Internationales Sommerfestival Kampnagel: Telling stories to survive 

Hart, aber poetisch

Quer zu Redeverboten

Businessman des Living Theatre

Staatstheater Augsburg: Die Vergartenzwergung des Bösen

Dieses Gastspiel wurde mit größter Spannung erwartet. Florentina Holzinger ist hier zwar keine Unbekannte, mit kleineren Arbeiten war sie zuvor schon ein paar Mal in Polen, aber „Ophelia’s got talent“ eilte der Ruf einer ganz besonderen zirzensisch riskanten Sache voraus, die in der polnischen Szene wie ein Blitz einschlagen könnte. Andererseits gab es seitens der Festivalveranstalter und ihrer Sponsoren auch die Sorge, Proteste und Skandalisierung könnten die beiden Vorstellungen in den ersten Tagen des renommierten Festivals stören. Der Anfang von „Ophelia’s got talent“ wurde sogar für Toruń adaptiert, wenn im Video Captain Hook (Annina Machaz) auf Talentsuche aus dem Hubschrauber im Anflug auf das Jordanki-Kulturzentrum mit dem Fallschirm abspringt. Auch das Eintreffen der drei Talent-Jurorinnen (Inga Busch, Renée Copraij und Saioa Alvarez Ruiz) wurde in dem Gebäude mit seiner Riesenbühne extra gefilmt, was das Publikum natürlich mit großem Gefallen aufnahm, um den dann folgenden Performance-Reigen sehr konzentriert zu bestaunen. Die Nacktheit der Performerinnen schien niemanden zu irritieren – ein polnischer Kritiker hatte bereits im Vorfeld darauf hingewiesen, sie sei so etwas wie die „Arbeitskleidung“ von Holzingers Truppe. Eher wunderten sich einige, wie kleine Kinder in einer solchen Show mitwirken könnten, was Florentina Holzinger im Nachgespräch geduldig aus der Probenarbeit erläuterte....

Florentina Holzinger, Alvis Hermanis und ein starker Beitrag aus Kyjiw beim KONTAKT-Festival in Toruń

Captain Hook fliegt ein

An der Grenze zum Leben

Der Schauplatz von Florentina Holzingers Apollon (La Bâtie ­Festival de Genève, 2017) ist als solcher klar erkennbar, der Bühnenraum nicht retuschiert. Es gibt kein hermetisch abgeschlossenes Bühnenbild; die Seitenwände der Raumbühne nackt, keine Abhängung des Schnürbodens. Ein Bühnenprospekt im Hintergrund, der einen Wolkenhimmel zeigt, erinnert rudimentär an illusionistische Renaissance-­Kulissen. Davor steht zentral ein abgehängtes Element. Links und rechts wird das Bild durch zwei Laufbänder, wie wir sie aus dem Fitnessstudio kennen, gerahmt, einige Seile räkeln sich aus dem Schnürboden auf die Bühne. Der Bühnenaufbau ist funktional, fast schlicht, tourfähig, und dennoch strahlt der Raum, wie die Manege im Zirkus, die Verheißung einer anderen Welt aus. Das Saallicht geht aus, ein mysteriös wabernder Sound setzt ein. Florentina Holzinger betritt nackt, lediglich ausgerüstet mit einem Bauchgürtel und Turnschuhen, die spärlich beleuchtete Bühne. Sie stellt sich mittig auf, wendet sich dem Publikum zu und zieht einen langen Nagel aus dem Gürtel, den sie mit ausgestrecktem Arm präsentiert und schließlich der Länge nach ableckt. Anschließend nimmt sie einen Haushaltshammer zur Hand, schüttelt sich die Haare aus dem Gesicht, dreht sich ins Profil und setzt den Nagel ruhig und konzentriert an ihrem rechten Nasenloch an. Sie drückt den Nagel mit der Hand leicht in die...

Ausrüstung. How to do worlds with things – bei Florentina Holzinger

Weltentwürfe: Modulare Schauplätze

Theaterhaus Jena: Elfriede Jelinek spürt diese Leere – wir auch

Theater Oberhausen: Die Menschheits-Show wird abgesetzt

Tanzende Töne im Fächermeer

Ambige Körper, klare Message?

