Ich möchte vor allem über den Regisseur Minks sprechen, denn in den meisten Nachrufen war ja zumeist und fast ausschließlich vom Bühnenbildner Minks die Rede, der Ende der fünfziger Jahre des letzten Jahrhunderts begann, das Bühnenbild als Dekoration von der Bühne abzuräumen, und zuerst seine Regisseure und später auch sich selbst zwang, in Räumen, oft weißen Räumen zu denken und zu inszenieren. Radikaler als bei jedem vor ihm waren die Räume von der bildenden Kunst beeinflusst und bauten dem Text auf der Bühne einen ganz neuen, bis dahin noch nicht gekannten Rahmen für den Auftritt. Aber Wilfried wollte mehr sein als nur Bühnenbauer und Lichterfinder. Und gerade als „alles Minks war, was vom Bühnenbild kam“ – wie es damals hieß –, er alles machen konnte und er zunehmend das Interesse an der reinen Bühnenbildnerei verlor, kam ihm der Zufall zu Hilfe. Der Regisseur, dem er 1968 einen Raum für Shakespeares „Komödie der Irrungen“ entworfen hatte, erkrankte. Das war Kurt Hübner, der zu der Zeit auch Intendant des Bremer Theaters war, und der bot Wilfried an, das Stück doch auch gleich selbst zu inszenieren. Und mit sehr viel Spaß muss sich Wilfried in seinen neuen Beruf gestürzt haben, in die Proben...

Trauerrede zum Tod von Wilfried Minks

Ein Spieler unter Spielern

Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Ein friesisch herbes „Moin!“ wird als erstes Wort in den Saal geschickt. Kurz der Nachhall abgewartet. Kumpelhaft unisono echot das Publikum. Und kann sich premierenjubelig später kaum wieder fassen vor lauter Bravorufen und Klatschen im Marschrhythmus. Hat Regisseur Michael Uhl doch als Prolog seiner Fortschreibung von Ernst Tollers „Feuer aus den Kesseln“ den Gründungsmythos Wilhelmshavens fidel auf die Bühne geholt und seine Bedeutung für die Demokratisierung Deutschlands betont, während die Stadt im Alltag mit wenig Geld und hoher Arbeitslosigkeit von 11,4 Prozent zu kämpfen hat, fast jedes dritte Kind lebt dort laut einer Studie der Bertelsmann-Stiftung in Armut. Umso wichtiger ist die Heimatgefühlskitzelei des Theaters. Verstreut auf der Bühne liegen Kohleattrappen und Tische. Die Marseillaise weht zur revolutionären Einstimmung vorüber, „gegen Demokraten helfen nur Soldaten“ ist zu hören. Das Meer wird als Metapher der Freiheit beschworen, über die Nationalversammlung in der Frankfurter Paulskirche geht die Rede, und der aggressive Expansionsgeist des Hohenzollern-Reiches kommt zu Gehör: Deutschland habe Weltmachtanspruch und wolle eine Hauptrolle bei den riesengroßen Geschäften mit dem Kolonialismus spielen. Hauptkonkurrent ist die führende Seemacht Großbritannien. Es gilt also aufzurüsten. Eine Flotte muss her. Ihren Hafen kaufen die Preußen am Jadebusen den Oldenburgern ab. 1857 starten die Bauarbeiten. Die Schauspieler...

Vor 100 Jahren war Wilhelmshaven revolutionär – heute sorgt der neue Oberspielleiter Sascha Bunge für einen frischen Wind

Aus dem Maschinenraum

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

„Die Aufgabe“, B. K. Tragelehns Stück über die Aporien der sozialistischen Planwirtschaft, wurde 1960 im Umkreis von Heiner Müllers „Der Lohndrücker“ und Peter Hacks’ „Die Sorgen und die Macht“ begonnen und verstand sich wie diese als ein Stück Fürstenerziehung: szenischer Appell wider die Absurditäten des Planerfüllungsfetischismus. Das gleichzeitig mit Müllers „Die Umsiedlerin“ entstandene Fragment, das der Autor Mitte der sechziger Jahre mit ganz persönlichen Erfahrungen anreicherte, war lange Zeit nur in einer Zeitschriftenveröffentlichung zugänglich gewesen (ndl 1994/3); seit 2016 liegt es, von Jens-Fietje Dwars musterhaft ediert, in einer Ausgabe der Weißen Reihe des quartus-Verlags vor. Ein junger, initiativer Regisseur hat es entdeckt; er heißt Benjamin Zock und fing Feuer an einer zwischen Vers und Prosa wirkungsvoll changierenden Sprache, welche Vorgänge, die dem heutigen Zuschauer so fern sind wie die Komplikationen der Rosenkriege, in einer Weise auflädt, die sie durchscheinend macht für den Kampf zwischen Ideologie und Realität, zwischen dem Abstrakten und dem Konkreten, der sich in jedem Zeitalter neu kostümiert. Zock hat sich, unterstützt von dem jungen Bühnen- und Kostümbildner Johannes Weilandt, der realistisch ausmalenden Gebärde durchaus enthalten; schon der Raum, der ihm im sogenannten Acker Stadt Palast, einer Halle im Hinterhof der Berliner Ackerstraße, zur Verfügung stand, schloss...

Acker Stadt Palast: „Die Aufgabe“ (UA) von B. K. Tragelehn. Regie Benjamin Zock, Ausstattung Johannes Weilandt

Berlin: Nachrichten von einer untergegangenen Non-profit-Ökonomie

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Streng wie Kati Witt

Unter dem Motto „Egoismus vs. Solidarität“ beschoss Patrick Wengenroth im zweiten Jahr seiner Leitung des Brecht-Festivals in Augsburg die „Gegenwart mit Brecht und Brecht mit der Gegenwart“. Es sollte „kein jammervolles Echo der uns umgebenden Krisen sein, sondern vielmehr Lust darauf machen, diese Krisen durchstehen zu wollen“, so Wengenroth. Ein dichtes Programm aus allein drei Gastspielen, der Eigenproduktion „Der Untergang des Egoisten Johann Fatzer“, Kooperationen mit der örtlichen freien Szene, Workshops für Schülerinnen und Schüler, Konzerten und Diskussionsveranstaltungen zielte auf eine lange Woche mit intensivem Kontakt vor, auf und hinter der Bühne. Viel stand zur Debatte, die Konflikte und Unsicherheiten unserer Zeit sollten Eingang finden. Die Themen Feminismus, Migration, Angst, Neue Rechte und Nazismus aufzunehmen, ohne sie schlicht mitzunehmen, ist ein hehres Anliegen, doch zu meistern ist es schwer und gerät schnell ins Schlingern. Die verschiedenen Themenstränge mochten nicht recht zusammenhalten und brachen sinnbildlich bei einer Podiumsdiskussion zum Motto des Festivals auseinander. Geladen waren die Autorinnen Kathrin Röggla und Stefanie Sargnagel sowie Bazon Brock, seinerseits Kunsttheoretiker. Zur inhaltlichen Debatte kam es kaum, dafür zu harschem Gebaren von Brock gegenüber den weiblichen Podiumsgästen und einer Moderation, die sich unfähig zeigte, Struktur zu schaffen oder gar zu wahren, was nicht nur auf...

