1985 veröffentlicht die britische Band Coil eine Coverversion des Soul-Klassikers „Tainted Love“. Beklemmend, in qualvoller Langsamkeit und Reduktion rezitiert Sänger John Balance den schmuddeligen Text vielmehr, als dass er ihn singt. Kirchenglocken und verzerrte Synthesizer instrumentieren ein klaustrophobisches Requiem. Das zugehörige Musikvideo geht in die Kunstgeschichte ein. Dort tritt Marc Almond als lasziver Todesengel auf, der einen Aidskranken auf seinem einsamen Sterbebett heimsucht. Welch tragische Illustration des Albtraums der Homosexuellen, der nur vier Jahre zuvor undenkbar schien. Denn „Tainted Love“ war, von Almonds Band Soft Cell interpretiert, der Welthit des Jahres 1981 und gleichzeitig die Hymne der absoluten sexuellen Befreiung der schwulen Szene. Lederfetisch, Darkrooms, halböffentliche Orgien – auf einmal schien alles möglich und erlaubt. Als das HI-Virus auftauchte, rief es die Hedonisten wie eine biblische Plage zur Ordnung. Sollte dies die Strafe Gottes für sodomitische Unzucht sein? In diesen Kanon stimmten nicht nur die US-Republikaner im Schulterschluss mit religiösen Fundamentalisten wie „besorgten Eltern“ ein; nein, auch die Schwulen selbst fühlten sich nicht zu Unrecht geplagt. Es folgten Panik, Paranoia, sexuelle Verklemmung. Die fünfziger Jahre waren zurück. Man könnte heute über diese Thematik so vieles deuten und finden. Auch im transzendentalen Sinne. Allein der medizinische Fortschritt ist in der westlichen...

E.T.A.-Hoffmann Theater Bamberg: „Engel in Amerika“ von Tony Kushner. Regie Sibylle Broll-Pape, Ausstattung Trixy Royeck

Bamberg: Sterbende Schwäne in der Stadt der Träume

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

double feiert Jubiläum

Werner Fritsch ist der oberpfälzische Weißmagier unter den Theaterdichtern. In den achtziger Jahren lernt er bei Herbert Achternbusch und Alejandro Jodorowsky, die ihm gleichermaßen zur Reflexion der bayerischen Provinz sowie der Weltbühne raten. Fritsch ist bekennender Eklektizist, und so wundert es nicht, wenn seine Collage „Shakespeares Schädel in Fausts Faust“ sich ohne große Verschleierung einem vielfältigen ikonographischen Kosmos – von Aristoteles bis Zillertaler Schürzenjäger – bedient. Dass das Theater Regensburg den lokalen Sonderling, nach der ersten Zusammenarbeit „Enigma Emmy Göring“ im Jahre 2013, diesmal mit einem Auftragswerk betraut, erweist sich als wahrer Glücksgriff für das Haus in der Domstadt, das sich in der Vergangenheit öfter und nicht zu Unrecht dem Vorwurf des provinziellen Muffs aussetzen musste. Bernd Liepold-Mosser inszeniert Fritschs Suche nach einer besseren Welt, die Venus-Utopie als ein Gegenpol zum römischen Kriegsgott Mars. Überraschend, und anders als bei den Vorbildern des Autors, gibt es in diesem Stück keine dionysischen Orgien mit Blut, Kot und Farbe. Karla Fehlenberg, die für die Ausstattung verantwortlich zeichnet, konstruiert eine klinische, monochrom-weiße Bühne, die sich im Laufe des Abends zu einem feuchten Limbus fernab des böhmischen Meeres verwandelt. Diese ausgezeichnete Kulisse ist wichtig, denn Fritschs Textkonvolut erschöpft sich recht schnell in Shakespeare-Fragmenten und dem...

