Stück Labor 2024/25

Gerade noch zwei Vorstellungen konnten in der Lokremise, der Zweitspielstätte des Theaters St. Gallen, vor der erneuten pandemie­bedingten Schließung der Schweizer Bühnen gespielt werden. Gerade noch zwei Mal durften fünfzig Menschen dabei zusehen und ­-hören, was der Schauspielchef Jonas Knecht mit Wolfram Lotz’ preisgekröntem Stück „Die lächerliche Finsternis“ anstellt, das 2014 am Wiener Burgtheater uraufgeführt worden war. Gerade noch gelingt inmitten dieser sonderbar viralen Ungemütlichkeit ein Streich der Superlative. Und richtiggehend verklärt verlässt man den wunderbaren Theaterraum, schwankend, ein bisschen wie in einem Boot. Oder in einem Kanu, wie es – purpurrot – auf der Bühne steht, dann wieder liegt und nicht nur als Requisit an den Ostschweizer Künstler Roman Signer erinnert: Auch er ist einer wie Lotz, ein humoriger Melancholiker, der gern im Wasser mit dem Feuer der Unwäg­barkeit spielt. So darf also Theater sein: so behände an den Rissen, den Verwerfungen entlang inszeniert, dass die Harmlosigkeit von selbst das Weite sucht. Das von Wolfram Lotz ursprünglich als Hörspiel angelegte Stück ist hier in einer Mischform aus Musik- und Sprechtheater zu erleben; längere Passagen werden über Kopfhörer eingespielt. Das Wechselspiel von sehendem Hören und hörendem Sehen zieht die Sinne in einen Wahnstrudel; man scheint selbst Teil dessen zu sein,...

Theater St. Gallen: „Die lächerliche Finsternis“ von Wolfram Lotz. Regie Jonas Knecht, Ausstattung Markus Karner

St. Gallen: Dr. phil. Pirat

Kennt man einen, kennt man alle. Wunderbar überschaubar wäre es, reagierten alle Menschen gleich. Wäre dies eine erstrebenswerte Gesellschaft? Ganz und gar nicht, schreibt der Soziologe Dirk Baecker. In der sechsten Folge unserer Reihe Theater und Moral erklärt der Systemtheoretiker, warum es gerade die Unvorhersehbarkeit menschlichen Verhaltens ist, die eine Gesellschaft stabilisiert. Erst ein System, das auf einen Input einen überraschenden Output ausspuckt, reagiert nicht trivial und liefert damit Informationen über sich selbst. „Die Künste“, schreibt Baecker, „haben in der Gesellschaft die in jeder Hinsicht unverzichtbare Funktion, Formate der Geselligkeit zu entwerfen, in denen diese Art von Nichttrivialität sich fast unwillkürlich anbietet, um mit den entsprechenden Situationen fertig zu werden.“ Im Seminar von Ivan Illich 1976 kommt es in Cuernavaca in Mexiko zu einer denkwürdigen Begegnung zwischen Ivan Illich, dem Vordenker einer politischen Ökologie, und Heinz von Foerster, dem Begründer der Kybernetik zweiter Ordnung. Illich hielt ein Seminar zum Konzept der ­Gegenproduktivität, das einen zentralen Stellenwert in seinem Denken hat. Gegenproduktivität ergibt sich aus Prozessen der ­Institutionalisierung von Schulen, Krankenhäusern und anderen Einrichtungen, die sich, je weiter sie sich entwickeln, umso mehr gegen ihre ursprünglichen Absichten wenden. Schulen verdummen, Krankenhäuser machen krank, Armeen vernichten, was sie verteidigen sollen, Behörden blockieren...

oder Wie Unvorhersehbarkeit paradoxerweise das Gefühl der Kontrolle erhöht

Von Foersters Vermutung und die Kunst

aufBruch Berlin: Mit Masken ins Spiel

Gespräch mit der KI aus dem Internet

Montag, 09. Februar 2026

Gut ist es, wenn du jemanden kennst, der ein Theater hat. Und der dich in diesen Tagen hineinlässt. Gut, dass ich Czesław kenne. Hinten im Hof liegt das Kammerspielchen, wie er es nennt, und das Wort Kammerspielchen steht auch rechts vom Eingang. Aber oben, auf der roten Fassade, steht groß und auf Polnisch: TEATR. Siehst du, sagt Czesław, so haben wir zwei Buchstaben eingespart. Jedes Mal, wenn ich im Ruhrgebiet bin, steige ich im Gdańska ab, am Altmarkt im Zentrum von Oberhausen. Es ist auch schon vorgekommen, dass ich zwei, drei Monate blieb. Ich glaube, es war am Ende meines ersten Aufenthalts, als Maria, Czesławs Frau, zu mir sagte: Wir adoptieren dich. Sind zwar spät dran damit, du bist ja schon groß, aber das machen wir jetzt einfach. Seither habe ich eine polnische Familie. Meine Geschwister sind selten da, denn auch sie sind schon groß. Die Schwestern sind Ärztinnen, eine in Berlin, eine in Wolfratshausen, der Bruder ist Ingenieur und lebt in Koblenz. Nur einmal haben wir uns alle zusammen gesehen, vor ein paar Jahren, als Czesław und Maria gemeinsam Geburtstag feierten, es könnte der 130ste gewesen sein, aber sicher bin ich mir nicht. Sicher ist nur, dass halb Oberhausen...

Ein Mann trinkt Wodka, ein anderer schaut zu

Meine polnische Familie

Staatstheater Mainz: Erkenntnis schadet nie

Was macht die Regie? Verzweifeln? 