Das Brecht-Festival in Augsburg erkundet im zweiten Jahr unter der Leitung von Patrick Wengenroth das komplizierte Verhältnis von Ich und Wir

Wider das mechanische Denken

„Antigone“ in Leichter Sprache

Freddy Krueger und Chucky, die Mörderpuppe

Hat hier schon jemand einen Verrückten gesehen? Nichts ist bekanntlich so interessant wie ein echter Verrückter, das findet auch Onkel Klapproth aus Kyritz an der Knatter, als er nach Berlin kommt, wo sein Neffe angeblich eine Irrenanstalt eröffnet hat – vom Geld des Onkels. Nun will sich der Onkel mal die Irren angucken, die er subventioniert, er langweilt sich ohnehin in Kyritz an der Knatter. Bekanntlich braucht man in Berlin nur wahllos einen Stein zu schmeißen, man trifft immer einen Verrückten. Also warum nicht die „Pension Schöller“, die ihre kauzigen Dauergäste pflegt, für die Dauer des Onkel-Besuchs auf die Schnelle zur – diskret getarnten – Anstalt erklären? „Pension Schöller“ ist ein Spiel mit unseren Vorstellungen von normal und verrückt, von völlig irre und genial. Wenn man es gut macht, auch ein Spiegel, in den wir schauen – mit ungewissem Ergebnis. Ist das ein Thema fürs RambaZamba, ein Theater in Berlin, das vor allem mit Menschen mit verschiedenen Behinderungen arbeitet? Ganz gewiss! Davor, die eigenen Handicaps zur exponierten Spielfläche zu machen, scheute man hier noch nie zurück – siehe die Stücke „Mongopolis“ und „Downtown“. Obwohl das auch scheitern kann: „Pension Schöller“ ist ein kurzfristiger Ersatz für eine lang angekündigte Stückentwicklung von...

Jacob Höhne, der neue Leiter des Theaters RambaZamba in Berlin, nimmt das Konzept der Inklusion ernst und ermutigt, Sehgewohnheiten infrage zu stellen

Die Kunst der Zumutung

In Havanna hast du den ganzen Tag Theater. Du bezahlst keinen Eintritt, weil das Theater auf der Straße spielt, doch wenn du nicht auf der Hut bist, bezahlst du am Ende mehr, als eine reguläre Eintrittskarte kostet. Und das Seltsame ist: Du bezahlst diesen Preis gern, weil du eine außergewöhnliche Komödie gesehen hast. Du bezahlst dafür, dass du am Ende als Depp dastehst. Natürlich gibt es in Kuba auch Theater, wie du es kennst. Eintrittskarte, Aufführung, Applaus. Und danach hältst du dich für klüger oder dümmer, aber niemals für einen Deppen, der du so gerne mal wieder sein würdest, da er in jedem von uns steckt. Im kleinen Ludi Teatro zum Beispiel, unten in einer früheren Garage und schwer zu finden, spielen sie „Aprender a nadar“, „Schwimmen lernen“, von Sasha Marianna Salzmann. Eigentlich spielen sie dort das Stück schon nicht mehr, aber weil der Regisseur Miguel Abreu Besuch bekommen hat von einem Freund, der die Inszenierung sehen will, spielen sie es nun doch noch einmal, um zwölf Uhr mittags, was zwar keine Theaterzeit ist, aber egal. In Kuba wird immer Theater gespielt, und so stört sich keiner daran, im Gegenteil, fast alle Stühle sind besetzt. Dieser Abend, der jetzt ein...

Lass dich, Fremder, übers Ohr hauen

Der kubanische Komödiant

TdZ on Tour

Theater Lübeck: „Die Brüder Karamasow“ von Pit Holzwarth nach Fjodor M. Dostojewski. Regie Pit Holzwarth, Ausstattung Werner Brenner

Lübeck: Zauberland ist abgebrannt

Von Schulterschlüssen und Zirkusküssen

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Der Materialergründer

Bühnen und Kostüme

Tanz in Ungarn – Adrienn Hód, Gründerin und Choreografin der Gruppe Hodworks, im Gespräch mit Csaba Králl Adrienn Hód, seit wann betrachten Sie sich selbst als Choreografin? Praktisch seit der Zeit, als ich mit dem Tanzen aufgehört habe, also ungefähr ab meinem dreißigsten Lebensjahr. Ab da betrachtete ich schon von außen, was die anderen tun. Ich tanzte nicht mehr vor, sondern bewegte die Tänzer mit Worten und anderen Praktiken. Früher...

Im Mittelalter hätte man mich als Hexe verbrannt

April 2018

Premieren

Es dauerte keine zwanzig Minuten, doch das Ausmaß der Verheerung war umfassend: Am 16. März 1945 warfen 230 Bomber der Royal Air Force ihre vernichtende Fracht über Würzburg ab und machten die Stadt dem Erdboden gleich. Der Feuerschein war noch in über 200 Kilometern Entfernung zu sehen. Und auch wenn die Flammen lang erloschen sind: Das Trauma strahlt aus bis in die Gegenwart und ist zu einem zentralen Mosaikstein im Selbstbild der Stadt geworden. Kaum ein Tourist, der heute bei der Führung durch Würzburg nicht am Modell der zerstörten Altstadt im Rathaus vorbeigeschleust wird. Tjark Bernau lässt sein Rechercheprojekt mit der Spielszene einer solchen Führung beginnen. Aber natürlich ist „Magnolienzeit“ der Versuch, den Blick zu weiten und aus der Engführung auf die Opferperspektive auszubrechen. Schon bei einer Gedenkveranstaltung in der frühen Nachkriegszeit stößt einem Zeitungskommentatoren übel auf, dass der Eindruck geweckt worden sei, das Bombardement sei „aus heiterem Himmel“ gekommen. Was allenfalls meteorologisch korrekt ist: Der 16. März 1945 war ein sonniger Frühlingstag, an dem die Magnolienbäume im Würzburger Kaisergärtchen blühten. Ansonsten steht es außer Frage, dass Nazi-Deutschland den Bombenhagel über Städten wie Würzburg selbst heraufbeschworen hat. In „Magnolienzeit“ fingern fünf Darsteller (zwei Frauen, drei Männer) solche Zeitungsberichte mit weißen...

Mainfranken Theater Würzburg: „Magnolienzeit“ (UA) von Tjark Bernau und Ensemble. Regie Tjark Bernau, Ausstattung Karlotta Matthies

Würzburg: Blüten im Ascheregen

Jo Fabian, wie nehmen Sie die Stimmung in Cottbus wahr? Ob Sie es glauben oder nicht: Cottbus ist eine ruhige Stadt, auch jetzt. Man bekommt von den Konflikten zwischen Ideologien und Religionen, zwischen Deutschen und Ausländern genauso viel oder wenig mit wie in anderen Städten auch. Wären da nicht die gelegentlichen Demonstrationen eines geringen Teils der Bevölkerung für Toleranz und ein friedliches Miteinander sowie auch jene Demonstrationen des Vereins „Zukunft Heimat“ mit dem Ziel, den weiteren Zuzug von Asylanten in Cottbus zu verhindern. Der Ton der Redner ist rau, Neonazis mischen sich vermehrt unters Volk, und die AfD geht auf Bauernfang. Wir sollten jetzt aber nicht so tun, als würde uns das überraschen. Wir haben diese Entwicklung selbst zu verantworten. Offenbar ist Verunsicherung ein weit verbreitetes Gefühl in der Bevölkerung. Drohende Arbeitslosigkeit und Hartz-IV-System, Zerstörung und Privatisierung der öffentlichen Versorgung, Überschuldung der Kommunen – gerade in Cottbus – sind ja Gründe für ein solches Gefühl. Und trotzdem macht es sich nur an dem Zuzug von Asylbewerbern fest. Artikuliert sich in Cottbus die soziale Frage als rassistisches Ressentiment? Latentem Rassismus kann man mit zivilisierter Verachtung begegnen, finanzielle Löcher kann man mit Geld stopfen, Bankenkrisen mit Pflastern verdecken, Terrorismus mit Überwachung begrenzt...

Was macht das Theater, Jo Fabian?

