Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Besetzung Gundars Āboliņš: Meursault, Gundars, Gefängnisinsasse Hassan Akkouch: Imam, Musa, Bestatter, Soldat, Mann mit erhobenem Arm Mahin Sadri: Mutter Maya Haddad: Leserin, Musas Geliebte, Meriem Samouil Stoyanov: Harun jung Walter Hess: Harun alt Dennis Kharazmi, Jasper Kohrs: Harun Kind (Kinderstatisten) Lugh Wittig, Seren Sahin, Tulga Sahin: Statisten SZENE 1 Während des Einlasses beten einzelne Männer auf der Bühne nach muslimischem Brauch. Wenn die Zuschauer Platz genommen haben, tritt die Mutter...

nach dem Roman von Kamel Daoud. Fassung: Amir Reza Koohestani

Der Fall Meursault – Eine Gegendarstellung

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Hamburger Marathon

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Man muss diesen mehr als 200 Jahre alten Text, der vor bald 500 Jahren speilt, nicht zwingend erst zu uns heranholen, ihn also „heutig“ machen, um seine gegenwärtige Sprengkraft zu erkennen. Dass sich aus Kleists Novelle vom Querulanten, Wutbürger und Gerechtigkeitsfanatiker Michael Kohlhaas ein Stück zur Stunde machen lässt, liegt geradezu auf der Hand und ist zuletzt ja auch vielfach versucht worden: in Görlitz-Zittau, Bregenz, Berlin, Saarbrücken, Darmstadt, … Insofern erübrigte sich im Grunde eine Frage der Dramaturgin im Meininger Programmheft: „Ist es wieder Zeit, sich mit ihm zu beschäftigen?“ Ja, bestätigt der Autor gleichwohl, es sei „bestimmt eine passende Zeit, den ,Kohlhaas‘ einer erneuten Lektüre zu unterziehen.“ Der Autor verweist, wie sein Stück, auf missbräuchliche Indienstnahmen des Titelhelden als Freiheits- oder Widerstandskämpfer durch Nationalsozialisten, DDR-Kommunisten oder westdeutsche 68er-Bewegte; wie junge Rechtsextreme heutzutage aus der Novelle die Rechtfertigungslehre für ihre Bewegung ableiten, die den ohnehin schwankenden demokratischen Staat zu beseitigen gedenkt, inszenierte bereits vor sieben Jahren Sebastian Martin in Weimar mit Entlarvungsstrategie. Jener Autor indes heißt natürlich nicht Heinrich von Kleist, der seinen eigenen Freitod mit einem solchen verknüpfte, der ebenfalls Grenzen zum Missbrauch überschritt. Er heißt Björn SC Deigner, den in den vergangenen Jahren vor allem Bamberg schon dreimal...

„Kleists ‚Kohlhaas‘ dargestellt durch das Liebhabertheater ‚Die freche Distel’“ von Björn SC Deigner (UA) – Regie Cornelius Benedikt Edlefsen, Bühne und Kostüme Jenny Schleif

Staatstheater Meiningen: Einem Stück gehen die Gäule durch

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Der Materialergründer

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Kompositionsprinzip Collage

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Amir Reza Koohestani, Sie haben kürzlich am Theater Freiburg Tschechows „Kirschgarten“ inszeniert – als Uraufführung, denn Sie haben das Stück komplett überschrieben. Erzeugt das Überschreiben eines russischen Dramas auf Farsi durch einen iranischen Regisseur für eine Aufführung in Deutschland eine besondere Reibung? Nein. (lacht) Nur in den Köpfen der Leute. Eine Woche vor der Premiere wurde ich von einem Journalisten gefragt, was mein politischer Ansatz sei. Ich antwortete, mein politischer...