Man kann heute kaum auf diese Bilder blicken, ohne an ­Covid-19 zu denken. Oder – je nach Gemüt – auch an kolorierte Spitzendeckchen. Eigentlich aber fotografiert Miriam Ferstl Leuchter in sakralen Räumen und Theatern. Denn da hat die 34-Jährige ihre künstlerischen Wurzeln. Ferstl ist 1986 im 5000-Seelen-Ort Oberviechtach geboren und hat in Bayreuth ­unter anderem Theaterwissenschaft studiert, bevor sie 2009 am Schauspielhaus Bochum von der Kleindarstellerin zur Requisiteurin zur dramaturgischen Assistentin aufstieg. Dann folgte in dem, was sie ihr „erstes Leben“ nennt, die Arbeit beim Film und in der „Tatort“-Redaktion des Bayerischen Fernsehens – und schließlich der 31. Juli 2016, als ihr in Supetar auf der kroatischen Insel Brač ein Kronleuchter begegnete: Ein in vielerlei Hinsicht bahn­brechen­des Erlebnis! Da war der Kontrast zwischen dem herunterge­kommenen Kirchenraum und dem riesigen Kristalllüster, dessen ungewohnt lebensfrohe Farbigkeit mit der Deckenbemalung korrespondierte. Da traf die venezianische Vergangenheit der Insel in Gestalt des bunten Murano-Glases auf die angeborene Glasfaszina­tion der im Bayerischen Wald aufgewachsenen jungen Frau. Und die hatte dann noch die schräge Idee, sich das Ganze von unten anzuschauen, während sie selbst flach auf dem Kirchen­boden liegt. Wenn Miriam Ferstl vier Jahre später davon erzählt, klingt sie noch immer überwältigt von der Entdeckung der...

Die Münchner Künstlerin Miriam Ferstl fotografiert Kronleuchter in Kirchen und Theatern – und öffnet damit den Blick auf verborgene Verbindungen zwischen Spiritualität, Kunst und Naturwissenschaft

Es werde Licht!

Mit überwiegend starkem Unbehagen reagiert die mediale Öffentlichkeit in vielen Teilen der Welt selbst nach dessen Abwahl auf Donald Trump. Auch das Theater konnte, außer ab und an eine Trump-Perücke als bühnenwirksam zu deklarieren, dieser Mischung aus Abscheu und Faszination wenig zusetzen. Trotz einer jahrtausendealten Literatur und unentwegt geübten Praxis der Menschendarstellung kommt es über die Kostümierung eines Oberflächeneffekts nicht hinaus. Angesichts dieses Sachverhalts ist es sowohl legitim wie auch geboten zu fragen, ob in den ­Arsenalen dieser Kunstform tatsächlich keine Modelle und Brenngläser existieren, welche der Spezifik dieser bestens ausgeleuch­teten Figur beikommen. Kann es überhaupt sein, dass sich im weitverzweigten Fundus Shakespeares, in den endlosen Regalen der dramatischen Weltenbibliothek, in denen sich Stück auf Stück stapelt, tatsächlich kein Bauplan findet, der diesen Typus katalo­gisiert und dessen Bewegungsgesetze transzendiert? Dem antiken Griechenland war das Phänomen des ­Tyrannen wohlbekannt. In ihm verbindet sich, so Michel ­Foucault in seinen unter dem Titel „Die Regierung der Lebenden“ erschienenen Vorlesungen, die politische Herrschaft mit speziellen Kenntnissen: „Durch das Innehaben der Macht ­hatten der König und diejenigen, die ihn umgaben, ein Wissen inne, das mit den übrigen sozialen Gruppen nicht geteilt werden konnte und durfte.“ Nicht die Willkür bestimmt die tyrannische Figur, sondern ihre Logik...

Warum das Theater mit Donald Trump jenseits der Karikatur nicht umzugehen weiß – obwohl seine Gestalt mit Blick auf die antike Dramengeschichte leicht zu entzaubern wäre

Trump, Tyrann!

Schlosstheater Moers: Einsamkeit ist keine Metapher

Theater als Denkmaschine 

PERSONEN ER SIE DER MANN DIE FRAU DER HAUSMEISTER DAS MÄDCHEN Anmerkung zur deutschen Übersetzung: DAS MÄDCHEN war in der Uraufführungsinszenierung einen Großteil der Zeit stumm auf der Bühne – am Anfang saß sie da und schluckte ein paar Tabletten (Abtreibungstabletten); bei ihrer Rückkehr auf die Bühne hatte die Abtreibung dann bereits stattgefunden … Ein großer, leerer Raum. Wenn es Möbel darin gibt, sind sie grau und zeitlos. Es ist sehr dunkel. Nach und nach wird es langsam heller. ER 30 Jahre alt. Ist es hier? SIE 27 Jahre alt. Ich weiß nicht. ER War es hier? Stille. ER Ist es wirklich hier? SIE Ich sag doch, ich weiß es nicht. ER Nein. SIE Wie soll ich das wissen? ER Hier ist ja keiner. SIE Ich weiß nichts. ER Hier ist ja keiner, den man fragen kann. SIE Ich weiß nichts mehr. ER Sehr komisch. Stille. ER Ich kenn mich nicht aus ... SIE Kannst du nicht gehen und fragen? ER Wen? SIE Die da, die da waren ... ER Gott, jetzt ist es gleich so weit. Kurze Pause. Die haben doch gesagt, wir sollten hier reingehen. DER MANN Es war hier ... SIE Dann ist es...

Deutsch von Angelika Gundlach

Terminal 3

Sicherheit und trotzdem Sorgen

Landestheater Tübingen: Kampf um die sterbende Demokratie

Theater Lüneburg: Erinnern muss wehtun

Was heißt es, dem Menschen eine Stimme zu geben? Wie verändert sich der Alltagssound in Zeiten einer Pandemie? Wie klingt die Welt in der virtuellen Realität? Und wie demokratisch sind unsere Bühnen des Gesangs? Wir haben Protagonisten aus den verschiedensten Bereichen der Musikproduktion an einen Tisch gebracht: Die Komponistin Sara Glojnarić und der Komponist Óscar Escudero berichten über ihre Ausbrüche aus dem ­Kanon der zeitgenössischen Musik, die Musikwissenschaftlerin Marie-Anne Kohl analysiert die ambivalente Demokratisierungsidee von Talentshows im Fernsehen und Sounddesigner Richard Janssen erzählt von Kollaborationen aus dem Geiste der Popmusik und seiner Arbeit mit der Regisseurin Susanne Kennedy. Sara Glojnarić, Óscar Escudero, Marie-Anne Kohl, Richard Janssen, wir blicken auf ein Jahr extremer Lautstärkeschwankungen zurück. Mehrmals wurde das öffentliche Leben durch die pandemiebedingten Lockdowns heruntergefahren. Es wurde ruhiger in den Straßen. Stille trat ein. Sie alle haben beruflich mit Musik und Sound zu tun. Welchem Sound, auch im erweiterten Sinne, hören Sie derzeit am liebsten zu? Richard Janssen: Mich interessiert die Räumlichkeit von Sound. Auch im Theater verwende ich eine Vielzahl an Lautsprechern, um einen 3-D-Sound zu generieren. Gerade arbeite ich mit der Regisseurin Susanne Kennedy und ihrem Team an einem Virtual-Reality-Projekt. Unter meinem VR-Headset verschließe ich mich also momentan eher...