To try, to fail, to try again

Ludwig Carl möchte einen guten Eindruck machen. Was wir von ihm denken, ist ihm überaus wichtig. Schließlich hat er sich viel vorgenommen. Der gelernte Elektriker, der vor einiger Zeit seine Frau verloren hat, möchte seine Gäste überzeugen, ihnen ihre Befürchtungen wie auch ihre Vorurteile nehmen. Also gibt er sich freundlich und offen. Jede Zuschauerin und jeden Zuschauer, die das dunkle Kellertheater U2, die kleinste Spielstätte des Münsteraner Theaters, betreten, begrüßt Ludwig Carl persönlich. Sie sollen sich wohlfühlen in diesem Saal, der auch sein Wohnzimmer sein könnte. Also bietet er dem Publikum Kekse aus dem Supermarkt und Kaffee aus einer großen Thermoskanne an. Die Pappbecher, in denen er ihn serviert, sind übrigens Sonderanfertigungen und mit Ludwig Carls eigenem Wappen verziert. Dieses Wappen ist der erste Hinweis darauf, worum es diesem Mann tatsächlich geht. Sein Ansinnen ist so radikal wie seine politischen Ansichten. Das Publikum soll sich endlich aus seiner Erstarrung lösen und wie er alle Beziehungen zur Bundesrepublik Deutschland kappen. Ludwig Carl ist ein „Reichsbürger“, also einer dieser „Selbstverwalter“, die ihren Grund und Boden „für unabhängig erklären“ und sich das von der „Exilregierung Deutsches Reich“ beurkunden lassen. Lange Zeit wurden diese Separatisten, die gegen die „BRD-GmbH“ agitieren und von einem autarken...

Theater Münster: „Der Reichsbürger“ (UA) von Annalena und Konstantin Küspert. Regie Julia Prechsl, Ausstattung Sophia Debus

Münster: Rechte reden lassen

Kompositionsprinzip Collage

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Dieser Text soll von der näheren Zukunft des jungen ungarischen Theaters handeln. Unter den heutigen Verhältnissen lassen sich jedoch besonders schwer Vorhersagen treffen. Also berichte ich eher über die aktuellen, zum Teil inspirierenden, zum Teil aber deprimierenden Zustände und hoffe, dass sich meine etwas subjektive Liste junger, herausragender Theatermacher als begründet erweisen wird. Die Künstler und die Gruppen, die im Folgenden kurz und bündig vorgestellt werden, sind schon heute anerkannte...

Neue Zeiten, neue Stimmen Über die Chancen eines Generationswechsels im ungarischen Theater von Tamás Jászay

Es müssen Köpfe rollen

Zwischen Eiszeit und Kommune, lautet eine bekannte Formulierung Heiner Müllers aus dem „Bau“, die den Raum zwischen dem Wirklichen und dem Möglichen, zwischen Realität und Utopie vermisst. Und eine andere, nicht weniger bekannte besagt, dass das Schöne das mögliche Ende der Schrecken bedeute, eine weitere Vermessung des Utopischen. Um „Utopie und Sinnlichkeit bei Heiner Müller“ geht es in dem Band „Ich bin meiner Zeit voraus“, den der in Aachen lehrende Literaturwissenschaftler Hans Kruschwitz als Resultat einer Tagung gleichen Titels herausgegeben hat. Die gesammelten Beiträge gehen von dem auf das „Ende der Geschichte“ folgenden „Ende der Utopien“ aus, das in den neunziger Jahren ausgerufen wurde, siegestrunken von der liberalen und zerknirscht von linker Seite. Die Utopie wurde in der auf gesamtgesellschaftliche Emanzipation gerichteten Linken, also der marxistischen, seit jeher zwiespältig betrachtet, war sie einerseits doch Überrest aus der religiösen Vorstellungswelt und andererseits reales Motiv der Befreiung. Wie sollte man damit umgehen? Friedrich Engels sprach 1880 von der „Entwicklung des Sozialismus von der Utopie zur Wissenschaft“, vor allem um sich von den utopischen Frühsozialisten abzugrenzen, aber auch um die befreite Gesellschaft aus dem Bereich des Nicht-Ortes, des ou topos, in den des gesellschaftlich Möglichen zu ziehen. Und auch Herbert Marcuse, der...

Kruschwitz (Hg.): Ich bin meiner Zeit voraus. Neofelis Verlag, Bln. 2017; S. Pabst/J. Bohley (Hg.): Material Müller. Verbrecher Verlag 2018

Gebiet mit wenigen Leerstellen

Liebe Theater, Ihr könnt Euch zurücklehnen, die beste Aufführung von Büchners „Woyzeck“ hat in diesem Jahr bereits Ende Februar stattgefunden, und zwar auf der kleinen Bühne im Hinterzimmer der Neuen Nachbarschaft in Moabit, wo an anderen Tagen die Deutschkurse für Neuankömmlinge aus Krisenländern stattfinden. Der Abend wäre ausverkauft gewesen, wenn er Eintritt gekostet hätte, aber wie bei allen Veranstaltungen der Initiative Neue Nachbarschaft war der Eintritt frei. Zunächst wurde der Bühnenraum errichtet, indem Christian Filips und die fantastische, offenkundig mysteriöse Raoua Allaoui das Publikum auf Deutsch und Arabisch begrüßten, das Stück in groben Zügen vorstellten, die Rollen verteilten und kurz darauf die dunkle öde Ebene ausrollten, vor der unverzüglich zur Musik von Alban Bergs „Wozzeck“ der Video-Einspieler einer liebevoll verqueren Krabbenoper begann. Nasse Bündchen, tote Fische, deutscher Winter, situiert an einer Uferböschung des Berliner Westhafens, mit der unheimlichen Diva Susanne Bredehöft, die später, viel später – mehrstimmig und leise das gruselige Märchen aufsagen würde, als taumelte sie in einem ausgemotteten Pelz langsam und desorientiert der verschwundenen narrativen Tradition hinterher. Doch tat sie das messerscharf. Messerscharf, wie die Rasur des Hauptmanns, die der syrische Schauspieler Mudar Ramadan als Woyzeck hernahm für alle paternalistischen Korrekturen, für die Schwierigkeiten des Spracherwerbs, die Not...

Reisebüro Rinck: Woyzeck!

„Work hard, play hard?“

Der genetische Code Amerikas

Der Atem der Raumes

Gearbeitet habe ich mit Marie Gruber, lang ist es her, 1985 am Staatsschauspiel Dresden. Sie spielte die Rolle der Schmulka in Heiner Müllers Stück „Die Umsiedlerin“. In Berlin, in der Volksbühne, war Schmulka eine groteske Dorfsexsbombe gewesen, zwar bravourös gespielt, aber kein freundliches Bild der Figur, sondern gezeichnet von der protestantischen Moral des Regisseurs. Das Potipharund Joseph-Bild in Dresden, Schmulka nackt und Siegfried im Blauhemd mit dem Bücherstapel vor dem Heuhaufen stehend, die Versuchung des „FDJodlers“, war biblisch klassisch. Die Komik war rührend. Sie ist es und bleibt es. Seitdem habe ich Marie Grubers Laufbahn in Kino und Television verfolgt und viel Spaß gehabt. Als ich siebzig Jahre alt wurde, kam sie zu einer Veranstaltung im Kleinen Haus der Dresdner Staatstheater angereist, und ich habe mich sehr gefreut, sie wieder zu treffen. Nun höre ich von ihrem Tod und bin sehr traurig. //