Theater Regensburg: „Shakespeares Schädel in Fausts Faust“ (UA) von Werner Fritsch. Regie Bernd Liepold-Mosser, Ausstattung Karla Fehlenberg

Regensburg: Zwischen Traum und Albtraum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Jetzt ist alles politisch

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Was folgt

Französische Dystopia-Wochen am ETA Hoffmann Theater: Auf der großen Bühne läuft Michel Houellebecqs „Unterwerfung“, im Saal Joël Pommerats „La Révolution #1 – Wir schaffen das schon“. In Bamberg, der Stadt des Hörnchens, nimmt man sich also des Croissants und dessen Interpretation weltlicher Verbiegungen an. Niklas Ritter, zuvor in Potsdam und Bern tätig, inszeniert mit Pommerats Stück über Umsturz, Demokratie und Autorität seine zweite Arbeit in der fränkischen Mittelstadt. „La Révolution“ soll, obwohl die Zeit unmittelbar vor dem Sturm auf die Bastille als Vorlage dient, kein Historienstück, aber auch nicht ahistorisch sein. Dass man bei diesem Vorhaben keinem Drei-Stunden-Gewitter aus drögen Politphrasen ausgesetzt wird, grenzt nur scheinbar an ein Wunder, ist aber vielmehr eine meisterliche Leistung von Regie und Dramaturgie. Zu Beginn des Stücks erklärt sich das dreistöckige Bühnenbild wie von selbst, denn in jeweiliger Etage agieren die Vertreter des zugehörigen Standes. Pyramidenhaft, sich nach oben verschmälernd, wird angedeutet, dass wenige über viele regieren, die Macht superexponentiell umgekehrt proportional zur Personenstärke der Herrschergruppe steht. Dass dieser balkonartige Aufbau nicht von ungefähr an ein Puppenspiel erinnert, beweist sich, als Adel und Klerus als halbmenschliche Puppen-Chimären auftreten. Ihr vollends kretinöses Dasein zeigt sich nicht nur durch die intrigante und egomanische Weise, am leidenden...

ETA Hoffmann Theater: „La Révolution #1 – Wir schaffen das schon“ (DSE) von Joël Pommerat. Regie Niklas Ritter, Ausstattung Karoline Bierner

Bamberg: Es riecht nach Mord und Mob

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Derman sendedir

Gründung einer Akademie der darstellenden Künste in München

Die Stress-Knoten auflösen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Nun gut: Christopher Rüping möchte zeigen, dass er seinen Stoff gelesen hat, dass er ihn verstanden hat und auch des Autors Biografie zu kontextualisieren weiß. Bertolt Brecht konnte sein Frühwerk „Trommeln in der Nacht“ nämlich nicht leiden. Seinem späteren Selbstverständnis war vor allem das feige Ende ein Dorn im Auge. Hauptfiguren, die aus Romantik und Bequemlichkeit die Revolution gegen private Idylle eintauschen, waren im reiferen Schaffen des führenden sozialistischen Dramatikers undenkbar. Christopher Rüping produziert an den Kammerspielen zwei Versionen des Stücks – von und nach Bertolt Brecht –, wobei er sich auf ebendiese Entscheidung des Protagonisten zwischen Heim und Kampf bezieht und in der zweiten Fassung die Revolution siegen lässt. Dass die Inszenierung von Otto Falckenberg – von 1917 bis 1944 Leiter der Münchner Kammerspiele, der das Stück am selbigen Ort 1922 zur Uraufführung brachte – bei Rüping wiederbelebt wird, sollte nicht unerwähnt bleiben. Zu Anfang bekommt man eine dokumentarische Einführung, es wird darauf hingewiesen, dass die Regieanweisungen aus der originalen Textfassung umgesetzt werden. Vor den Augen der Zuschauer erhebt sich das historische Bühnenbild, die Schauspieler spielen sich ein, schminken sich, dann geht es los, ein bürgerliches Romanzenspiel im ersten der fünf Akte. Brecht hat ihn antithetisch zum Revolutionsduft in...