Der Komponist Óscar Escudero, die Komponistin Sara Glojnarić, die Musikwissenschaftlerin Marie-Anne Kohl sowie der Sounddesigner Richard Janssen im Gespräch über Talentshows, Hubba-Bubba-Opern und den

Der Sound der Algorithmen

Theater Marie: Zwischen Verantwortung, Schein und Sein

Die Abwertung von Care-Themen ist misogyn

Nichts aufgeben

Mittwoch, 18. Februar 2026

Donnerstag, 29. Januar 2026

Dienstag, 10. März 2026

Autorinnen und Autoren März 2021 / Vorschau

Donnerstag, 12. Februar 2026

„Man kann die Demokratie auch aus Faulheit verlieren“

Mainfranken Theater Würzburg: Vereint in Einsamkeit

Montag, 16. März 2026

Die Nachricht von Lars’ Tod erhalte ich von Jean-Louis Colinet, dem ehemaligen Leiter des Théâtre National de Bruxelles. Wir sind traurig und auch sprachlos. Ich denke an unsere Arbeit „Le 20 Novembre“ und versuche, ihn mir lebend einzuprägen, um ihn festzuhalten. Einige Erinnerungen an Lars Norén schreibe ich nun auf. Ich kann ihm sicher nicht gerecht werden. Er hat mir sehr viel positive Energie gegeben und mich respektiert. Ich habe viel von ihm gelernt. Was ich hier beschreiben kann, ist nur ein kleiner Teil. Ich habe ein paar Inszenierungen seiner Stücke gesehen. Ein Video auf Youtube hat mir besonders gefallen. Die Gruppe heißt Stockholms Improvisations­teater: Das Video hat den Titel „Stockholm Syndrom“. 186 Aufrufe – mit mir 187. <a href="https://youtu.be/_WH7VaTuHzE" target="_blank">https://youtu.be/_WH7VaTuHzE</a> So möchte ich gerne die Stücke von Lars gespielt sehen. Ich mag die Komik, die gar keine ist. 2007 – Während der Proben Die Arbeit mit Lars Norén ist für mich ein Glücksfall! Ich darf außerdem in der wunderschönen Stadt Brüssel sein, im Théâtre National de Bruxelles, in der Nähe des Atomiums, ich darf das Thema selbst aussuchen Ich darf selbst auch schreiben!!!!!!! Ich darf französisch und englisch sprechen, das Team ist großartig und hilfsbereit. All das ist nicht selbstverständlich. Und...

Erinnerungen an eine gemeinsame Arbeit mit dem an Covid-19 verstorbenen Dramatiker und Regisseur Lars Norén

Wenn du Angst hast, redest du einfach lauter

Tanz ist einfach überall

Schauspiel Leipzig: All Too Well (80 Minute Theatre Version)

Was macht das Theater, Fee Aviv Dubois?

Noch schlimmer dran als derjenige, der etwas zu sagen habe und keinen Zuhörer finde, sei der Zuhörer, der keinen finde, der ihm etwas zu sagen hat: So Brecht in den Ausführungen zu seiner Radiotheorie. Der Theaterregisseur und Autor Stephan Suschke ist ein profunder Kenner Bertolt Brechts. Aus dem Archiv der Berliner Akademie der Künste hat er jüngst Tonaufnahmen geborgen, auf denen Brecht bei den Proben zu seinem Stück „Leben des Galilei“ zu hören ist. Diese fanden im letzten Lebensjahr des Dramatikers am Berliner Ensemble statt. Zweifelsohne ist hier jemand zu hören, der etwas zu sagen hat. Suschke gelingt es, die damalige Zeit und Brechts Theaterarbeit plastisch zu ­machen. Im Kopf kann so etwas wie der Bruchteil einer Inszenierung entstehen. Zu einem gut zweistündigen Feature komponiert er die Originalaufnahmen und erweitert sie um dienliche Hinweise zur Entstehung des „Galilei“ und zur Probenarbeit. Wem das zu schnell geht, der hat die Möglichkeit, in einem umfangreichen Booklet nachzulesen. Das schmale Buch mutet mit seinem Leineneinband und der goldenen Schriftprägung wie Brechts Modellbücher an und schafft undidaktisch den Kontext zu dem Hörbaren, angereichert etwa durch liebenswert umsichtige Typoskripte Brechts an ­seine Schauspieler. Wie kommt es aber zu dem letzten Teil dieser mit „Brecht probt...

Brecht probt Galilei. 1955/56. Ein Mann, der keine Zeit mehr hat. Hg. von Stephan Suschke, speak low, 3 CDs und Booklet mit 50 S., 151 Min.

Der Hörer spielt mit

Kassandras Hoffnung

Klavier im Fluss

Nationaltheater Mannheim: Gefangen in den Illusionen der KI 

Was macht das Theater, Guido Lambrecht?

Freitag, 27. Februar 2026

Mittwoch, 04. Februar 2026

Working Class Heroes vorm Bullseye

Corona hat unseren Wortschatz erheblich erweitert. Begriffe, die vor einem Jahr noch weitgehend unbekannt waren, gehören heute zum Alltagsvokabular. Für Kritiker ist ein ganz spezielles Wort dazugekommen: „Rezen­sionsbrille“. Selbige liefert der Paketdienst nach Hause, zu Transportzwecken im Karton­inneren gebettet in zerknülltes Weihnachtsgeschenkpapier. Die in solchen Fällen gebräuchliche Blasenfolie hatte Tina Lorenz offenbar nicht vorrätig. Lorenz ist Projekt­leiterin für digitale Entwicklung am Staatstheater Augsburg und derzeit im Homeoffice. Von dort hat sie ein Presseexemplar des ­neuesten Home-Entertainment-Angebots ­ihres Arbeitgebers losgeschickt: eine VR-Brille, die mit einer Filmfassung von David Mamets „Oleanna“ bespielt ist, inszeniert von Axel Sichrovsky. Die Handhabung ist simpel: Auf­setzen, einschalten und eintauchen in die virtuelle Realität. Da steht man dann – scheinbar – mitten in einer alten Bibliothek, und wer sich nun an seinem realen Standort einmal um sich selbst dreht, sieht nicht das eigene heimische Mobiliar, sondern im 360-Grad-Rundumblick Wände voller Bücher­regale. Man meint, den Geruch alter Wälzer wahr­zunehmen, spürt die erdrückende Last geballten Wissens. Die Studentin Carol fühlt sich dieser Last ausgeliefert, weshalb sie den Kontakt zu ihrem Professor sucht. Mit trotzigem Willen zur Selbstbehauptung berichtet Katja Sieder als Carol von der Überforderung mit dem Lehrstoff. John, der Professor, zeigt Verständnis, bietet seine Hilfe an, gern auch...

