusprechen, neue Formen zu entwickeln und nah dran zu sein an der Wirklichkeit, erfüllen die Kinder- und Jugendtheater diese Aufgaben sogar besser als manche städtische „Erwachsenentheater“-Bühne. Den pädagogischen Zeigefinger und die harmlose Kinderbespaßung gibt es – bis auf immer weniger werdende Ausrutscher – vor allem in kommerziellen Produktionen. Und auch dort werden solche Aufführungen seltener. Den stilprägenden Überraschungshit „Verrücktes Blut“ zum Beispiel hat nun auch das Euro-Studio Landgraf – das führende private Tourneetheater – durch die Kleinstädte geschickt. In einer Inszenierung, die sich stark an die vom Ballhaus Ost in Berlin...

Das Kinder- und Jugendtheater hat keine Scheu vor neuen Formen und radikalen Themen – und kämpft trotzdem immer noch mit Vorurteilen

Liebe, Lust und Einsamkeit

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

vorbemerkung 1 tanz/text die idee der „geschriebenen choreografie“ spielt mit der aufgabe und seiner lösungsstrategie. wir suchen nach möglichkeiten tanzsprache zu initiieren. die darsteller lösen die aufgaben vor dem hintergrund ihrer eigenen geschichte und herkunft. dabei gibt der regisseur/choreograf hilfestellung. der aufgabenkatalog sollte für alle teilnehmer verbindlich sein, damit wir im finalen spiel die unterschiedlichen lösungsstrategien beobachten können. dabei verfolgen die aufgaben das ziel kontakt und begegnung zu stiften und gleichsam zu hinterfragen. soziale und kulturelle aufgaben funktionieren als ein thermometer unserer gesellschaft und seinem potenzial an liebe/heimat für das kind und das kindliche in uns. in begegnungen aus tanz/bewegung und text/darstellung soll sich das, was diese kinder bewegt, darstellen. die performer inszenieren sich/ihre lebenswirklichkeit und phantasien in den aufgaben des „schreibstücks“. kinder werden also direkt eingebunden in szenische lösungen des kreidekreises. das bedeutet, dass sie direkt mit dem text/tanz in berührung kommen und ihn in ihrer lesart und umgebung gestalten. 2 setting/fabel der „kreidekreis“ spielt in einem kinderkrankenhaus. es geht um kranke kinder als zuschauer/mit-spieler, die das werden der welt und der krankheit am fall (hier im wörtlichen sinne) der mutter eines kranken jungens erzählen. der spieler des jungen führt in verschiedene andere rollen, steigend durch einen entscheidenden teil...

erzählt nach einer übertragung aus dem alt-chinesischen von klabund

kreidekreis

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Definiert man die Sprache als Medium, die Kommunikation ermöglicht, also als Übermittlung von Informationen, und die Stimme als Träger dieser Vermittlung und betrachtet man das Verhältnis von Stimme, Sprache und dem erzeugenden Körper, so begegnet man dem Ausdruck der Akusmatik der Stimme. Mladen Dolar schreibt in seinem Buch His Master’s Voice dazu: »Die akusmatische Stimme ist einfach eine Stimme, deren Ursprung man nicht sehen kann, eine Stimme, deren Herkunft nicht auszumachen ist, eine Stimme, die sich nicht verorten lässt. Es ist eine Stimme auf der Suche nach einer Herkunft, auf der Suche nach einem Körper, doch selbst wenn sie ihren Körper findet, stellt sich heraus, dass die Verbindung nicht wirklich funktioniert, die Stimme bleibt nicht beim Körper, sie ist ein Auswuchs, der nicht zum Körper passt.« Und später: »Wollen wir auf die Schnelle ein Beispiel, das trotzdem eindringlich ist, müssen wir nur an Hitchcocks Film Psycho denken, der sich gänzlich um die Frage dreht: ›Woher kommt die Stimme der Mutter? Welchem Körper ist sie zuzuordnen?‹ Man sieht hier sofort, dass die Stimme ohne Körper von Natur aus unheimlich ist und dass der Körper, dem sie zugeschrieben wird, ihren gespenstischen Eindruck nicht zerstreut.« Die Sehnsucht vieler Menschen vor dem Ersten Weltkrieg,...

