Keine Übertreibung: Mit dem am 16. Dezember 2016 eingeweihten Kraftwerk Mitte im Dresdener Stadtzentrum wurde ein Theaterbau eröffnet, der in Deutschland neue Maßstäbe setzt. Allein dass die nur zweieinhalbjährige Bauzeit für den vom Architekten Jörg Friedrich entworfenen Um- und Anbau des 1994 stillgelegten Kohlekraftwerks aus der Gründerzeit exakt eingehalten und das geplante Budget von 100 Millionen Euro nicht überzogen wurde, ist ja heutzutage bei solchen Projekten schon ein Wunder. Geradezu fantastisch ist das Ergebnis: Vier Theatersäle und insgesamt acht funktionsbezogene Probebühnen sind auf 35 000 Quadratmetern Grundfläche entstanden, mit bester Technik auf dem neuesten Stand und drei großzügigen Bühnentürmen. Während ein Großteil der Pressewelt auf die Hamburger Elbphilharmonie fixiert blieb, war ein paar Hundert Kilometer flussaufwärts ein zweites Prunkstück neuer Kulturbaukunst zu bewundern. Das Kraftwerk Mitte führt die Sächsische Staatsoperette und das Theater der Jungen Generation zusammen. Die beiden besonders bei den Dresdnern sehr beliebten Theater, beides (Neu)Gründungen nach dem Zweiten Weltkrieg, waren bislang am Stadtrand zu Hause, vor allem wegen der enormen Kriegsschäden im Stadtzentrum. Die Operette spielte in einem Gasthaus in Leuben, das Kinder- und Jugendtheater in einem Dauerprovisorium in Cotta, das Puppentheater in dem berühmten Rundkino in der Innenstadt. Jetzt befinden sie sich in der Nachbarschaft von...

In Dresden wurde mit dem Kraftwerk Mitte ein einzigartiger Spielstättenkomplex eröffnet

Einheizen

Der Regisseur Jan Philipp Gloger arbeitet ab der Spielzeit 2018/19 als Schauspieldirektor am Staatstheater Nürnberg. Die Diskussion um die Kammerspiele im rund 150 Kilometer entfernten München verfolgt er mit Interesse – aber auch Skepsis. Die Frontenbildung zwischen Schauspielertheater und Performance sei für ihn nicht relevant, sagt er. Er selbst hat u.a. Angewandte Theaterwissenschaft in Gießen studiert, assistierte bei Rimini Protokoll, arbeitete bei Dieter Dorn am Bayerischen Staatsschauspiel, inszenierte in Bayreuth...

Warum die Diskussion „Schauspielertheater versus Performance“ falsche Fronten schafft

Experten für Spiel und Wirklichkeit

Bühnenräume

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Premieren Februar 2017

Herr Hess, wie fühlt es sich an, an den Münchner Kummer-oder wahlweise Jammerspielen engagiert zu sein? Walter Hess: Als Schauspieler hat man immer Phasen, in denen man Anerkennung an einem Theater spürt, und solche, in denen das weniger der Fall ist. Und in diesem Sinne kann ich nur sagen, dass ich mich hier gerade sehr wohl fühle, denn ich bin in diese Spielzeit mit „Der Fall Meursault“ gestartet. Das war eine sehr schöne Produktion, hinter der ich stehe. In diesem Sinne geht es mir wunderbar. Das eine ist der Kummer einiger Zuschauer und Kritiker. Das andere ist der angebliche Jammer im Ensemble. Sie haben gesagt, wie es Ihnen persönlich geht. Aber allgemein, so war verschiedentlich zu lesen, sei die Stimmung im Ensemble schlecht. Was ist da dran? Hess: Ich spüre einen enormen Zusammenhalt. Wir sind ein Ensemble und unterscheiden nicht zwischen Performern und Schauspielern. Wir gehören zusammen. Und wenn sich Matthias Lilienthal mal eben die Ohren zuhält, sagen Sie das dann auch noch so …? Matthias Lilienthal: Ich kann gerne kurz rausgehen. Hess: Ich kann nicht in jeden einzelnen Kollegen hineinschauen. Dass jeder natürlich eine eigene Vorstellung von Theater hat, die sich nicht immer komplett mit dem Kurs...

Matthias Lilienthal, Intendant der Münchner Kammerspiele, und der Kammerspiele- Schauspieler Walter Hess über die Unterschiede von Schauspiel und Performance im Gespräch mit Christoph Leibold

Wir machen nur Schauspielertheater!

erster Teil 1 Nach Hause jetzt Betrunken Schwankend Nachts. Mein August Den schmalen Weg entlang. Den Hang hinauf Am Rand das Haus Geduckt Kein Ton im Tal. Der Fluss Im Rücken nicht zu hören von hier oben. Und Der Berg Der diesen Ort umschlingt Liegt schwer Dort irgendwo. Ein schwarzes Nichts Viel Bier, mein lieber August Und viel Schnaps Der Wirt gibts raus. Auf dass es Tote regnet Die Harte Hannah sagt Dass man oft sterben muss. Wenn man hier lebt Die Wolken hängen tief. Denkt August noch Die drücken dir den Kopp. Und liegen auf dem Schädeldach Dass man Das Reißen kriegt Komm, August, komm Sagt August zu sich selbst Ein Stückchen noch Noch einmal links. Den Trampelpfad Das Haus steckt stumm zwischen den anderen Im ersten Stock Dort, wo das Zimmer ist. Mit Bett und Schrank und Tisch Wo August lebt, seit August lebt Steht August jetzt Und glotzt Und irgendwo im Ort Lässt einer einen Furz Vielleicht Im Schlaf Ist schon nach drei Die Mutter schläft. Und grunzt vertrocknet vor sich hin Die weckt kein Schrei. Die Alte. Nie Und auch ein August nicht. Der flucht. Im Zimmer Und sich stößt am Tisch. Am Stuhl. Und lacht...

kein Land. August

Thomas Freyer, Ihr Ende Januar uraufgeführtes Stück heißt „kein Land. August“. Der Protagonist, August, zieht durch eine Welt, die ihrerseits durchzogen ist von Gewalt. Die Mutter erzählt vom Ende eines vergangenen Krieges, doch auch in der Zeit des Stückes scheint die Landschaft zum militärischen oder paramilitärischen Gebiet geworden zu sein, niemand weiß, welche Armeen, wenn es überhaupt erkennbare sind, hier operieren. Dazu kommen verslumte Megacitys und sklavenähnliche Arbeitsverhältnisse, ein Zerfall von Staatlichkeit. Kann man Ihr Stück als das Porträt einer Gesellschaft im Zustand des Weltbürgerkriegs, der Welt als Kampfplatz eines selbstzerstörerischen kapitalistischen Gesellschaftssystems verstehen? Es ist vielleicht ein Versuch, über eine Welt zu schreiben, in der es keine sicheren Orte mehr gibt. Eine Welt, in der die klaren Konturen verschwinden. Es gibt keine Kriege mehr, die zwei oder mehrere Staaten gegeneinander führen. Es gibt nicht mehr die, die flüchten müssen und die, denen es gut geht. Es ist eine undeutliche Welt, in der es nicht mehr darauf ankommt, welche Armee die militärische Macht über ein bestimmtes Gebiet hat. Es ist aber nicht nur der Zusammenbruch der westlichen, also kapitalistischen Welt. Vielleicht geht es um den Verfall eines Ordnungsprinzips, ohne das es schwer ist, diese Welt zu verstehen. Einige dieser Auflösungsprozesse...