Was macht das Theater, Dominique Horwitz?

Black Box und White Cube

Gemeinsam verletzbar sein und Sprache suchen

Transformation statt Revolte

Plant die AfD eine ethnische Säuberung?

„Ich bin nur durch die Welt gerannt“

Keine Angst vor Trash und Chaos

Theaterkollektiv Pièrre.Vers: Gegen die Gleichgültigkeit

Rudolstadt: Schiller-Theater Rudolstadt nach achtjähriger Sanierung wiedereröffnet

Was macht das Theater, Daniel Schüßler?

Über Zeitenwenden hinaus

Unterwegs mit den Formwandlern

Fassungslosigkeit und Hoffnung

„Ein großes Festival muss eine Dynamik entwickeln“

Deutsche Oper Berlin: Offene Räume

Seine Arbeit war autobiografisch

Dramaturgie des Zweifels

Widerstand und Erinnerung 

Identitätskämpfe im Grenzgebiet

Keine Rechnung ohne Restwert 

Weltall, Erde, Mensch

In Deutschland werden pro Jahr geschätzte 73 Milliarden Euro im Wellness-Bereich umgesetzt. Ein florierendes Geschäft mit dem menschlichen Körper, das es zu hinterfragen gilt, suggeriert es doch in seinen Werbestrategien ein verlogenes Bild von ewiger Schönheit und ganzheitlichem Wohlbefinden. Aber wie können wir, ohne schön, fit und entspannt zu sein, das alles schaffen, was wir in unserer Leistungsgesellschaft zu absolvieren haben? Dies sind die Fragen, mit denen sich das junge Performanceduo Holzinger &amp; Riebeek im letzten Teil seiner Trilogie „Wellness“ auseinandersetzte (die österreichische Erstaufführung war im Januar 2014 im Wiener brut im Rahmen des Themenschwerpunkts „Funny Feelings“ zu sehen). Für „Wellness“ verlassen die Künstler erstmals ihre intime Zweisamkeit und nehmen noch drei andere Darsteller (Christian Bakalov, Renée Copraij, Andrius Mulokas) mit auf die Bühne, als Möglichkeit, sich selbst als Künstler im Kontext gruppendynamischer Konfliktzonen zu erfinden. Als Orientierungspunkt dient ihnen in dieser Produktion das Schaffen der US-amerikanischen Pionierin des modernen Tanzes Martha Graham. Wie schon in „Kein Applaus für Scheiße“ und „Spirit“ stellen die Künstler ihre eigenen Körper als radikales und schonungsloses Mittel zur performativen Disposition. Die Frage, scheint es, lautet: An welchen Guru glauben wir? Ihre dramaturgische Wegbegleiterin Renée Copraij, bekannt als Ensemblemitglied des belgischen Starchoreografen Jan Fabre, tritt...

Das Wiener Performanceduo Holzinger & Riebeek übt Kritik am medial kaputtgetrimmten Körper

An welchen Guru glauben wir?

Von gelenkten und ungelenken Diskursformaten

Im Ozean aus Klang und Licht

Der Engel vieler Geschichten

Grenzmauern und Schützengräben

Susanne Kennedys Sprach-Technik-Theater Das Leben als Zirkel: Zu Beginn von Susanne Kennedys Drei Schwestern (Münchner Kammerspiele, 2019) sehen wir die drei titelgebenden Hauptfiguren nicht weniger als zweieinhalb Minuten als starre Skulpturen auf der Bühne stehen.605 Über dem szenischen Bild liegen Videoprojektion und Sound – beides formale Parameter, die das Bild, ganz im Sinne Nietzsches, der philosophischen Folie der Inszenierung606, zirkulär dynamisieren. Der hypnotisch bohrende Sound und die projizierte Wolkenanimation, die den Raum zur dynamischen Welt formen, sind als technische Loops angelegt: Ein sogenannter ›Shepard-Tone‹ formt den Sound zur Illusion einer ewig abfallenden Tonleiter, während die scheinbar unendliche, immer wieder gleiche Wolkenmasse unablässig über die Gaze zieht. Der Augenblick wird zur Ewigkeit. Damit ist bereits ein Motiv etabliert, dass im Verlauf der Inszenierung auf allen formalen Ebenen immer wiederkehren wird: »Alle diese Augenblicke sind in Wirklichkeit immer nur der EINE und EINZIGE AUGENBLICK.«607 So können die einzelnen Szenen der Inszenierung als Augenblicke begriffen werden, die sich mehr als Zustände denn als Teile der Entwicklung einer Geschichte präsentieren. Jede Szene wird durch ein Black beendet, um dann wieder den Blick freizugeben auf eine neue szenische Anordnung. Auftritte, Abtritte, Umbauten bleiben in der Dunkelheit des Blacks verborgen. Eben dieser...