Anmerkungen zur Musik von uncanny valley

Endlich eine richtig gute Wende

Frau Staerk, Herr Fischer-Fels, Herr Wuschek, wenn Sie auf die vergangenen Jahre schauen: Haben sich im Kinder- und Jugendtheater stärker die Ästhetiken gewandelt? Oder doch eher die Themen? Kay Wuschek: Die Arbeitsweisen und der Umgang mit Stoffen waren immer vielfältig. Über manche Diskussionen im Erwachsenentheater können wir nur lachen. Wenn Kritiker zum Beispiel staunen: Plötzlich werden Romane auf die Bühne gebracht! „Pinocchio“ ist auch ein Roman, „Die Schneekönigin“ eine Erzählung. Hat da nie jemand über den Tellerrand geguckt? Oder zu uns? Ästhetisch müssen wir uns natürlich fragen, wie das Theater der Zukunft aussehen soll. Weil wir ja angeblich das Publikum der Zukunft haben. Obwohl es eher das der Gegenwart ist. Stefan Fischer-Fels: Kay war mit der Parkaue ja Pionier, er hat als Erster sehr mutig diese postdramatischen und performativen Formen eingebracht. Das hat die gesamte Kinder- und Jugendtheaterlandschaft verändert. Das Tolle ist, dass ein gut ausgestattetes Haus das experimentierfreudigste ist. Ein kleines Haus kann sich möglicherweise genau das nicht leisten. Jutta Maria Staerk: Das ist genau der Punkt. Wenn ich Projekte wie „Taksi to Istanbul“ mache, „Methode Baklava“ und vielleicht noch ein entwickeltes Recherchestück, brauche ich daneben ein paar stabile Stützen im Spielplan. Fischer-Fels: Das ist für euch wahrscheinlich auch...

Haltungen zu formulieren fällt immer schwerer – Gespräch

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Zum Tod des italienischen Regisseurs und Theaterleiters Luca Ronconi

Ronconi furioso

„Is my future all in the past“

Jan Pappelbaum, nach „Ein Sommernachtstraum“, „Hamlet“, „Othello“ und „Maß für Maß“ haben Sie kürzlich die Bühne für die fünfte Shakespeare-Produktion von Thomas Ostermeier ausgestattet. Aber erst „Richard III.“ spielt in einem richtigen Globe Theatre. Warum erst jetzt? Den halbrunden, kleinen Saal als Shakespeare-Arena, als ein Globe einrichten, das wollten wir schon lange. Der Grundraum dafür ist in der Form der Apsis in der Theaterarchitektur angelegt. Als die Schaubühne Anfang der Achtziger gebaut wurde, gab es die Idee, hier alle Raumformen der Theatergeschichte einrichten zu können. Und nichts anderes haben wir dann auch gemacht. Diese Art von Theater, bei der es eine so große Nähe zwischen Spielern und Publikum gibt, ist ein alter Traum von uns. Die Unmittelbarkeit der Kommunikation mit dem Publikum spielt bei „Richard III.“ eine weit größere Rolle als in den anderen Shakespeare-Stücken. Insofern war auch die Besetzung der Hauptrolle mit Lars Eidinger nicht unwichtig für unseren Entwurf, weil er einfach ein großer Meister der Interaktion ist. Von allen Bühnen, die ich für Ostermeiers Shakespeare-Block gebaut habe, ist das Globe eine mit der größten Referenz zum Original. Die Bühne und der Zuschauerraum bilden einen Einheitsraum. Durch das direkte Gespräch der Hauptfigur mit dem Publikum befindet es sich mit...