Münchner Kammerspiele: „Trommeln in der Nacht“ von / nach Bertolt Brecht. Regie Christopher Rüping, Bühne Jonathan Mertz, Kostüme Lene Schwind

München: Viel Lärm um nichts

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Das Theater teilt mit der Popmusik die Notwendigkeit, eine überzeugende Inszenierung auf die Bühne zu bringen. So begann vor zwei Jahren ein vierzigjähriger Hip-Hopper bei YouTube zu senden. Mit Pippi-Langstrumpf-Zöpfen hüpfte der hagere Herr durchs digitale Bild und generierte mit „Klaps auf den Po“ einen Erfolg, der in modernen Zeiten unbedingt den Zusatz „viral“ benötigt. „Viral“ bedeutet: ohne Gebrauch der klassischen Medien, ohne die traditionellen Starformate Radio und Fernsehen auf Internetplattformen mehr Geld einzuspielen, als die Produktion kostet. Romano, bürgerlich Roman Geike, liefert eine gute Blaupause, wie man „viral geht“. Erstklassige Videos, professioneller Schnitt, fachmännische Ausleuchtung, 1080p-High-Definition, dazu belanglose Lustigtexteleien im Deichkind-Soundgewand. Auffällige Haartracht, Satinjacken, Berlin, immer wieder Berlin und souveränes Benutzen der Zusätze des umsatzträchtigsten Marktsegments. Romano rappt, und das nicht böse. Er beschimpft keine Frauen und Kollegen, sondern erzählt davon, wie seine coole Mutti durch die Hood streift. Er droht nicht mit schwerer Körperverletzung, sondern ruft seinen Anwalt an. Kleinhumorige Freundlichkeit sorgt für Aufsehen im Milljöh der Motherfucker. Eine Million Klicks hier, eine halbe Million dort – Romano beherrscht die digitale Ochsentour via Selbstinszenierung. Der Mann ist gelernter Mediengestalter aus der Berliner Musikerexklave Köpenick, wo außerdem Knorkator und der 1. FC Union residieren. Jeder Poperfolg braucht eine stabile...

Beim Berliner Festival Pop-Kultur zeigt der Musiker Romano die Möglichkeiten und Grenzen theatraler Selbstinszenierung in digitalen Zeiten

Pippi Lederstrumpf

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

„Is my future all in the past“

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Unter Beobachtung

Frankfurt/Main: Stadtparlament beschließt Deutschlands größten Kulturneubau

Warum wir das Theater brauchen

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freier Autor, Regensburg und Berlin

Theaterregisseur Yair Shermann

Das Ding mit dem Körper. Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

Theater und Migration

Der Knick im Kopf

Lukas Bärfuss

Freude verdoppelt sich, wenn man sie teilt – Geld nicht.

Die Folgen des Klimawandels, das Fortschreiten antidemokratischer Tendenzen, die Corona-Pandemie aber auch tiefgreifende technologische Entwicklungen lassen die gesellschaftliche Gegenwart als multiple Krise erscheinen. Wie bearbeiten Theater diese Herausforderungen? Welche Fähigkeiten entwickeln Theaterschaffende dabei? Vom 15. bis zum 17. Juni 2022 trafen sich Praktiker:innen und Forschende mit internationalen Studierenden an der Theaterakademie August Everding, um verschiedene Visionen für die Kunst, ihre Institutionen und die Ausbildung zu diskutieren. Die Publikation dokumentiert ihre differenzierten Analysen und originellen Zukunftsideen mit dem Ziel, daraus für die Gegenwart zu lernen.
Mit Beiträgen u.a. von Sivan Ben Yishai, Amelie Deuflhard, Jennifer Gunkel, Adrienne Goehler, Pınar Karabulut, Friedrich Kirschner, Tine Milz, Jasmin Maghames, Manolis Tsipos, Yener Bayramoğlu, Lisa Jopt und Barbara Gronau.
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Zukunftskonferenz für die Darstellenden Künste