Strategien der Weltverarbeitung

Am Puls der Welt: Verarbeitetes Erbe

Kunstfest Weimar: Geschichten vom Faschismus-Schock

Bühnen Bern: Verstörende Wortströme der Suchenden

Wo Masturbation auf Donauwalzer trifft

Theater an der Ruhr Mülheim: KI auf Körpersuche

Salzburger Festspiele: Die große Verblendung

Festival im Aufwind

Das leidenschaftliche Theatertier

„Ich habe gelernt, dass man Spaß haben muss“ Es gibt diese Abende, an denen man einfach nicht vorbeikommt. Diese absolut zwingenden Aufführungen, bei denen es so gut wie unmöglich ist, jemanden zu treffen, der sie nicht für bahnbrechend hält – selbst in der Theaterbranche, die ja nicht direkt unter Enthusiasmus-Generalverdacht steht. Die Gründe, die für die Begeisterung angeführt werden, sind dabei völlig unterschiedlich: ein untrügliches Zeichen dafür, dass es sich um echte Kunst handelt. Genau so ein Abend ist Florentina Holzingers „Tanz“. Die Produktion, die letzten Herbst im Tanzquartier Wien Premiere feierte, nimmt das von Luftgeistern bevölkerte Ballett „La Sylphide“, mit dem das zweifelhafte Ideal von der federleicht schwebenden Ballerina herbeifantasiert wurde, beim Wort und zeigt die Arbeit hinter diesem Image. „Eine sylphidische Träumerei in Stunts“ heißt die Aufführung im Untertitel, in der Profis der Flugkunst – also Stuntfrauen, Tänzerinnen und andere Spezialistinnen der Schwe- relosigkeit – abendfüllend durch die Luft wirbeln. Wie Holzinger selbst und ihre Kolleginnen dort – unter anderem – spektakuläre Akrobatikchoreografien an Motorrädern vorführen, die in luftiger Höhe vom Schnürboden hängen, brennt sich unmittelbar ins Thea- tergedächtnis ein. Dabei beginnt alles ganz klassisch – als Ballettstunde. Die Elevinnen tragen die Stangen auf die Bühne und üben...

Koproduktion: Münchner Kammerspiele, Spirit und Tanzquartier Wien, Spring Festival, Theater Rotterdam, Künstlerhaus Mousonturm. Bühne Nikola Knezevic, Dramaturgie Renée Copraij, Sara Ostertag

Florentina Holzinger – Tanz

»Die Oper ist nicht weniger sinnlich, sondern vielfältiger geworden«

Veropern

Was macht das Theater, Yvonne Griesel?