Die Bühnenräume von Jan Pappelbaum versetzen Shakespeares Stücke in einen schwebenden Zustand – jetzt das Globe Theatre für „Richard III.“ an der Berliner Schaubühne. Ein Gespräch

Der Griff in die Zeitlosigkeit

Jedes Frühjahr wird das Donaustädtchen Krems zur Anlaufstelle experimenteller Musiker, Filmkünstler und Theaterschaffender. Internationale Grenzgänger geben sich auf dem Donaufestival die Klinke in die Hand, wenn zwei Wochenenden lang vom Kirchenraum bis zur örtlichen Stadthalle alles unter dem Zeichen neuer, intermedialer Klang- und Bildwelten steht. Nach Vorjahresthemen wie „Krise“ und „Zusammenbruch“ klingt das diesjährige Festivalmotto – „Rebuilding The World“ – fast schon optimistisch. Die Musikschiene steht folglich unter dem Zeichen, alte Strukturen aufzubrechen und in den Zwischenbereichen nach neuen Grundlagen zu forschen. Dafür reisen einige Veteranen musikalischen Eigensinns nach Niederösterreich: Neben den britischen Abstract-Techno-Pionieren Autechre zählen Kanadas Postrocker Godspeed You! Black Emperor zu den Zugpferden des Programms. Das Instrumentalrock-Kollektiv aus Montreal hat mit seinem Spiel um extreme Dynamikpole, ausgedehnte Klangströme um E-Gitarren, Streicher und Agitprop-Textschnipsel viele Filmemacher und Theaterleute inspiriert. In Krems stellt die Großtruppe ihr sechstes Album „Asunder, Sweet and Other Distress“ vor, das das Weltgefühl des „Entzweiseins“ schon im Namen trägt. Wo in den langen Stücken der Kanadier unterschwellige Beunruhigung brodelt, die sich in heftigen Noise-Phasen entlädt, repräsentiert der Berliner Nils Frahm das leise Ende des Spektrums. In seinen Minimal-Klavierkompositionen wird das präparierte Instrument und seine Nahumgebung zur Welt für sich: Filz, Tasten und Hammermechanik bilden in ihrer...

Musik: Die Stille nach dem Aufruhr

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Ein aufgeschlossenes, gebildetes, meist liberales Publikum beklatscht die eigenen Sichtweisen: So findet Theater im deutschsprachigen Raum oft statt. Krzysztof Minkowski verlangt der Bühnenkunst aber mehr Irritationskraft ab. Es geht ihm darum, Blickverschiebungen zu ermöglichen, andere Perspektiven als die eingewöhnten aufzutun. Der deutschpolnische Regisseur mit Wohnsitz in Berlin sucht deshalb in den Texten nach jenen gesellschaftlich relevanten Thesen, die nicht unbedingt konsensfähig sind. „Ich finde es spannender, mit rechtskonservativen Thesen zu arbeiten und so die Zuschauer herauszufordern“, sagt Minkowski. „Das Publikum in Deutschland ist ja eher links eingestellt, dabei aber sehr konservativ. In Polen ist das übrigens anders; da kann man mit linken Thesen noch irritieren.“ Bei seiner Inszenierung von „Richard III.“ im Januar in Konstanz hat Minkowski solche Irritationen erzeugt, indem er für das brutale Schlachten der Gegner „geworben“ hat, im Sinne von „Ja, ja, er hat schon recht, da gehören welche weg“. Bei „Hamlet“ am Nationaltheater Mannheim im Vorjahr fragte Minkowski nach der mangelnden Anpassungsfähigkeit des Dänenprinzen, nach dessen unkontrolliertem Fanatismus und wie die Gesellschaft mit diesem Störenfried umgehen sollte. Ironie und Humor sind ihm dabei immer wichtig. Der 34-jährige, in Stettin geborene und nach dem Abitur nach Deutschland übergesiedelte Theatermacher, der auch etliche Gefängnistheaterarbeiten inszeniert hat, ergreift für...

