Hart, aber poetisch

Businessman des Living Theatre

Staatstheater Augsburg: Die Vergartenzwergung des Bösen

Dieses Gastspiel wurde mit größter Spannung erwartet. Florentina Holzinger ist hier zwar keine Unbekannte, mit kleineren Arbeiten war sie zuvor schon ein paar Mal in Polen, aber „Ophelia’s got talent“ eilte der Ruf einer ganz besonderen zirzensisch riskanten Sache voraus, die in der polnischen Szene wie ein Blitz einschlagen könnte. Andererseits gab es seitens der Festivalveranstalter und ihrer Sponsoren auch die Sorge, Proteste und Skandalisierung könnten die beiden Vorstellungen in den ersten Tagen des renommierten Festivals stören. Der Anfang von „Ophelia’s got talent“ wurde sogar für Toruń adaptiert, wenn im Video Captain Hook (Annina Machaz) auf Talentsuche aus dem Hubschrauber im Anflug auf das Jordanki-Kulturzentrum mit dem Fallschirm abspringt. Auch das Eintreffen der drei Talent-Jurorinnen (Inga Busch, Renée Copraij und Saioa Alvarez Ruiz) wurde in dem Gebäude mit seiner Riesenbühne extra gefilmt, was das Publikum natürlich mit großem Gefallen aufnahm, um den dann folgenden Performance-Reigen sehr konzentriert zu bestaunen. Die Nacktheit der Performerinnen schien niemanden zu irritieren – ein polnischer Kritiker hatte bereits im Vorfeld darauf hingewiesen, sie sei so etwas wie die „Arbeitskleidung“ von Holzingers Truppe. Eher wunderten sich einige, wie kleine Kinder in einer solchen Show mitwirken könnten, was Florentina Holzinger im Nachgespräch geduldig aus der Probenarbeit erläuterte....

Florentina Holzinger, Alvis Hermanis und ein starker Beitrag aus Kyjiw beim KONTAKT-Festival in Toruń

Captain Hook fliegt ein

Der Schauplatz von Florentina Holzingers Apollon (La Bâtie ­Festival de Genève, 2017) ist als solcher klar erkennbar, der Bühnenraum nicht retuschiert. Es gibt kein hermetisch abgeschlossenes Bühnenbild; die Seitenwände der Raumbühne nackt, keine Abhängung des Schnürbodens. Ein Bühnenprospekt im Hintergrund, der einen Wolkenhimmel zeigt, erinnert rudimentär an illusionistische Renaissance-­Kulissen. Davor steht zentral ein abgehängtes Element. Links und rechts wird das Bild durch zwei Laufbänder, wie wir sie aus dem Fitnessstudio kennen, gerahmt, einige Seile räkeln sich aus dem Schnürboden auf die Bühne. Der Bühnenaufbau ist funktional, fast schlicht, tourfähig, und dennoch strahlt der Raum, wie die Manege im Zirkus, die Verheißung einer anderen Welt aus. Das Saallicht geht aus, ein mysteriös wabernder Sound setzt ein. Florentina Holzinger betritt nackt, lediglich ausgerüstet mit einem Bauchgürtel und Turnschuhen, die spärlich beleuchtete Bühne. Sie stellt sich mittig auf, wendet sich dem Publikum zu und zieht einen langen Nagel aus dem Gürtel, den sie mit ausgestrecktem Arm präsentiert und schließlich der Länge nach ableckt. Anschließend nimmt sie einen Haushaltshammer zur Hand, schüttelt sich die Haare aus dem Gesicht, dreht sich ins Profil und setzt den Nagel ruhig und konzentriert an ihrem rechten Nasenloch an. Sie drückt den Nagel mit der Hand leicht in die...

Ausrüstung. How to do worlds with things – bei Florentina Holzinger

Weltentwürfe: Modulare Schauplätze

Theaterhaus Jena: Elfriede Jelinek spürt diese Leere – wir auch

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Dominique Horwitz?

Stiller Abbau?