Eine Gegendarstellung. Der iranische Regisseur Amir Reza Koohestani über seinen „Kirschgarten“ am Theater Freiburg und die Zensur im Kopf im Gespräch

Der Fall Europa

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Maschinengewehrsalven, martialischer Sound, Todesschreie. Robert Wilson zieht akustisch in den Krieg: „Um alle zu töten, die bekämpfen, wofür wir stehen“, sagt seine Stimme auf Englisch. Einer nach dem anderen, der eben noch auf dem Laufsteg vor schmaler breiter Bühne das Schild eines Protestmarschs hochhielt, fällt stilisiert durchs Holzschwert, das daraus wurde. Das ist, vor blutroter Lichtwand, Akt fünf. Es folgt, vor samtrotem Vorhang: Akt sieben. Auferstehung. Da bleibt eine Lücke, eine Leerstelle. „Ubu“ eröffnete das Kunstfest Weimar so gut wie, aber jedenfalls die Sektion Schauspiel darinnen, als „performative Installation“ nach Alfred Jarrys ursprünglich mal dem Marionettentheater zugeeigneter Groteske, in der das Vulgäre das Edle meuchelt. Nach Lithografie-Serien dazu entwarf Joan Miró 1978 überlebensgroße Marionetten für Joan Baixas’ Truppe La Claca, die damit in Palma auf Francos Diktatur anspielte. Das dortige Kunstmuseum Es Baluard, das Mirós „Ubu“-Bilder hütet, beauftragte Wilson zunächst mit einem Klangstück: „Ubu Sounds the Alarm“ war 2022 auch in Weimar zu hören, mit Repliken dieser Marionetten. Die tauchen in der Performance kurz wieder auf, die Wilson und Charles Chemin danach mit neun Spielern im Es Baluard herausbrachten, als Jarry-Essenz ohne Originaltext, und für die Aina Moroms ansonsten Kostüme aus Zeitungspapier schuf. Gewiss dem Budget geschuldet, verweist das zugleich...

Ein Kunstfest mit Wilson und Walser, Koohestani und Suleiman

Existenzfragen in Weimar

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Festival der Besessenen

Disappearing Birdie Coonan

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Die Liebe zwischen Mutter und Sohn ist zärtlich und groß. Im Iran ist die Familie den strengen Regeln der muslimisch geprägten Gesellschaft unterworfen. Und doch lässt der Autor Poojan Bagherzadeh in seinem Stück „Sohn einer Mutter. Mutter eines Sohns“ die Träume der Generationen fliegen. Weil der junge Homosexuelle unter den Repressionen der Gesellschaft leidet, entscheidet er sich dafür, ein Forschungsstipendium in Deutschland anzunehmen. Seine Mutter bleibt allein zurück. Die Risse, die diese Trennung in die Herzen gräbt, zeichnen die Schauspieler Pujan Sadri und Evelyne Gugolz stark. Beim Welt/Bühne-Festival des Residenztheaters in München war die Werkstattinszenierung des iranischen Autors und Regisseurs im Marstall-Theater zu sehen. Acht Tage lang treffen sich internationale Gegenwartsdramatiker:innen in München. „Unser Ziel ist es, Künstler:innen aus aller Welt nicht nur zu zeigen, sondern auch in Kontakt zu bringen“, sagt Almut Wagner, die Chefdramaturgin des Residenztheaters. Sie kuratiert das Festival, das die Vielfalt der Inhalte und Theaterformen zeigt. Seit 2015 ist die Welt/Bühne im Residenztheater verankert. In mehrmonatigen Residenzen entwickeln internationale Autor:innen neue Texte. „Der Kreis der Künstler:innen wächst“, sagt Wagner. Dass sich die neue Generation über Landesgrenzen hinweg bei den Festivals trifft und ins Gespräch kommt, zeigt, dass das Konzept erfolgreich ist. „Was in Ländern wir dem...