Staatstheater Augsburg: „Oleanna – ein Machtspiel“ von David Mamet. Regie Axel Sichrovsky, Ausstattung Jan Steigert

Augsburg: Der unsichtbare Dritte

Erzgebirgischen Theater- und Orchester Annaberg-Buchholz: Für eine Handvoll Mark (DDR)

Licht im Herzen der Finsternis

Dienstag, 03. März 2026

Meldungen

Theater als hörender Ort

Für die gekürzte, geliebte Neue Dramatik 

Zwischen Offenheit und Angst ums nächste Engagement

„Systemsprenger“ ist ein Begriff, der Künstlerinnen und Künstlern, die sich als Avantgarde verstehen, eigentlich als Adelstitel gelten müsste. Keine Vorgaben, keine Regeln, keine Klassifizierungen. Stattdessen eine Kunst, die immer wieder bei null anfängt. Die statt mit vorgefertigten Bausteinen mit den eigenen Ideen spielt. Sich keiner Institution und keinem Abo-Publikum beugt, sondern ihre Kraft und Intensität allein aus sich selbst schöpft, dabei munter alle Genregrenzen ­ignorierend – und somit all jene infrage stellend, die brav dem Systemzwang gehorchen. Mit diesen Charakteristika ließe sich die ­Szene des freien Musiktheaters in Europa beschreiben. Und doch sind ihre Akteurinnen und Akteure mit dem Dasein als Outlaw un­zufrieden. Das zeitgenössische, unabhängige ­Musiktheater, schreibt Matthias Rebstock, Professor für Szenische Musik an der Universität Hildesheim, in dem 2020 im transcript Verlag erschienenen Band „Freies Musiktheater in Europa“, gleiche einem Kaleidoskop unterschiedlichster Formen und sei damit ein „Motor interdisziplinärer bzw. transdisziplinärer Kunst“. Genau deshalb aber arbeite es permanent an seinem Verschwinden. Je intensiver es sich nämlich auf seine transdis­ziplinäre Natur einlasse, desto größer sei der Verlust an Sichtbarkeit als eigenes künstle­risches Feld. In einem Kunstbetrieb, der nach wie vor disziplinär aufgestellt sei, so Rebstock, werde es somit zwischen den Sparten zerrieben. Die Folge: Eine eigene öffent­liche wie auch...

Freies Musiktheater in Europa/Independent Music Theatre in Europe. Vier Fallstudien/Four Case Studies. Hg. von ITI Zentrum Deutschland/M. Rebstock, transcript Verlag, Bielefeld 2020, 302 S., 35 EUR.

Kein Künstler ist eine Insel

Das Ende des „Safe Space“

In der Berliner freien Szene werden die großen Fragen mittels Stream in die Wohnzimmer der Zuschauer projiziert. Wie funktioniert das: lieben, leben, arbeiten? Und wie wollen wir – zusammen – leben? Regisseur Jan Koslowski versucht ein Abschreiten dieser Fragen mit Brigitte Reimann. Die große DDR-Chronistin, die mit ihrem Tage­buchopus ­Walter Kempowski durchaus ebenbürtig ist, wird selbst zur Figur und kommt von der ostdeutschen Provinz in die südfranzösische Provence. Dort steht der Mont Ventoux und wartet darauf, erklommen zu werden, so wie Literatur darauf wartet, geschrieben zu werden. Arbeit also. Ob es einfacher dadurch wird, dass sie Francesco Petrarca zurate zieht, dem all das schon einmal müheloser gelungen ist, bleibt fraglich. Hier wird weniger gehandelt und mehr gedacht. Reimann-Versatzstücke werden mit allerhand Kalauern versehen. Koslowski, der gemeinsam mit Marlene Kolatschny auch den Text mit dem programmatischen Titel „Brigitte Reimann besteigt den Mont Ventoux! – Der Film“ verfasst hat, gehört zur Generation der sogenannten Wendekinder. 1987 in Rostock geboren, verleugnet er ein ostdeutsches kulturelles Erbe nicht, sondern nutzt es als Material. Dennoch stellt sich der Eindruck ein, dass östliche Geschichte hier vor allem als Zeichenarsenal Verwendung findet. Die Zigarettenpäckchen schmückt der Aufdruck Ost. Aber könnte da nicht noch mehr sein? Wo liegen...

Theaterdiscounter: „Bodentiefe Fenster“ nach dem Roman von Anke Stelling; Ballhaus Ost: „Brigitte Reimann besteigt den Mont Ventoux! – Der Film“ von Marlene Kolatschny und Jan Koslowski

Berlin: Von Provinz zu Provence

Theater Bielefeld: Helden sind Monster

Da sitzt er mit Strickmütze im offenbar frostigen Nachtasyl, ausgerechnet dem Ort des Hamburger Thalia Theaters, an dem sonst die jungen Regisseure des Hauses inszenieren und die besten Partys stattfinden: Thalia-­Intendant Joachim Lux hat den Ort für seine Eröffnungsansprache der diesjährigen Lessing­tage sicher nicht zufällig gewählt. Denn es ist ein Ort des Experimentierens und der Begegnung. Und genau das, so sagt er in seinen einführenden Worten, soll das digitale Format „Stories of Europe“ – ein Festival des europäischen Netzwerks mitos21 – erzeugen: Dialog, gemeinsames Theatergucken mit Freunden weltweit. Die Inszenierungen wurden von Partnertheatern aus acht Ländern – von Frankreich über Italien bis Schweden und Russland – selbst ausgesucht, es gab also keine kuratorische Auswahl. In dem folgenden Kurzfilm „Voices of Europe“ kommen – neben den am Festival teilnehmenden Künstlerinnen und Künstlern – Macher der europäischen Theaterszene zu Wort. Die dreißig Minuten geben einen spannenden Einblick, was die Pandemie in den jeweiligen Ländern für Künstler bedeutet. Die staatlich geförderten Theater im deutschsprachigen Raum stehen vergleichsweise gut da, wenn man etwa aufs Londoner Westend blickt, wo die Häuser seit einem Jahr geschlossen sind und keine Gewinne erzielen können – eine ähnlich prekäre Situation wie für freie Künstler weltweit. Doch alle scheinen sich...