Ruhrfestspiele Recklinghausen/Theater Münster: Ein Krieg führt immer zum nächsten

Black Box und White Cube

Transformation statt Revolte

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Keine Angst vor Trash und Chaos

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Unterwegs mit den Formwandlern

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

Fassungslosigkeit und Hoffnung

„Ein großes Festival muss eine Dynamik entwickeln“

St. Pölten:: Peter-Turrini-Dramatiker*innenstipendium für Paula van Well

Deutsche Oper Berlin: Offene Räume

Langer Atem beim Netzwerken

Publikumserregung mit Extradimension

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Dramaturgie des Zweifels

Widerstand und Erinnerung 

Keine Rechnung ohne Restwert 

Weltall, Erde, Mensch

In Deutschland werden pro Jahr geschätzte 73 Milliarden Euro im Wellness-Bereich umgesetzt. Ein florierendes Geschäft mit dem menschlichen Körper, das es zu hinterfragen gilt, suggeriert es doch in seinen Werbestrategien ein verlogenes Bild von ewiger Schönheit und ganzheitlichem Wohlbefinden. Aber wie können wir, ohne schön, fit und entspannt zu sein, das alles schaffen, was wir in unserer Leistungsgesellschaft zu absolvieren haben? Dies sind die Fragen, mit denen sich das junge Performanceduo Holzinger &amp; Riebeek im letzten Teil seiner Trilogie „Wellness“ auseinandersetzte (die österreichische Erstaufführung war im Januar 2014 im Wiener brut im Rahmen des Themenschwerpunkts „Funny Feelings“ zu sehen). Für „Wellness“ verlassen die Künstler erstmals ihre intime Zweisamkeit und nehmen noch drei andere Darsteller (Christian Bakalov, Renée Copraij, Andrius Mulokas) mit auf die Bühne, als Möglichkeit, sich selbst als Künstler im Kontext gruppendynamischer Konfliktzonen zu erfinden. Als Orientierungspunkt dient ihnen in dieser Produktion das Schaffen der US-amerikanischen Pionierin des modernen Tanzes Martha Graham. Wie schon in „Kein Applaus für Scheiße“ und „Spirit“ stellen die Künstler ihre eigenen Körper als radikales und schonungsloses Mittel zur performativen Disposition. Die Frage, scheint es, lautet: An welchen Guru glauben wir? Ihre dramaturgische Wegbegleiterin Renée Copraij, bekannt als Ensemblemitglied des belgischen Starchoreografen Jan Fabre, tritt...

Das Wiener Performanceduo Holzinger & Riebeek übt Kritik am medial kaputtgetrimmten Körper

An welchen Guru glauben wir?

Hybridgemeinschaften?

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Ruhm den Kleinen!

Der Engel vieler Geschichten

Thüringer Befund

Susanne Kennedys Sprach-Technik-Theater Das Leben als Zirkel: Zu Beginn von Susanne Kennedys Drei Schwestern (Münchner Kammerspiele, 2019) sehen wir die drei titelgebenden Hauptfiguren nicht weniger als zweieinhalb Minuten als starre Skulpturen auf der Bühne stehen.605 Über dem szenischen Bild liegen Videoprojektion und Sound – beides formale Parameter, die das Bild, ganz im Sinne Nietzsches, der philosophischen Folie der Inszenierung606, zirkulär dynamisieren. Der hypnotisch bohrende Sound und die projizierte Wolkenanimation, die den Raum zur dynamischen Welt formen, sind als technische Loops angelegt: Ein sogenannter ›Shepard-Tone‹ formt den Sound zur Illusion einer ewig abfallenden Tonleiter, während die scheinbar unendliche, immer wieder gleiche Wolkenmasse unablässig über die Gaze zieht. Der Augenblick wird zur Ewigkeit. Damit ist bereits ein Motiv etabliert, dass im Verlauf der Inszenierung auf allen formalen Ebenen immer wiederkehren wird: »Alle diese Augenblicke sind in Wirklichkeit immer nur der EINE und EINZIGE AUGENBLICK.«607 So können die einzelnen Szenen der Inszenierung als Augenblicke begriffen werden, die sich mehr als Zustände denn als Teile der Entwicklung einer Geschichte präsentieren. Jede Szene wird durch ein Black beendet, um dann wieder den Blick freizugeben auf eine neue szenische Anordnung. Auftritte, Abtritte, Umbauten bleiben in der Dunkelheit des Blacks verborgen. Eben dieser...

