Die Schützengräben des Unwahrscheinlichen

Verletzte Körperlandschaft

Frau Nakamura, warum sind Japaner so besonders interessiert am Ballett? Viele japanische Kinder machen Ballett und sie wollen nach Europa auf die Ballettschule, weil sie denken, Ballett sei in Europa viel besser. In Japan gibt es keine professionellen Schulen. Deswegen denken alle: Wenn ich es professionell machen möchte, muss ich nach Europa gehen. Auch wenn europäische Truppen nach Japan kommen, füllen sie ohne Probleme ganze Säle und viele Japaner fliegen für eine Vorstellung nach Europa, schauen sich diese an und fliegen wieder zurück. Warum lieben die Japaner das Ballett so sehr? Vielleicht wegen Tetsuya Kumakawa und Miyako Yoshida, die beide am Royal Ballet in London getanzt haben. Als sie nach Japan zurückkamen, wurden ihre Ballette gezeigt und alle waren begeistert. Tetsuya Kumakawa war der Erste Solotänzer und ist mit 27 Jahren nach Japan zurückgekehrt. Darum, denke ich, wollten immer mehr Kinder Ballett tanzen. Wie viele Ballettstudios gibt es in Fukuoka, wo Sie aufgewachsen sind? Bestimmt ungefähr fünfzig. So viele?! Wo findet man das in Europa? Nirgends. Viele Kinder machen in Japan Ballett. Und Ballett ist auch das Hobby vieler Japanerinnen, die das abends nach der Arbeit machen. Warum haben Sie mit dem Tanzen angefangen? Es waren eigentlich meine Eltern, die...

Shoko Nakamura

Theater für Taiwan

Was macht das Theater, Maciej Nowak?

Berliner Festspiele: Perspektivwechsel

Guerrilla Marika

50 Jahre nach dem Putsch in Chile

Die Zukunft jetzt gestalten!*

„Falsch wie Fischstäbchen“

München: Münchner Förderpreis für neue Dramatik 2023 für Matthias van den Höfel

Widerhall einer kollektiven Erinnerung in Chile

Ich errinnere mich

Theater als Raumschiff

Frau Nakamura, Herr Dudek, wie war Ihre Hochzeit? SN: Eigentlich haben wir bisher keine richtige Hochzeit gehabt. Ich möchte gern irgendwann noch in einem weißen Kleid heiraten – das ist mein Traum und auch der meiner Mutter. Ich möchte schön aussehen in einem richtigen Hochzeitskleid. Aber wir hatten bisher nicht die Zeit dafür, weil wir immer so viel zu tun haben. WD: Und die Frage ist auch, wo wir es machen? Wenn wir es in Japan machen, muss meine Familie dorthin reisen und wenn wir es in Polen machen, muss ihre Familie anreisen – das braucht auch Zeit, um alles zu planen. Ich hoffe, es wird bald passieren. Aber es gibt Bilder von einer Zeremonie in Japan. SN: Wir haben eine traditionelle Hochzeit gefeiert, aber es war keine offizielle Feier, sondern nur mit uns und meiner Familie. Wenn ich das richtig verstehe, haben Sie keine Papiere, dass Sie verheiratet sind? WD: Doch, doch! Dann erzählen Sie mir bitte, wie die Zeremonie war. WD: Am Anfang war ich sehr überrascht. Denn in Polen zum Beispiel ist es so: Wenn du nicht in der Kirche heiratest, dann gehst du zum Standesamt und es ist alles sehr offiziell und festlich. In Japan ist...

Shoko Nakamura & Wieslaw Dudek

Graz: Retzhofer Dramapreis 2023 für Leonie Lorena Wyss

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Die Straße wird queer

Landestheater Schwaben Memmingen: Die Liebe zum letzten Zitroneneis 

Der Albtraum ist noch nicht vorbei

Zu woke für das Publikum?