Der Dramatiker Thomas Freyer über sein Stück „kein Land. August“ im Gespräch mit Jakob Hayner

„Über eine Welt schreiben, in der es keine sicheren Orte mehr gibt“

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

„So sieht also Weltgeschichte in der Nähe aus; man sieht nichts“ – diesen schönen Satz liest man in einem Essay mit dem Titel „Das hilflose Europa“. Der Essay wurde 1922 publiziert, sein Autor hieß Robert Musil, und das hilflose Europa war eines, das gerade durch den Ersten Weltkrieg gegangen war. Aber der Befund könnte auch dieser Tage niedergeschrieben worden sein. Denn falls wir uns zurzeit in der Nähe von so etwas wie Weltgeschichte befinden sollten – und es spricht ja einiges dafür –, so bleibt doch alles seltsam diffus. Wieder einmal ist Europa hilflos, und trotz oder vermutlich gerade wegen all der Bilder, die weiterhelfen sollen, ist man von Schemen umgeben. In der Nähe sieht man nichts. Das heißt ja vermutlich, dass man zu stark mittendrin, zu sehr ins Gewimmel getaucht ist, als dass man jene klaren Konturen und Verläufe ausmachen könnte, für die es der Abstandnahme und der Position des Gegenübers bedürfte. Aber: Ist es wirklich nichts, dieses Nichts, das man in der Nähe sieht? Kann man nicht auch sagen, dass hier nicht nichts, sondern anderes zu sehen ist? Musils Essay trägt immerhin den Untertitel „Reise vom Hundertsten ins Tausendste“ und das könnte in der Tat ein Hinweis auf...

Oder: Wie sieht man im Getümmel?

kirsch kontexte: Vom Hundertsten ins Tausendste reisen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

Münchner Kammerspiele: Klamauk und Katastrophe

Berliner Ensemble: Umsturzphantasien mit KI

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Meldungen

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Nkenguégi nennt sich eine stachelig rankende Pflanze, die als Schutz vor wilden Tieren um Gehege gesetzt wird. Doch auch das derart geschützte Vieh darf der Pflanze nicht zu nahe kommen. Ein Hortus conclusus: Paradies und Gefängnis zugleich. Der kongolesische Autor, Regisseur und Schauspieler Dieudonné Niangouna benennt die neueste, in Lausanne uraufgeführte Performance seiner Compagnie Les Bruits de la Rue nach eben dieser (un)heilvollen Pflanze. „Nkenguégi“ erweist sich dabei als ein ausufernder Abend über die Schutzräume unserer Gegenwart. Ein Erzählstrang darin rankt sich um Théodore Géricaults Gemälde „Floß der Medusa“, das eine Schiffskatastrophe der französischen Kolonialgeschichte aufgreift, die der Abend mit heutigen Meerestragödien und Überlebensstrategien kurzschließt. Ein anderer Erzählstrang führt zu einer schrägen Mottoparty („Verkleidung und Reflexion“) nach Paris. Dabei scannt Niangouna die Oberflächen des gehobenen Lebensstandards und weckt zugleich Erinnerungen an die Schutzinsel Arche Noah, indem er die Partygäste mit ansehnlichen Tiermasken ausstattet, die wiederum zahllose Querverweise mehr ermöglichen, auf Wildheit kontra Zivilisation etwa oder Möglichkeiten der Camouflage. Wir befinden uns in der Vorzukunft der Post-Apokalypse, wie es einmal heißt. Dazwischen tritt Niangouna immer mal wieder selbst in der Rolle des übereifrigen Regisseurs in Erscheinung, entert die Spielfläche, weist seine Akteure schreiend zurecht, feuert und treibt sie an. In seiner...

Frausein, Schwarzsein, Anderssein – Das Festival der afropäischen Künste am Frankfurter Mousonturm dekonstruiert Rollenbilder

Vive la Différence

Warum Theater,

Von Greifswald, Stralsund oder gar Putbus ist es eine lange Reise nach Neustrelitz oder Neubrandenburg. 170 Kilometer, das sind mehr als zwei Stunden Fahrt – pro Strecke. Die fünf Orte verbindet nicht viel, außer der Tatsache, dass sie im Osten Mecklenburg-Vorpommerns liegen. Das aber soll genügen für ein hierzulande noch nicht da gewesenes riesiges Theaterkombinat. Riesig? Jedenfalls von der Fläche – in welche Richtung sich die künstlerische Qualität entwickelt, wenn tatsächlich umgesetzt wird, was als Grundsatzentscheidung der Gesellschafter des neu zu schaffenden Staatstheaters Nordost bereits für 2018 beschlossen wurde, bleibt offen. Zukunftsweisende Strukturreform oder doch wieder bloß bürokratisches Monster, das keine Kosten spart, sondern unerwartete Mehrkosten produziert? Was passiert, wenn das bisherige Modell der beiden Verbünde, das Theater Vorpommern mit Stralsund, Greifswald, Putbus auf der einen und Neustrelitz-Neubrandenburg auf der anderen Seite, in eine Fusion mündet? Die eher ernüchternden Resultate der Kreisgebietsreform sollten der Landespolitik zu denken geben. Die hat jedoch ihre Zuschüsse für die Theater in Mecklenburg-Vorpommern (seit 1994 eingefroren oder „stabil“, wie man es im Kultusministerium in Schwerin nennt) an Strukturreformauflagen geknüpft, die es umzusetzen gilt. So steht man hier vor der Herausforderung, dem Gespenst der räumlichen Überdehnung zu trotzen und das Theater – wie es Politiker gern...

