Die Schützengräben des Unwahrscheinlichen

Verletzte Körperlandschaft

Theater für Taiwan

Angesichts des Starts eines Pilotprojektes zur automatisierten Gesichtserkennung, am Berliner Bahnhof Südkreuz Anfang August 2017, hält der damalige Bundesinnenminister Thomas de Maizière sein Gesicht stolz in die Kamera („ein unglaublicher Sicherheitsgewinn“), während Aktivist*innen, angeleitet von Digitalcourage e.V., sich demonstrativ hinter Maskierungen zurückziehen: Ein Mensch trägt eine Brille samt falscher Nase und falschem Schnurrbart, andere plüschige Tigermasken, die ikonische Guy-Fawkes-Maske oder einfach eine Papiertüte über dem Kopf. Die Maskierungen entziehen das Gesicht der Erkennung und lenken durch ihr artifizielles Spektakel gleichsam den Blick auf sich. Für gewöhnlich würde man sie auf der Bühne oder an Karneval erwarten, nicht aber dienstagmorgens an der S-Bahn-Station. Hier sind sie Teil einer ästhetisch-politischen Aktion, die sich gezielt gegen den „gaze of bureaucracy“ (Jenny Edkins) richtet, dem Gesichter als unpersönliche, aber identifizierbare, biometrische Zugriffspunkte dienen sollen. Das Gesicht ist ein Knotenpunkt in der Geschichte und Gegenwart so zahlreicher Kultur- und Machttechniken, dass man sich ausgerechnet dieses sichtbarste Ding von allen immer wieder in seiner Unselbstverständlichkeit vor Augen führen muss. Das Gesicht und sein Schattenriss sind konstitutiv für die Physiognomik, assoziiert vor allem mit Johann Caspar Lavater, der an der Gestalt des Gesichts Charaktereigenschaften wie Intelligenz oder Sensibilität ausmachen wollte und Rassismen damit eine vermeintlich wissenschaftliche Deckung...

Gesichter lächeln von Wahlplakaten, werden biometrisch erfasst oder sollen uns auf „facebook“ vertreten. Andere Visionen von Politik und Zusammensein zu erproben, könnte also bedeuten, nicht noch mehr Gesicht, sondern Maske zu zeigen. Das Objekt- und Figurentheater macht genau das schon lange. Die Kulturwissenschaftler*innen Beate Absalon und Sebastian Köthe, Gastredakteur*innen des Thementeils dieser double-Ausgabe, führen in den Schwerpunkt ein.

Zu Ästhetik und Politik der Gesichtsflucht

„Ask me why I’m wearing a mask“

Was macht das Theater, Maciej Nowak?

Berliner Festspiele: Perspektivwechsel

Guerrilla Marika

50 Jahre nach dem Putsch in Chile

Die Zukunft jetzt gestalten!*

„Falsch wie Fischstäbchen“

München: Münchner Förderpreis für neue Dramatik 2023 für Matthias van den Höfel

Widerhall einer kollektiven Erinnerung in Chile

Ich errinnere mich

Theater als Raumschiff

Graz: Retzhofer Dramapreis 2023 für Leonie Lorena Wyss

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Die Straße wird queer

Zum Verhältnis von Gesichtstheorie, Gesichtsflucht und Maskenspiel

Gesichtsflucht und Maskenleben

Landestheater Schwaben Memmingen: Die Liebe zum letzten Zitroneneis 

Der Albtraum ist noch nicht vorbei

Zu woke für das Publikum?

Vom toten Huhn bis zu den Millennials

Emily weint doch nie

Was folgt

Teatro Lautaro in Deutschland gestern und heute

Im SÜDEN, wo sich die Überflüssigen treffen

 Das Ende der Verzichtsmetapher

Eine Geste: Ausgraben

Laudation von Jurymitglied Martin Brachvogel für Lena Gorelik

Selbstverständigungsprozess

studioNAXOS Frankfurt: Queerness zwischen Widerstand und Utopie 

SagdochmalLuca

Mateja Koležniks „Kinder“

Bonobo

Vom Verschwinden der Körper in frostiger Zeit

1986

Theater für alle versus faire Bezahlung?