Die digitalen Lessingtage des Hamburger Thalia Theaters bringen die Stimmenvielfalt europäischer Künstlerinnen und Künstler ins Wohnzimmer

Antigone in Molenbeek

Der Faktor Zufall – Performances fernab von der Bühne

Wie für alle Live-Künste gilt auch für das experimentelle Musiktheater: Was sich in den vergangenen Monaten unter normalen Bedingungen hätte entwickeln können, lässt sich angesichts der massiven Einschränkungen seit März 2020 nicht sagen. Genauso wenig, wie sich erahnen lässt, an welcher Stelle die Künste einsetzen werden, wenn Nähe und Distanz in Theaterräumen wieder variabel sind. Vielleicht werden die Jahre 2020/21 einmal rückblickend als Zeit betrachtet, in der überdeutlich wurde, dass selbst der vielseitige Umgang mit analogen und digitalen Medien in der experimentellen Musik(theater)szene es keineswegs einfacher machte, den Medien- und Gattungswechsel ins Streaming-Laptop-Format zu überstehen. Dieser Widerspruch weist auf einige konstitutive Momente des Bereichs hin, denen ich anhand von Beispielen aus der Berliner Szene nachgehen möchte. Experimentelles Musiktheater setzt sich aus verschiedenen Genres und Ansätzen zusammen und ist eher außerhalb von Opernhäusern anzutreffen, aber auch dem Sprechtheater keineswegs besonders nahe – vielmehr wird ein sehr viel weiteres Spektrum an Möglichkeiten untersucht, wie Musik und Theater verbunden werden können. Dabei werden die benachbarten Künste Tanz und Performancekunst einbezogen, und zumindest in der Berliner Szene gibt es eine erhebliche Faszination für elektro­nische und analoge Geräte und Medien. Diese Vielfalt macht es nicht einfacher, einen Überblick über den Bereich zu geben, da Ansätze...

Ein Streifzug durch die Szene des experimentellen Musiktheaters in Berlin

Klirr, sssssst

Mittwoch, 18.03.2026

Rauf auf große Bühnen!

„Rasenmäherpolitik“ bedroht Kultur und Gesellschaft in Baden-Württemberg

Schritt für Schritt

Seit den ersten Protesten am 23. Januar, sechs Tage nach der Verhaftung von Alexej Nawalny, finden die wesentlichen Kämpfe in den sozialen Netzwerken und nicht in der realen Theaterwelt statt. Die russischen Theater, die zu einer erdrückenden Mehrzahl staatliche Einrichtungen sind, spielen ihr übliches Repertoire, in Moskau geschieht das aufgrund der Corona-Maßnahmen vor einem um fünfzig Prozent reduzierten Publikum. Fast keiner der Intendanten und „großen“ Regisseure hat sich in den sozialen Netzwerken oder den Medien für das Recht auf Versammlungsfreiheit oder gegen die Gesetzlosigkeit ausgesprochen. Die Menschen spüren die Gefahr und schweigen – erst recht, wenn sie an einer staatlichen Kultureinrichtung tätig sind. Es gibt keine Protestnoten vor den Aufführungen wie während des Prozesses gegen Kirill Serebrennikow und das Studio 7 oder Solidaritätsbekundungen wie im Falle des Moskauer Schauspielers Pawel Ustinow, für den sich eine Kollegin des Teatr-Teatr in Perm eingesetzt hatte. Aber hinter der Fassade, die trotz der gegenwärtigen Ereignisse bislang unversehrt blieb, brodelt in den sozialen Netzwerken die Aktivität. Einzelne, vor allem junge Theaterschaffende mussten dafür bereits büßen. Sie wurden von Plakaten entfernt, ihre Seiten wurden von den Websites der Theater gelöscht. In den vergangenen Jahren formierte sich in der russischen Theaterszene eine Welle neuer, junger Kunstschaffender, unabhängiger...

In ganz Russland protestieren Menschen gegen die Verurteilung des Kreml-Kritikers Alexej Nawalny – Hier berichten Theaterschaffende über ihre Angst, ihren Hass und ihren Mut

Im Fleischwolf eurer Repression

Es gibt Rassismus, es gibt Sexismus, es gibt auch Moralismus (in linken Kreisen ­weniger populär). Ob es aber so etwas wie „Klassismus“ gibt, also die Betrachtung ­einer Gesellschaft ausschließlich unter dem Aspekt der jeweiligen Klassenzugehörigkeit, und inwiefern diese zu rügen wäre, ist eine offene Frage. Immerhin war Karl Marx ein klassischer Klassist, bevor er, zusammen mit seinem Freund und Finanzier Friedrich Engels, ein marxistischer Klassizist wurde. Engels stammt ja aus Barmen, seinerzeit noch kein Stadtteil von Wuppertal, das ­Theater am Engelsgarten befindet sich gleich neben dem historischen Engelshaus, und „Café Populaire“ wurde in der Wuppertaler Fassung in Barmen eingemeindet; vermutlich aus keinem anderen Grund als dem, dass es so vortrefflich mit „Erbarmen“ korreliert. Im Stück der 1983 in München geborenen Nora Abdel-Maksoud geht es um Klassenverhältnisse, um ihre angemessene Betrachtung, um politische Korrektheit und um die Fallstricke, die zuverlässig mit ihr verbunden sind. Die Hauptfigur Svenja ist „Hospizclown“ und „guter Mensch“, was heißen soll, sie will niemandem wehtun, vor allem nicht durch Übergriffe und falsche Benennungen. Das erweist sich als so schwierig, dass eine „Abspaltung“ von Svenja, genannt „der Don“ (Julia Meier), ihr immer wieder in die Parade fährt und ihr böse Schmähbegriffe wie „Asiproll“ souffliert. Der von Svenja erfundene...