Strategien der Weltverarbeitung

Am Puls der Welt: Verarbeitetes Erbe

Salzburger Festspiele: Die große Verblendung

Festival im Aufwind

Das leidenschaftliche Theatertier

Bilder im Takt eines Textes

„Ich habe gelernt, dass man Spaß haben muss“ Es gibt diese Abende, an denen man einfach nicht vorbeikommt. Diese absolut zwingenden Aufführungen, bei denen es so gut wie unmöglich ist, jemanden zu treffen, der sie nicht für bahnbrechend hält – selbst in der Theaterbranche, die ja nicht direkt unter Enthusiasmus-Generalverdacht steht. Die Gründe, die für die Begeisterung angeführt werden, sind dabei völlig unterschiedlich: ein untrügliches Zeichen dafür, dass es sich um echte Kunst handelt. Genau so ein Abend ist Florentina Holzingers „Tanz“. Die Produktion, die letzten Herbst im Tanzquartier Wien Premiere feierte, nimmt das von Luftgeistern bevölkerte Ballett „La Sylphide“, mit dem das zweifelhafte Ideal von der federleicht schwebenden Ballerina herbeifantasiert wurde, beim Wort und zeigt die Arbeit hinter diesem Image. „Eine sylphidische Träumerei in Stunts“ heißt die Aufführung im Untertitel, in der Profis der Flugkunst – also Stuntfrauen, Tänzerinnen und andere Spezialistinnen der Schwe- relosigkeit – abendfüllend durch die Luft wirbeln. Wie Holzinger selbst und ihre Kolleginnen dort – unter anderem – spektakuläre Akrobatikchoreografien an Motorrädern vorführen, die in luftiger Höhe vom Schnürboden hängen, brennt sich unmittelbar ins Thea- tergedächtnis ein. Dabei beginnt alles ganz klassisch – als Ballettstunde. Die Elevinnen tragen die Stangen auf die Bühne und üben...

Koproduktion: Münchner Kammerspiele, Spirit und Tanzquartier Wien, Spring Festival, Theater Rotterdam, Künstlerhaus Mousonturm. Bühne Nikola Knezevic, Dramaturgie Renée Copraij, Sara Ostertag

Florentina Holzinger – Tanz

Auf Augenhöhe

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

»Die Oper ist nicht weniger sinnlich, sondern vielfältiger geworden«

Ästhetische Übereinstimmung, strukturelle Unterschiede

Risiko: Das Salz unseres Lebens

Freiheit des Theater-Erlebens

Berufsbild: Digitaldramaturg

Zu Beginn von Florentina Holzingers TANZ. Eine sylphidische ­Träumerei in Stunts (Tanzquartier Wien, 2019) herrscht auf der Bühne totale Dunkelheit. Wir hören lediglich eine bedrohliche Sound­fläche, dazu seltsame Geräusche – schmatzend, keuchend rumort es von einem unbestimmten Punkt im Dunkel. Nach und nach, sehr langsam geht ein Lichtspot in der Mitte der Bühne an. Während sich der Sound zuspitzt, beginnen wir die Umrisse einer Gestalt zu erahnen, die nackt am Boden hockt, mit dem Rücken zu uns. Es zeigt sich rotes langes Haar, ein Gürtel um die entblößte Hüfte der Gestalt. Kommen die Geräusche von ihr? Wie in einem Horrorfilm suggeriert das gesamte Setting, dass etwas Unheimliches vor sich geht. Weitere Gestalten, die wir nur als Umrisse erkennen, treten an den Lichtspot heran. Die Gestalt in der Mitte steht auf. Der vordere Teil der Bühne wird ausgeleuchtet. Wir sehen nun, dass es sich um eine ältere Frau handelt: Beatrice Cordua, eine ehemalige Primaballerina. Um sie herum sieben weitere Performerinnen in sportlicher Kleidung, lange und kurze Sporthosen, T-Shirts, Socken, bunt zusammengewürfelt. Cordua wendet sich an das Publikum: »Today, I am going to teach you how to govern your body. Girls, get the barres in, please.«513 Schrill ertönt eine Schulglocke....