Laudatio von Jurymitglied Brigitte Korn-Wimmer für Marisa Wendt (Auszug)

Ein ekelhaftes Theaterstück

Laudatio von Jurymitglied Eva-Maria Voigtländer für Yannic Han Biao Federer

Minutenlang sitzt man im Dunkeln. Etwas bewegt sich auf der Bühne, Geräusche und Töne huschen vorbei. Es wird heller, Umrisse zeichnen sich ab, schließlich ahnt man eine Art Lichtung mit Baumresten, erblickt einen Stumpf, rechts davor einen abgebrochenen, dicken, verzweigten Ast, von dem eine Haarsträhne herab weht. Es wird nochmals heller, und man erkennt auf dem Baumstumpf eine kleine Menschengestalt in Sweatshirt und Hose. Das Gesicht von einer Kapuze versteckt, in der rechten Hand einen Stecken, tastet das Geschöpf durch die Dämmerung, berührt nachdenklich, suchend, vielleicht ratlos mal den Boden, mal die Haarsträhne. Einmal findet es beim Stochern auf dem Boden ein kleines Radio, das sogar noch Töne abgeben kann, dann versinkt es wieder im Nichtstun. Und die Erde war wüst und leer, muss man denken; so könnte es nach dem Atomschlag auf Hiroshima ausgesehen haben. Eine Dystopie am Anfang, nicht am Ende einer Geschichte. In den wenigen Momenten, in denen die Figur des Kindes im Licht erscheint, sieht man seinen Ausdruck: Ein blasses Gesicht, die großen glänzenden Augen gelblich, kränklich umrandet. Ein ewig offenstehender Mund, der die kleinen Zähne erblicken lässt, wie in einem Staunen oder Wundern eingefroren. Etwas „Zwitterhaftes“ ist in dieser Menschengestalt, die weder eindeutig männlich noch...

Mit „Solace" erschafft die Numen Company von Uta Gebert eine trostlose, mysteriös verwüstete Landschaft, durch welche die Figur eines Kindes suchend streift, das statt mit Worten über Gesten und Blicke in Dialog mit rätselhaften Partnern tritt.
Zu dieser Inszenierung unternimmt die Kulturwissenschaftlerin Claudia Schmölders, die zur Geschichte der Märchen wie auch der Physiognomik geforscht hat, einen Streifzug durch Theorien und schildert die Befragung des Gesichts durch das filmische Close-up: Was passiert da eigentlich, wenn menschliches Gesicht und Puppengesicht sich anblicken?

Gedanken zu „Solace“

Von Angesicht zu Puppengesicht

Ruhrtriennale: Eine Reise zum Mittelpunkt des Menschseins

Vielleicht ein Aufbruch

Zimmertheater Tübingen: Zauberwald in Zeiten des Klimawandels 

Staatstheater Augsburg: Kurvenkontrollfreaks unter sich 

Köln: Gewerkschaften erklären Tarifverhandlungen zur Arbeitszeit für gescheitert

Was macht das Theater, Anne Rabe?

„Face-off“ – das ist die direkte Konfrontation, das Duell von Angesicht zu Angesicht auf einer gemeinsamen Bühne. Mit der Perspektivierung auf gegenwärtige Politiken von Gesicht und Maske wird dieser Begriff, vielleicht das Ur-Modell archaischer Politiken eines Rechts des Stärkeren, neu befragbar gemacht: Was geschieht, wenn wir die Politiken vom off her denken, also von dem, was sich nicht (so leicht) repräsentieren lässt oder was die belichtete Bühne als Sphäre der...

Editorial

Klang und Form

Reaktivierung und Verteidigung der Erinnerung

Schreiben, um nicht zu vergessen

Memoria 1973 – 2023

Drive in

Über die fünfzig Jahre

Mönchszellen und Bühnenräume

Muttertier

Nach einem halben Jahrhundert Leben, wie lange sind fünfzig Jahre?