In Mecklenburg-Vorpommern soll ab 2018 das „Staatstheater Nordost“ fünf Standorte vereinigen – politischer und künstlerischer Nutzen sind jedoch unklar

Die große Fusion

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Wer kam nur auf die Idee dieses verschenkten Titels? Als der Roman von Virginie Despentes, der jetzt am Hans Otto Theater auf die Bühne gebracht wurde, im Jahr 2001 auf Deutsch erschien, nannte man ihn „Pauline und Claudine“. Das klang nach Hermann Hesse oder Enid Blyton und führte damit völlig in die Irre. Die kluge, knappe Potsdamer Bühnenfassung von Regisseur Wojtek Klemm und Dramaturg Helge Hübner hat sich dankenswerterweise nun des französischen Originaltitels „Les jolies choses“ erinnert und heißt wieder: „Die schönen Dinge“. Das mag wie eine Nebensächlichkeit wirken, ist es aber nicht. Denn die Wahl des Titels zeigt bereits, wie genau diese Inszenierung weiß, was sie will. Sie will, ganz im Sinne der Trashfeministin Despentes, die man in Deutschland vor allem wegen ihres Films „Baise-moi (Fick mich!)“ kennen dürfte, den radikal subjektiven Blick auf eine von Männern gemachte Gesellschaft, die Frauen zu Dingen degradiert – zu schönen natürlich. Stellvertretend dafür steht in der fluxusartig mit vielerlei Dingen zugestellten Bühne des bildenden Künstlers Anton Unai ein Frauenbein herum, aus Plastik. In „Les jolies choses“ geht es um zwei Schwestern, Zwillinge. Die eine, Claudine, ist erfolgloses Popsternchen und Nymphomanin. Die andere, Pauline, ist braver, bürgerlicher und hat, anders als die Schwester,...

Hans Otto Theater: „Die schönen Dinge“ (UA) nach dem Roman von Virginie Despentes. Regie Wojtek Klemm, Bühne Anton Unai, Kostüme Anika Budde

Potsdam: Radikal weiblich

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Halldór Laxness gehört zu den großen europäischen Schriftstellern, die das 20. Jahrhundert mit allen Verirrungen und Untiefen vermessen haben und dabei ein Werk hinterließen, das uns Blicke auf die Gegenwart erlaubt. Laxness (1902–1998) schrieb Theaterstücke, die hierzulande kaum bekannt sind. Den Nobelpreis erhielt er 1955 vor allem aber für sein Romanwerk, das vom Wandel Islands erzählt. Dazu gehört auch der 1932 erschienene Roman „Salka Valka“, er erzählt die Geschichte eines Mädchens namens Salka, das sich in einem kleinen Fischerdorf zu Beginn des letzten Jahrhunderts aus einer Welt voller Gewalt, Missbrauch und sozialer Rückständigkeit zu einem kämpferischen Dasein durchboxt und eine selbstbewusste junge Frau wird, wenn auch von den Verhältnissen beschädigt. Der Roman zeigt sehr anschaulich, wie die Moderne in eine kleine Gesellschaft eingreift: Eine Fischfabrik schafft bezahlte Arbeit, ihr Besitzer, der Kaufmann Bogesen, betreibt allerdings auch den einzigen Laden im Dorf, das dadurch ganz von ihm abhängig ist. Damit hat der Fortschritt seinen Preis – Laxness lässt ihn, parallel zu den Entwicklungen seiner Zeit, zum Urheber von politischen Auseinandersetzungen um die sozialen Verhältnisse werden. Arnaldur, der Salka sehr nahesteht, bringt die Idee des Sozialismus aus dem fernen Dänemark mit, dennoch entscheidet sich der Autor im Fortgang seines Romans nicht für...

In Reykjavik überführt Regisseurin Yana Ross einen Jahrhundertroman der isländischen Literatur in ein Panorama des Inselstaats nach der Bankenkrise

Ein Buch auf einer Reise durch die Zeit

„Liebe Barbara, … ich habe so wenig Licht und Weisheit in mir, wenn es zu einem solchen Unglück kommt, daß ich nichts für uns sehe als die alte Erdkugel, die sich weiterdreht, und die Zeit, die sich an unserer Trauer mästet wie an allem anderen“, schrieb Samuel Beckett im März 1958 an seine Freundin Barbara Bray, deren Mann gerade auf Zypern gestorben war. „Wenn man mittendrin ist in den Stürmen des Lebens (und auch der Liebe, wie man mir sagt), haben sie plötzlich ausgetobt. Ich habe mich immer dahin verkrochen, in den innersten Bezirk menschlicher Schwäche und Nichtigkeit. Dorthin zu fliehen war für mich kein weiter Weg.“ Mit so viel Offenheit, auch über sich selbst, hat Beckett selten an andere Menschen geschrieben. Es sind die Briefe an Barbara Bray, die diesen Band zu einer besonderen Entdeckung machen. Der Dramatiker hatte die Redakteurin der BBC im Februar 1958 während der Produktion seines ersten Hörspiels „Alle, die da fallen“ kennengelernt. Sie wurde seine wichtigste Briefpartnerin, und mit ihr teilte er bis zu seinem Tod die Probleme seiner Arbeit und seines Privatlebens. Der Erfolg seiner Stücke und Romane nach dem weltweiten Triumph von „Warten auf Godot“ verstörte Beckett zunehmend, auch weil er sich...

Samuel Beckett: Wünsch Dir nicht, daß ich mich ändere. Briefe 1957–1965. Suhrkamp Verlag, Berlin 2016, 900 S., 58 EUR.

Könnte ich doch das Schreiben aufgeben

Wie viel Religion passt auf eine Theaterbühne? Sehr viel, wenn man damit zu spielen weiß. Zuerst einmal ist es ein Gedankenspiel, eines in der Art, mit der sich Goethes Faust das glaubensgierige Gretchen vom Leibe hielt: „Wer darf ihn nennen? / Und wer bekennen: / ‚Ich glaub ihn‘? / Wer empfinden / Und sich unterwinden / Zu sagen: ‚Ich glaub ihn nicht!‘? / Der Allumfasser, / Der Allerhalter, / Faßt und erhält er nicht / Dich, mich, sich selbst?“ Ein hochmoderner Diskurs über den Sinn von Leben, existenziell, pantheistisch, reflektiert – so sollte man mit der Aufklärung im Rücken auch heute über die Religion reden, jene religio, die Rückbindung an einen Ursprung, der sich unserer Verfügung entzieht. Das Gegenteil davon jedoch ist jener Weg in den Fanatismus, den man im europäischen Mittelalter bereits als Dunkelmännertum bezeichnete: vernunftfeindlich, sinnenfeindlich, menschenfeindlich. Worin besteht heute wieder die Attraktivität einer solch blindwütigen Art von Ideologie? Das ist die Frage, die Nuran David Calis, den in Deutschland aufgewachsenen Regisseur armenisch-türkischer Herkunft, in „Kuffar. Die Gottesleugner“ umtreibt. Ihn interessieren in diesem von ihm selbst geschriebenen Stück die bereits in diesem Land geborenen Immigranten der zweiten Generation, die, vom Hass auf westliche Werte angetrieben, sich in...