Vom toten Huhn bis zu den Millennials

Emily weint doch nie

Was folgt

Teatro Lautaro in Deutschland gestern und heute

Im SÜDEN, wo sich die Überflüssigen treffen

 Das Ende der Verzichtsmetapher

Eine Geste: Ausgraben

Laudation von Jurymitglied Martin Brachvogel für Lena Gorelik

Selbstverständigungsprozess

studioNAXOS Frankfurt: Queerness zwischen Widerstand und Utopie 

SagdochmalLuca

Mateja Koležniks „Kinder“

Bonobo

Vom Verschwinden der Körper in frostiger Zeit

1986

Theater für alle versus faire Bezahlung?

Laudatio von Jurymitglied Brigitte Korn-Wimmer für Marisa Wendt (Auszug)

Ein ekelhaftes Theaterstück

Laudatio von Jurymitglied Eva-Maria Voigtländer für Yannic Han Biao Federer

Ruhrtriennale: Eine Reise zum Mittelpunkt des Menschseins

Vielleicht ein Aufbruch

Zimmertheater Tübingen: Zauberwald in Zeiten des Klimawandels 

Staatstheater Augsburg: Kurvenkontrollfreaks unter sich 

Köln: Gewerkschaften erklären Tarifverhandlungen zur Arbeitszeit für gescheitert

Was macht das Theater, Anne Rabe?

Gespräch: Shoko Nakamura und Wieslaw Dudek, Erste Solotänzer

Klang und Form

Reaktivierung und Verteidigung der Erinnerung

Schreiben, um nicht zu vergessen

Memoria 1973 – 2023

Drive in

Über die fünfzig Jahre

Mönchszellen und Bühnenräume

Muttertier

Nach einem halben Jahrhundert Leben, wie lange sind fünfzig Jahre?

GAM: Fünfzig Jahre nach dem Putsch

Berliner Ensemble: Starabend ohne Widerspruch

Theater und Digitalität

Wir sind pessimistisch

Betriebswirtschaftliche Zusammenhänge im (Freien) Kinder- und Jugendtheater

München: Spatenstich beim Neubau eines Proben- und Werkstättenzentrums für das Bayerische Staatsschauspiel

Schauspiel Wuppertal: Generalabrechnung mit der Menschheit 

Inspiration durch Stille – Kreativität durch Bewegung

Espacio Checoslovaquia

„Die Glaswanne darf nie kaltlaufen“

Colina

Bildet Allianzen!

Viel Potenzial, wenig Raum

Theater Heidelberg: Psychoanalyse mit der VR-Brille

Gebrannt hat es immer schon

Das aufstrebende Theater im Kontext von fünfzig Jahren nach dem Putsch in Chile

Klänge von Gestern und Heute auf den Bühnen Chiles

Warum wir das Theater brauchen

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

IXYPSILONZETT

Klimawandel

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Sparten

Rheinland-Pfalz

Musiktheater

Queeres Theater

Europa

Theater der Zeit

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Tanz

Performance

Theater in Slowenien

Retzhofer Dramapreis

Debatte

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Erster Solotänzer des Staatsballetts Berlin

Theatermusik ist stets im Wandel. Sie folgt Moden, aber auch eigenen Konventionen – und wie sie dann wieder aufgebrochen werden. Ruhr-Triennale Intendantin Barbara Frey war einst auch Schlagzeugerin. Sie spricht im Interview mit NRW-­Redakteur Stefan Keim über ihre Auffassungen der Musikalisierung des Schauspiels. Thüringen-Redakteur Michael Helbing stellt das Deutsche Nationaltheater Weimar als die wohl im Moment avanciertest Musik-Schauspiel-Bühne vor, und PC Nackt, dieser Wanderer zwischen Elektro-Punk-Projekten und Theaterbühnen mit Schorsch Kamerun und Sebastian Hartmann, lud zum Gespräch auf ein Boot ein, wo die Geräusche des bewegten ­Wassers nebenbei auch als Sounds besprochen wurden. Ein Schwerpunkt auf den Seiten 10 bis 24.
Das Haus der Kulturen der Welt in Berlin hat eine wechselvolle Geschichte. Von dem amerikanischen Architekten Hugh Asher Stubbins, Jr. entworfen, wurde der Bau als Kongresshalle 1957 eingeweiht. Die zu den ikonischen Architekturen des alten West-Berlin zählende „schwangere Auster“ musste nach einem Teileinsturz des Gebäudes 1980 saniert werden und wurde – kurz vor einer anderen Zeitenwende! – im Januar 1989 zum Haus der Kulturen der Welt, mit der Spezialisierung auf die Präsentation nicht-europäischer Kulturen. Nun wird es, nach einer nochmals notwendigen Renovierung, mit neuer Leitung wiedereröffnet. Intendant und Chefkurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, studierter Biotechnologe, und sein vielköpfiges Team der verschiedensten Kunst- und Wissenschaftssparten ließen schon bei der Pressekonferenz im März erkennen, dass nun einiges anders gemacht werden soll bei der Programmierung und Kuratierung. Im Zusammenspiel beinahe wie eine Big Band, jedenfalls auch mit großem Spaß an der Sache. Ute Müller-Tischler traf sich mit Ndikung und den beiden für die Performing Arts verantwortlichen Kurator:innen, Carlos Maria Romero und Marie Helene Pereira, zum Gespräch.
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Welttheater – Haus der Kulturen der Welt Berlin