Welt/Bühne-Festival am Residenztheater München mit internationalen Werkstattinszenierungen von Pooyan Bagherzadeh und Oleksandr Seredin

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Guilt-Trip durchs Vogtland

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

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geboren 1978 in Schiras (Iran), gründete nach Erfahrungen als Performancekünstler und Filmemacher 2001 die Mehr Theatre Group in Teheran. Seine Werke wie „Timeloss“, „Iwanow“ oder zuletzt „Hearing“ sind seit Jahren bei internationalen Gastspielen und Festivals zu sehen. Auch an deutschen Theatern inszeniert er regelmäßig.

Die Überschreibung des Klassikers von Alfred Jarry: „Ubu“ in der Regie von Robert Wilson im Rahmen des Kunstfest Weimar

Die „bunte Esse“, ein Wahrzeichen von Chemnitz

Im Chaos Culture Club – Amir Reza Koohestanis „Kirschgarten“ am Theater Freiburg zeigt die Orientierungslosigkeit einer zutiefst gespaltenen Gesellschaft. 

Ein Jonglage mit Motiven aus Aristophanes‘ antiker Komödie „Lysistrata“: „Lysistrata macht Urlaub“ von Oleksandr Seredin auf dem Weltbühne-Festival in München.

Überbordend sinnlich, international gefeiert, diversitätsoffen und jenseits von disziplinären Grenzen, zugleich angefeindet, verbrämt, umkämpft: Die Intendanz von Benjamin von Blomberg und Nicolas Stemann am Schauspielhaus Zürich war eine richtungsweisende Zeit. Als alphabetisches Glossar verpackt, evoziert der vorliegende Reader die Hoffnungen und Versprechen, die mit der Intendanz verbunden waren, repräsentiert die vielfältigen Handschriften der beteiligten Künstler:innen und ruft öffentliche Debatten um die Neuausrichtung des Schauspielhauses auf.
Was also bleibt, von diesem Versuch das Stadttheater für das 21. Jahrhundert neu zu denken? Theater Is Dead. Long Live Theater. Schauspielhaus Zürich 2019 – 2024 gibt darauf keine finalen Antworten, sondern versammelt Material, das für zukünftige Erneuerungsversuche relevant sein könnte. Dabei entsteht ein künstlerischer Text- und Bildband, der einen erweiterten Theaterbegriff feiert und die in Zürich entstandenen Arbeiten zwischen Theater, Tanz, Film und den performativen Künsten abbildet und kontextualisiert.
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Schauspielhaus Zürich 2019 – 2024 

Theater is Dead. Long Live Theater

Kampnagel – Deutschlands größte freie Spiel- und Produktionsstätte mit multifunktionalem Bühnenkomplex, feiert vierzigsten Geburtstag. Die Geschichte der Hamburger Kulturfabrik vom Fabrik-Underdog zum Staatstheater ist ein sich fortschreibendes Kapitel deutscher und europäischer Kulturgeschichte. In den völlig unheiligen Hallen Kampnagels kristallisiert sich, wie sich Theaterkultur in Bezug auf Spielformen, politische Anliegen, institutionelles Handeln sowie Internationalität verändert hat. Das Buch „40 Jahre Widerspruch“ beschreibt, bewertet und befragt die Geschichte, Gegenwart und Zukunft des Hauses sowie der Spiel- und Produktionspraxis. In fünf Kapiteln, die seinen inhaltlichen Schwerpunkten folgen, präsentiert sich Kampnagel als das Zentrum eingreifenden Denkens und Handelns: solidarisch, nachhaltig, avantgardistisch. 
Mit Beiträgen u. a. von Benjamin Foerster-Baldenius, Nikolaus Müller-Schöll, Sibylle Peters, Anne Lacaton und Jean-Philippe Vassal,  Alok, God’s Entertainment, Ibrahim Arslan, Carina Book und Sophia Hussain, Ewelina Benbenek sowie Holger Bergmann.
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Workbook zum Jubiläum