Learning for the Future

Der Schwerpunkt „Millennials im Theater“ geht auf ein schon viel diskutiertes Generationsphänomen zurück. Die Soziologie versucht, mit immer ausgefeilteren Methoden, Generationen nach gemeinsamen Erfahrungen, Wertvorstellungen, Biografien und – das ist der springende Punkt der letzten Jahrzehnte – im Konsumverhalten zu konstruieren. Gleichzeitig entwerfen Medien, darin zum Teil nur auf die Soziologie zurückgreifend, Generationsbilder, die oft mit kulturellen Akteuren sichtbar werden. Genau an dieser Stelle – oder Schwelle – wollten wir ins Theater blicken: mit den Porträts der Schauspieler:innen Miriam Haltmeier, Jonas Dumke, Dominik Dos-Reis und dem Gespräch mit dem Regisseur Wilke Weermann, zusammen mit den beiden übergreifend betrachtenden Artikeln von Leander F. Badura und Martín Valdés-Stauber. (S. 12­–15) Anna Bertram porträtiert außerdem das Leitungstrio am Theater Neumarkt in Zürich.
 
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Eine Generation auf der Suche

Millennials im Theater

Polen und der Kampf um die Theater

Götterdämmerung

Was für eine Art von Theater es nach dem Krieg in Israel geben könnte, haben wir den Regisseur Yair Sherman (auf dem Titel) am Ende eines längeren Videogesprächs gefragt. Eskapistische Komödien, Stücke für Trost und Trauer oder Patriotisches und Politisches? Man müsse erstmal herausfinden, was genau die Menschen fühlen und wie das zu verarbeiten ist, so Sherman in seiner Wohnung in Tel Aviv. Noch Wochen nach dem Angriff vom 7. Oktober stehen alle unter Schock. Sherman war gleich nach der Premiere seiner Inszenierung von Shakespeares „Wintermärchen“ am Theater Freiburg nach Israel zurückgekehrt.
Themen-Schwerpunkt dieser Ausgabe ist das Theater für junges Publikum, welches sich zur Zeit verändert. Die Kinder- und Jugendtheater werden offener, machen mehrsprachige Angebote und führen schon die Jüngsten in Projekte ein.
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Yair Sherman: Theater und Israel

Kinder- und Jugendtheater

Die Bayerische Theaterakademie August Everding ist eine der herausragenden Ausbildungsstätten für Bühnenberufe, in der sich Theorie und Praxis auf einzigartige Weise durchdringen. Im Herbst 2023 wird sie dreißig Jahre alt. „DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN“ dokumentiert die wechselvolle Geschichte der Institution in der Vielfalt und Heterogenität ihrer Studiengänge im Spiegel der jüngeren Theatergeschichte. Der Band stellt außerdem Fragen nach einer zeitgenössischen Theaterausbildung und reflektiert das Theater als Kollektiv mit seinen unzähligen Allianzen, Kooperationen und ineinander verwobenen Arbeitsprozessen.
Neben Aufsätzen der Lehrenden enthält das Buch zahlreiche Interviews mit und Statements von Wegbegleiterinnen und -begleitern sowie umfangreiches, bisher unveröffentlichtes Bildmaterial.
Edition Bayerische Theaterakademie August Everding
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30 Jahre Bayerische Theaterakademie August Everding

DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN

In seiner Besprechung von Ramon Gómez de la Sernas Buch „Der Zirkus“ von 1927 stellt Walter Benjamin die These auf, dass „im Zirkus der Mensch ein Gast des Tierreichs“ sei. „Die Tiere stehen doch nur scheinbar unter der Botmäßigkeit des Dompteurs, die Kunststücke, die sie machen, sind ihre Art den jüngeren Bruder zu unterhalten und zu zerstreuen, da sie ja Besseres mit ihm nicht anfangen können. Die Zirkusleute haben von ihnen gelernt.“
An Benjamin anschließend, könnte man behaupten, der zeitgenössische Zirkus sei im Reich der Dinge zu Gast und die Artist*innen hätten von ihnen gelernt. Denn wie im „Theater der Dinge“ werden hier Dinge und Materialien zu echten Gegenspielern, Materialien erforscht, die Hierarchie zwischen Objekt und Subjekt wird in Frage gestellt.
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Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