Wunde. Expertinnen der Gemeinschaft bei Florentina Holzinger

Gestalten in der Welt: Erweiterte Körperlichkeit

„Den Lohnarbeitern erscheint ihre Arbeit auch nicht mehr als das, was sie ist“

Felix Stadler stellt die Errungenschaften der Queer Theory ab der 1990er Jahre in den Kontext eines Kulturwandels hin zur Digitalität und verweist auf die selbstbewusste Kritik an der Unwandelbarkeit von Geschlechtszuschreibungen775, die um die Jahrtausendwende an Konjunktur gewann: »Allerdings bestand das Ziel weniger darin, ein klares Gegenbild zu produzieren, sondern sich gegen starre Zuschreibungen zu wenden und das Wandelbare, Hybride und Einzigartige hervorzuheben.«776 Es ist eben dieses Erbe, das alle drei Künstlerinnen, Florentina Holzinger, Lucia Bihler und Susanne Kennedy antreten und durch ihre jeweils radikalen Formsprachen in neue Welten überführen. Das Wandelbare, Hybride und Einzigartige wird u. a. in den Stimmen Kennedys, den Textechos Bihlers und den Symbolanordnungen Holzingers nicht nur hervorgehoben, sondern auch formal weiterentwickelt. Die Stimmen in Kennedys Inszenierungen sind von Grund auf neu konstruiert, veränderbar und nicht an Körper und Objekte gebunden. Bihlers Verarbeitung von kanonischem Textmaterial kehrt vielfältige und transtemporal adaptierbare Konstellation hervor und baut diese aus. Die stereotypen Rollen und Objekte, die auf Holzingers Bühne zur Geltung kommen, offenbaren die historischen Kontexte ihrer Symbolhaftigkeit, verbinden sich zu neuen Netzwerken und überführen normative Muster in aktualisierte Perspektiven. Alle drei, Holzinger, Bihler und Kennedy, machen sie folglich die doppelte Kraft rhythmischer Formen – »depend[end]...

Welt im Jetzt

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Die Rache der Königinnen

Wir gehen rein

Die Signatur unserer Zeit

Balkan Brass und Brüche

Sie leben noch (weiter)

Die Grenzen der Freiheit

Episteme, Ästhetiken und das Gedächtnis der Szenografie

Guten Appetit!

Vor Ort und exklusiv

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Die Unsterblichkeit des Theaters

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Wenn die Unis Trauer tragen

Der Sprachspieler Schiller trotzt der Macht  

Ruhrfestspiele Recklinghausen/THE OFFICE performing arts + film: Humor und Hoffnung in einer zerfallenden Welt

Warum wir Festivals brauchen

Gesamtkunstwerk Wilson

Sie kürzen, wir glänzen

Ballhaus Ost: Ein Trumm kommt selten allein

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Räume für die Zukunft

Feminismus neu ausrichten

Zirkus

Thüringen

Look Out

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

III. Ultrawelten. Panorama radikaler Form in den Inszenierungen von Susanne Kennedy, Lucia Bihler und Florentina Holzinger

Theatergeschichte

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Arbeitsbuch

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Renée Copraij, wirkt als Performerin, Tänzerin und Dramaturgin an den Arbeiten Holzingers mit. Sie studierte Tanz und Kunstgeschichte und arbeitete viele Jahre mit dem Choreografen Jan Fabre als Tänzerin und schließlich auch Dramaturgin zusammen. Als Dozentin an der SNDO in Amsterdam lernt sie­ Holzinger circa 2010 kennen und beginnt, sie bei ihren Projekten zu beraten. Seit einigen Jahren steht sie nun auch als Tänzerin und Performerin auf ihrer Bühne, u. a. in Apollon, TANZ und Ophelia’s Got Talent.