Eine Erinnerung an die Schauspielerin Marie Gruber

Vor dem Heuhaufen

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Nachhaltige Dinge beginnen ja oft aus einem einfachen Impuls heraus. Das Theater Mummpitz wollte zur 950-Jahr-Feier seiner Heimatstadt Nürnberg eine „Sammlung von Sehenswürdigkeiten“ schenken, wählte daher bemerkenswerte Theaterstücke für Kinder aus ganz Europa aus und zeigte sie im Jahr 2000 als Festival Panoptikum. Dass man ein gutes Händchen beim Schenken hatte, wurde noch vor der Eröffnung klar, als alle Vorstellungen ausverkauft waren. So war dieses einmalige Panoptikum nicht nur ein gelungenes Festivalereignis, sondern wurde zum regelmäßigen Geschenk, das Mummpitz der Stadt Nürnberg und einem größer werdenden Fachpublikum alle zwei Jahre präsentiert. Das Festival wurde, dank Beteiligung des Freistaats, mit ausgesuchten Gastspielen aus Bayern ergänzt und feierte dieses Jahr schon die zehnte Ausgabe. Inzwischen braucht das Festivalteam sehr viel mehr Geschenkpapier, ist das Panoptikum doch stetig gewachsen. Waren es anfangs noch 15 Inszenierungen aus sieben Ländern an fünf Spielorten, steigerte man sich 2018 auf 23 Inszenierungen aus neun Ländern an zehn Spielorten. Möglich wird dieses Angebot dank des unermüdlichen Teams um Festivalleiterin Andrea Maria Erl und Nürnbergs Qualität als Stadt der Kinderkultur, arbeitet man doch Hand in Hand mit den regionalen freien Gruppen wie Theater Pfütze, Salz + Pfeffer, dem Gostner Hoftheater und nutzt deren Spielstätten – auch zum Feiern und...

Das Festival Panoptikum zeigt begeisterndes Theater für Kinder und Jugendliche – und festigt so den Ruf Nürnbergs als Zentrum für Kinderkultur

Reich beschenkt

Die performative Baustelle

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Am 8. April finden in Ungarn Parlamentswahlen statt. Unabhängig vom Ergebnis zeigt sich schon vor den Wahlen, dass der herrschenden Fidesz-Partei unter der Führung von Viktor Orbán ein weitgehender Umbau der ungarischen Gesellschaft und eine Vergiftung der politischen Öffentlichkeit gelungen sind. Davon nicht unberührt sind auch die Theater und Theatermacher, denen wir uns in unserem Schwerpunkt Ungarn widmen. So wurde beispielsweise Árpád Schilling von offizieller Seite zum „Staatsfeind“ erklärt, was...

Editorial

Schauspiel bedeutet für Johanna Link Begegnungskunst: „Wer wollen wir füreinander sein, wer können wir heute Abend füreinander werden?“ Existenziell klingt das, gleichzeitig enorm dialogisch. Ganz grundsätzlich befragt Johanna Link dabei zwischenmenschliche Interaktion, im Leben wie auf der Bühne. Die dialogische Kraft ihres Spiels hat damit zu tun, dass sie die Adressaten ihres Spiels durchweg einzubeziehen versteht – sowohl Mitspieler als auch Zuschauer. Verteufelt human ist Links Spiel allein deshalb zu verstehen, weil der schauspielerische Entwurf eines Zusammenlebens auf der Bühne für sie ohne den Begriff der Utopie nicht denkbar ist. Spielantrieb bleibt ihr die Sehnsucht nach dem, wie es sein könnte. Ihre herausragende Fähigkeit des Staunens lässt sich hier verorten. Zentral für Johanna Links Spiel ist der Blickkontakt. Als Amazonenkönigin in Leonie Böhms „Penthesilea“ am Theater Konstanz mustert sie bei ihrem ersten Auftritt die Reihen der Zuschauer: Wer eignet sich als ihr Partner für das Rosenfest? Eindringlich, nein: zudringlich ist dieser Blick, der das Publikum sofort und unmittelbar beteiligt. Link verfügt über die Gabe, eine von ihr eingenommene Spielweise zu brechen, dadurch auch für die Zuschauer infrage zu stellen. Das verleiht ihrer existenziellen Suchbewegung auf der Bühne Authentizität. Links Frauenfiguren fallen gerne für Sekunden aus ihrer Rolle, wechseln dabei...

Die Schauspielerin Johanna Link lotet das Potenzial zwischenmenschlicher Begegnungen aus

Figur als Fragment

München: Ruth Maria Kubitschek ist tot 

Schauspielhaus Bochum: Erst kaufen sie Afrika, dann werden sie sich uns kaufen

Meldungen

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Schon die Skizzen seiner Kostüme und Bühnenbilder verraten etwas von der Grundhaltung, mit der Martin Rupprecht seiner Arbeit nachging: Sie sind übervoll mit Details und Ideen, verbinden historisches Wissen mit künstlerischer Imagination. Der Begriff „Ausstattung“, der im deutschen Theaterleben immer noch gerne mit gespitzten Lippen ausgesprochen wird, als spräche man von einer Trivialität, die der Atemluft nicht wert sei, dieser Begriff verfehlt Martin Rupprechts Arbeit kategorial. Seine Kostüme und szenischen Räume sind nicht Auskleidung und Raumgestaltung, sondern Weltentwürfe. Dabei nahm Rupprecht das Spiel auf radikale Weise ernst: Mit Lust und Freude bevölkerte er seine Räume mit Tieren und Fabelwesen aller Art, ließ für das Berliner Stadtjubiläum mit „Preußen – ein Traum“ (1987) Gestalten der preußischen Geschichte überlebensgroß durch die Stadt ziehen oder entwarf für „Inferno und Paradies“ (1988) ein Spektakel auf dem Wannsee, auf Kähnen und schwimmenden Bühnen. Für „Untergang der Titanic“ (1979) verwandelte er das gesamte Haus der Deutschen Oper Berlin in ein Schiff. Aber Rupprechts Spiel war nicht an Größe gebunden: Immer wieder arbeitete er mit einfachen Mitteln für die Salonoper Chemnitz, etwa für „Der Nachtwächter“ (2000) oder „Die Zauberflöte – für Kinder“ (2008). Zielpunkt ist nicht Größe oder Prunk, sondern die Möglichkeit, der sogenannten Wirklichkeit ein anderes...

Zum Tode des Bühnen- und Kostümbildners Martin Rupprecht

Ausstattung als Weltentwürfe

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

In Ungarn ist zeitgenössischer Tanz ein viel zu vertrackter Sammelbegriff, als dass man ihn ausschließlich als ästhetische Kategorie oder als Synonym für Progressivität deuten könnte. Sowohl der Ballettdirektor aus der Provinz betrachtet sich als zeitgenössischer Tanzschaffender (weil er hier und heute lebt und arbeitet) als auch der freischaffende Choreograf, der das neoklassische Ballett mit einigen modernen Elementen ergänzt. Ebenso der freie Ensembleleiter, der epische, auf literarischen Vorlagen beruhende Tanzstücke präsentiert, wie auch der Ballettdirektor eines Opernhauses, der sich mit den dreißig bis vierzig Jahre alten Hansvan-Manen-Choreografien als Avantgarde betrachtet. Also beinahe jeder benutzt diesen Begriff, unabhängig davon, ob es dafür einen Grund gibt oder nicht. Nähert man sich der Frage strukturell, nicht ästhetisch, werden zum zeitgenössischen Tanz diejenigen Tänzer, Choreografen, Gruppen und Ensembles gezählt, die salopp als „Freie“ bezeichnet werden, die Jahr für Jahr ihre Arbeit abliefern und Förderungen beantragen. Im Vergleich zum übrigen Tanzbereich sind deren Mittel nur die Krümel der großen Budgettorte. In den Kuratorien, die über die Förderungen der Freien entscheiden, sitzen vorwiegend Leiter der traditionsreichen, vom Staat oder von der Stadtverwaltung direkt geförderten Ensembles, die oft gar keine Ahnung haben von der freien Szene, deren Akteuren, Arbeitsweisen und Problemen. Die Großen entscheiden über die Kleinen –...

Gedanken über die neue Generation des zeitgenössischen Tanzes in Ungarn

Schöne neue Welt?