Das Ding mit dem Körper

Als wir den Schwerpunkt für dieses Heft ankündigten, meinte ein in einem anderen Bereich tätiger Medienkollege: „Schönheit im Theater? Die Schauspieler und Schauspielerinnen? Ist ja hochinteressant, aber wohl auch äußerst riskant.“ Nein, um Beauty-Wertungen geht es nicht. Theater besteht ja aus vielem, das schön sein kann oder als solches empfunden wird. Aber angesprochen, ob von der professionellen Kritik oder den Theaterkünstler:innen selbst, wird das eher selten.
Die Frage war also, wie man den Begriff für das heutige Theater diskutieren kann, ohne gleich mit Hegels 1400 Seiten umfassenden Vorlesungen zur Ästhetik in „das weite Reich des Schönen“ zurückzugehen. Der Düsseldorfer Intendant Wilfried Schulz schaute für die Vorbereitung des Gesprächs zum Thema, wie er schmunzelnd mitteilte, doch noch einmal in seine alten Aufzeichnungen aus den Hegel-Seminaren der Universitätsjahre hinein.
Die Kostümbildnerin Vanessa Rust indes kommt ursprünglich aus der Modeindustrie, wo der Begriff der Schönheit als ganz unverdächtig unverbraucht gelten darf – und muss. Florentina Holzingers Arbeiten gehören heute, so wie sie die Theaterwissenschaftlerin Hannah Schünemann als wichtiges Beispiel aufgreift, unbedingt ins weite Reich des ­Schönen im Theater. Also mit diesem Schwerpunkt hinein in die Diskussion von Begriff und Phänomen!
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Eine unterschätzte Kategorie

Im vorliegenden Band wird untersucht, wie in den siebziger Jahren in Ost-Berlin das festgefügte und außengelenkte System „DDR-Theater“ von innen heraus, durch die Arbeit Heiner Müllers und einer kleinen Gruppe von Schauspieler:innen, Regisseuren und Bühnenbildnern in seinen ideologischen und ästhetischen Grundfesten erschüttert wurde. Thomas Wieck und Renate Ziemer haben Theaterarchive ausgewertet und umfangreiche Gespräche geführt. Hermann Beyer, Michael Gwisdek, Jürgen Holtz, Dieter Montag und Johanna Schall erinnern in den hier protokollierten Gesprächen an die theatralische Unbedingtheit und Kraft kollektiver schauspielerischer Selbstbestimmung. Diese zwischen 1940 und 1950 geborene Schauspielergeneration zog eine theatralisch überzeugende Bilanz des „gesellschaftspolitischen Experiments“ in einem Teil Deutschlands und stellte ihm eine niederschmetternde Diagnose – „politisches Theater“ im besten Sinne, vorbildlich und wirksam über die Zeiten hin.
 
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Hermann Beyer, Michael Gwisdek, Dieter Montag über die Kunst des Schauspielens in der DDR

Wir waren die Müller-Spieler

In diesem Heft starten wir eine neue Serie: „Post-Ost“. Mit essayistischen Beiträgen von jüngeren Theatermacher:innen und Autor:innen, die ihre persönlichen und beruflichen Erfahrungen und Vorstellungen beschreiben, bevor im Herbst in Brandenburg, Sachsen und Thüringen Landtagswahlen anstehen. „Post-Ost“ ist ein sehr verschieden verwendeter Begriff mit einer aber doch erkennbaren Zusammenhangsgröße: Zum einen bezieht er sich auf nach 1990 in Ostdeutschland Sozialisierte, zum anderen bezeichnet er, wesentlich erweitert, junge Menschen, die aus ost- und südosteuropäischen Ländern stammen und meist als Kinder in den deutschsprachigen Raum kamen.
Auch das TdZ-exklusive Material zum Heidelberger ¡Adelante!-Festival kann den Blick weiten. „Was in Lateinamerika passiert, betrifft auch unsere Lebensrealitäten, das sollten wir nicht vergessen“, sagt der Festival-Intendant Holger Schultze im Gespräch zum Schwerpunkt. Es geht um tatsächlich vielmehr. Um die ganze Welt des Theaters.
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Theater aus Iberoamerika

¡Adelante!