Wuppertaler Bühnen: „Café Populaire” von Nora Abdel-Maksoud. Regie Maja Delinić, Ausstattung Ria Papadopoulou

Der schrille Don

Gut 300 Personen dürfen sich in den Livestream des Schauspielhauses Bochum einwählen; die Vorstellung gilt dann als „ausverkauft“. Im Frühsommer, nach dem ersten Lockdown, wurde Johan Simons’ Elias-Canetti-Inszenierung „Die Befristeten“ bereits vor 50 maskierten Präsenz-Zuschauern gespielt, die sich nicht mit Zwei-, sondern eher mit 20-Meter-Abständen im Schauspielhaus ver­loren und einander wehmütig zuwinkten. In Canettis dramatischem Gedankenspiel aus den Fünfzigern geht es ums Sterben, genauer um die Frage, was wäre, wenn jeder Sterb­liche die Stunde seines Todes bereits amtlich verbrieft hätte und sogar im Namen trüge: „Fünfzig“, „Achtundachtzig“, „Zehn“, das Alter, das jede und jeder erreicht, steht ihm und ihr sozusagen auf der Stirn, zusätzlich befindet es sich verschweißt in einer Kapsel, die man bei sich führt und auf keinen Fall verlieren darf. Die Thematik des Stücks passt wie der Deckel auf den Topf der Pandemie, und doch ist Canettis Text eher bizarr als triftig zu nennen und wirkt ein wenig angestaubt, so sehr Simons’ Regie sich auch bemüht, etwa durch Cross-Gender-Besetzungen zeitgemäße Akzente zu setzen. Die einzuhaltenden Sicherheits­abstände werden anhand von Auftritten durch die Saaltüren zum prägenden Stilmittel des Abends. „Wir haben keine Angst, denn wir wissen, was uns bevorsteht“, tönen die Türsteher im Chor – und keiner glaubt’s, schon...

Schauspielhaus Bochum: „Die Befristeten“ von Elias Canetti. Regie Johan Simons, Kostüme Britta Brodda und Sofia Dorazio Brockhausen

Bochum: Bye-bye Life

Auch wenn Theater-Urgott Dionysos einem Hang zur Metamorphose nachging und sich vor den Augen der Zuschauer in ein Tier verwandelte, operiert die Bühne seit Jahrhunderten mit einem sozialen Kosmos, den fast ausschließlich Angehörige der Gattung Homo sapiens bespielen. Heute läuten die ökologischen Katastrophen das Ende des Anthropozentrismus ein. Damit stellt das einsetzende planetarische Zeitalter das Theater vor völlig neuartige Aufgaben. In Das Drama des Anthropozäns reflektiert Frank-M. Raddatz die tektonischen Verschiebungen, welche das Anthropozän, die erstmalige Kreuzung von Erd- und Menschengeschichte, für die Bühne mit sich bringt, taucht Motive tradierter Stücke in ein fremdes Licht und bahnt künftigen Konzeptualisierungen den Weg. Neben seinem Essay enthält der Band auch ein Gespräch von Frank-M. Raddatz mit Antje Boetius, Leiterin des Alfred-Wegener-Instituts, und dem Wissenschaftshistoriker Hans-Jörg Rheinberger. Die Frage, warum ausgerechnet das Theater, das sich gerne als Seismograf preist, als mit unzähligen feinen Antennen ausgestattete, stets auf der Höhe der Zeit agierende Apparatur, mit dem Themenfeld der ökologischen Krise(n) seine Schwierigkeiten hat, ist leicht zu beantworten. Der Kosmos, den die Bühne eröffnet, ist vornehmlich sozialer Natur. Menschen geraten in – wodurch auch immer bedingten – Konflikten aneinander und verkörpern zugleich die mitunter tragische oder zwiespältige, jedenfalls zumeist nicht für alle Beteiligten gleichermaßen glückliche...

Das Drama des Anthropozäns (Exklusiver Vorabdruck)

Mittwoch, 11. März 2026

Schauspiel Dortmund: Funkelnde Tränen

Montag, 23. Februar 2026

Montag, 09. März 2026

Dienstag, 10. Februar 2026

Theaterfamilie versus Familie

Theater Aachen: Zwei Stunden Zuhören

„Bei ihr war es schnell klar“

Freitag, 20. Februar 2026

Für Potentaten wie Wladimir Putin sind die digitalen Medien Segen und Fluch zugleich. Während unzählige Bots tagtäglich versuchen, regierungsfreundliche Nachrichten in den Kanälen zu platzieren, platzen ebenso regelmäßig die Enthüllungsvideos des Kreml-Kritikers Alexej Nawalny ins Geschehen. In Russland ist das Videoportal Youtube längst zum politischen Kampfplatz avanciert. Auch Telegram, Instagram oder Facebook tragen zur Dynamik der Ereignisse bei: „Seit den ersten Protesten am 23. Januar“, seit Nawalny in Moskau also...

Editorial

2019 sprüht eine unbekannte Person auf eine Mauer der Garnisonkirche in Potsdam ein Graffiti, auf dem eine Frau die Sterne der EU verwischt. Kurz darauf wird die Performerin ­Paula Knüpling wegen „Hausfriedensbruch“ und „Zerstörung öffentlichen Eigentums“ verhaftet. Eine wahre Geschichte? Für das Berliner Künstlerinnenduo cmd+c jedenfalls ist sie eine perfekte Vorlage, um daraus einen Theaterabend zu entwerfen, der schließlich als eine Art Lecture Performance unter dem Titel „Single Lives As Single Wants“ an der Berliner Schaubude zu sehen war. „Man kann die Kunst nicht von der Künstlerin trennen“, sagt Paula Knüpling mit Überzeugung. Gemeinsam mit ihrer Partnerin Marina Prados bildet sie die Theaterkompanie cmd+c, welche nach Grenzen von Fiktion und Realität, nach persönlichen Erfahrungen und Le­bens­utopien sucht. Das junge Künstlerinnenpaar lernte sich 2016 im Jugendtheater der Berliner Volksbühne P14 kennen. Der Funke sprang schnell über – im Privaten wie auch in Bezug auf das gemeinsame Verständnis von Kunst. Knüpling wurde 1995 in Berlin geboren und war bislang als Schauspielerin an der Volksbühne zu erleben (unter anderem in „Die 120 Tage von Sodom“ in der Regie von Johann Kresnik sowie bei P14). 2019 debütierte sie mit einer Hauptrolle im Spielfilm „Heute oder morgen“ (Regie Thomas Moritz Helm). Prados wurde 1994 in...