Am 8. April finden in Ungarn Parlamentswahlen statt. Die 1988 als „Bund junger Demokraten“ gegründete Fidesz-Partei ist seit 2010 mit einer streng nationalkonservativen Ausrichtung unter Viktor Orbán an der Macht. Die Opposition aus extrem rechten (Jobbik), linken (MSZP und Együtt) und liberalen Parteien (DK und LMP) ist weitflächig zersplittert und als Gegenkraft zu wenig organisiert, um eine Änderung der Machtverhältnisse herbeizuführen. Außenpolitisch führen die Ablehnung von Flüchtlingskontingenten und die immer wieder aufbrandende Europa-Skepsis zu Konflikten mit der Europäischen Union. Innenpolitisch ist der Umbau der Gesellschaft durch zahlreiche Maßnahmen und Postenumbesetzungen im Prinzip abgeschlossen. In der Theaterpolitik waren die unabhängigen Gruppen mit ihren internationalen Kooperationen stets ein Streitpunkt, weil ihnen vorgeworfen wurde, dass sie das ungarische Theater nicht vertreten könnten. Ein für die europäische Theaterwelt einzigartiger Eklat war die offizielle Einstufung des Regisseurs und Theaterleiters Árpád Schilling als „Staatsfeind“. Árpád Schilling, Sie wurden im September vergangenen Jahres vom Ausschuss für Nationale Sicherheit des ungarischen Parlaments als „potenzieller Vorbereiter staatsfeindlicher Aktivitäten“ zum „Staatsfeind“ erklärt. Sie entgegneten, dass es wohl die einzige Auszeichnung sei, die diese Regierung an Sie zu vergeben hat. Wie denken Sie heute darüber? Genau wie damals denke ich, dass diese Geste der politischen Kommunikation die Grenzen der Normalität weiter...

Árpád Schilling über Ungarn vor den Parlamentswahlen und seine Stigmatisierung als Staatsfeind im Gespräch

Orbán marschiert

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Es ist der dritte große Versuch, das Opus magnum der amerikanischen Spätpostmoderne, David Foster Wallace’ „Unendlicher Spaß“, auf die Theaterbühne zu bringen. 2011 hatte Luk Perceval an der Ludwigsburger Theaterakademie ein auf zwei Schauplätze reduziertes szenisches Kondensat inszeniert, ein Jahr später legte Matthias Lilienthals HAU unter Beauftragung verschiedenster Regisseure einen 24-Stunden-Parcours mit neun Stationen im alten West-Berlin vor. Das 1547-Seiten-Buch steht auch für einen rekordsüchtigen Maximalismus-Begriff von Literatur (samt Fußnoten zu Fußnoten), dem keine Adaption, weder im Theater noch im Film oder als Hörstück (eine groteske 79-Stunden-Version hat der WDR unter Federführung von Andreas Ammer, Andreas Gerth und Acid Pauli mit 1400 Laienvorlesern kürzlich produziert), je entsprechen wird. Und doch scheint die Verlockung unendlich, auch wenn der Kult um den Autor mit seinem vermutlich psychopharmakologisch bedingten Suizid 2008 inzwischen einige Risse als Folge einer gewissen Überschätzung erkennen lässt. Thorsten Lensing hat – zusammen mit seinem Dramaturgen Thierry Mousset und dem vor allem als Theaterkritiker bekannten Dirk Pilz – aus dem Roman die Geschichte der drei Incandenza-Brüder als Kern seiner Textfassung destilliert, hinzu kommen einige Passagen, in denen es um die Kaputten, Verlorenen und mit dem Leben Kämpfenden einer Drogenentzugsklinik geht. Von einem Wallace-Kosmos zu sprechen wäre aber so, als würde...

Sophiensaele: „Unendlicher Spaß“ nach dem Roman von David Foster Wallace. Regie Thorsten Lensing, Bühne Gordian Blumenthal und Ramun Capaul, Kostüme Anette Guther

Berlin: Infinite Rest

András Dömötör, aus welchem Anlass ist das 2016 uraufgeführte Stück „Mephistoland“ entstanden? Es gab ein Angebot vom Maxim Gorki Theater Berlin, ein neues Stück zu schreiben und im Studio zu inszenieren. Wir wollten den neuen Populismus in Europa thematisieren, mit vielen persönlichen Geschichten, und suchten dafür nach einem Rahmen. Wir beschäftigten uns mit Büchern und Filmen, die schleichende gesellschaftliche und politische Veränderungen behandeln, neben vielen anderen auch mit „Die Pest“ von Albert Camus. Schließlich kamen wir aber auf Klaus Manns Roman „Mephisto“ mit seinem Helden Hendrik Höfgen, der die Veränderungen um sich herum nicht wahrhaben will. Zugleich hatte ich – zusammen mit meinen Koautoren Kornél Laboda und Albert Benedek – die Absicht, in dem Stück einige Vorfälle in Ungarn zu verarbeiten. Die Wahl des Stoffes zielte also auf die Auswirkungen politischer Verhältnisse auf die Kultur. Eine Anregung für „Mephisto“ war letztlich noch, dass Róbert Alföldi seine Intendanz am Budapester Nationaltheater mit einer „Mephisto“-Adaption beendete, bevor Attila Vidnyánszky als Mann der neuen Kulturpolitik dort installiert wurde. Ich habe die Inszenierung damals nicht gesehen, aber wir erkannten das Brisante dieser Konstellation: Ein Ensemble, das „Mephisto“ probiert, und ein Intendant, der das Theater übernimmt. Ihre Inszenierung des Stücks verzichtet jedoch auf konkrete Bezüge...

Der ungarische Dramatiker und Regisseur András Dömötör über sein Stück „Mephistoland“ im Gespräch mit Thomas Irmer

Im Kulturgetto

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

In Ungarn ist zeitgenössischer Tanz ein viel zu vertrackter Sammelbegriff, als dass man ihn ausschließlich als ästhetische Kategorie oder als Synonym für Progressivität deuten könnte. Sowohl der Ballettdirektor aus der Provinz betrachtet sich als zeitgenössischer Tanzschaffender (weil er hier und heute lebt und arbeitet) als auch der freischaffende Choreograf, der das neoklassische Ballett mit einigen modernen Elementen ergänzt. Ebenso der freie Ensembleleiter, der epische, auf literarischen Vorlagen beruhende Tanzstücke präsentiert,...

Schöne neue Welt? Gedanken über die neue Generation des zeitgenössischen Tanzes in Ungarn von Csaba Králl

Vielfalt und Zersplitterung

Inklusive Ansätze erproben!

Blau und Gold und Türkis, kleine glitzernde Steine und mäandernde Muster – über das Portal des Lübecker Theaters schweift das Auge gern, hier regiert der strenge Jugendstil des berühmten Theaterbauers Martin Dülfer, der dem Haus 1908 seine Gestalt gegeben hat. Dort spielt im Jahr 2018 eine dreieinhalbstündige Dramatisierung von Dostojewskis „Die Brüder Karamasow“. Der Schauspieldirektor des Hauses, Pit Holzwarth, hat sich darangemacht, den über tausendseitigen Roman in eine Bühnenfassung zu verwandeln und diese auch zu inszenieren. Das Unterfangen ist komplex, denn die Interpretationsdichte dieses „Jahrhundertbuchs“ ist so vielfältig wie sein Umfang groß. Von der Deutung wird auch im Vorfeld und im Programmheft der Inszenierung viel gesprochen, hier geht es schließlich um die ganz großen Themen der Menschheit: Schuld, Gott und Gerechtigkeit, Ethik, auch das Reformationsjubiläum wird beschworen. Das Signet der Aufführung ist der Schattenriss des auf einem Esel reitenden Jesus – die Geschichte um die Krise der Familie Karamasow, den Mord am Patriarchen Fjodor und dessen Aufklärung soll eine theologische Dimension haben. Das ist auch zweifelsohne wirkungsgeschichtlich nachvollziehbar. Der Eindruck ist zunächst gut. Eine ansehnliche Bühnenkonstruktion (Ausstattung Werner Brenner) ragt über den Orchestergraben des Mehrspartenhauses, man sieht eine Art modernistischen Kreuzgang, irgendwo zwischen Walter Gropius und kalifornischer Moderne angesiedelt, der...