GAM: Fünfzig Jahre nach dem Putsch

Berliner Ensemble: Starabend ohne Widerspruch

Theater und Digitalität

Wir sind pessimistisch

Betriebswirtschaftliche Zusammenhänge im (Freien) Kinder- und Jugendtheater

München: Spatenstich beim Neubau eines Proben- und Werkstättenzentrums für das Bayerische Staatsschauspiel

Schauspiel Wuppertal: Generalabrechnung mit der Menschheit 

Inspiration durch Stille – Kreativität durch Bewegung

Espacio Checoslovaquia

„Die Glaswanne darf nie kaltlaufen“

Colina

Bildet Allianzen!

Viel Potenzial, wenig Raum

Theater Heidelberg: Psychoanalyse mit der VR-Brille

Gebrannt hat es immer schon

Das aufstrebende Theater im Kontext von fünfzig Jahren nach dem Putsch in Chile

Was passiert eigentlich, wenn man sich maskiert – sowohl in politischen Kontexten als auch auf der Bühne? Ob per Balaclava oder Theatermaske – in dem Moment, wo ich mein Gesicht verhülle, bin ich erstmal geschützt. Deswegen kann eine Maske auch potenzielle Gefahr kennzeichnen. Maske auf – und erstmal haben alle ein bisschen Angst vor mir oder es ist unangenehm mit mir zu reden. Darauf stellen auch viele der Burka-Diskussionen ab. Im Theater hat die Maske als zweites Gesicht natürlich eine lange Tradition. Welche Typen kann sie darstellen? Wann fängt sie an, sich in der Puppe zu individualisieren? Ästhetisch formulierte Fragen nach Identität oder Unverwechselbarkeit spiegeln auch das Selbstverständnis einer Gesellschaft wider. Deswegen können Masken in einer Gruppe, ob bei einer Demo oder auf der Bühne, Zugehörigkeiten definieren. Das reicht von der ikonischen Guy-Fawkes-Maske bis zum stereotypen Mimikvokabular. Welchen Einsatz von Gesichtern beobachtest Du auf digitalen Bühnen wie YouTube? Fazialität ist komplizierter geworden. Die Nahaufnahme des Gesichts als Werbeoberfläche für Emotionen und Botschaften hat sich auf YouTube verbunden mit Politik, wenn einem „ganz normale Menschen ganz authentisch“ erzählen, dass „die Ausländer“ oder „die Regierung“ ganz schlimm wären. Videobotschaften sind unter Linken kaum, bei neuerwachten Patrioten aber sehr populär. Das Gesicht ist...

Regisseur und Schauspieler Arne Vogelgesang hat 2018 seine Video-Lecture-Performance „Flammende Köpfe“ im Schauspiel Dortmund auf die Bühne gebracht, in der er digitale Gesichter- und Maskenpolitiken als Propagandaformen der Gegenwart analysiert. Beate Absalon und Sebastian Köthe sprachen mit ihm über die Neue Rechte, das Gesicht als Verpackung und die Zukunft des Theaters.

Ein Gespräch zwischen Beate Absalon, Sebastian Köthe und Arne Vogelgesang über gegenwärtige Gesichterpolitiken

Die Aufregung des Repräsentativen

Klänge von Gestern und Heute auf den Bühnen Chiles

Warum wir das Theater brauchen

Zirkus

Thüringen

Essay

Buchrezensionen

Reflexionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

IXYPSILONZETT

Klimawandel

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

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Hamburg

Niedersachsen

Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

double

Nordamerika

Südamerika

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Recht

Sparten

Rheinland-Pfalz

Musiktheater

Queeres Theater

Europa

Theater der Zeit

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Tanz

Performance

Thema

Theater in Slowenien

Retzhofer Dramapreis

Debatte

Asien

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Promotionsstudentin in Kulturwissenschaft an der Humboldt-Universität zu Berlin.