Flute den Diskurs mit Shit

Zu Beginn von Florentina Holzingers TANZ. Eine sylphidische ­Träumerei in Stunts (Tanzquartier Wien, 2019) herrscht auf der Bühne totale Dunkelheit. Wir hören lediglich eine bedrohliche Sound­fläche, dazu seltsame Geräusche – schmatzend, keuchend rumort es von einem unbestimmten Punkt im Dunkel. Nach und nach, sehr langsam geht ein Lichtspot in der Mitte der Bühne an. Während sich der Sound zuspitzt, beginnen wir die Umrisse einer Gestalt zu erahnen, die nackt am Boden hockt, mit dem Rücken zu uns. Es zeigt sich rotes langes Haar, ein Gürtel um die entblößte Hüfte der Gestalt. Kommen die Geräusche von ihr? Wie in einem Horrorfilm suggeriert das gesamte Setting, dass etwas Unheimliches vor sich geht. Weitere Gestalten, die wir nur als Umrisse erkennen, treten an den Lichtspot heran. Die Gestalt in der Mitte steht auf. Der vordere Teil der Bühne wird ausgeleuchtet. Wir sehen nun, dass es sich um eine ältere Frau handelt: Beatrice Cordua, eine ehemalige Primaballerina. Um sie herum sieben weitere Performerinnen in sportlicher Kleidung, lange und kurze Sporthosen, T-Shirts, Socken, bunt zusammengewürfelt. Cordua wendet sich an das Publikum: »Today, I am going to teach you how to govern your body. Girls, get the barres in, please.«513 Schrill ertönt eine Schulglocke....

Wunde. Expertinnen der Gemeinschaft bei Florentina Holzinger

Gestalten in der Welt: Erweiterte Körperlichkeit

Swoosh Lieu – vom Kollektiv zum Netzwerk

„Den Lohnarbeitern erscheint ihre Arbeit auch nicht mehr als das, was sie ist“

Felix Stadler stellt die Errungenschaften der Queer Theory ab der 1990er Jahre in den Kontext eines Kulturwandels hin zur Digitalität und verweist auf die selbstbewusste Kritik an der Unwandelbarkeit von Geschlechtszuschreibungen775, die um die Jahrtausendwende an Konjunktur gewann: »Allerdings bestand das Ziel weniger darin, ein klares Gegenbild zu produzieren, sondern sich gegen starre Zuschreibungen zu wenden und das Wandelbare, Hybride und Einzigartige hervorzuheben.«776 Es ist eben dieses Erbe, das alle drei Künstlerinnen, Florentina Holzinger, Lucia Bihler und Susanne Kennedy antreten und durch ihre jeweils radikalen Formsprachen in neue Welten überführen. Das Wandelbare, Hybride und Einzigartige wird u. a. in den Stimmen Kennedys, den Textechos Bihlers und den Symbolanordnungen Holzingers nicht nur hervorgehoben, sondern auch formal weiterentwickelt. Die Stimmen in Kennedys Inszenierungen sind von Grund auf neu konstruiert, veränderbar und nicht an Körper und Objekte gebunden. Bihlers Verarbeitung von kanonischem Textmaterial kehrt vielfältige und transtemporal adaptierbare Konstellation hervor und baut diese aus. Die stereotypen Rollen und Objekte, die auf Holzingers Bühne zur Geltung kommen, offenbaren die historischen Kontexte ihrer Symbolhaftigkeit, verbinden sich zu neuen Netzwerken und überführen normative Muster in aktualisierte Perspektiven. Alle drei, Holzinger, Bihler und Kennedy, machen sie folglich die doppelte Kraft rhythmischer Formen – »depend[end]...

Welt im Jetzt

Das Spiel mit Algorithmen stellt sich sogar dem Tod

Für ein Theater apparativer Dämonenbeschwörung

Balkan Brass und Brüche

Sie leben noch (weiter)

Episteme, Ästhetiken und das Gedächtnis der Szenografie

Guten Appetit!

Die Rückkehr der großen Geschichten

Der Sprachspieler Schiller trotzt der Macht  

Ruhrfestspiele Recklinghausen/THE OFFICE performing arts + film: Humor und Hoffnung in einer zerfallenden Welt

Gesamtkunstwerk Wilson

Sie kürzen, wir glänzen

Ballhaus Ost: Ein Trumm kommt selten allein

Räume für die Zukunft

Staatstheater Kassel: Die Liebe in Zeiten des Postkolonialismus

Vom Hinterhof zur Holzinger-Performance

Landestheater Linz: Vor mir stehen sechs Millionen Ankläger

Die Gewalt geht vom Volke aus

Kein Leuchten, ein Glühen

Zirkus

Thüringen

Look Out

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

III. Ultrawelten. Panorama radikaler Form in den Inszenierungen von Susanne Kennedy, Lucia Bihler und Florentina Holzinger