Münchner Residenztheater: „Am Kältepol – Erzählungen aus dem Gulag“ (UA) von Warlam Schalamow. Regie Timofej Kuljabin, Bühne Oleg Golovko, Kostüme Galya Solodovnikova

München: Im äußersten Norden der Menschlichkeit

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

Dass Ersan Mondtag eine grundsätzliche Faszination für den Horrorfilm hegt, ist ein Glücksfall für das Theater. Es gibt nämlich nicht viele Theaterregisseure, die derart gekonnt mit den Ängsten des Publikums spielen. Musik und Sound sind ihm dabei ebenso wichtig wie Bilder. Noch bevor sich der Vorhang im Schauspielhaus Dortmund öffnet, breiten sich Dunkelgeräusche und Rabengeraune aus: diffus unheilvolle Laute, die bewirken, dass man ich fühlt wie ein Kind, das zum ersten Mal mit Otfried Preußlers „Krabat“ konfrontiert ist. Das Spukschloss, das dann in Dortmund die Drehbühne beherrscht, gleicht einem wahr gewordenen Albtraum. Trockennebel umwölkt das verwinkelte Haus, und auf dem zinnenbesetzten Wachturm patrouillieren Standardisierte. Ihre Uniformen erinnern an vieles, aber nichts Konkretes. Gleichgeschaltete im Gleichschritt. Es handelt sich wohl um Schüler, es könnten aber auch Insassen oder Gefangene sein. Auch wenn das Ganze sich unter dem auf den ersten Blick eindeutigen Titel „Das Internat“ abspielt, kann man sich nicht sicher sein, wo man sich befindet. Es gibt einen Schlafsaal, der eher an ein Lager erinnert, er beherbergt schmale Pritschen, auf denen die Menschen kauern wie Föten im Mutterbauch. Im Speisesaal formieren sich die Figuren immer mal wieder ordentlich, während sich der Waschraum als giftig gelbe Nasszelle erweist, die an real...

Die Bildwelten des Theaterregisseurs, Bühnen- und Kostümbildners Ersan Mondtag spiegeln die Ängste unserer Gegenwart

Der Meister des Unheimlichen

Der weite Weg nach Europa

Der am Trinity College in Dublin lehrende Theaterwissenschaftler Stephen Wilmer war 2014/15 Fellow am Großprojekt Interweaving Performance Cultures der Freien Universität Berlin. So wurde er unmittelbar Zeuge der zahlreichen Aktivitäten deutscher Theater zum Thema Flucht, von denen in dieser Phase Nicolas Stemanns Inszenierung von Elfriede Jelineks „Die Schutzbefohlenen“ (Thalia Theater Hamburg, eingeladen zum Berliner Theatertreffen) die am meisten beachtete, aber auch am kontroversesten diskutierte Arbeit war. Zumindest war das weitere Theaterschaffen zu diesem Thema danach reflektierter und im Einsatz von Betroffenen auf der Bühne auch um einiges umsichtiger. Wilmer hat nun eine erste umfassende Studie zu dem Komplex Theater und Migration bzw. Staatenlosigkeit vorgestellt, wie sich der englische Titel eigentlich übersetzen ließe. Der große Vorzug des Buches ist, dass es die aktuell-politische Perspektive sowohl methodisch als auch auf den geografischen Bereich angewandt wesentlich erweitert. Das Feld spannt sich von den Adaptionen griechischer Dramen, auf die typischerweise bei diesem Thema immer wieder zurückgegriffen wird (wie auch bei Jelinek), bis zu den naheliegenden Formen des dokumentarischen Theaters. Geografisch verortet Wilmer die ausgewählten Untersuchungen von Dublin über die Niederlande bis nach Malta und belegt so ausführlich seine Eingangsthese, dass Migration eines der umstrittensten Themen unserer Zeit sei. Die auf das deutsche Theater bezogenen...

Stephen Wilmer: Performing Statelessness in Europe. Palgrave Macmillan, London 2018, 254 S., ca. 90 EUR.

Theater und Migration

The Case of Digital Arts

Was unterscheidet den Bürger vom Verbrecher? Nicht viel, denn erfolgsorientiert arbeiten beide. Das besagt auch Bertolt Brechts lakonisch-rhetorische Frage, was sei schon der Einbruch in eine Bank gegen die Gründung einer Bank, was die Ermordung eines Menschen gegen die Anstellung eines Menschen? Nichts, natürlich, wie die Frage bereits impliziert. Der Bürger ist die Wiedergeburt des Verbrechers unter legalem Vorzeichen! Mit seinem Unterweltopus zu Kurt Weills Jahrmarkts-Jazz-Klängen blickt Brecht in den Bauch von London im 17. Jahrhundert. Das ist die Zeit der sogenannten ursprünglichen Akkumulation, die Geld umverteilt – vor allem mittels Gewalt. Die Bettler spielen Renaissancefürsten, die Huren sind ihre Bräute. Eine alte Ordnung zerbricht, eine neue ist nicht in Sicht. Daraus bezieht diese Anti-Oper von 1928 bis heute ihren Reiz: Die Jagd nach Geld hört nicht auf, im Gegenteil. Ezio Toffolutti, der Venezianer mit Volksbühnenprägung unter Benno Besson in den siebziger Jahren, hat nun für das Kurt Weill Fest am Anhaltinischen Theater Dessau die „Dreigroschenoper“ auf die Bühne gebracht – und verantwortet selbst Regie, Bühne, Kostüme und Licht. Dass er vom Bühnenbild her denkt, fällt sofort ins Auge: eine typografische Attraktion! Toffolutti nimmt die „3Groschenoper“ beim Wort, zerschneidet diese in eine Zahl und acht Buchstaben (bis „-oper“) und stellt...

Anhaltinisches Theater: „Die Dreigroschenoper“ von Bertolt Brecht und Kurt Weill. Regie und Ausstattung Ezio Toffolutti

Dessau: Mehr Farben als Figuren

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Das Schlachthaus Theater Bern hat sein 20-jähriges Bestehen als Koproduktions- und Gastspielhaus für die freie Theaterszene gefeiert – mit einem dreitägigen Festival, das in seiner Bescheidenheit und Vielfalt stimmig war für dieses Haus, das aus der Stadt Bern und der Schweizer Kulturszene nicht mehr wegzudenken ist. Das ehemalige Schlachthaus aus dem 18. Jahrhundert wurde schon lange vor der Gründung des heutigen Theaters für Theaterzwecke genutzt: als Requisitenlager, Mietbühne für die freie Szene und Ausweichspielstätte des Stadttheaters. Als Letzteres den in massiven Sandsteinquadern gefassten Raum, in dem rund 120 Zuschauer Platz haben, als Zweitspielstätte beanspruchte, verteidigte die freie Szene ihn aufs Heftigste, was dazu führte, dass aus dem Vermietbetrieb 1998 ein öffentlich subventioniertes Gastspiel- und Koproduktionshaus mit eigener künstlerischadministrativer Leitung wurde. Unter wechselnden Ko-Leitern und seit 2014 unter Maike Lex wurde am Schlachthaus kontinuierlich und konsequent ein starkes Profil entwickelt und gepflegt – und das ohne eigenes Ensemble. Dieses Profil ist gekennzeichnet durch den Fokus auf entschieden zeitgenössische Theaterformen, die Einbindung in ein dichtes Netzwerk assoziierter Künstler und die Kombination von lokaler Verortung und internationaler Offenheit. Letztere geht zurück auf die ehemaligen Leiter Myriam Prongué und Sandro Lunin, die diese Vernetzungsarbeit je in der Leitung der Abteilung Theater bei Pro Helvetia...