Florentina Holzinger, Apollon

Florentina Holzinger, TANZ

Susanne Kennedy und Markus Selg, ULTRAWORLD

Obwohl immer wieder beschrieben und prognostiziert wird, dass sich politische Bewegungen weitgehend in die digitalen Medien verlagern, sind die Erwartungen an politisches Theater und Aktionskunst eher noch gestiegen: Theater soll die gesellschaftliche Wirklichkeit nicht nur widerspiegeln oder kritisieren, sondern direkt in die Wirklichkeit intervenieren. Die Grenze zwischen Kunst und Aktivismus wird durchlässiger, woraus sich für das Theater gesteigerte Wirkungsansprüche ergeben. Das Buch fragt nach den Formen und Traditionen einer solchen intervenierenden Theaterpraxis – und danach, was man sich von ihr erhoffen darf. Es geht um ein Theater, das an der Grenze zur direkten Aktion operiert, ohne die Brechungen, Umwege und Indirektheiten theatraler Aufführungen ganz hinter sich lassen zu können.
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Interventionen politischen Theaters

Die Juni-Ausgabe 2025 von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Heimat(en)“ und beleuchtet, wie Kunst und Theater Zugehörigkeit, Identität und Gemeinschaft neu verhandeln. Essays, Interviews und Berichte von Autor:innen wie Dinçer Güçyeter, Luise Voigt und Elisabeth Maier zeigen, wie vielfältig und umstritten der Heimatbegriff heute ist – von postmigrantischen Perspektiven über ostdeutsche Lebensgeschichten bis zu kulinarisch-politischen Performances.
Auf dem Titel: Sandra Hüller und Tom Schneider ­haben am neuen theater in Halle/Saale MarDis „Penthesile:a:s“ (<a href="https://tdz.de/artikel/3856c3b5-e854-4769-8eef-1533bb028485">der Stückabdruck</a>) inszeniert. Im Interview dazu betonen sie die gemeinsame Theaterarbeit, das Ensemble­schaffen – weit weg vom filmbranchenüblichen Starmodellieren eines Wunders. Ist Sandra Hüller trotzdem.
 
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Sandra Hüller und Tom Schneider

Geste des Kollektiven

Seit bald 20 Jahren produziert die aus Zypern stammende und in Düsseldorf beheimatete Choreografin Alexandra Waierstall international. Das Buch „And here we meet: Choreography at the edge of time“ bietet erstmals einen umfassenden Einblick in ihr Schaffen. Großformatige Fotostrecken und pointierte Textbeiträge erschließen ihr Werk. Mit Beiträgen von Roberto Fratini, Monica Gillette, Emily Markert, João da Silva, Melanie Suchy und Paraskevi Tektonidou.
Alexandra Waierstalls Arbeiten beeindrucken durch ihre direkte physische Bildsprache, die radikale Präsenz der Tänzer:innen. Sie basieren auf der vitalen zwischenmenschlichen Aushandlung komplexer Beziehungen, die sich in choreografischen Konstellationen, Bildern und Transformationen entfalten. Choreografie wird so zum Mittel der Ermächtigung in der Verkörperung sozialer Verantwortung und zum Ausgangspunkt für Formen von Gemeinschaftlichkeit.
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Alexandra Waierstall