Wieso reden wir weniger über Kunst, aber so viel mehr über Strukturen? Wann erzählen wir endlich wieder Geschichten? Was ist gute Kunst, was sind gute Texte für junges Publikum – und wer entscheidet darüber? Oder anders gefragt: Erzählen wir gute Geschichten, während wir uns Strukturen genauer anschauen, in denen diese entstehen? Wie gelingt uns endlich dieser machtkritische Umgang, von dem alle immer reden, im Hinblick auf Ästhetik, Ausbildung, Zusammenarbeit, Qualitätssicherung oder Ressourcenverteilung?
Zu diesen Fragen entstanden aus Begegnungen während unserer Veranstaltungen konkrete Dialoge für die Praxis: In Briefform werden persönliche Erfahrungen und Gedanken zu Autor:innenschaft, zu spannenden Geschichten und machtkritischer Ästhetik von, für und mit jungem Publikum ausgetauscht.
Weil auch die Produktion dieser Publikation mit Macht zu tun hat, wollten die Herausgeberinnen nicht die einzigen sein, die Autor:innen auswählen. Die Personen, an die die Briefe gerichtet sind, wurden <a id="_idTextAnchor000"></a>von den Absender:innen selbst ausgesucht: Ihre Antworten bilden die zweite Hälfte des Heftes.
 
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Was ist eine gute Geschichte?

Tell me more

Wolfgang Engler und Klaus Lederer

Wovon lebt der Mensch?

Freie Darstellende Künste für Junges Publikum: Wie viele Vorstellungen spielen sie im Jahr? Wie hoch ist ihr Umsatz? Was bedeutet es, als Künstler:in für junges Publikum tätig zu sein? Der Sammelband gibt in zwei Studien Einblick in die Welt der Freien Darstellenden Künste für junges Publikum, zu der es bisher kaum statistisches Material gibt. In Zusammenarbeit mit dem Institut für Sozialforschung und Gesellschaftspolitik werden die spezifischen Arbeits- und Lebens­bedingungen der Akteur:innen im Kinder- und ­Jugendtheater sowie ihre biografischen und beruflichen Entwicklungsprozesse in den Blick genommen. Dabei bildet ihre wirtschaft­liche Situation einen besonderen Schwerpunkt.
Vertieft wird die ökonomische Perspektive durch eine quantitative Studie, die die Jahresabschlüsse von über 250 Freien Kinder- und Jugendtheatern auswertet und eine betriebswirtschaftliche Bestandsaufnahme dieser Kulturbetriebe bietet.
Mit Beiträgen von Geza Adasz, Valerie Eichmann, Stefanie Fischer, Dr. Ulrike Kaden, Marco Puxi, ­Sabine Wellmer
 
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Die kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../../api/files/4b485270-55ec-45fd-a365-f0f249157ea6/Im_Fokus_E-PDF.pdf">PDF-Download (ca. 7 MB)</a>
ISBN 978-3-95749-517-4 (Open Access)
DOI: <a href="https://tdz.de/shop/produkt/studie-im-fokus">https://doi.org/10.35287/9783957495174 </a>
Dieses Werk ist lizensiert unter der Creative Commons Attribution CC BY 4.0. Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/deed.de</a>

Studien zur Situation 2017 – 2022

 Im Fokus: Freies Kinder- und Jugendtheater

Maximilian Schäffer

München: Viel Lärm um nichts

Bamberg: Sterbende Schwäne in der Stadt der Träume

Pippi Lederstrumpf

Bamberg: Es riecht nach Mord und Mob

Regensburg: Zwischen Traum und Albtraum

Neuerscheinungen im Verlag