Das Schlachthaus Theater Bern feiert sein 20-jähriges Bestehen

Raum für neue Stimmen

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Im Herzen von Budapest, direkt an der Donau gelegen, befand sich das Lukács-Archiv, das ein einzigartiges Werk lebendig halten sollte. Schon oft totgesagt, ist es seit dem 1. März dieses Jahres geschlossen. Zahlreichen Toden war der marxistische Philosoph und Literaturtheoretiker Georg Lukács zuvor entgangen. Der zweiten kommunistischen Regierung der Welt, der nur wenige Monate im Jahr 1919 währenden Ungarischen Räterepublik, gehörte er als stellvertretender Volkskommissar an; die Niederschlagung derselben kostete ihn ebenso wenig das Leben wie seine fortwährende illegale Arbeit für die Kommunistische Partei Ungarns in den zwanziger Jahren. Auch dass er als eigenständig denkender Marxist in der stalinistischen Sowjetunion nicht dem „Großen Terror“ zum Opfer fiel, ist durchaus bemerkenswert. Nicht minder erstaunlich ist es, dass er sein Exil in Moskau, das 1930 begann, unterbrach, um sich – als kommunistischer Intellektueller und jüdischer Ungar – 1933 ausgerechnet im faschistischen Deutschland aufzuhalten. Lukács kehrte gerade noch rechtzeitig in die russische Hauptstadt zurück, bis der Kriegsverlauf es ihm erlaubte, 1944 in seine ungarische Heimat zurückzukehren. Als einer der zentralen Akteure wurde er dort nach der Niederschlagung des Volksaufstands 1956 sofort verhaftet; anders als einige seiner Mitstreiter entging er allerdings der Hinrichtung. Was folgte, war ein Totschweigen im Ostblock. Die Linke in Westdeutschland...

Das Georg-Lukács-Archiv in Budapest wurde geschlossen – Folge der politischen Verhältnisse, aber auch des Zeitgeists

Zerstörung des Erbes

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Autoren April 2018 / Vorschau

Als sich der eiserne Vorhang im Schauspiel Dortmund hebt, gibt er die Sicht auf eine düstere Welt frei. Zu sehen ist ein Gebäude, ähnlich einer trutzigen Burg, das auf der Drehscheibe steht und hoch in den Bühnenraum hineinragt, rechts und links gesäumt von verdorrten Bäumen. Auf den ersten Blick ist klar: Hier wird eine Welt gezeigt, in der niemals die Sonne scheint. „Der Schrei“ von Edvard Munch trifft Lord Voldemort. Das Publikum kann in das Gemäuer hineinsehen, in Kreuzgang, Schlafraum, Dusche. Nach und nach wird dieser Ort vom Dortmunder Ensemble gefüllt, das in dieser Arbeit von zehn Schauspielschülerinnen und Schauspielschülern aus dem zweiten Jahrgang der Folkwang-Universität unterstützt wird. Sie erscheinen im Nebel auf dem Dach dieses unheimlichen Internats, marschieren im monotonen Gleichschritt durch seine Gänge, treiben den einen, der anders ist, vor sich her. Gekleidet sind sie in Uniformen, offensichtlich von „Moden“ aus der NS-Zeit inspiriert. Annika Lu Hermann, verantwortlich für die Realisierung der Kostüme und die Kostümmalerei, hat unglaubliche Arbeit geleistet: Durch die Massivität der Kleidung nehmen die Darstellenden physisch sehr viel Raum ein, und gleichzeitig wirken sie durch die rohen Pinselstriche auf dem Stoff dem Verschwinden nahe. Es ist kaum möglich, im Ensemble ein bekanntes Gesicht auszumachen, denn...

Theater Dortmund: „Das Internat“ (UA) von Ersan Mondtag. Regie und Ausstattung Ersan Mondtag

Dortmund: Haus des Horrors

Das neue Normal?

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

26. April 2014 Die gute Nachricht: Es gibt nur noch einen*, den ich heute anrufe. Spart Kosten. Dein Schmuel Das war wieder mal einer deiner guten Judenwitze, Finzl … gute Nachricht. Mein Tipp: Geh den Bärtigen ausm Weg! Die einen wollen dich missionieren, die andern abmurksen. Servus Sepp * Dimiter Gotscheff, der ebenfalls am 26. April Geburtstag hatte, war am 20. Oktober 2013 gestorben. 26. April 2015 Schalom, Josef! Lange und nicht unüberlegt sollst du leben! Schmuel Schmuel! Das bemühe ich mich zu tun. Und der Finzl soll meine Bemühungen überwachen durch mitmachen. Grüße bis zur nexten Kontrolle. Sepp 26. April 2016 Sepp, falls du gedacht hast, ich hätte dich gerade heute vergessen, dann hast du falsch gedacht. Den Tag vergesse ich dir nie! Dein Schmuel! Finzl! Gut, dass du mich an dich erinnerst! Beinah hätt ich es vergessen, dass ich dich nicht vergessen hab. Finzl! Prost heute auf den Alten seiner Leiche ihr Leben. Beste Grüße, Sepp 27. April 2017 Sepp, ich gratuliere dir zu dem Eintritt in dein 70tes Jahr. Das gestern zu behaupten wäre nicht genau gewesen und du weißt – ich lege Wert darauf, was dich betrifft. Stehe es durch mit Aplomb und Würde! Dein Schmuel...

Zum 70. Geburtstag von Josef Bierbichler – Aus einer SMS-Korrespondenz mit Samuel Finzi

Mein lieber Sepp!

Die Teatime ist nicht nur in Großbritannien beliebt, sondern auch in der Schweiz. Hier versammeln sich an einem Tisch auf der Bühne des Theaters Tuchlaube der Äthiopier Aron Yeshitila, der Eritreer Getachew Yemane sowie die Schweizer Sabina Reich und David Werner. Um Äthiopien kreist das Gespräch. Ein immer wieder von Unruhen geschütteltes Land, von Italien mehrmals besetzt, aber – aus der Sicht der Äthiopier – „nie kolonialisiert“, wie der seit 2010 in der Schweiz lebende Autor und Regisseur Aron Yeshitila sagt: „Wir wuchsen auf mit glorreichen Geschichten von Königen, heiligen Kriegen und heldenhafter Aufopferung für das Mutterland. Das Problem ist: Auch wenn heute die Kolonialfeinde nicht mehr da sind, befindet sich Äthiopien in einem endlosen Kreislauf von immer neuen Kriegen.“ Was wissen die Europäer darüber? Nicht allzu viel, wie sich in den ersten Minuten der Inszenierung zeigt. Zwar ziehen die Schweizer Reich und Werner sofort Dokumente hervor, die Folter, Mord und Krieg bezeugen und überdies vom nie ganz eingelösten Versprechen einer Demokratie handeln, doch wird den beiden dadurch Äthiopien näher? Nur bedingt. Deswegen muss eine andere Geschichte her. Zum Beispiel diese: 1879 reist der Schweizer Ingenieur Alfred Ilg nach Äthiopien, gewinnt dort das Vertrauen von Kaiser Menelik II. Ilg ist...