Theatermusik ist stets im Wandel. Sie folgt Moden, aber auch eigenen Konventionen – und wie sie dann wieder aufgebrochen werden. Ruhr-Triennale Intendantin Barbara Frey war einst auch Schlagzeugerin. Sie spricht im Interview mit NRW-­Redakteur Stefan Keim über ihre Auffassungen der Musikalisierung des Schauspiels. Thüringen-Redakteur Michael Helbing stellt das Deutsche Nationaltheater Weimar als die wohl im Moment avanciertest Musik-Schauspiel-Bühne vor, und PC Nackt, dieser Wanderer zwischen Elektro-Punk-Projekten und Theaterbühnen mit Schorsch Kamerun und Sebastian Hartmann, lud zum Gespräch auf ein Boot ein, wo die Geräusche des bewegten ­Wassers nebenbei auch als Sounds besprochen wurden. Ein Schwerpunkt auf den Seiten 10 bis 24.
Das Haus der Kulturen der Welt in Berlin hat eine wechselvolle Geschichte. Von dem amerikanischen Architekten Hugh Asher Stubbins, Jr. entworfen, wurde der Bau als Kongresshalle 1957 eingeweiht. Die zu den ikonischen Architekturen des alten West-Berlin zählende „schwangere Auster“ musste nach einem Teileinsturz des Gebäudes 1980 saniert werden und wurde – kurz vor einer anderen Zeitenwende! – im Januar 1989 zum Haus der Kulturen der Welt, mit der Spezialisierung auf die Präsentation nicht-europäischer Kulturen. Nun wird es, nach einer nochmals notwendigen Renovierung, mit neuer Leitung wiedereröffnet. Intendant und Chefkurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, studierter Biotechnologe, und sein vielköpfiges Team der verschiedensten Kunst- und Wissenschaftssparten ließen schon bei der Pressekonferenz im März erkennen, dass nun einiges anders gemacht werden soll bei der Programmierung und Kuratierung. Im Zusammenspiel beinahe wie eine Big Band, jedenfalls auch mit großem Spaß an der Sache. Ute Müller-Tischler traf sich mit Ndikung und den beiden für die Performing Arts verantwortlichen Kurator:innen, Carlos Maria Romero und Marie Helene Pereira, zum Gespräch.
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Welttheater – Haus der Kulturen der Welt Berlin

Theatermusik

Wie wollen wir zukünftig leben und arbeiten? Welche Voraussetzungen braucht die Gestaltung sozialer Strukturen jenseits ökonomischer Verwertbarkeit? Orte der Kunst und der Bildung ermöglichen die modellhafte Erforschung und Erprobung von Verfahren, Strukturen und Institutionen und sind damit Impulsgeber für unser Zusammenleben. Sie tragen einen wichtigen Teil dazu bei, um unsere Demokratie in ihrer Komplexität zu erhalten und fortzudenken. Expertinnen und Experten aus verschiedenen sozialen Feldern untersuchen von der Norm abweichende Praxisformen, verorten sie historisch und denken soziale Gegenwart aus einer möglichen Zukunft heraus.
Mit Beiträgen u. a. von Armen Avanessian, Augusto Corrieri, Simone Hain, Isabell Lorey und Joshua Wicke.
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Neue Entwürfe für Kunst, Pädagogik und Politik

Dazwischengehen!

Wolf Biermanns Sohn erzählt seine packende Familiengeschichte Klaus Thaler, und der schrieb sie aus der Sicht einer Puppe auf.
Ich bin eine Puppe, my name is Zorro der Bär. Mein schicksalhaftes Buch lebt von der Vermischung aus absurdem Puppenspiel mit realer Geschichte. Kommt mit auf meinem Flug durch die Ost-Berliner Boheme vor dem Mauerfall! Gleich landen wir im Utopia 1990, direkt auf dem Tacheles mit Eimern voller Niemandsland. Der rote Faden rock‘n‘rollt sich vor- und rückwärts auf. Er entpuppt Biermanns „Treuehand“ und entknotet Freygangs „Firma“. Ich finde eine Spur ins Barocke, erzähle von der legendären Hanswurst-Vertreibung der „Neuberin“ und höre vom gemeinen Rammstein. Ein Märchenbilderbuch deutsch-deutscher Aufklärung von Lessing bis Corona. 
Klappe zu und Vorhang auf!
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Dokumentarroman