Theatergeschichte

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Renée Copraij, wirkt als Performerin, Tänzerin und Dramaturgin an den Arbeiten Holzingers mit. Sie studierte Tanz und Kunstgeschichte und arbeitete viele Jahre mit dem Choreografen Jan Fabre als Tänzerin und schließlich auch Dramaturgin zusammen. Als Dozentin an der SNDO in Amsterdam lernt sie­ Holzinger circa 2010 kennen und beginnt, sie bei ihren Projekten zu beraten. Seit einigen Jahren steht sie nun auch als Tänzerin und Performerin auf ihrer Bühne, u. a. in Apollon, TANZ und Ophelia’s Got Talent.

Florentina Holzinger, Apollon

Florentina Holzinger, TANZ

Susanne Kennedy und Markus Selg, ULTRAWORLD

Obwohl immer wieder beschrieben und prognostiziert wird, dass sich politische Bewegungen weitgehend in die digitalen Medien verlagern, sind die Erwartungen an politisches Theater und Aktionskunst eher noch gestiegen: Theater soll die gesellschaftliche Wirklichkeit nicht nur widerspiegeln oder kritisieren, sondern direkt in die Wirklichkeit intervenieren. Die Grenze zwischen Kunst und Aktivismus wird durchlässiger, woraus sich für das Theater gesteigerte Wirkungsansprüche ergeben. Das Buch fragt nach den Formen und Traditionen einer solchen intervenierenden Theaterpraxis – und danach, was man sich von ihr erhoffen darf. Es geht um ein Theater, das an der Grenze zur direkten Aktion operiert, ohne die Brechungen, Umwege und Indirektheiten theatraler Aufführungen ganz hinter sich lassen zu können.
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Interventionen politischen Theaters

Die Juni-Ausgabe 2025 von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Heimat(en)“ und beleuchtet, wie Kunst und Theater Zugehörigkeit, Identität und Gemeinschaft neu verhandeln. Essays, Interviews und Berichte von Autor:innen wie Dinçer Güçyeter, Luise Voigt und Elisabeth Maier zeigen, wie vielfältig und umstritten der Heimatbegriff heute ist – von postmigrantischen Perspektiven über ostdeutsche Lebensgeschichten bis zu kulinarisch-politischen Performances.
Auf dem Titel: Sandra Hüller und Tom Schneider ­haben am neuen theater in Halle/Saale MarDis „Penthesile:a:s“ (<a href="https://tdz.de/artikel/3856c3b5-e854-4769-8eef-1533bb028485">der Stückabdruck</a>) inszeniert. Im Interview dazu betonen sie die gemeinsame Theaterarbeit, das Ensemble­schaffen – weit weg vom filmbranchenüblichen Starmodellieren eines Wunders. Ist Sandra Hüller trotzdem.
 
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Sandra Hüller und Tom Schneider

Geste des Kollektiven

Seit bald 20 Jahren produziert die aus Zypern stammende und in Düsseldorf beheimatete Choreografin Alexandra Waierstall international. Das Buch „And here we meet: Choreography at the edge of time“ bietet erstmals einen umfassenden Einblick in ihr Schaffen. Großformatige Fotostrecken und pointierte Textbeiträge erschließen ihr Werk. Mit Beiträgen von Roberto Fratini, Monica Gillette, Emily Markert, João da Silva, Melanie Suchy und Paraskevi Tektonidou.
Alexandra Waierstalls Arbeiten beeindrucken durch ihre direkte physische Bildsprache, die radikale Präsenz der Tänzer:innen. Sie basieren auf der vitalen zwischenmenschlichen Aushandlung komplexer Beziehungen, die sich in choreografischen Konstellationen, Bildern und Transformationen entfalten. Choreografie wird so zum Mittel der Ermächtigung in der Verkörperung sozialer Verantwortung und zum Ausgangspunkt für Formen von Gemeinschaftlichkeit.
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Alexandra Waierstall