Theater Tuchlaube: „Kings of Interest“ (UA) von Aron Yeshitila. Regie Aron Yeshitila, Ausstattung Katharina Meier

Aarau: Gespielt und vor allem erlitten

Wenn er nach vierzig Jahren wieder in Stuttgart inszeniert, geht das nicht ohne Begleittheater. Claus Peymann schimpft über eine „menschenfeindliche Stadt“ und nennt das Verkehrssprojekt Stuttgart 21 eine „Zumutung“. Sodass sich Grünen-Ministerpräsident Winfried Kretschmann angesprochen fühlt und zürnend kontert, der Bahnhofsneubau sei doch per Volksentscheid beschlossen. Auch hier: große Gereiztheit überall. Peymann und Stuttgart – das ist eine lange Geschichte. 1974 wurde er hier Schauspieldirektor, einen 1977 im Theater ausgehängten Spendenaufruf für die Zahnbehandlung der in Stuttgart-Stammheim inhaftierten RAF-Mitglieder nahm die Landesregierung dann zum Anlass, den unliebsamen Peymann 1979 loszuwerden. Der damalige Ministerpräsident Hans Filbinger, dessen Vergangenheit als NS-Marinerichter aufgedeckt wurde, trat 1978 zurück. Schnee von gestern? Vielleicht. Aber das alles schwingt mit, wenn Peymann nach seinem Abschied vom Berliner Ensemble als König ohne Land nach Stuttgart zurückkehrt – just mit „König Lear“, dem Shakespeare-Drama über einen vertriebenen Herrscher. Ein Coup. Hinzu kommt, dass da eine erstaunlich rüstige Altherren-Gang aus Ex-Stuttgarter Weggefährten antritt: Regisseur Peymann (80), Burgschauspieler Martin Schwab (80) und Bühnenbildner Karl-Ernst Herrmann (81). Was herauskommt: Theater aus einer anderen Zeit. Das in der Gegenwart unter Armin Petras längst postdramatisch gewiefte Stuttgarter Publikum sieht bald, dass Peymann auf szeneübliche Must-haves wie Video, Textumbauten oder genderkorrigierte Frau in der Titelrolle...

Schauspiel Stuttgart: „König Lear“ von William Shakespeare. Regie Claus Peymann, Bühne Karl-Ernst Herrmann, Kostüme Margit Koppendorfer

Stuttgart: Narrenlieder und immer noch Sturm

Explodierendes Dokumentartheater

Adrienn Hód, seit wann betrachten Sie sich selbst als Choreografin? Praktisch seit der Zeit, als ich mit dem Tanzen aufgehört habe, also ungefähr ab meinem dreißigsten Lebensjahr. Ab da betrachtete ich schon von außen, was die anderen tun. Ich tanzte nicht mehr vor, sondern bewegte die Tänzer mit Worten und anderen Praktiken. Sie arbeiten nicht nur als Choreografin, sondern auch als Tanzpädagogin. Sie unterrichten regelmäßig an der Budapester Zeitgenössischen Tanzhochschule, und auch Ihre Gruppe Hodworks hat ein pädagogisches Programm, womit Sie durch das Land touren. Wie unterrichtet man heutzutage Tanz? Mein Trick ist, dass ich nicht die Rolle der Pädagogin einnehme, sondern versuche, direkt zu sein. Damit die Schüler sehen, dass ich den Mut habe, alles zu machen; ich bin frei, sowohl emotional als auch gedanklich, physisch und verbal. Das befreit sie sehr. Sie öffnen sich viel leichter, wenn ich auch ein bisschen schräg bin. Die Arbeit mit meiner Gruppe färbt oft auf den Unterricht ab und umgekehrt. Es gibt eine Wechselwirkung, eine Rückkopplung zwischen den beiden Dingen. Oft bringe ich Aufgaben von der Arbeit mit meiner Truppe zum Unterricht mit. Es interessiert mich, wie die Kinder auf diese Fragestellungen reagieren und welche Antworten sie darauf geben. Sie haben...

Adrienn Hód, Gründerin der Tanzkompanie Hodworks, im Gespräch mit Csaba Králl

Den Körper befreien

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

1 Petition Licht. KLARE steht nackt und blutig auf der Bühne. Um ihn herum liegen weitere nackte und blutige Leiber. Black. Ende der Vorstellung. KLARE, RIGO, SCHMIEDER, beim Applaus SCHAUSPIELER und SCHAUSPIELERIN dazu. SCHAUSPIELERIN: Krass, krass, krass … RIGO: Zwei Mal ohne. Und dann mit. KLARE: Und … Und … (Alle ab.) RIGO (im Off): Einzeln, einzeln. (Einzelapplaus. KLARE zuletzt.) SCHAUSPIELER: Lass mich vorbei, lass mich vorbei! SCHAUSPIELERIN: Guck mal, Rigo, da rechts, voll dein Typ. (über KLARE, der lange verzögert) Ja, komm Junge, du bist der Geilste! RIGO: Wo genau? SCHAUSPIELERIN: Na hinten rechts. RIGO: Ist überhaupt nicht mein Typ. KLARE: Einen machen wir noch! Mitte führt! RIGO: Danke, vielen Dank für den herzlichen Applaus! Schön, dass ihr heute Abend so zahlreich hierhergekommen seid, obwohl die regierungsnahen Medien das hier als politische Stimmungsmache diffamieren. Wir sind jedoch überzeugt, dass es die Qualität unserer Vorstellungen ist, die dieses Haus Abend für Abend füllt. Und genau darum geht es uns! Liebe Zuschauer! Die Intendantenstelle unseres Theaters wurde zur Neubesetzung ausgeschrieben. Und in zehn Tagen wird eine Entscheidung gefällt. Es ist ja allgemein bekannt, dass seit einigen Jahren die Neubesetzungen an den wichtigsten Theatern des...

Übersetzung und Bearbeitung von Inez Matis und Holger Kuhla

Mephistoland

Dieser Text soll von der näheren Zukunft des jungen ungarischen Theaters handeln. Unter den heutigen Verhältnissen lassen sich jedoch besonders schwer Vorhersagen treffen. Nehmen wir uns also ein Zitat von jemandem, dessen Vorhersagen schon öfters ins Schwarze getroffen haben. Árpád Schilling hatte 2007 einen Artikel unter dem Titel „Vaterlos“ veröffentlicht, um seine Zeitgenossen und ihre Nachfolger zum Handeln zu inspirieren. Hier ging es vor allem um einige vermutlich auch im deutschsprachigen Raum bekannte Namen der nach 1970 geborenen ungarischen Regiegeneration, wie etwa Béla Pintér, Kornél Mundruczó, Zoltán Balázs und Viktor Bodó. Schilling schrieb: „Wir müssen uns die Frage stellen: Was bedeutet das Theater für uns? Lebensunterhalt? Position? Eine Gemeinde? Ein Terrain für Experimente? Selbstausdruck? Ein Forum? Egal, wie die Antwort lautet, sie muss ehrlich sein.“ Ich finde, dass die im Schatten der großzügig subventionierten Stadt- und Staatstheater langsam ausblutende freie Theaterszene aus vielerlei Gründen eine Nahaufnahme wert ist. Die oben genannten Regisseure verbindet nicht nur das Alter, sondern auch die bedeutende Rolle, die sie in der ungarischen Theaterszene spielen. Schilling inszeniert momentan gar nicht in Ungarn, Bodó hatte gerade seine erste ungarische Premiere seit anderthalb Jahren, und Mundruczó bringt seine ambitionierten Theaterprojekte seit vielen Jahren ausschließlich mithilfe großer internationaler Koproduzenten...

Über die Chancen eines Generationswechsels im ungarischen Theater

Neue Zeiten, neue Stimmen

Wie alles begann? Franziska Kronfoth und Julia Lwowski studierten beide Opernregie an der Hochschule für Musik „Hanns Eisler“ in Berlin, 2012 gründeten sie das Musiktheaterkollektiv Hauen und Stechen. Die Galerina Steiner in Berlin-Schöneberg bot an, den Keller für Veranstaltungen zu nutzen. Und so entstand die Idee, dort jeden Freitagabend eine andere Oper zu zeigen. Der Keller war staubig, niedrig, eng – und das Publikum mitten im Geschehen. Diese „Ästhetik des...

Unter Druck

Assoziationen

Theater der Zeit 10/2017

Götterdämmerung

Theater der Zeit 03/2011

Unruheland Ungarn

Neuerscheinungen im Verlag