Deutsches Theater: „Kuffar. Die Gottesleugner“ (UA) von Nuran David Calis. Regie Nuran David Calis, Bühne Anne Ehrlich, Kostüme Amélie von Bülow und Carina von Bülow-Conradi

Berlin: Die Austreibung des Humanismus

Nicola Bramkamp, die aktuelle Premiere am Bonner Theater ist „Der Theatermacher“ von Thomas Bernhard. Sie aber wollen, trotz unbestreitbarer Erfolge und steigender Zuschauerzahlen, über 2018 hinaus kein Theater für Bonn mehr machen. Warum nicht? Bevor ich so ende wie der grantelnde Protagonist bei Thomas Bernhard, höre ich lieber rechtzeitig auf. Wir haben hier unter schwierigen Bedingungen erfolgreich Theater gemacht, aber da ab 2018 weitere Einsparungen im künstlerischen Bereich folgen, ist für mich persönlich eine Schmerzgrenze überschritten. Ihr Generalintendant Bernd Helmich hat allerdings erst kürzlich seinen Vertrag bis 2022 verlängert. Gibt es also Differenzen zwischen Ihnen in der Beurteilung der Situation? Ja. Ein Intendant hätte, trotz aller Einsparungen, die Möglichkeit, Prioritäten zu setzen zugunsten der Kunst. Das ist in einem gereizten politischen Klima schwer zu bewerkstelligen. Deshalb bin ich ihm persönlich nicht gram, aber man müsste gemeinsame Strategien entwickeln. Hier in Bonn wird seit Langem an der Kunst gespart, nicht an den Strukturen. Wenn ich sehe, dass auch im Sommer, selbst bei einer weniger gut verkauften Vorstellung, immer die gleiche Anzahl Garderobenpersonal eingeteilt wird und dann ohne Beschäftigung herumsteht, wird doch deutlich, dass man durch Flexibilisierung der Strukturen noch einiges verbessern kann. Wie viel Garderobenpersonal wiegt denn eine Schauspielproduktion auf? Das...

Was macht das Theater, Nicola Bramkamp?

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Honoré de Balzac ist vor allem für seine jeden Superlativ überschreitende „monumentale Sittengeschichte“ „Die menschliche Komödie“ bekannt. Als Verfasser von dramatischen Texten hatte er sich nicht hervorgetan. Doch ist dieser Tage im Verbrecher Verlag Balzacs Salonkomödie „Mercadet oder Warten auf Godeau“ in neuer Übersetzung erschienen, die sich zu lesen lohnt. Das Stück handelt von dem Spekulanten Mercadet, der an der Börse das große Geld machen will. Zu seinem Leidwesen bleibt der Erfolg jedoch aus. Zwar hat er ein „Projekt“ nach dem anderen, wie es die Dienstboten nennen, doch mit der Anzahl der Projekte steigt vor allem die Anzahl der Gläubiger. Selbst die Dienstboten zweifeln inzwischen, ob Mercadet tatsächlich ein „richtiger Bourgeois“ ist oder nur ein Schwindler. Und sie wissen: „Fällt die Herrschaft in Misskredit, haben auch die Dienstboten nichts zu lachen.“ Doch Mercadet macht weiter Schulden und beruft sich auf die Tendenz der Zeit, denn „der ganze Reichtum der Regierungen heutzutage ist Kredit“. Nur ist Mercadet eben keine Regierung, und die Gläubiger drängen auf Zahlung, alternativ droht die Verhaftung. Hoffnung verspricht da die Tochter Julie, von der sich Mercadet eine Verbindung zum Geld erhofft, also eine gewinnbringende Heirat. Um das Unglück aber vollkommen zu machen, hat sich ebenjene Tochter in...

Honoré de Balzac: Mercadet oder Warten auf Godeau. Aus dem Französischen übersetzt und mit einem Nachwort von Erika Tophoven. Verbrecher Verlag, Berlin 2017, 122 S., 16 EUR.

Da hilft kein Spekulieren

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Kann sein, dass sie Stimmen hört. Auf die antwortet sie. Ihre Bühnenräume sind visualisierte Klangräume, in denen sich etwas bewegt. Im besten Falle verwandelt es sich dann. Ein Fall von angewandter Magie. So wie in Kopenhagen am Betty Nansen Teatret. Dort schuf sie für Calixto Bieitos „Voices“ eine Wand bloß aus Lauten. Die Stimmen der Menschheit sollten darin gleichsam archiviert werden. Die Bühne: eine Wand bestehend aus verschiedensten Lautsprecherboxen, dazu Bilder von Mündern und Augen – und alles das bewegte sich mit- und gegeneinander. Eine lebende Klagemauer, die sich noch dazu drehte. Hier wurde der Raum selbst zur Szene. Wie kommt Rebecca Ringst auf derartige Ideen? Diese Art der Collage, die sich unbekümmert aller Medien bedient, habe sie früh schon an Christoph Schlingensief beeindruckt, sagt sie. Wie sie im „Nola’s am Weinberg“ in Berlin-Mitte hinter ihrer Tasse Ingwertee sitzt, blaues T-Shirt mit blauer Strickweste darüber (die mit einer auffallend schmucklosen Form von handwerklich grob gearbeiteter Sicherheitsnadel zusammengehalten wird), vermutet man in ihr nicht sofort eine der weltweit erfolgreichsten Bühnenbildnerinnen der jüngeren Generation. Sie ist auf ungewöhnliche Weise natürlich in ihrer Ausstrahlung – dabei macht sie hochartifizielle Bühnenräume lebendig und setzt in ihnen überaus vertrackte Gedanken aus. Lasst sie erst mal...

Die Räume der Bühnenbildnerin Rebecca Ringst wirken wie Organismen – sie atmen ein und aus, wachsen und sterben ab

Magie der Klangräume

Jetzt ist alles politisch

Junge Hoffnung

Den Narben begegnen

Nach Moskau will keiner mehr. Auch nach Berlin nicht. Das mit den exzessiven Partys dort hat Irina nämlich schon mit 15 durchgezogen, was sollte sie da nun noch in der Großstadt, mit 21? Olga wiederum wirkt vom Leben so vollkommen desillusioniert, dass es für sie eh schon egal ist, wo sie es verpasst. Nur Mascha verspürt noch Restsehnsucht: Sie will nach New York. Auf keinen Fall aber mit ihrem Mann, dem Lehrer-Langweiler Theo, sondern mit Sascha von nebenan. Der allerdings träumt eher von den Galapagosinseln: „Da gibt es sehr interessante Tiere!“ Autor und Regisseur Simon Stone hat Tschechows Personage eine Zeitreise ins Hier und Heute spendiert. Einige durften dabei ihre alten Namen behalten – neben den drei Schwestern noch Bruder Andrej (hier ein onlinepoker- und drogensüchtiger Computerfreak, der ein „Projekt in der Pipeline“ hat, das sich doch nur als Rohrkrepierer erweist), sowie dessen so prollig wie praktisch veranlagte Frau Natascha. Andere haben neue Namen bekommen, ohne jedoch ihre Wesenskerne zu verändern. Nachbar Sascha etwa hieß im Original Werschinin und war Oberst. Bei Stone ist er nun Pilot, allerdings ebenfalls verheiratet mit einer selbstmordgefährdeten Frau, von der er nicht loskommt. So hat Stone (unter Beibehaltung der Personenkonstellation) für sämtliche Figuren schlüssige...