And here we meet: Choreography at the edge of time

Szenografie ist Teil jeder Theaterproduktion: als ­Doing Scenography (Entwerfen von Bühne, Kostüm, Maske, Licht, Video) und als Scenography in Performance. Auch jenseits (gebauter) Bühnen tritt sie heute vielgestaltig auf: das Spektrum reicht von ­Environmental Scenography und urbaner Intervention über inszenierte Räume in Ausstellungen / Museen bis hin zu Szenografien medialer Räume. Inwiefern sie – dergestalt ‚extended‘ und mit ‚weltentwerfendem‘ Potenzial – je als Teildisziplin oder eigenständige Kunst aufzufassen ist, diskutieren die Scenography&amp;Performance Design Studies. In der deutschsprachigen Theaterwissenschaft blieb Szenografie-Forschung bisher eher außen vor.
Das Buch schafft wichtige Anschlüsse: gefragt wird nach Epistemologien ästhetischer Praktiken, weitere Aspekte sind Digitalität, Eco-Design und die soziale Dimension szenografischen Gestaltens.
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Perspektiven der Szenografie und Performance Design Studies

Bühne

In der Spielzeit 2025/2026 feiert das Theater der Stadt Aalen zwei Jubiläen: Vor 35 Jahren wurde in der größten Stadt des Ostalbkreises ein Theater gegründet, das vor fünf Jahren in die deutlich größere und mit zahlreichen Architekturpreisen ausgezeichnete Spielstätte im KulturBahnhof (KUBAA) zog. Anknüpfend an die Publikation „Klein und kraftvoll. 20 Jahre Theater der Stadt Aalen“, beleuchtet die neue Jubiläumsschrift die letzten 15 Jahre. In diesen standen neben zahlreichen, auf Aalens Partnerstädte abgestimmten Uraufführungen, vor allem spartenübergreifende Arbeiten mit Artistik, Tanz und Videoprojektionen im Mittelpunkt. Weiterhin prägten das Haus der Ausbau der Sparte Junges Theater, ebenso wie der Umzug in den KulturBahnhof. In „Strahlkraft und Neugier“ geben Mitarbeitende und wegbegleitende Personen Einblick in diese Entwicklungen.

Neue Akzente im Kulturbahnhof (KUBAA) durch das Theater der Stadt Aalen

Strahlkraft und Neugier

Das Arbeitsbuch von Theater der Zeit im Juli 2025 widmet sich der zeitgenössischen Schweizer Theaterszene. Es begreift sie als eine Art Landschaft, die es bereist und deren Diversität, Mehrsprachigkeit und Komplexität es aus verschiedenen Perspektiven beschreibt.
Der Fokus liegt auf der Schweiz als mehrsprachigem Theaterort, wo verschiedenste Theater- Ästhetiken, Traditionen und Strukturen auf kleinstem Raum aufeinandertreffen oder nebeneinander bestehen. Welche Entwicklungen zeichnen sich ab im zeitgenössischen Schauspiel, in der Performance, im Theater der Schweiz? Inwiefern bildet die Schweizer Theaterszene die europäische Theaterszene im Kleinen ab? Wie gelingt der mehrsprachige Dialog? Welche Beziehungen bestehen zu den Kulturräumen der Nachbarländer Frankreich, Italien, Deutschland, Österreich und Liechtenstein?
Neben Essays, Berichten und Dialogen kommen auch genuin künstlerische Positionen zu Wort: aus allen Landesteilen, sowohl innerhalb als auch fernab der Metropolen.
Mit freundlicher Unterstützung der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia sowie der Ernst Göhner Stiftung und der Oertli Stiftung.
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landscapes des zeitgenössischen theaters

diversité suisse

Gisela Höhne und das Theater RambaZamba

Auftreten und leuchten

Die erste Anthologie des 2011 in Köln gegründeten africologneFESTIVAL gibt einen Einblick in die Vielfalt der Stimmen, Perspektiven, Themen und Ästhetiken zeitgenössischer Dramatik aus Benin, Burkina Faso, DR Kongo, Guinea, Republik Kongo, Senegal und Uganda. Die neun erstmals in deutscher Übersetzung publizierten Texte reichen von der Tragödie über die Satire, von der dramatischen Poesie bis hin zum Neo-Western. Post- oder neo-koloniale Themen sind ebenso präsent wie persönliche Reflexionen über gesellschaftspolitische Verankerungen. Viele Autor:innen hinterfragen dabei auch die Geschichte und Politik ihrer Heimatländer.  Ergänzt werden die Stücke u.a. durch ein Vorwort zur zeitgenössischen Dramatik in afrikanischen Gesellschaften und einem Essay zu ihrer Übersetzbarkeit bzw. Transformation.
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Zeitgenössische Theatertexte aus afrikanischen Ländern und der afrikanischen Diaspora