Eine Puppe packt aus

Im Gebäude eines Theaters mag man einiges erwarten – aber eine Zahnradbahn dürfte selbst hartgesottene Theatergänger*innen überraschen. Schon der Ort ist programmatisch für das Theater Rampe. Hier mischen sich Theater und Popkultur, Tanz und Schauspiel, Nachbarschaft und globale Perspektiven. Mehr und mehr entwickelte sich das Theater Rampe zu einem Stadttheater neuen Typs, in dem die Übergänge zwischen zeitgenössischen Theatertexten und Performances der freien Darstellenden Künsten fließend sind.
2023 steht in der Rampe ein Leitungswechsel an. Ein guter Moment um innezuhalten. Künstlerische Wegbegleiter*innen, Freund*innen und Partner*innen erinnern in persönlichen Abschiedsbriefen die vergangenen zehn Jahre, schreiben Ideen fort oder blicken in die Zukunft.
Eine Sammlung von Briefen, die keinen Anfang und kein Ende kennt. Denn Abschied nehmen heißt auch weitermachen, weiterarbeiten, weiterdenken.
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Theater Rampe 2013 – 2023

Im Schatten der Zahnradbahn Vol. 2

<a href="https://www.hebbel-am-ufer.de/programm/pdetail/chile-heute-ein-blick-auf-die-theaterszene-nach-dem-putsch-vor-50-jahren?wt_nl=03mnl2309">Heftpremiere am 11. September im HAU3 Hebbel am Ufer Berlin</a>
Anlässlich des 50. Jahrestages des Putsches gegen die sozialistische Regierung Salvador Allendes in Chile bringt Theater der Zeit ein SPEZIAL zum zeitgenössischen Theater in Chile heraus. Vorgestellt werden neueste Tendenzen des politischen, feministischen und digitalen Theaters sowie auch die anhaltende Beschäftigung mit dem Putsch und seinen Folgen. Mit Beiträgen von Manuela Infante, Guillermo Calderon, Alejandro Moreno, Verena Lehmkuhl, Amalia Kassai u.a.
Ein Projekt von Goethe-Institut Chile und Theater der Zeit
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Das spirituelle Potenzial der Puppe

Wie hast du's mit der Religion? 

In den 1960er Jahren vollzog sich in den Künsten unübersehbar eine performative Wende. Anstelle von „Werken“ erschaffen Künstler zunehmend Ereignisse, an denen nicht nur sie selbst, sondern auch die Betrachter beteiligt sind. Angesichts dieser radikal veränderten künstlerischen Produktion stellt sich auch die Frage nach dem geistigen Eigentum grundlegend neu. Moritz Johannes Ott, Fachanwalt für Urheber- und Medienrecht, untersucht die Ästhetik des Performativen in ihren urheberrechtlichen Konsequenzen.
Er fragt danach, ob und wie performative Kunst urheberrechtlich geschützt ist und inwieweit vor diesem Hintergrund szenische Aufführungen in ihrer Gesamtheit neu zu bewerten sind: Liegt der Schlüssel zum urheberrechtlichen Schutz aller Bühnenkunst im Urheberrecht des Regisseurs an seiner Inszenierung?

Theater, Aktion, Performance

Der urheberrechtliche Schutz performativer Kunst

Politiken von Gesicht und Maske

Face-Off

Wo steht die neue Dramatik heute? Wie kann man über Dramatik sprechen und welches analytische Instrumentarium braucht man dafür? Wie sollten die vorhandenen Positionen weiterentwickelt werden, um für das Theater eine Zukunft zu öffnen? Der Band „Dramatisch lesen“ nähert sich diesen Fragen zum Theatertext in Form eines Dialogs zwischen Dramatiker:innen, Wissenschaftler:innen sowie Kritiker:innen am Beispiel konkreter Stücke.
Sie sprechen über verschiedene Leseweisen von Texten, über das Verhältnis von Text und Theater, von Schreibenden und Lesenden im Spannungsverhältnis zwischen eigenständiger literarischer Gattung und Gebrauchstext. So gerät der Theatertext als eine Schule des dialogischen Denkens in den Blick, frei von dem Anspruch unmittelbarer Verwertbarkeit für die Bühne – (eine) Poetik des Dramas.
Mit Beiträgen von Charlotte Bomy, Karin Cerny, Teresa Dopler, Natascha Gangl, Andrea Glauser, Thomas Köck, Teresa Kovacs, Christoph Leibold, Wolfram Lotz, Sascha Michel, Fiston Mwanza Mujila, Katrin Pahl, Ewald Palmetshofer, Martin Schäfer, Ferdinand Schmalz, Brigitte Schwens-Harrant, Gerhild Steinbuch, Miroslava Svolikova, Christine Wahl und Ivna Zic.
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Wie über neue Dramatik sprechen?