Theater Basel: „Drei Schwestern“ von Simon Stone nach Anton Tschechow. Regie Simon Stone, Bühne Lizzie Clachan, Kostüme Mel Page

Basel: Wohnen hinter Glas

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

TdZ on Tour

Was folgt

Liebe, Schreiben, Popmusik

Zur Aufführungsgeschichte von Arthur Schnitzlers Drama „Professor Bernhardi“ gehört, dass es seine Uraufführung im Jahre 1912 nicht am Ort des fiktionalen Geschehens – „Wien um 1900“ – erlebte, sondern in Berlin. Die Zensur der K.-u.-k.-Monarchie hatte die Aufführung des Textes verboten. Hätte Schnitzler nun stattdessen „Berlin um 1900“ als Ortsangabe verwendet, wäre die preußische Zensur vielleicht wachsamer gewesen. Es gehört wesentlich zur Fiktionalisierung, dass sie Tatbestände der Wirklichkeit in anderer Gestalt an den strengen Instanzen der Zensur vorbeizubringen weiß – was der Begründer der Psychoanalyse, Sigmund Freud, in seinem 1900 erschienen und von Schnitzler genau studierten Werk „Die Traumdeutung“ auch für den psychischen Apparat feststellte: Das Unbewusste bleibt in den vom Über-Ich errichteten Kontrollinstanzen nur mittels der Entstellung des Traumes unbeachtet. Nun verhält es sich in der Kunst eben so, dass sie ihre Wahrheit nur zum Ausdruck bringen kann in der Verstellung. Entsprechend betonte Schnitzler in einem Brief an den Historiker Richard Charmatz, dass er mit „Professor Bernhardi“ nicht beabsichtigt habe, seine Gesinnung zum Ausdruck zu bringen, sondern ein Drama zu schreiben, dass technisch sicher gebaut ist und in dem die Figuren gut gestaltet sind. Schnitzler beharrte darauf, sich als Dramatiker zu den politischen Vorgängen seiner Zeit nicht unmittelbar, sondern...

Schaubühne: „Professor Bernhardi“ von Arthur Schnitzler. Regie Thomas Ostermeier, Bühne Jan Pappelbaum, Kostüme Nina Wetzel

Berlin: Tragikomödie des Eigensinns

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Die Bühne ist ein astreiner Western-Saloon, samt Schwingtür, Spucknapf und lang gestrecktem Tresen. Eine Frau im Rüschenkleid kommandiert in dem Laden, zwielichtige Typen bevölkern ihn, und es wird nicht lange dauern, bis hier eine blutige Schießerei stattfindet, die den Genres Western und Splatter alle Ehre macht. Die Kammerspielinszenierung „Der kalte Hauch des Geldes“ entwickelt sich geradewegs und folgerichtig zum Publikumsliebling am Schauspiel Frankfurt. Der Abend schließt den Western mit dem Finanzkapitalismus kurz, übersetzt die Goldsuche von gestern in die Glücksversprechen von heute. Ausgedacht hat sich das der 1984 in Ostberlin geborene Alexander Eisenach, der in Frankfurt seine Doppelbegabung als Autor und als Regisseur ausspielen kann. Seit der Spielzeit 2014/15 arbeitet er als freier Regisseur, in der Spielzeit zuvor war er Mitglied des sogenannten Regiestudios am Schauspiel Frankfurt, das dem Nachwuchs die Gelegenheit gibt, sich auf kleiner Bühne auszuprobieren. Seit der Spielzeit 2015/16 ist Eisenach Mitglied im dortigen Autorenstudio, wobei er der bislang Einzige ist, der in beiden Studios arbeitete. Studiert hat er Germanistik und Theaterwissenschaft in Leipzig und Paris. Seine ersten Regiearbeiten brachte er am Centraltheater Leipzig heraus, wo er als Regieassistent unter anderem mit Sebastian Hartmann, Sebastian Baumgarten, Martin Laberenz und Robert Borgmann zusammenarbeitete, deren Handschriften durchaus auch in...

Bei dem Regisseur Alexander Eisenach wissen Schriftsteller ihre Romane in guten Händen – weil er selbst ein gefragter Autor ist

Der Doppeltbegabte

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Derman sendedir

Für den amerikanischen Markt hatte sich Bert Brecht einen tollen Titel überlegt: „The Private Life Of The Master-Race“. Das Privatleben der Herrenrasse. Der bekannte deutsche Titel, angelehnt an Balzacs Kurtisanen-Roman, klingt nicht weniger knackig, aber ungleich pathetischer: „Furcht und Elend des Dritten Reiches“, entstanden 1937/38 im Exil. In 27 voneinander unabhängigen Szenen sehr unterschiedlicher Länge zeigt Brecht, wie in den Anfangsjahren des Nationalsozialismus die Angst vor Denunziation die Menschen lähmt, auch wenn sie sich nicht bereitwillig dem totalitären Staat unterwerfen. Ein „Privatleben“, das ist die Pointe, gibt es nicht mehr, es ist ausgelöscht. In einer der beklemmendsten Szenen, betitelt mit „Der Spitzel“, sieht man ein Akademikerpaar, schwankend zwischen Anpassung und vagem Widerstand, das sich vor der Denunziation durch den eigenen halbwüchsigen HJ-Jungen fürchtet. Ob dies droht oder nicht, bleibt offen, genau darin liegt das Unheimliche der Situation. Die Erwachsenen kuschen vor dem potenziellen Entlarvungsfuror ihres Knaben, mit dessen „nationalem Empfinden“ sie schon Bekanntschaft gemacht haben. Zu Beginn der Dortmunder Aufführung im Ausweichquartier Megastore tritt Brecht persönlich auf, in Gestalt des Schauspielers Uwe Schmieder; er wird als Moderator durch den Abend führen, Regieanweisungen einsprechen usw. Sascha Hawemann, der Regisseur, hat den Versuch unternommen, die isolierten Szenen miteinander zu verzahnen. Das überzeugt...