SPUREN

Klaus Zehelein hat das neue deutschsprachige Musiktheater entscheidend geprägt. Seine Arbeit als Dramaturg und Intendant kann mit Blick auf die Erfindung und Ausgestaltung einer Oper für den modernen Menschen als modellhaft gelten. Fernab von Vorstellungen eines auf „Aktualisierung“ zielenden Regietheaters gewinnen Zeheleins Ideen eines heutigen Musiktheaters durch die intensive Auseinandersetzung mit der Geschichte der Werke zukunftsträchtige Brisanz. Die Autobiographie folgt den Stationen seines Wirkens – von den Anfängen in Kiel und Oldenburg hin zu den Zeiten des Aufbruchs in Frankfurt und Stuttgart bis zu seiner Tätigkeit als Präsident der Bayerischen Theaterakademie und des Deutschen Bühnenvereins. Sie zeigt, was Musiktheater sein kann: ein Ort unerhörter Augenblicke, die die Gegenwart neu entdecken lassen.
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Autobiographie

Unerhörte Augenblicke

Essays und Berichte beleuchten die Spannweite zeitgenössischer Oper zwischen innovativer Werkschöpfung, szenischen Experimenten und erzählorientierter Rückbesinnung: Egbert Tholl skizziert die Oper als „Labor der Gegenwart“ mit Beispielen von AR-„Parsifal“ bis Florentina Holzingers „Sancta“ an der Staatsoper Stuttgart, während Stefan Keim die Rückkehr großer Geschichten in den USA und Großbritannien nachzeichnet – von Jake Heggies „Dead Man Walking“ bis Missy Mazzolis „The Listeners“ und Charlotte Brays „American Mother“. Ulrike Hartung porträtiert die freie Kompanie Novoflot als utopisch-resonantes Gegenmodell zum Repertoirebetrieb, und Lara Wenzel berichtet über das Aufbruchs-Festival der freien Musiktheaterszene in Leipzig. Ein zentrales Stück dieser Ausgabe ist Jenny Erpenbecks Libretto „Rummelplatz“ (nach Werner Bräunig), das im Abdruck den thematischen Faden durchzieht.
Im Gespräch erinnert Musikerin Anna Calvi an Robert Wilsons musikalisches Theater; weitere Akzente setzen ein Porträt von Marie Zielcke, ein Interview mit Thomas Krüger zur „Politik im Freien Theater“, sowie Friedrich Dieckmanns Essay zu Adolf Dresen. Der Report-Teil umfasst u. a. die Ruhrtriennale (Ivo van Hoves „Songdrama“) und das Kunstfest Weimar; die Laudatio zum Martin-Linzer-Theaterpreis würdigt das Theater Magdeburg. Dazu: gesammelte Kurzkritiken, Kolumnen und ein Vorabdruck aus Klaus Zeheleins „Musiktheater für unsere Zeit“.
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Neues Musiktheater