Theatermusik

Wie wollen wir zukünftig leben und arbeiten? Welche Voraussetzungen braucht die Gestaltung sozialer Strukturen jenseits ökonomischer Verwertbarkeit? Orte der Kunst und der Bildung ermöglichen die modellhafte Erforschung und Erprobung von Verfahren, Strukturen und Institutionen und sind damit Impulsgeber für unser Zusammenleben. Sie tragen einen wichtigen Teil dazu bei, um unsere Demokratie in ihrer Komplexität zu erhalten und fortzudenken. Expertinnen und Experten aus verschiedenen sozialen Feldern untersuchen von der Norm abweichende Praxisformen, verorten sie historisch und denken soziale Gegenwart aus einer möglichen Zukunft heraus.
Mit Beiträgen u. a. von Armen Avanessian, Augusto Corrieri, Simone Hain, Isabell Lorey und Joshua Wicke.
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Neue Entwürfe für Kunst, Pädagogik und Politik

Dazwischengehen!

Wolf Biermanns Sohn erzählt seine packende Familiengeschichte Klaus Thaler, und der schrieb sie aus der Sicht einer Puppe auf.
Ich bin eine Puppe, my name is Zorro der Bär. Mein schicksalhaftes Buch lebt von der Vermischung aus absurdem Puppenspiel mit realer Geschichte. Kommt mit auf meinem Flug durch die Ost-Berliner Boheme vor dem Mauerfall! Gleich landen wir im Utopia 1990, direkt auf dem Tacheles mit Eimern voller Niemandsland. Der rote Faden rock‘n‘rollt sich vor- und rückwärts auf. Er entpuppt Biermanns „Treuehand“ und entknotet Freygangs „Firma“. Ich finde eine Spur ins Barocke, erzähle von der legendären Hanswurst-Vertreibung der „Neuberin“ und höre vom gemeinen Rammstein. Ein Märchenbilderbuch deutsch-deutscher Aufklärung von Lessing bis Corona. 
Klappe zu und Vorhang auf!
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Dokumentarroman

Eine Puppe packt aus

Im Gebäude eines Theaters mag man einiges erwarten – aber eine Zahnradbahn dürfte selbst hartgesottene Theatergänger*innen überraschen. Schon der Ort ist programmatisch für das Theater Rampe. Hier mischen sich Theater und Popkultur, Tanz und Schauspiel, Nachbarschaft und globale Perspektiven. Mehr und mehr entwickelte sich das Theater Rampe zu einem Stadttheater neuen Typs, in dem die Übergänge zwischen zeitgenössischen Theatertexten und Performances der freien Darstellenden Künsten fließend sind.
2023 steht in der Rampe ein Leitungswechsel an. Ein guter Moment um innezuhalten. Künstlerische Wegbegleiter*innen, Freund*innen und Partner*innen erinnern in persönlichen Abschiedsbriefen die vergangenen zehn Jahre, schreiben Ideen fort oder blicken in die Zukunft.
Eine Sammlung von Briefen, die keinen Anfang und kein Ende kennt. Denn Abschied nehmen heißt auch weitermachen, weiterarbeiten, weiterdenken.
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Theater Rampe 2013 – 2023