Theater Dortmund: „Furcht und Elend des Dritten Reiches“ von Bertolt Brecht. Regie Sascha Hawemann. „Furcht und Hoffnung in Deutschland: Ich bin das Volk“ von Franz Xaver Kroetz. Regie Wiebke Rüter

Dortmund: Der nächste Winter kommt bestimmt

Letztes Jahr wurde Peter Wawerzinek als Dresdner Stadtschreiber ausgezeichnet. Als ich ihm dazu gratulierte, dachte er erst, ich meinte es zynisch. Denn die Zahl der Bewerbungen war um zwei Drittel eingebrochen. Statt rund hundert Bewerbungen im Jahr 2015 nur noch 33 im Jahr 2016. Es sieht so aus, als wollten Schriftstellerinnen und Schriftsteller lieber nicht nach Dresden, seit Pegida als beleidigte Leberwurst das Image der Stadt beschädigt. Zu meiner Zeit als Stadtschreiber, 2011, wollten noch 91 unbedingt hin. Wenn Literatur zurzeit von Angsthasen gemacht wird, dann haben wir demnächst nichts mehr als Angsthasenliteratur. Ehe Peter nach Dresden zog, trafen wir uns in Kreuzberg zum Training. Ich versuchte tatsächlich, ihn für die Stadt zu trainieren, obwohl mir klar war, dass einer wie er, würde er erst einmal dort sein, nur seinem Temperament zu folgen brauchte. Trotzdem machte er Notizen auf dem Block der Kellnerin. Früher einmal hatte sich Peter einer Theatergruppe angeschlossen, die mit einem Planwagen umherzog. Damals trafen sie auf Glatzen, die sie als asozial und der Zigeunerei verfallen schmähten. In Dresden bekam er dann Ähnliches zu hören, wenngleich Glatzen heute schwer zu erkennen sind, weil sie Haare haben. In einem Biergarten von Pegida-Followern identifiziert, wurde Peter als Niete der...

Das Schimpfmobil von Pegida stänkert gegen Peter Wawerzinek

Bachmann gegen Bachmann

Die Stress-Knoten auflösen

Gut, dass Samouil Stoyanov heute keine Vorstellung hat. Das Hörnchen, das ich mitgebracht habe, könnte er sonst nicht essen. Ein Wiener Brioche-Kipferl. Sozusagen ein Stück Heimat. In Wien war Stoyanov die letzten Jahre zu Hause. Geboren wurde er 1989 in Sofia, aufgewachsen ist er in Linz. Seine Schauspielausbildung absolvierte er am Max-Reinhardt-Seminar in Wien, ehe er im Herbst 2015 an die Münchner Kammerspiele kam. Bereits fünf Stunden vor der Vorstellung esse er nichts mehr, erklärt Stoyanov. „Ich habe das Gefühl, dass ich existenzieller bin, wenn mein Magen leer ist.“ Selbstironie schwingt mit in diesem Satz. Der eher korpulente Stoyanov weiß natürlich, dass er nicht wie ein Kostverächter aussieht. Ansonsten aber ist die Aussage durchaus ernst gemeint. Das Kipferl ist bald verzehrt. Samouil Stoyanov will nun nicht länger in der Kantine sitzen, sondern durchs Haus spazieren. Zeigen, wo er arbeitet. „Einer meiner Lehrer hat mir gesagt: Das Wichtigste an einem Theater ist nicht, dass der Intendant dich mag, sondern all die Leute, die täglich um dich herum sind.“ Im Innenhof steckt er sich eine Zigarette an. Eine ultradünne, persische. Die bringt ihm Mahin Sadri regelmäßig mit, die Frau des iranischen Regisseurs Amir Reza Koohestani, der zur Eröffnung der Spielzeit den „Fall...

Der Kammerspiele-Schauspieler Samouil Stoyanov schlüpft nicht in Rollen – sondern sie schlüpfen in ihn

Der Daseinsschauspieler

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Ein Gespenst geht um in Europa – das Gespenst des Populismus. Alle Mächte des liberalen Europa haben sich zu einer heiligen Hetzjagd gegen dies Gespenst verbündet“ – so könnte man heute Karl Marx und Friedrich Engels paraphrasieren. Doch der Populismus ist nicht das Gegenteil der liberalen Gesellschaft, er entspringt ihrem eigenen populistischen Charakter. Der Dramaturg Bernd Stegemann beschreibt die Krise des Liberalismus als notwendige Folge von dessen Verflechtung mit den Interessen des Kapitals. Auch das Theater ist in diesem Dilemma gefangen. Stegemanns Buch „Das Gespenst des Populismus. Ein Essay zur politischen Dramaturgie“ ist dieser Tage im Verlag Theater der Zeit erschienen. Seit einiger Zeit gibt es eine auffällige Inflation von Populismusvorwürfen. Sobald jemand öffentlich zum Beispiel Gefühle von Wut und Enttäuschung aktiviert oder Ungerechtigkeit zugespitzt darstellt, rufen andere: „Populismus!“. Zugleich gibt es eine auffällige Diskrepanz zwischen dem wachsenden Erfolg der Populisten und einem Nachdenken, das in drei Definitionen des Populismus festzustecken scheint: Der Populist gibt einfache Antworten auf komplexe Probleme, er betreibt eine Spaltung von Volk und Elite und er behauptet, einen direkten Draht zum Volk oder zur Wahrheit zu haben. Da sowohl die Zuspitzung von Konflikten wie auch die Techniken der Überzeugung zum Handwerk demokratischer Politiker gehören, die Mehrheiten...

Der Populismus der Mitte

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Sind wir nicht alle ein bisschen verrückt nach dem Glück? Bei „Neuropa-Roulette“ jedenfalls, einem Projekt des Performers Lajos Talamonti in der Bremer Schwankhalle, ist das Publikum ganz wild darauf, sein Glück zu versuchen. Der körperliche Einsatz auf dem bühnengroßen Roulette-Tableau ist beeindruckend. Immerhin geht es darum, ein neues Europa zu schaffen. Zwischen den Spielzügen werden Gewinner wie Verlierer von Talamonti befragt: Was man sich wünsche für das neue Europa, warum einige der Spieler innerhalb kürzester Zeit stinkreich seien, während andere bettelarm blieben. Casino-Kapitalismus, der Strukturen Europas greifbar macht – ein Abend, der in seiner partizipativen Form an diesen Aufführungsort passt. Schwankhallen-Intendantin Pirkko Husemann, vormals Kuratorin für den Bereich Tanz am HAU Hebbel am Ufer in Berlin, ist hier vor einem Jahr angetreten. Neben einem klaren programmatischen Konzept für überregionale und internationale Gastspiele sollten lokale Künstler eine neue Form der Unterstützung durch dramaturgische Betreuung oder Förderanträge-Workshops bekommen: Entwicklungsarbeit für die lokale Szene – gepaart mit dem Anspruch auf überregionale Sichtbarkeit. Der Trägerverein Neugier e. V. traf die richtungsweisende Entscheidung für ein Team, das von außerhalb Bremens und mit einem klaren konzeptionellen Zugriff antrat. Dann die Ernüchterung nach dem ersten Jahr: Die Zahlen blieben weit unter der erhofften Auslastung von 60 Prozent....

Wie die Schwankhalle in Bremen unter der neuen Leitung von Pirkko Husemann die ersten Startschwierigkeiten meistert – auch dank eines außergewöhnlichen Solidarpakts der Stadt

Nichts geht mehr?