Buchpremiere am 12. November 2025 um 19 Uhr, Einar &amp; Bert Theaterbuchhandlung Berlin
Der Maler und Bühnenbildner Gero Troike geht spazieren und schaut sich um. Das ist alles: Augen auf und durch – die Stunde, den Tag. Die unmittelbare alltägliche Nähe als aufregender Kosmos, als unglaubliches Abenteuerfeld … Hans-Dieter Schütt hat die radikal naiven Weg- und Welt-Beobachtungen Troikes, die in ihrer Unverblümtheit an Robert Walser erinnern, mit autobiographischen Texten des Theatermannes verknüpft. Es fügt sich mit Porträts des Fotografen Manfred Haupthoff – Troike im Atelier – zu einem so sperrigen wie warmherzigen (Lebens-)Künstlerbuch.
„Ein wundersamer Band. Derart erpicht auf Kreuz und Quer. Eines Lebens Lauf, aber den beileibe nicht landläufig protokolliert.“ So schreibt Schütt im Vorwort. Fotos und Malerei. Bilder und Buchstaben. Die Zeiten im Buch springen, die Gedanken springen mit – nichts möge da zur falschen Ruhe kommen. Seine Texte schreibt Troike mit einer alten Schreibmaschine. Sie ist die alte Welt: Sie klappert hinterher, und der Autor ist wie der vergebliche Glückssucher, der Lotto-Verlierer: Er vertippt sich regelmäßig. Und tippt doch weiter. Troikes Manuskripte: Pflege und Schutz des individuellen Fehlers als trotziger Selbstwert in einer nervös hastenden Gesellschaft.

In unmittelbarer Nähe

Gero Troike

Theaterarbeit umfasst mehr als nur ästhetische Erfahrungen – wird sie doch von körperlichen, sozialen und politischen Praktiken geprägt. Im Gegenwartstheater der Freien Szene führt die Aufmerksamkeit für die Produktionsweisen hinter der Bühne zur Enthierarchisierung primär künstlerischer Gesichtspunkte.
Dieses Buch diskutiert das wissenschaftliche Handwerkszeug zu dieser Bedeutungsverschiebung und eröffnet neue Perspektiven auf die netzwerkartigen und losen Arbeitsweisen des Gegenwartstheaters: Wie beeinflussen kulturpolitische und theaterwissenschaftliche Erwartungen die Freie Theaterarbeit? Welche Rolle spielen unsichtbare Praktiken wie die Care-Arbeit? Ausgangspunkt der Studie sind das 11. „Politik im Freien Theater“-Festival 2022 sowie die Theater-/Arbeit der Gruppen She She Pop, The Agency und Swoosh Lieu.
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Eine kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../api/files/7c3f3abd-4e21-4dc9-87bd-14ad33ff534b/TdZ_RE175_ Theaterarbeit_OA.pdf" target="_blank" rel="noopener">PDF-Download (8 MB)</a>
ISBN 978-3-95749-604-1 (Open Access)  DOI: <a href="https://tdz.de/shop/produkt/theaterarbeit"><span style="font-family: 'Calibri',sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: 'Times New Roman'; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; font-style: normal;">10.35287/9783957496041</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Praktiken der Freien Szene

Theaterarbeit

Buchpremiere am 8.10. um 19 Uhr, Einar &amp; Bert Theaterbuchhandlung, Berlin
In der digitalen Welt des 21. Jahrhunderts verändert sich das Theater radikal: Neue Formsprachen gehen nicht vom klassischen Text oder seiner Dekonstruktion aus, sondern nutzen vielfältige Medien, innovative Technologien und interdisziplinäre Ansätze, um ganze Welten zu entwerfen. Die wegweisenden Inszenierungen von Susanne Kennedy, Lucia Bihler und Florentina Holzinger stehen exemplarisch für diesen formalen Wandel, der seit den 2010er-Jahren in den Darstellenden Künsten sichtbar wird.
Dieses Buch untersucht anhand fundierter theoretischer Reflexion und ausführlicher Interviews die formalen Strategien der drei Künstlerinnen und ihrer Teams. Dabei zeigt es auf, wie sie die Ästhetik des postdramatischen Theaters ins 21. Jahrhundert überführen und eine zeitgemäße Bühnensprache entwickeln. Die Autorin analysiert, wie diese innovativen Produktionen Kommunikationsweisen, Wahrnehmungsmuster und emotionale Dynamiken des Web 2.0 in komplexe „Ultrawelten“ übersetzen – Theaterwelten, die am Puls der Zeit entstehen und die Gegenwart herausfordern.
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Radikale Formsprachen in den Inszenierungen von Susanne Kennedy, Lucia Bihler und Florentina Holzinger

Ultrawelten

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