And here we meet: Choreography at the edge of time

Szenografie ist Teil jeder Theaterproduktion: als ­Doing Scenography (Entwerfen von Bühne, Kostüm, Maske, Licht, Video) und als Scenography in Performance. Auch jenseits (gebauter) Bühnen tritt sie heute vielgestaltig auf: das Spektrum reicht von ­Environmental Scenography und urbaner Intervention über inszenierte Räume in Ausstellungen / Museen bis hin zu Szenografien medialer Räume. Inwiefern sie – dergestalt ‚extended‘ und mit ‚weltentwerfendem‘ Potenzial – je als Teildisziplin oder eigenständige Kunst aufzufassen ist, diskutieren die Scenography&amp;Performance Design Studies. In der deutschsprachigen Theaterwissenschaft blieb Szenografie-Forschung bisher eher außen vor.
Das Buch schafft wichtige Anschlüsse: gefragt wird nach Epistemologien ästhetischer Praktiken, weitere Aspekte sind Digitalität, Eco-Design und die soziale Dimension szenografischen Gestaltens.
 
 
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Perspektiven der Szenografie und Performance Design Studies

Bühne

Das Arbeitsbuch widmet sich dem Intendanten und Regisseur Peter Carp. Als Schauspieldirektor in Luzern (2004–2007), als Intendant des Theater Oberhausen (2008–2017) und seit 2017 als Intendant des Theater Freiburg entwickelte er ein Theaterkonzept immer stärker aus, welches auf konsequente Internationalisierung setzte, auf ein Theater als „Weltempfänger“. Kennzeichnend für seine Arbeit war eine ausgeprägte Entdeckerlust, wie er sich generell als Förderer verstand (Simon Stone, Ewelina Marciniak, Amir Reza Koohestani, Yair Sherman, Herbert Fritsch). Das reich illustrierte Arbeitsbuch gibt Auskunft zu verschiedenen Aspekten der Arbeit des Regisseurs und Intendanten Peter Carp und versammelt Zeugnisse seiner Weggefährten.
 
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Weltempfänger in Luzern, Oberhausen und in Freiburg

Peter Carp

Wir machen Theater, jedes Jahr im Sommer. Das gilt für die Burgfestspiele Jagsthausen seit 1950. Als einziges Theater im deutschsprachigen Raum wird hier seit 75 Jahren mit Goethes „Götz von Berlichingen“ Theater an seinem Originalschauplatz gespielt. Mittlerweile sind die Burgfestspiele aber viel mehr als nur „Götz“: Musicals, Kinderstücke, Schauspiele und Musiktheater im weiteren Sinne gehören zum Repertoire. Das Buch bietet Rück-, Ein- und Ausblicke. Es beleuchtet die ersten 50 Jahre im Schnelldurchlauf und konzentriert sich im Schwerpunkt auf die letzten 25 Jahre. Die vier Intendant:innen Jan Aust, Heinz Kreidl, Axel Schneider und Eva Hosemann (seit 2019) haben diese Zeit geprägt. Ihnen werden einzelne Kapitel gewidmet.
Interviews und Anekdoten beschreiben das bekannte Freilichttheater aus einer Vielzahl von Perspektiven. Auf der Bühne und hinter der Bühne sehen wir einen Organismus im ständigen Wandel. Neben einer faszinierenden Bildauswahl informiert dieser Jubiläumsband mit spannenden Inhalten rund um die Burgfestspiele sowie Zahlen und Fakten zu den Produktionen. Es ist ein Jubiläumsbuch der besonderen Art und unternimmt eine Zeitreise durch 75 Jahre Theatergeschichte.
 
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75 Jahre Burgfestspiele Jagsthausen