Im Schatten der Zahnradbahn Vol. 2

<a href="https://www.hebbel-am-ufer.de/programm/pdetail/chile-heute-ein-blick-auf-die-theaterszene-nach-dem-putsch-vor-50-jahren?wt_nl=03mnl2309">Heftpremiere am 11. September im HAU3 Hebbel am Ufer Berlin</a>
Anlässlich des 50. Jahrestages des Putsches gegen die sozialistische Regierung Salvador Allendes in Chile bringt Theater der Zeit ein SPEZIAL zum zeitgenössischen Theater in Chile heraus. Vorgestellt werden neueste Tendenzen des politischen, feministischen und digitalen Theaters sowie auch die anhaltende Beschäftigung mit dem Putsch und seinen Folgen. Mit Beiträgen von Manuela Infante, Guillermo Calderon, Alejandro Moreno, Verena Lehmkuhl, Amalia Kassai u.a.
Ein Projekt von Goethe-Institut Chile und Theater der Zeit
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In den 1960er Jahren vollzog sich in den Künsten unübersehbar eine performative Wende. Anstelle von „Werken“ erschaffen Künstler zunehmend Ereignisse, an denen nicht nur sie selbst, sondern auch die Betrachter beteiligt sind. Angesichts dieser radikal veränderten künstlerischen Produktion stellt sich auch die Frage nach dem geistigen Eigentum grundlegend neu. Moritz Johannes Ott, Fachanwalt für Urheber- und Medienrecht, untersucht die Ästhetik des Performativen in ihren urheberrechtlichen Konsequenzen.
Er fragt danach, ob und wie performative Kunst urheberrechtlich geschützt ist und inwieweit vor diesem Hintergrund szenische Aufführungen in ihrer Gesamtheit neu zu bewerten sind: Liegt der Schlüssel zum urheberrechtlichen Schutz aller Bühnenkunst im Urheberrecht des Regisseurs an seiner Inszenierung?

Theater, Aktion, Performance

Der urheberrechtliche Schutz performativer Kunst

Wo steht die neue Dramatik heute? Wie kann man über Dramatik sprechen und welches analytische Instrumentarium braucht man dafür? Wie sollten die vorhandenen Positionen weiterentwickelt werden, um für das Theater eine Zukunft zu öffnen? Der Band „Dramatisch lesen“ nähert sich diesen Fragen zum Theatertext in Form eines Dialogs zwischen Dramatiker:innen, Wissenschaftler:innen sowie Kritiker:innen am Beispiel konkreter Stücke.
Sie sprechen über verschiedene Leseweisen von Texten, über das Verhältnis von Text und Theater, von Schreibenden und Lesenden im Spannungsverhältnis zwischen eigenständiger literarischer Gattung und Gebrauchstext. So gerät der Theatertext als eine Schule des dialogischen Denkens in den Blick, frei von dem Anspruch unmittelbarer Verwertbarkeit für die Bühne – (eine) Poetik des Dramas.
Mit Beiträgen von Charlotte Bomy, Karin Cerny, Teresa Dopler, Natascha Gangl, Andrea Glauser, Thomas Köck, Teresa Kovacs, Christoph Leibold, Wolfram Lotz, Sascha Michel, Fiston Mwanza Mujila, Katrin Pahl, Ewald Palmetshofer, Martin Schäfer, Ferdinand Schmalz, Brigitte Schwens-Harrant, Gerhild Steinbuch, Miroslava Svolikova, Christine Wahl und Ivna Zic.
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Wie über neue Dramatik sprechen?