Das Berliner Duo cmd+c durchleuchtet mit den Mitteln der „Transkunst“ Themen wie Machtmissbrauch im Theater

Feminismus ohne schwere Theorie

Herr Reinholdtsen, Sie arbeiten an der Zukunftsmusik! Sie entwickeln großformatige philosophische Opernprojekte, in denen die Musik vollständig mit virtuellen Instrumenten eingespielt wird. Im April kommen Sie zum Tonlagen-Festival nach Dresden-Hellerau. Was werden Sie dort zeigen? Es geht um eine seltsame, mystische Gruppe von Verlierern und Ausgestoßenen aus dem Lumpenproletariat, dem Prekariat und den deplorables. Sie nennen sich „Die Follower von Ø“ und werden ihr affirmatives Agitprop-Oratorium „Zu den Waffen! Zu den Waffen!“ aufführen. Für die (wenigen) unter Ihnen, die den Hintergrund nicht kennen: „Die Follower von Ø“ sind hyperbegeisterte und manchmal etwas radikalisierte Zuschauer, die sich sehr oft meine Youtube-Filmreihe „Ø“ anschauen und sie zu interpretieren versuchen. Ein Teil dieser „Ø“-Serie war 2018 auf der Münchener Biennale, dem Festival für neues Musiktheater, zu erleben: Trollartige ­Wesen mit Bauschaumköpfen sangen mit großer Inbrunst Schlüsselsätze aus der Philosophie. Die Protagonisten der „Ø“-Filme haben sich freiwillig und komplett von der Bürokratie, der Dekadenz, dem digitalen Lärm und überhaupt der ganzen Idee eines „Außen“ isoliert. Sie nennen es „das System“ und haben sich vor ihm in einem entlegenen schwedischen Dorf im Keller verbarrikadiert. Dort planen sie „Das Ereignis“, eine mystische Aktion von weltveränderndem Ausmaß. Leider sind ihre vorbereitenden Recherchen, ihre philosophischen und politischen...

Der Komponist Trond Reinholdtsen über die Norwegian Opra, die Krise der zeitgenössischen Musik und seine Arbeiten mit Vinge/Müller im Gespräch mit Harry Lehmann und Christine Wahl

Neue Intendanz!

Der Messingkauf im Curazän

Die energetische Kraft des Lachens

Die zweite Raumzeitmaterialisierung

Wer setzt den perfekten Haken?

Peter Schneider, wie Ihre Kollegin Julischka ­Eichel haben auch Sie in einem Brandbrief auf die schwierige Lage freischaffender Schauspieler aufmerksam gemacht. Warum ist sie so besonders kompliziert? Weil wir sozialversicherungsrechtlich zwischen zwei Welten schweben. Ein Großteil der freischaffenden Schauspieler ist nicht ­soloselbstständig, sondern immer nur kurz­fristig beziehungsweise unständig bei verschiedenen Arbeitgebern beschäftigt. Dadurch können wir uns in den seltensten Fällen einen Anspruch auf ALG1 erarbeiten, denn dafür müsste man auf 360 versicherte Tage innerhalb von zwei Jahren kommen. Und das schafft kaum jemand, der als Gast am Theater arbeitet. Selbst wenn man beispielsweise mit 80 versicherten Tagen im Jahr verhältnismäßig viel dreht, wäre man 280 Tage lang nicht versichert. In diesen Zwischenzeiten haben wir in der Krankenversicherung die gleichen Kosten wie ein selbstständiger Handwerker zu tragen, aber in der Regel kein Einkommen. In die Renten- und Arbeits­losenversicherung wird in dieser Zeit meist gar nichts eingezahlt. In die Künstlersozialkasse kommen Sie nicht? Nein, das wäre das System, das für uns ­zuständig wäre, wenn wir selbstständig agieren und Rechnungen schreiben dürften. Wir wären dann das ganze Jahr durchversichert, und unsere Zahlungen plus die staatlichen Zahlungen der „Arbeitgeberanteile“ würden auch die Lücken in der Rentenversicherung schließen, die dazu führen, dass man als freischaffender...

In einem offenen Brief an Kulturstaatsministerin Monika Grütters hat die Schauspielerin Julischka Eichel kürzlich auf die sozialversicherungsrechtlich schwierige Situation freischaffender Akteurinnen und Akteure während des pandemiebedingten Lockdowns aufmerksam gemacht. Ihr Kollege Peter Schneider ist seit 21 Jahren „Solokämpfer“ aus Überzeugung und kennt die Situation als Schauspieler im Theater und Film, aber auch als Musiker und Komponist. Darüber ist er zum Experten für das Thema geworden – und weiß, was sich idealerweise ändern müsste.

Was macht das Theater, Peter Schneider?

Theater ist aufs Smartphone gewandert. Das kann in Pandemiezeiten eine hübsche Not­lösung sein. Bei den Gruppen machina eX oder vorschlag:hammer etwa entstanden sogar reizvolle Erweiterungen, die auch in pandemiefreien Zeiten Bestand haben könnten. Die Gruppe Borgtheater, von Rolf Kasteleiner bereits 2013 in einem frühen Versuch der Verschmelzung von digitalen Ästhetiken und theatralen Praktiken ins Leben gerufen, hat ihr Projekt „Customerzombification“ in Zusammenarbeit mit dem Theater Vorpommern auf der Basis einer extra für Theatergames konzipierten App entwickelt. Toto.io heißt diese Schöpfung des Berliner Gamedesigners Markus Schubert, die bereits von Gruppen wie Prinzip Gonzo und Invisible Playground genutzt wurde. Man lädt die App herunter, registriert sich und erhält per QR-Code Zugang zum Spiel, das in diverse Räume und Spielniveaus gegliedert ist. Dem analogen Theaterbesuch angepasst, gibt es Situationen vor dem Haus, im Foyer und schließlich im Zuschauersaal. Die digitale Ästhetik dieser Räume ließ sich beim Selbstversuch leider nicht erfahren: Infolge eines Systemfehlers kam der Link zum You­tube-Stream, den man auf einem Zweitgerät parallel verfolgen sollte, nicht an. Warum Kasteleiner nicht die in Toto.io vorgesehenen Schnittstellen für Audio- und Videozuspiele nutzt, sondern auf Youtube und ein zusätzliches Gerät ausweicht, ist verwunderlich. Die nun folgende Kritik hat wegen des fehlenden Links zum Streamkanal foren­sische...