Der deutsch-polnische Regisseur Krzysztof Minkowski provoziert mit nicht gerade konsensfähigen Thesen

Die konservative Linke

„Szenische Forschung“ heißt der Masterstudiengang, der am theaterwissenschaftlichen Institut der Ruhr-Universität Bochum seit dem Sommersemester 2012 angeboten wird: ein Studiengang, der – so ist es auf der Website des Instituts zu lesen – auf das Bedürfnis antworten möchte, sich mit den szenischen Künsten nicht nur theoretisch beschreibend, sondern auch „in einer anderen, selbst szenischen forschenden Weise auseinanderzusetzen“. Neuen Ästhetiken und Produktionsweisen sowie den Wandlungen im Verhältnis szenischer Kunst zum Sozialen, Politischen und Urbanen gilt dabei die besondere Aufmerksamkeit; die Bochumer Masterstudenten werden „angeleitet durch Künstlerinnen und Künstler sowie Praktikerinnen und Praktiker aus den Bereichen Dramaturgie, Produktion, Technik und Kunstvermittlung“. Entsprechend haben in den vergangenen Jahren bereits Hans-Werner Kroesinger, She She Pop und Claudia Bosse mit den Studierenden gearbeitet, während Orte wie das Bochumer Schauspielhaus, PACT Zollverein, der Mülheimer Ringlokschuppen oder das FFT Düsseldorf als beständige infrastrukturelle Partner fungieren. Doch nun hat der junge Studiengang, der von Sven Lindholm geleitet wird – seinerseits seit über 15 Jahren im Duo Hofmann &amp; Lindholm künstlerisch aktiv –, einen wichtigen Zugewinn bekommen. Zum kommenden Sommersemester nämlich wird in Bochum eine jeweils einjährige Gastprofessur eingerichtet, die nicht nur von der Kunststiftung NRW gefördert wird, sondern von den Verantwortlichen auch auf einen gleichermaßen verheißungsvollen wie herausfordernden...

Die neue Christoph-Schlingensief-Gastprofessur holt Theatermacher für szenische Forschungsprojekte an die Ruhr-Universität Bochum

Hausbesuch Praxis

Das Darmstädter Spielzeitheft erinnert in seiner schlichten Art an die Mao-Bibel: klein und ritzerot. Darauf prangt in schwarzen Lettern: DAS THEATER. Als gäbe es kein anderes. Eine Kulturrevolution findet dort, so viel sei vorab verraten, dennoch nicht statt, wenngleich sich das Staatstheater Darmstadt unter seinem neuen Intendanten Karsten Wiegand von anderen abzusetzen versteht. Das beginnt mit der schönen Sitte, formschöne Spinde für die Garderoben der Besucher aufzustellen; den investierten Euro erhält man selbstverständlich zurück. Auch die Programmhefte sind ab dieser Spielzeit für die Zuschauer umsonst und obendrein trotz der wenigen Seiten ziemlich aussagestark. Darüber hinaus finden sich auf den Eintrittskarten prägnante Zusammenfassungen der Stücke, die sich im Saal noch flugs lesen lassen. Das mögen Petitessen im Theaterbetrieb sein, doch zur Atmosphäre und zum Charme eines Hauses tragen sie in nicht geringem Maße bei. Das gilt auch für Brezeln, die nur einen Euro kosten. Dabei hat der neue Intendant Karsten Wiegand, der sich bei öffentlichen Auftritten stets ebenso unaufdringlich wie smart in Szene setzt, insbesondere mit seinem Schauspielensemble schon vor Spielzeitbeginn für Schlagzeilen gesorgt, vor allem mit der Verpflichtung von Samuel Koch, der seit seinem Unfall bei „Wetten, dass ..?“ 2010 querschnittsgelähmt ist. Da war überregionales Interesse programmiert, doch wer das...

Das Staatstheater Darmstadt hat mit Karsten Wiegand einen neuen Intendanten – und ein ganz besonderes Ensemble