Dramatisch lesen

Der niederländische Theaterkünstler Johan Simons kann auf eine großartige Karriere als Regisseur und Theaterleiter zurückblicken. Erste Erfolge als künstlerischer Leiter der Theatergroep Hollandia machten ihn in den 1980er und -90er Jahren international bekannt. Seine Arbeit hat ihn in die Leitung der Münchner Kammerspiele und der Ruhrtriennale (2015 bis 2017) geführt, seit 2018 ist er Intendant des Bochumer Schauspielhauses. Das vielleicht wichtigste Thema seiner Inszenierungen ist die Auseinandersetzung mit dem Tod, legendär seine Bochumer „Hamlet“-Inszenierung von 2019 mit der Ausnahmeschauspielerin Sandra Hüller in der Titelrolle.
Dieses reich illustrierte Arbeitsbuch will nicht nur Aufschluss geben über verschiedene Aspekte der Arbeit des Regisseurs Johan Simons, es versammelt auch Zeugnisse seiner Mitstreiter:innen und Weggefährt:innen. Zu Wort kommen u. a. Sandra Hüller, Pierre Bockma, Elsie de Brauw und Mieke Koenen in Interviews, Essays, Bildern und Skizzen.
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Dialog mit dem Tod

Johan Simons

Karin Beier: Antike als große Geste

Queeres Theater wird oft zuerst als Politikum oder Aktivismus wahrgenommen. Dabei entsteht es nicht mehr allein aus der freien Szene heraus, sondern queere Themen und Ästhetiken haben längst den Mainstream der Stadt- und Staatstheater erreicht und es wird viel diskutiert, was es dort bewirkt und an wen es sich in erster Linie wendet. Zeit für einen Schwerpunkt, den die Juniorprofessorin und Spezialistin für queeres Theater Jenny Schrödl mit einem ausführlichen Überblick einleitet, gefolgt von einer publikumssoziologischen Untersuchung und einem besonderen Beispiel am Landestheater Eisenach in Thüringen.
Romeo Castellucci sprach mit Thomas Oberender über seine neue Inszenierung „Mystery 11 Ma“, die am 1. September in der europäischen Kulturhauptstadt Elefsina in Griechenland Premiere hat und sich auf die frühantiken Initiations- und Weihe-Riten der Mysterien von Eleusis bezieht. Der Ort, das heutige Elefsina 30 km nordwestlich von Athen, war einst für Castellucci als Student der Ausgangspunkt für alles, was der Theatermacher bis heute geschaffen hat.
 
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Romeo Castellucci — Die Mysterien von Eleusis

Die diesjährige VOICES Ausgabe Re-exploring the grotesque beschäftigt sich mit dem Begriff des Grotesken und legt ihn als Folie über den Zirkus. Die versammelten Texte fragen aus kulturtheoretischer, theater- und zirkuswissenschaftlicher, dekolonialer, queer-feministischer und künstlerischer Perspektive. Es sind Reflexionen darüber, was uns das Groteske in seiner Vielschichtigkeit und mit seinen Ambivalenzen heute in Bezug auf die Diversität von Körpern, Körperbildern und eben aktuelle Zirkus- und Tanzpraktiken sagen kann.
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Circus perspectives on diverse bodies (VOICES IV)

Re-exploring the grotesque

Das Thema dieser Ausgabe ist „Theater &amp; Erinnerung“. Das klingt auf den ersten Blick vielleicht wie Jubiläum, Rückschau, Besinnung auf Vergangenes. Aber es ist ein besonders junges Heft geworden, von den behandelten Theaterprojekten, neuen Themen bis zu den hier (erstmals) schreibenden Beiträger:innen.
Im Schwerpunkt (wie schon auf dem Titelbild) wird die Kooperation der Berliner Schaubühne mit dem Jugendclub des Piccolo Theaters in Cottbus vorgestellt, dazu das Projekt „Time Busters“ an den Münchner Kammerspielen. Die zentrale These für diese Arbeiten lautet: Erinnerung ist Arbeit an der Gegenwart. Und die kann in der Arbeit mit Jugendlichen außerordentlich wertvoll sein und auch den Theatern wiederum neue Perspektiven eröffnen. Also als Arbeit an deren Zukunft.
Tief in die Vergangenheit der deutschen Dramatik geht der Essay von Sophie-Margarete Schuster zurück, zu Roswitha von Gandersheim, der mittelalterlichen Dichterin, mit einem feministischen Sprung in unsere Gegenwart. Der Schauspieler Jonny Hoff, Jahrgang 1993, untersucht in unserer Serie „Warum wir das Theater brauchen“, warum Generationsschranken überwunden werden müssen. Dafür versetzt er sich in die Situation eines 15 jährigen, der heute zum ersten Mal im Theater sitzt.
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Gedächtnistheater – Wie die Vergangenheit spielt