Kampnagel Hamburg. 40 Jahre Widerspruch

Auf dem Titel und im Kunstinsert: Gisèle Vienne. Die französisch-österreichische Choreografin hat in den letzten 20 Jahren ein „Ensemble“ von lebensgroßen Puppen­ zusammengestellt, die immer wieder in ­ihren Arbeiten zwischen Tanz, Performance, Fotoporträts der offenbar misshandelten Figuren und auch Film anzutreffen sind. Jetzt gibt es in Berlin erstmals eine große Retrospektive dieser ungewöhnlichen Künstlerin – alles im Beitrag von Theresa Schütz auf den Seiten 26 bis 31.
Ensemble heute ist das Thema des Schwerpunkts in diesem Heft. Brechts Berliner Ensemble wurde vor 75 Jahren gegründet. Der derzeitige Intendant Oliver Reese spricht im Interview über seine „Ensemble-Euphorie“, die aufrechtzuerhalten ihm nicht immer leichtfällt, auch wenn er für ein Foto auf das Dach des Hauses mit dem legendären, von Peter Palitzsch entworfenen und noch immer in die Nacht leuchtenden Signet gestiegen ist. Indes gibt es auch ganz andere Ensemble-Modelle, die auf der umfassenden Idee für eine Theatergemeinschaft basieren. Die transnationale KULA Compagnie, das Theaterhaus Jena und das seit über 40 Jahren auf der Schwäbischen Alb bestehende Theater Lindenhof in Melchingen, porträtiert von der Baden-Württemberg-TdZ-­Redakteurin Elisabeth Maier.
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Gisèle Vienne Unheimliche Collagen

Ensemblekultur heute

Theater und Migration

Der Knick im Kopf

Das sommerheft 2024 von ixypsilonzett. darstellende künste &amp; junges publikum widmet sich dem Thema Theatervermittlung als Vermittlungskunst: Die Beiträge aus Praxis, Wissenschaft und Diskurs spannen dabei beispielhaft einen breiten Bogen in die verschiedenen Arbeitsfelder der Theatervermittlung. Partizipative Inszenierungen und Spielclubs, Workshops, freie Projekte, fachlicher Austausch: Hier überall findet täglich Vermittlungskunst statt und wird mit den Mitteln der Performance, des Schauspiels, Musiktheaters, des Tanzes sowie interdisziplinär gestaltet. Für alle Autor:innen verbindend sind die Fragen: Wie lässt sich die ästhetische Praxis bzw. das spezifisch künstlerische Handeln in den unterschiedlichen theatervermittelnden Formaten beschreiben? Was braucht Theatervermittlung, um im besten Fall Vermittlungskunst zu sein?
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Vermittlungskunst

Vor genau 20 Jahren wurde double gegründet und unsere Leser*innen halten gerade die 50. Ausgabe in der Hand. Dieses Doppeljubiläum war für uns Anlass, den Blick zurück nach vorne zu richten und das Heftthema ‚Reenactment‘ mit der Heftgründung in Verbindung zu bringen. Haben Sie es erkannt? Das Cover greift das Titelbild des allerersten Heftes auf, und auch einige mit ‚Reenact!‘ gekennzeichnete Beiträge spinnen Themen von double 1 weiter fort. Neben aktuellen Berichten nehmen wir uns die Zeit, um unsere Reise zu reflektieren.
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Reenactment im Figurentheater