Theater Vorpommern/Borgtheater: „Customerzombification 1 / Mein fremder Wille“ von Rolf Kasteleiner. Regie Rolf Kasteleiner, Gamedesign Rolf Kasteleiner und Markus Schubert, Visual Content Daniel Müll

Greifswald: Wo ist Alice?

Welch eine Mischung: Die sanfte, aber stimmgewaltige Masha Qrella leiht ihr Organ dem existenzialistischen Dichterfürsten von Ost-Berlin, Thomas Brasch. Wer Braschs ­Lyrik kennt, dem fällt die Vorstellung nicht schwer, sie auch gesungen zu hören. Der künstlerische Allrounder – Wechselgänger zwischen wirkmächtigen Filmen, pointierten Stücken und kongenialen Übersetzungen – hat schnörkellos geschrieben. Seine Gedichte besitzen eine klare Form und entfalten ihren Klang weit jenseits von Kitsch. Dass Qrella sich nun auf ihrem Doppelalbum „Woanders“ Braschs Verse vornimmt, mag im ersten Augenblick erstaunen. Aber vielleicht war diese Annäherung der ungleichen Künstler nur eine Frage der Zeit. Masha Qrella, die mit ihren frühen englischsprachigen Postrock-Experimenten und ihrer klangvollen, unverwechselbaren Stimme von sich reden gemacht hat, ist immerhin auch in Thea­terkreisen – etwa durch Zusammenarbeiten mit Gob Squad und Stefan Pucher – keine Unbekannte. Auseinandersetzungen mit Heiner Müller und Einar Schleef – Zeugnis gibt die EP „Day After Day“ – haben reiche Früchte getragen und können vielleicht als Vorarbeit zu diesem Album verstanden werden. Jetzt also Brasch. Eine minimalistische Begleitung und unaufdringliche Elektrosounds legen den Fokus klar auf Qrellas Gesang – und auf Braschs Worte. 17 Gedichte, ein Querschnitt seines poetischen Schaffens, sind das Fundament für durchaus radiotaug­liche Nummern. Dass das Album „Woanders“ heißt,...

Masha Qrella: Woanders. Staatsakt 2021, CD, 68:41 Min.

Matt geküsst

Was macht das Theater, Martin Heckmanns?

Der Lockdown macht gezwungenermaßen erfinderisch. Wenn wir schon nicht in einem Saal zusammenkommen können, dann müssen andere Wege beschritten werden, um ein Gefühl von Gemeinschaft zu erzeugen. Einen faszinierenden Weg, das zu erreichen, hat das freie Theaterkollektiv Anna Kpok mit der Online-Gaming-Performance „Anna Kpok und die Dinge aus einer anderen Zeit“ gefunden. Entstanden im ersten Lockdown im Frühjahr 2020, ermöglicht dieses zuletzt über die Schaubude Berlin präsentierte Text-Adventure sechs Spielerinnen und Spielern, die sich in einer Zoom-Konferenz treffen, die Detektivin Anna Kpok auf ihrem Weg durch ein weitgehend verlassenes Mülheim an der Ruhr zu navigieren. Die sechs Teil­neh­merinnen, die jeweils in Zweierkonstellationen gemeinsam spielen, tauchen mittels der Texte, die auf ihren Bildschirmen erscheinen und zugleich von einer Frauenstimme vorgetragen werden, in eine surreale Welt ein, die ebenso an Lewis Carrolls „Alice im Wunderland“ wie an klassische Science-Fiction-­Storys erinnert. Wie bei den in den 1980ern populären inter­aktiven „Spielbüchern“ müssen die Spielerinnen und Spieler bei „Anna Kpok und die Dinge aus einer anderen Zeit“ entscheiden, welchen Weg sie für ihre Heldin wählen. Jede Entscheidung fächert die Geschichte weiter auf und beleuchtet einen weiteren Ausschnitt des Spielkosmos, den man doch nie ganz erkunden kann. Da immer zwei Personen gemeinsam entscheiden müssen, entwickelt das...

Das Bochumer Kollektiv Anna Kpok befragt die Welt mittels digitaler Verfremdung

Virtuelle Komplizenschaften

Fotografien

Woran merkt man, dass ein Theater-Stream live ist? Natürlich daran, dass man ihn nicht anhalten kann, um eine Pause einzulegen. Auch Vorspulen geht nicht. Sollte man derlei Bedürfnisse aber ohnehin nicht hegen, ist der Unterschied zu voraufgezeichneten Aufführungen eher ein gefühlter. Es bleibt dem eigenen Kopf überlassen, sich auszumalen, wie da gerade andere Menschen daheim am Bildschirm dieselbe Darbietung mitverfolgen wie man selbst, und dass diese Vorstellung tatsächlich just im Moment auf irgendeiner Bühne gespielt wird. Spüren kann man es als vereinzelter Laptop-Zuschauer nicht wirklich. Und doch ist „live“ das Zauberwort, das den Stream von der Konserve abhebt und näher ans reale Gemeinschaftserlebnis Theater rückt, das gerade viele so schmerzlich vermissen. Die Münchner Kammerspiele brachten zu Jahresanfang zwei Inszenierungen als Live­stream-Premieren heraus, die auf je eigene Weise um die Sehnsucht nach menschlichem Miteinander kreisen. Das Theater-Kollektiv Raum+Zeit um Autor Lothar Kittstein und ­Regisseur Bernhard Mikeska hat sich auf Theaterparcours spezialisiert, die einzelne Zuschauer in Eins-zu-eins-Begegnungen mit den Darstellern bringen. Solche Intimerfahrungen sind derzeit schlechterdings unmöglich. Doch Kamera-Close-ups, so die Erkenntnis nach der Premiere von „Gespenster – Erika, Klaus und der Zauberer“, sind nicht der schlechteste Ersatz für den fehlenden Nahkontakt zwischen Publikum und Akteuren, der sonst die Arbeiten von Raum+Zeit...

Münchner Kammerspiele: „Gespenster – Erika, Klaus und der Zauberer“ von Lothar Kittstein; „Flüstern in stehenden Zügen“ von Clemens J. Setz

Neuerscheinungen im Verlag