Theater & Erinnerung

Seit 40 Jahren prägen die vielfach ausgezeichneten Bühnenwelten des Österreichers Martin Zehetgruber die europäische Theaterszene. Es sind Bilder, die auf der Netzhaut nachbrennen. Erinnerungen. Keine Abbilder. Keine Vorlagen. Keine realen Räume. Reste von Eindrücken, die sich abgelagert haben im Gedächtnis – in seinem, in dem der Gesellschaft. Emotional begriffene Situationen, Bilder, Texte, Begegnungen. Sie türmen sich zur Abraumhalde in seinem Kopf. Dass sich seine Bilder aus dem persönlichen Erleben speisen, ist unverkennbar. Die Landschaften, die er auf die Bühnen setzt, sind ihm vertraut, auch die Nachtalben, die sie bevölkern. In allen Bühnen steckt er selbst. Und mit jedem seiner Räume fordert er den Dialog ein, zwingt zum Umgang mit ihnen.
Die Werkschau zeichnet den Werdegang von Martin Zehetgruber nach und versammelt Stimmen von künstlerischen Wegbegleiter:innen aus den verschiedenen Gewerken.
Mit Beiträgen von Barbara Frey, Judith Gerstenberg, Heide Kastler, Christoph Klimke, Alexander Koppelmann, Martin Kušej, Georg Nigl, Nicholas Ofczarek, Andreas Schlager, Elisabeth Schweeger und Klaus von Schwerin.
Das Buch enthält einen Online-Zugang zu den Texten in englischer Sprache. / The book includes online access to the texts in English.
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Bühnen – Martin Zehetgruber

Alles Katastrophe!

Die ASSITEJ untersucht in einer Auswertungsstudie zum Förderprogramm NEUSTART KULTUR – Junges Publikum den Wirkungsbereich und die Arbeitsrealität der Freien Kinder- und Jugendtheater in Deutschland. Erstmalig ist eine umfangreiche Datenerhebung entstanden, die Aufschluss über diese heterogene Theaterlandschaft gibt: Oftmals agiert sie unter dem Radar der kulturpolitischen Wahrnehmung, stellt jedoch eine zentrale Säule der flächendeckenden kulturellen Grundversorgung dar.
Diese Sonderausgabe ixypsilonzett – Wie macht Ihr das?! diskutiert die Studienergebnisse und entwickelt daraus Perspektiven für die Zukunft der Freien Darstellenden Künste für junges Publikum. Die Autorinnen und Autoren entwickeln gemeinsam mit einem Fachbeirat Handlungsempfehlungen für die Kulturpolitik, um die kulturelle Teilhabe von Kindern und Jugendlichen zukunftsorientiert zu sichern.
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Zahlen und Daten zur wirtschaftlichen und sozialen Lage der Freien Kinder- und Jugendtheater in Deutschland

Wie macht Ihr das?!

Vladimir Malakhov und das Staatsballett Berlin

Images that leave an after-impression on the retina. Memories. No depictions. No templates. No real spaces. Remnants of impressions deposited in the memory – in his, in society’s. Situations, images, texts, encounters comprehended emotively. They pile up, forming a slag heap in his mind. That these images are informed by personal experience is clear. The landscapes that he mounts on stage are familiar to him, so too the malign sprites that inhabit them. He puts himself into all his sets. And with each of his spaces he demands dialogue, forces an encounter with them.
For 40 years, the multiple award-winning sets by Austria’s Martin Zehetgruber have been a major presence in the European theatre scene. This book traces his career and brings together impressions by artistic collaborators in a range of disciplines.
With contributions from Barbara Frey, Judith Gerstenberg, Heide Kastler, Christoph Klimke, Alexander Koppelmann, Martin Kušej, Georg Nigl, Nicholas Ofczarek, Andreas Schlager, Elisabeth Schweeger and Klaus von Schwerin
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Neuerscheinungen im Verlag