Dramatisch lesen

Der niederländische Theaterkünstler Johan Simons kann auf eine großartige Karriere als Regisseur und Theaterleiter zurückblicken. Erste Erfolge als künstlerischer Leiter der Theatergroep Hollandia machten ihn in den 1980er und -90er Jahren international bekannt. Seine Arbeit hat ihn in die Leitung der Münchner Kammerspiele und der Ruhrtriennale (2015 bis 2017) geführt, seit 2018 ist er Intendant des Bochumer Schauspielhauses. Das vielleicht wichtigste Thema seiner Inszenierungen ist die Auseinandersetzung mit dem Tod, legendär seine Bochumer „Hamlet“-Inszenierung von 2019 mit der Ausnahmeschauspielerin Sandra Hüller in der Titelrolle.
Dieses reich illustrierte Arbeitsbuch will nicht nur Aufschluss geben über verschiedene Aspekte der Arbeit des Regisseurs Johan Simons, es versammelt auch Zeugnisse seiner Mitstreiter:innen und Weggefährt:innen. Zu Wort kommen u. a. Sandra Hüller, Pierre Bockma, Elsie de Brauw und Mieke Koenen in Interviews, Essays, Bildern und Skizzen.
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Dialog mit dem Tod

Johan Simons

Karin Beier: Antike als große Geste

Queeres Theater wird oft zuerst als Politikum oder Aktivismus wahrgenommen. Dabei entsteht es nicht mehr allein aus der freien Szene heraus, sondern queere Themen und Ästhetiken haben längst den Mainstream der Stadt- und Staatstheater erreicht und es wird viel diskutiert, was es dort bewirkt und an wen es sich in erster Linie wendet. Zeit für einen Schwerpunkt, den die Juniorprofessorin und Spezialistin für queeres Theater Jenny Schrödl mit einem ausführlichen Überblick einleitet, gefolgt von einer publikumssoziologischen Untersuchung und einem besonderen Beispiel am Landestheater Eisenach in Thüringen.
Romeo Castellucci sprach mit Thomas Oberender über seine neue Inszenierung „Mystery 11 Ma“, die am 1. September in der europäischen Kulturhauptstadt Elefsina in Griechenland Premiere hat und sich auf die frühantiken Initiations- und Weihe-Riten der Mysterien von Eleusis bezieht. Der Ort, das heutige Elefsina 30 km nordwestlich von Athen, war einst für Castellucci als Student der Ausgangspunkt für alles, was der Theatermacher bis heute geschaffen hat.
 
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Romeo Castellucci — Die Mysterien von Eleusis

Die diesjährige VOICES Ausgabe Re-exploring the grotesque beschäftigt sich mit dem Begriff des Grotesken und legt ihn als Folie über den Zirkus. Die versammelten Texte fragen aus kulturtheoretischer, theater- und zirkuswissenschaftlicher, dekolonialer, queer-feministischer und künstlerischer Perspektive. Es sind Reflexionen darüber, was uns das Groteske in seiner Vielschichtigkeit und mit seinen Ambivalenzen heute in Bezug auf die Diversität von Körpern, Körperbildern und eben aktuelle Zirkus- und Tanzpraktiken sagen kann.
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Circus perspectives on diverse bodies (VOICES IV)