Same, same but different

Das Theaterlabor Bielefeld, gegründet 1983 von Siegmar Schröder gemeinsam mit Studierenden, ist ein prägnantes Beispiel für die Entwicklungen, die seit den 1980ern zu einer Modernisierung des deutschen Theaters und in Folge zur Konstituierung des Freien Theaters als „Zweiter Säule“ der Theaterlandschaft führen sollten.
Ein Ensemble, das kollektiv und egalitär die ­Gegenstände und Themen seiner künstlerischen Arbeit selbst bestimmte, sich permanent bei den großen, beispielgebenden Künstler*innen des „anderen Theaters“ in Europa aus- und weiterbildete, das zu internationalen Festivals eingeladen wurde und schon früh auch selbst Festivals und Koproduktionsbeziehungen in Europa und bis nach Nordamerika entwickelte und schließlich eine Institution bildete, die Bestand hat und inzwischen von einer nachgewachsenen Generation übernommen wurde.
Die Entwicklung dieser Theaterkunst aus der Kraft der Selbstermächtigung wird von Siegmar Schröder und Henning Fülle in Berichten und Interviews, Gesprächen und Erinnerungen nachgezeichnet und in den Kontext der künstlerischen und institutionellen Aufbrüche der westdeutschen Thea­terlandschaft seit den 1970er Jahren eingebettet.
Mit Interviews und Texten von Eugenio Barba, Yoshi Oida, Leo Bassi, Margarete Pikes, Horacio Czertok, Nullo Facchini, Robert Jakobson, u.v.m.
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Reisen in internationale Theaterwelten

 Wir haben es einfach gemacht!

Am 5. November heißt es in den USA: Trump oder Harris. Eine Schicksals- und Zukunftswahl für die ganze Welt. In der Theaterwelt sind die USA, ab Mitte des 20. Jahrhunderts wichtiger Impulsgeber für das europäische Theater, längst nicht mehr führend und selbst die immer kreative New Yorker Avantgarde ist für die deutsche Szene kein Magnet mehr, während der Broadway brummt nach Corona und Krise. Trotzdem lohnt ein Blick in die schwächer gewordenen Wechselbeziehungen. Die amerikanische Theaterkünstlerin und Dramaturgin Theresa Buchheister stellt das aufregende New Yorker Performanceduo Peter Mills Weiss und Julia Mounsey vor, Robert Wilson erklärt, warum er mit „Moby Dick“ ein Schlüsselwerk der amerikanischen Kultur inszeniert, und TdZ-Redakteur Stefan Keim spricht mit Noah Haidle, dem aktuell präsentesten amerikanischen Dramatiker auf deutschen Bühnen. Enjoy the show!
Zum Amerika-Schwerpunkt gehören außerdem die Doppelbesprechung der Adaptionen von Ottessa Moshfeghs Roman „Mein Jahr der Ruhe und Entspannung“ in München und Graz sowie der Vorabdruck zu Judith Malinas <a href="https://tdz.de/shop/produkt/daa87cc5-7f2f-4604-8790-e380631debe0">„The Piscator Notebook“</a>, das erstmals auf Deutsch erscheint und somit auch an die früher einmal sehr engen Wechselbeziehungen zwischen amerikanischem und deutschem Theater erinnern soll. Vielleicht wird es ja auch wieder anders?
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Amerikanisches Theater

Die künstlerische Arbeit am Theater ist unmittelbar kooperativ und immer auch Arbeit an ihrer eigenen Form. Theatermacher:innen in der Weimarer Republik haben dies voraussetzend versucht, im mitlaufenden Verweis auf ihr Tun eine bessere, nicht kapitalistische Gesellschaft real und imaginativ vorwegzunehmen. Wieso endete dieser Versuch in einem Lob der großen Produktion statt in einer Befreiung von ihr? Oder in einer naiven Verwendung rassistischer Stereotypen? Tropen des Kollektiven beantwortet diese Fragen, indem es ein solches Scheitern von Utopie am Beispiel des Epischen Theaters – der Piscator-Bühne, der Truppe 31, der Versuche-Gruppe, zu der Bertolt Brecht gehörte – nachvollzieht. Weil das Buch nach dem Verwertungsregime künstlerischer Arbeit schlechthin fragt, gelten die Antworten, die es gibt, nicht nur für die Theater-Avantgarde.
 
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Horizonte der Emanzipation im Epischen Theater

Tropen des Kollektiven

Neuerscheinungen im Verlag