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Was passiert, wenn ein Schaf einen Wolf trifft? So etwas wie das große Fressen vermutlich. Jedenfalls dann, wenn das Schaf eher ein gewöhnliches Opfer-Lamm ist. Aber nicht mit Lisa Klabunde in „Ein Schaf fürs Leben“ (Regie Antje Klahn)! Denn ihr Schaf kommt in diesem Rudolstädter Kammerspiel für Kinder als ein wildes Schaf ganz ohne Angst daher. Es will vor allem eins: etwas erleben! Welch ein vielversprechendes Glück also, gerade den hungrigen Wolf zu treffen, der sofort blind vor Lammbratentraum ist. So blind, dass er statt das junge wilde Schaf zu fressen, am Ende von diesem gerettet werden muss. Das klingt schon fast nach dem „Sommernachtstraum“ (Regie Jens Schmidl) und nach Klabundes Hermia. Folge dem Traum in die nicht greifbaren Welten der Verwandlung! Lisa Klabunde, geboren 1990 in Leipzig, besitzt die Energie der Überwältigung und kann imaginäre Vorstellungen real werden lassen. Immer noch steht ein Video auf Youtube (inzwischen gibt es das weltweit in verschiedenen Sprachen), das sie vor vielen Jahren als Schauspielschülerin von Wolfgang Bordels Theaterakademie in Anklam/Zinnowitz drehte: ein Tourismus-Werbeclip über die Sehenswürdigkeiten Anklams! Sehenswürdigkeiten sind hier seit dem Weggang Frank Castorfs eigentlich kaum noch gesichtet worden, jedoch nach diesem Film glaubt man unbedingt, Entscheidendes zu versäumen, wenn man...

Die Schauspielerin Lisa Klabunde begeistert am Theater Rudolstadt mit Überzeugungskraft und Verwandlungskunst

Das wilde Schaf

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Plötzlich, das Saallicht leuchtet noch, ist da dieses unscheinbare Männlein. Klein, das Haar schütter, der Körper unverkennbar vom Alkohol modelliert. „Das wär mein Platz gewesen“, sagt er und weist mitten hinein ins Publikum. „Jeder Mensch muss im Leben seinen Platz finden. Und das wär meiner gewesen.“ Doch der Mann kämpft nicht. Er lamentiert ein wenig, dann zieht er von dannen. Und gibt den Zuschauern beim Hinausgehen noch mit, was sie an diesem Abend lernen sollen: „Am Anfang ist der Säufer noch Mensch. Am Ende ist dieser Mensch nur noch Säufer.“ Der Mann ist Peter Wawerzinek, seine Botschaft entstammt seinem, zurückhaltend ausgedrückt, stark autobiografischem Roman „Schluckspecht“. Das Hessische Landestheater in Marburg hat das 2014 erschienene Werk des Ingeborg-Bachmann-Preisträgers jetzt auf die Bühne gebracht. Und den Autor in persona gleich mit. In dem fast 460 Seiten dicken Wälzer erzählt Wawerzinek – aus der DDR stammend, von seiner in den Westen getürmten Mutter alleingelassen, bei Adoptiveltern aufgewachsen und schon früh dem Alkohol verfallen – vom Suff. Von den Verführungen des Alkohols, den Segnungen auch, von Abstürzen, von Elend, von Entzug um Entzug um Entzug. Der 62-Jährige hat den Notausgang irgendwann, als eigentlich niemand mehr daran glaubte, doch noch gefunden. Ein grünes Notausgangsschild hängt...

Hessisches Landestheater Marburg: „Schluckspecht“ (UA) nach dem Roman von Peter Wawerzinek. Regie Simon Meienreis, Ausstattung Mirella Oestreicher

Marburg: Im Griff der Schwarzen Johanna

„Kammerspiele? Jammerspiele!“ So stand es am 11. November 2016 in großen Lettern auf Seite 1 des Feuilletons der Süddeutschen Zeitung. Ein Startsignal zum Abschuss? Oder Ausdruck einer berechtigten Sorge? Im zweiten Jahr der Intendanz von Matthias Lilienthal sind die Münchner Kammerspiele zum Gegenstand einer großen Debatte geworden. Nachdem mit Brigitte Hobmeier, Katja Bürkle und Anna Drexler drei Schauspielerinnen angekündigt hatten, das Theater zu verlassen, wurde Kritik an der künstlerischen Ausrichtung...

Editorial

„Is my future all in the past“

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Man könnte beinah heiter sein: eine Party mit reichhaltigem Büfett, gemeinsam mit allen Menschen, die einem lieb und teuer sind. Nur stellt sich das fröhliche Setting bei genauerem Hinsehen nicht als Geburtstags-, sondern als Abschiedsfeier heraus. Unter dem Zeichen des „Noch einmal“ würdigt eine Frau die gemeinsamen Tage mit Freunden und Familienmitgliedern, um sodann durch einen Inhalatorstoß auf immer zu gehen. So beginnt die Uraufführung von Konstantin Küsperts Drama „Sterben helfen“ am Badischen Staatstheater in Karlsruhe. Dass der eigene Todeszeitpunkt problemlos von jedem selbst bestimmt und ohne große Mühen über eine überall erhältliche Atemmaske realisiert werden kann, erweist sich in einer Gesellschaft, deren politische Repräsentanten just die Hürden für Sterbehilfe heraufgesetzt haben, als völlig utopisch. Daher ist von Anfang an klar, dass die Regisseurin Marlene Schäfer auch einen künstlichen Raum schaffen muss, wo mehr Gedankenexperiment als Realität, und ja, letztlich auch mehr Lüge als Wahrheit vorherrscht. Wir schauen daher auf ein Karree, unter anderem abgegrenzt durch eine Linie aus jenem Konfetti, mit dem die Mutter zu Beginn ihre Sterbefeier fulminant in Szene setzen konnte. In diesem Karree befindet sich wiederum ein mobiler Glaskasten. Um verschiedene Wirklichkeiten zu erzeugen, genügt dieser Minimalismus. Das Eigentliche, der allpräsente Tod, wird ohnehin nicht gezeigt....