Re-exploring the grotesque

Das Thema dieser Ausgabe ist „Theater &amp; Erinnerung“. Das klingt auf den ersten Blick vielleicht wie Jubiläum, Rückschau, Besinnung auf Vergangenes. Aber es ist ein besonders junges Heft geworden, von den behandelten Theaterprojekten, neuen Themen bis zu den hier (erstmals) schreibenden Beiträger:innen.
Im Schwerpunkt (wie schon auf dem Titelbild) wird die Kooperation der Berliner Schaubühne mit dem Jugendclub des Piccolo Theaters in Cottbus vorgestellt, dazu das Projekt „Time Busters“ an den Münchner Kammerspielen. Die zentrale These für diese Arbeiten lautet: Erinnerung ist Arbeit an der Gegenwart. Und die kann in der Arbeit mit Jugendlichen außerordentlich wertvoll sein und auch den Theatern wiederum neue Perspektiven eröffnen. Also als Arbeit an deren Zukunft.
Tief in die Vergangenheit der deutschen Dramatik geht der Essay von Sophie-Margarete Schuster zurück, zu Roswitha von Gandersheim, der mittelalterlichen Dichterin, mit einem feministischen Sprung in unsere Gegenwart. Der Schauspieler Jonny Hoff, Jahrgang 1993, untersucht in unserer Serie „Warum wir das Theater brauchen“, warum Generationsschranken überwunden werden müssen. Dafür versetzt er sich in die Situation eines 15 jährigen, der heute zum ersten Mal im Theater sitzt.
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Gedächtnistheater – Wie die Vergangenheit spielt

Theater & Erinnerung

Seit 40 Jahren prägen die vielfach ausgezeichneten Bühnenwelten des Österreichers Martin Zehetgruber die europäische Theaterszene. Es sind Bilder, die auf der Netzhaut nachbrennen. Erinnerungen. Keine Abbilder. Keine Vorlagen. Keine realen Räume. Reste von Eindrücken, die sich abgelagert haben im Gedächtnis – in seinem, in dem der Gesellschaft. Emotional begriffene Situationen, Bilder, Texte, Begegnungen. Sie türmen sich zur Abraumhalde in seinem Kopf. Dass sich seine Bilder aus dem persönlichen Erleben speisen, ist unverkennbar. Die Landschaften, die er auf die Bühnen setzt, sind ihm vertraut, auch die Nachtalben, die sie bevölkern. In allen Bühnen steckt er selbst. Und mit jedem seiner Räume fordert er den Dialog ein, zwingt zum Umgang mit ihnen.
Die Werkschau zeichnet den Werdegang von Martin Zehetgruber nach und versammelt Stimmen von künstlerischen Wegbegleiter:innen aus den verschiedenen Gewerken.
Mit Beiträgen von Barbara Frey, Judith Gerstenberg, Heide Kastler, Christoph Klimke, Alexander Koppelmann, Martin Kušej, Georg Nigl, Nicholas Ofczarek, Andreas Schlager, Elisabeth Schweeger und Klaus von Schwerin.
Das Buch enthält einen Online-Zugang zu den Texten in englischer Sprache. / The book includes online access to the texts in English.
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Bühnen – Martin Zehetgruber

Alles Katastrophe!

Die ASSITEJ untersucht in einer Auswertungsstudie zum Förderprogramm NEUSTART KULTUR – Junges Publikum den Wirkungsbereich und die Arbeitsrealität der Freien Kinder- und Jugendtheater in Deutschland. Erstmalig ist eine umfangreiche Datenerhebung entstanden, die Aufschluss über diese heterogene Theaterlandschaft gibt: Oftmals agiert sie unter dem Radar der kulturpolitischen Wahrnehmung, stellt jedoch eine zentrale Säule der flächendeckenden kulturellen Grundversorgung dar.
Diese Sonderausgabe ixypsilonzett – Wie macht Ihr das?! diskutiert die Studienergebnisse und entwickelt daraus Perspektiven für die Zukunft der Freien Darstellenden Künste für junges Publikum. Die Autorinnen und Autoren entwickeln gemeinsam mit einem Fachbeirat Handlungsempfehlungen für die Kulturpolitik, um die kulturelle Teilhabe von Kindern und Jugendlichen zukunftsorientiert zu sichern.
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Zahlen und Daten zur wirtschaftlichen und sozialen Lage der Freien Kinder- und Jugendtheater in Deutschland

Wie macht Ihr das?!

Neuerscheinungen im Verlag