Mit Schiedsrichter

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Schon wahr, irgendwie. „Du glaubst doch nicht, dass die jetzt Momente erhebender Intensität hätten, angefüllt mit Erkenntnis und Ekstase“, lästert Ines und meint – die Zuschauer. „Schau sie dir an. Das hier ist doch das Beste, was die aus ihrem Abend machen können.“ Sonst würden sie doch eh nur tun, was sie immer tun. Essen, shoppen, fernsehen, über die Arbeit klagen. Dann doch lieber Theater. Ines ist die Freundin von Richard, den sie einen „Sinnhaftigkeits-Blockwart“ nennt. Im Angesicht seines nahenden Endes will der einstige Underground-Filmer, dass nur noch „Großes“ passiert, keine Zeit mehr vergeudet wird. Nicht seine, nicht die des Publikums. Doch das ist ein hoffnungsloser Kampf. Das Leben funktioniert so nicht. „Die Kunst der Selbstabschaffung“ hat Rebekka Kricheldorf ihr jüngstes Opus getauft. Es ist bereits ihre fünfte Auftragsarbeit für das Staatstheater Kassel. Und es geht um nicht weniger als: das Leben. Um das erbarmungslose Weiterticken der Uhr, langsam in der Jugend, rasend schnell im Alter. Um den Tod und was bis dahin geschieht. Oder eher: was leider nicht geschieht. Denn letztlich läuft das Leben mit tödlicher Präzision genau darauf hinaus: sich abzuschaffen. Oder abgeschafft zu werden. Die Kunst ist, trotzdem zu leben. Richard (gespielt von dem unglaublich präsenten Jürgen...

Staatstheater Kassel: „Die Kunst der Selbstabschaffung“ (UA) von Rebekka Kricheldorf. Regie Schirin Khodadadian, Ausstattung Ulrike Obermüller

Kassel: Das Leben muss weiter-, weiter-, weitergehen

Blick in die Zaubermaschine

uncanny valley

Partitur der Geräusche

Herr Simons, haben Sie schon angefangen, von München Abschied zu nehmen? Es ist ein Übergang. Ich arbeite jeweils zeitbegrenzt in München und bei der Ruhrtriennale, auch in München haben wir noch viel vor. Ich arbeite also richtig hart. Von der Maximilianstraße nach Gelsenkirchen, das muss ein Kulturschock sein. O ja. Von meiner Heimat bei Arnheim ist der Abstand nicht so riesig, aber zwischen München und dem Ruhrgebiet ist er richtig groß! Von der Stadt der Milliardäre hierhin! Ich werde nicht behaupten, dass es hier keine Millionäre gibt. Aber München, das bedeutet: Geld, Geld, Geld. Wenn man als Tourist nach München kommt, landet man bald auf der Maximilianstraße, zu Recht, denn Kammerspiele, Residenztheater, Oper bilden das Zentrum der Stadt. Nicht das Rathaus. Wenn man dann länger in der Stadt ist, lernt man auch andere Viertel kennen, auch ärmere. Im Ruhrgebiet muss man die nicht erst suchen. Und das ist das, was mich wirklich zieht. Ihr Spielplan für die Ruhrtriennale hat eine überraschend spirituelle Note. Sie wollen sich mit Schöpfungsmythen befassen. Wenn man einen Zyklus von drei Jahren hat, mit vielen unterschiedlichen Gattungen, muss man versuchen, eine Verbindung zu finden. Es hat viel mit Dante zu tun, mit der „Göttlichen Komödie“. Natürlich...

Was macht das Theater, Johan Simons?

Unter Beobachtung

TdZ on Tour in Berlin

Margot war eine starke Frau. Jetzt ist sie nur noch ein Video – aber was für eins! Denn Margot hatte beschlossen, im Mai 2014 mithilfe einer Schweizer Sterbehilfeorganisation Abschied zu nehmen, sich dabei von einer Kamera aufnehmen zu lassen und dieses Video für eine Theaterproduktion zur Verfügung zu stellen. Das ist es, was wir im neuen Stück des Kollektivs Markus&amp;Markus zu sehen bekommen – und was uns umhaut. Der Umhaueffekt entsteht aber gerade nicht aus dem dokumentierten Fakt, dass eine 81-jährige Frau sich für den Freitod entschieden hat. Und auch nicht daraus, dass wir Zuschauer dabei zusehen können, wie sie am Ende auf einem Krankenbett liegend die todbringende Infusion öffnet. Vielmehr haut einen um, dass Margot ihre letzten Wochen ausgerechnet mit einem Kollektiv wie Markus&amp;Markus verbrachte, das seit vier Jahren für pennälerhafte Penetranz und radikale Perfektionslosigkeit steht. Aber Margot hat es durchgezogen – zusammen mit Markus&amp;Markus. „Sehr hart“ sei das gewesen, sagt die Video-Margot und meint damit den Abschied vom Leben. Aber auch sehr schön. Und das hatte eben sehr viel mit Markus&amp;Markus zu tun, „die mir drei Wochen lang sehr schöne Tage beschert haben“, wie Margot im Video erklärt. Das können wir glauben. Denn im Video sehen wir eine...