WIR MACHEN THEATER ... jedes Jahr im Sommer

Das Arbeitsbuch von Theater der Zeit im Juli 2025 widmet sich der zeitgenössischen Schweizer Theaterszene. Es begreift sie als eine Art Landschaft, die es bereist und deren Diversität, Mehrsprachigkeit und Komplexität es aus verschiedenen Perspektiven beschreibt.
Der Fokus liegt auf der Schweiz als mehrsprachigem Theaterort, wo verschiedenste Theater- Ästhetiken, Traditionen und Strukturen auf kleinstem Raum aufeinandertreffen oder nebeneinander bestehen. Welche Entwicklungen zeichnen sich ab im zeitgenössischen Schauspiel, in der Performance, im Theater der Schweiz? Inwiefern bildet die Schweizer Theaterszene die europäische Theaterszene im Kleinen ab? Wie gelingt der mehrsprachige Dialog? Welche Beziehungen bestehen zu den Kulturräumen der Nachbarländer Frankreich, Italien, Deutschland, Österreich und Liechtenstein?
Neben Essays, Berichten und Dialogen kommen auch genuin künstlerische Positionen zu Wort: aus allen Landesteilen, sowohl innerhalb als auch fernab der Metropolen.
Mit freundlicher Unterstützung der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia sowie der Ernst Göhner Stiftung und der Oertli Stiftung.
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landscapes des zeitgenössischen theaters

diversité suisse

Das internationale figuren.theater.festival in Erlangen, Nürnberg, Fürth und Schwabach gehört zu den renommiertesten Festivals des Genres und ist bekannt für das große ästhetische Spektrum seines Programms. Gegründet 1979, entwickelte es sich rasch zu einer erstklassigen Adresse für Künstler:innen und Veranstalter:innen, ebenso zu einem internationalen wie regionalen Publikumsmagneten. Es spiegelt mit seinen Stammkompagnien, seinen performativen Experimenten, gewagten Präsentationsformaten und oft folgenreichen Begegnungen nicht nur die jeweils aktuellen Bewegungen der Szene, sondern schrieb sich auch selbst in deren Geschichte ein.
Was es bedeuten kann, wenn ein Festival bereit ist, ein Genre immer wieder neu zu (er)finden, wenn Kuratieren auch als kritische Förderung verstanden, Studierenden regelmäßig eine Plattform geboten und eine Region vom Festivalfieber erfasst wird – das beleuchten Beiträge von zahlreichen Beteiligten vor, auf und hinter den Festivalbühnen.
 
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Erlangen Nürnberg Fürth Schwabach

Offen! Das internationale figuren.theater.festival

Gisela Höhne und das Theater RambaZamba

Auftreten und leuchten

Wie werden dekoloniale Ästhetiken in der zeitgenössischen Gegenwartsdramatik produziert? Was kennzeichnet dekoloniale Ästhetiken im Theater? Mit einem dramaturgischen Blick und einer theatertextuellen Analyse von Stücken international renommierter afro-diasporischer Künstler:innen wie Dieudonné Niangouna, Aristide Tarnagda, Hakim Bah, Marie N´Diaye u.a. argumentiert die Theaterwissenschaftlerin Grit Köppen, dass dekoloniale Ästhetiken im Theater als breites Spektrum künstlerischer Strategien zu denken sind. Diese bewegen sich aktuell zwischen einer Ästhetik des Aufruhrs gegen postkoloniale Realitäten und einer Ästhetik der Transgression.
 
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Dekoloniale Ästhetiken im zeitgenössischen Theater

Die erste Anthologie des 2011 in Köln gegründeten africologneFESTIVAL gibt einen Einblick in die Vielfalt der Stimmen, Perspektiven, Themen und Ästhetiken zeitgenössischer Dramatik aus Benin, Burkina Faso, DR Kongo, Guinea, Republik Kongo, Senegal und Uganda. Die neun erstmals in deutscher Übersetzung publizierten Texte reichen von der Tragödie über die Satire, von der dramatischen Poesie bis hin zum Neo-Western. Post- oder neo-koloniale Themen sind ebenso präsent wie persönliche Reflexionen über gesellschaftspolitische Verankerungen. Viele Autor:innen hinterfragen dabei auch die Geschichte und Politik ihrer Heimatländer.  Ergänzt werden die Stücke u.a. durch ein Vorwort zur zeitgenössischen Dramatik in afrikanischen Gesellschaften und einem Essay zu ihrer Übersetzbarkeit bzw. Transformation.
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Zeitgenössische Theatertexte aus afrikanischen Ländern und der afrikanischen Diaspora

SPUREN

Neuerscheinungen im Verlag