Badisches Staatstheater: „Sterben helfen“ (UA) von Konstantin Küspert. Regie Marlene Schäfer, Ausstattung Marina Stefan

Karlsruhe: Ich will nicht sterben

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Dieser große Wilson-Abend ist begleitet von einer privaten Irritation. Meine Lebensgefährtin und Wahlwitwe, die Performerin Mandie O’Connell, schlägt ihren auch in der deutschen Kritik bekannten Ton an: „Der Meister wiederholt sich, er hat nichts Neues zu zeigen.“ Dagegen werfe ich Picasso und Warhol in die Waagschale. Und Gertrude Stein: „I like to look on his pictures.“ Meine Geschichte mit Wilson geht zurück bis ins New York der siebziger Jahre, die vorkanonische Zeit. Ich verweise auf den Enthusiasmus des Premierenpublikums. Sie: „Lauter Silberköpfe!“ Das ist unter der Gürtellinie – ich bin auch einer. Ihr Argument: „Das ist nichts für Junge, zu langsam.“ Ich bin wahrscheinlich der Einzige an diesem Abend im Berliner Ensemble, der die Londoner Uraufführung von Becketts „Endspiel“ und die deutsche Premiere mit Bernhard Minetti im Berliner Schlossparktheater sowie alle folgenden Becketts in der Schillertheater-Werkstatt gesehen hat. Und natürlich auch Maestro Wilson selbst als Krapp in seiner eigenen Regie von „Das letzte Band“. Aber „Endspiel“? Diese Vorlage für das Endgültige scheint sich nicht für Wilsons serielle factory zu eignen. Wilson setzt auratische Signale (Licht, Farbe und Sound), die zwar als von der Technik hervorgebracht erscheinen, aber vom Regisseur als quasi „lyrische“ Aussagen geformt werden. Erstaunlich, wie das anfängliche Grau...

Berliner Ensemble: „Endspiel“ von Samuel Beckett. Regie und Bühne Robert Wilson, Kostüme Jacques Reynaud

Berlin: Dialog im Eisschrank und der Blick der Ratte

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Na, das klingt doch richtig spannend: Das neue HochX ist eine „ensemblefreie Infrastrukturmaßnahme der Stadt München“. Selbst die Mitglieder der vierköpfigen Leitungscrew können das kaum aussprechen, ohne dabei Ironie mitschwingen zu lassen. Mit dem Anliegen, das sich hinter der sperrigen Formulierung verbirgt, ist es der neuen Mannschaft aber durchaus ernst. Was in dem bürokratischen Begriffsungetüm steckt, hat das Team in einen griffigen Slogan übersetzt: „Mehr Raum für die Kunst!“ Gemeint sind nicht nur gedankliche Freiräume, es geht auch ganz konkret um Orte, um Räumlichkeiten, die existenziell sind, damit Kunst überhaupt entstehen kann. So bietet das HochX neben einem Bühnenraum auch Probenräume, an denen es gerade in München mit seinen horrenden Mieten noch deutlicher mangelt als andernorts. Ebenso dringend nötig wären aber Lagerräume. „Etwas Banales wie ein Lager“, sagt Benno Heisel, einer der künstlerischen Leiter, „ist entscheidend dafür, wie lange eine Produktion lebt. Können die Künstler das Bühnenbild aufheben oder müssen sie es einstampfen? Produktionen über einen längeren Zeitraum am Leben zu halten, wäre aber wichtig, um Münchens freie Szene auch außerhalb der Stadt sichtbar zu machen.“ Seine Kollegin Ute Gröbel fügt jedoch gleich an: „Wir sind zu klein, um das alles aufzufangen.“ Was München fehlt, ist ein Produktionshaus für die...

Mit dem HochX eröffnet in München ein vielversprechender Spielort der freien Szene

Mehr Kunst!

Bulgariens Weg in die Freiheit begann mit einem lauten Knall. So zumindest hatten es sich die Mitglieder der Union Demokratischer Kräfte vorgestellt, als sie am 21. August 1999 anlässlich des zehnten Jahrestages der Absetzung von Staatschef Todor Schiwkow einen der symbolträchtigsten kommunistischen Bauten in Sofia, das Mausoleum des Genossen Georgi Dimitrow, sprengen wollten. Die Explosion war tatsächlich gewaltig, das Ergebnis indes ernüchternd: Als der Rauch verzogen war, stand das Mausoleum da wie eh und je. Erst beim dritten Versuch gaben die Mauern nach. „Mein Interesse an der Wiederkehr des Gleichen ist ein Interesse an der Sprengung des Kontinuums.“ Mit diesem Satz Heiner Müllers ließe sich die jüngere Geschichte Bulgariens als eine Geschichte missglückter Sprengungen erzählen. Auch der Roman „Macht und Widerstand“ des bulgarischen Autors Ilija Trojanow kreist um den glücklosen Einsatz von TNT. Oder besser gesagt: um den von oberster Stelle als glücklos deklarierten. Der Anarchist Konstantin Milew Scheitanow, so erzählt es Trojanow in seinem Buch, wurde 1953 zu zwanzig Jahren Haft verurteilt. Die Anklage lautete: Bildung einer Vereinigung mit dem Ziel, die gesetzmäßige Ordnung zu stürzen. Von der eigentlichen Tat, der Sprengung einer Stalin-Statue, findet sich Jahrzehnte später in den Akten indes nichts. „Das ist unser Fall, abgenagt bis...

Schauspiel Hannover: „Macht und Widerstand“ (UA) nach dem Roman von Ilija Trojanow. Regie und Bühne Dušan David Parízek, Kostüme Kamila Polívková

Hannover: Die Sprengung des Kontinuums

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Unter Beobachtung

November 2016: Klassenfahrtstimmung in der Kantine des Staatstheater Oldenburg. Das Markus&amp;Markus-Ensemble ist aus Oberbayern zurück, wo die Beteiligten eine Woche am Stück Szenen für ihr Projekt „Die Rache“ gedreht haben. Hier sprühen die Funken, die Stimmung schwankt zwischen Erschöpfung und Euphorie. Am Tisch: Lara-Joy Hamann, Markus Schäfer, Markus Wenzel und Katarina Eckold vom Performance-Kollektiv Markus&amp;Markus, außerdem die Ensemble-Mitglieder Lisa Jopt und Pirmin Sedlmeir. Dazwischen einer, der sich freut, dass seine Vision sich einzulösen scheint: Marc-Oliver Krampe, leitender Schauspieldramaturg am Staatstheater Oldenburg. Krampes Idee war, als er in der Spielzeit 2015/2016 in Oldenburg antrat, neue theatrale Wege für die Stadt zu entdecken, indem man Probenprozesse verändert, auf demokratischer Basis partizipative Konzepte entwickelt und die Ergebnisse knapp zwei Jahre später auf einem dreitägigen Festival präsentiert. So abstrakt das klingen mag, so konkret wird es im Frühjahr 2017: Vom 30. März bis 1. April fegen die Projekte der „neuen performativen Allianzen“ beim Festival BANDEN! über sämtliche Bühnen des Staatstheaters. Aber beginnen wir von vorn. Anfang März 2016, eine Vorstellung von Kafkas „Amerika“. Hamann und Schäfer von Markus&amp; Markus sitzen im Publikum und besichtigen Schauspieler – allerdings nicht, um danach in Absprache mit der Dramaturgie eine fertige Besetzung zu präsentieren. Sie werden am nächsten...

In Oldenburg stiftet das Projekt BANDEN! neue performative Allianzen zwischen Institution und freier Szene

Schauspiel oder Performance?

Assoziationen

Theater

Münchner Kammerspiele

Neuerscheinungen im Verlag