Theaterhaus Gessnerallee: „Gespenster“ nach Henrik Ibsen. Regie Markus&Markus

Zürich: Sterben in surrealer Schönheit

Obschon das Junge Ensemble Stuttgart (JES) als eines der jüngsten Kommunaltheater in der Bundesrepublik erst im Mai 2004 nach zwei Jahren Vorbereitung seinen Spielbetrieb aufnahm, hat es sich überraschend schnell innerhalb der Szene profilieren können. Ein Grund hierfür war, dass die Gründungsintendantin Brigitte Dethier, die bis heute das JES leitet, viele Erfahrungen aus dem Kinder- und Jugendtheaterbereich mit einbringen konnte. Zusammen mit ihrem Team entwickelte sie für Stuttgart ein sich gegenseitig ergänzendes und durchlässiges Dreisäulenmodell, das das professionelle Theaterangebot mit theaterpädagogischen Projekten verbindet und international vernetzt. Welche hohe Bedeutung die Theaterpädagogik hat, die nicht nur Kinder und Jugendliche zum Spielen bringt, sondern ebenso das Theater der Generationen wie auch Seniorentheater etabliert, verdeutlichen Zahlen aus der Spielzeit 2013/14: Von den 462 Vorstellungen, die es in dieser Jubiläumsspielzeit gab, waren 50 Spielclub-Vorstellungen, die fest im Spielplan verankert waren. In diesen Produktionen vermittelt sich ein hoher künstlerischer Anspruch. Auch soziale Projekte, wie die Arbeit mit jungen Menschen mit migrantischem Hintergrund, werden durch ästhetische Formungsprozesse bestimmt, wenn sie sich auch dabei der Mittel einer performativen Theaterpädagogik bedienen. Die fünfköpfige Abteilung, eine der größten in der Bundesrepublik, bietet darüber hinaus viele Workshops für junge Menschen und Lehrer an, ebenso Ferienkurse und selbstverständlich Vor- und Nachbereitungen...

Mit theaterpädagogischem Engagement macht das Junge Ensemble Stuttgart Theater für alle Generationen

Freispiele

Theater und Dioramen sind bis ins Detail inszenierte künstliche Realitäten, deren Verwendungszweck darin besteht, Hintergrund, Kulisse oder ›Display‹ für ebenso künstlich inszenierte Exponate, Handlungen oder Bilddramaturgien zu sein. In uncanny valley besteht eine Beziehung oder Durchdringung mehrerer gleichzeitig neben- und miteinander existierender Wirklichkeiten, die das Reale und Modellhafte, das Vorläufige und Endgültige, das Tote und Lebendige zu verbinden sucht. Die durch das Diorama vermittelte Welt ist eine andere als die, welche sie umgibt. Aber beide Wirklichkeiten sind – tautologisch gesprochen – real, also im Hier und Jetzt. Obwohl die Dioramen in ihrer physischen Existenz real sind, so ist es doch offensichtlich, dass es sich bei den erzeugten Bildern nicht um ›die Realität‹, sondern um vermittelte Repräsentationen von Realität handelt. Auf dieser Ebene scheint mir das Diorama eine machbare Form zu sein, den Ersten Weltkrieg auf die Bühne zu stellen, nämlich als vermittelte Repräsentationen von Realität. Die Bühne ist nicht mehr nur Ort der Präsentation, sondern durch die Bilder in den Dioramen auch Repräsentation einer anderen Wirklichkeit als der eben stattfindenden. Möglicherweise fällt das Tote dadurch besonders stark auf, dass es von den Repräsentationen des Lebens und der Natur ausgeht. Im Diorama soll das Eingebunden-Sein der Soldaten im Krieg in ihrem...

Jürgen Holtz

Assoziationen

Theater

Berliner Ensemble

He, Geist! Wo geht die Reise hin?

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