„Angefangen wird mittendrin!“, so überschrieb Katja Ott 2009 ihr Konzept in der Bewerbung auf die Intendanz des Theater Erlangen. Für sie hieß das: Die Geschichten der anderen sind immer schon da. Ein Intendanzwechsel bedeutet nicht, Altes einzu­reißen, um Neues aufzubauen. Die Aufgabe liegt darin, genau zu schauen, wo man steht, und den Blick zu richten auf das, wo man hin will. Die ersten drei Jahre standen unter der Prämisse des Kennenlernens dieser Stadt. Hier sollte mit einem nur siebenköpfigen Ensemble ein breit gefächertes Programm für alle Altersgruppen entstehen. Womit die dringlichsten Veränderungen für Ott auf der Hand lagen, nämlich die Umstellung vom Ensuite- auf Repertoirebetrieb und der Ausbau des Kinder- und Jugendtheaters. „Wir wollen, dass das Theater Erlangen für Sie und uns ein Ort des künstlerischen Dialogs und des emo­tionalen Reichtums wird, ein Ort des Erlebens, der Aus­einandersetzung und der Unterhaltung“, hieß es im ersten Spielzeitheft. Der Spielplan zu diesem Vorhaben ergab sich aus dem Ensemble und den damit möglichen Besetzungen. Hinzu kam ein Quäntchen gesunder Größenwahn zur Eröffnung am 01. Oktober 2009: Lasst uns einen Faust mit fünf Spieler*innen plus einer Sängerin auf die Bühne bringen! Regie führte Mario Portmann, dessen Braunschweiger Inszenierung von Moby Dick Ende der Spielzeit...

Die Spielzeiten 2009/2010 – 2011/2012

Angefangen wird mittendrin!

Hart, aber poetisch

Businessman des Living Theatre

Theatermachen ist immer eine Auseinandersetzung mit der Gegenwart. Daher stehen am Beginn jeder Spielzeit die Fragen: Welche gesellschaftlichen Entwicklungen haben zurzeit die größte Relevanz? Womit wollen wir uns künstlerisch auseinandersetzen, welche Themen durch die Auswahl bestimmter Stücke und anderer Formate zur Diskussion stellen? Die erste von mehreren Plagiatsaffären hatte seit 2011 die Schlagzeilen beherrscht. Der Umgang eines Bundespräsidenten mit Krediten und Urlaubseinladungen sowie die Höhe des „Ehrensolds“ nach dessen Rücktritt prägten gleich im Anschluss die Debatten. Es ging um die Wahrheit und die Beschönigung derselben, um inszenierte Öffentlichkeit, aber auch um die Ausschlachtung der Skandale durch die Medien, deren Verzerrung die Fassaden oft noch weiter verstärkt. Warum lassen wir uns eigentlich so gerne blenden? Der Abgrund zwischen Schein und Sein war schon zu Molières Zeit ein theatral überaus ergiebiger Gegenstand der Betrachtung. Als Urvater aller Blender eröffnete Tartuffe in einer Inszenierung von Dominik von Gunten die Spielzeit 2012/2013. In der Garage zeigte Marcel Luxingers Kriech oder: Orientierungshilfe für den Wertekompass die Abgründe zwischen unseren Ansprüchen an „westliche“ Werte und deren tatsächlicher Umsetzung auf. Die Inszenierung von Katja Blaszkiewitz fand eine fantasiereiche Bildsprache, um Diskursräume zu öffnen. Zusätzlich ging es aber in dieser Spielzeit auch ganz konkret um Scheine zum Anfassen:...

Die Spielzeiten 2012/2013 – 2014/2015

Aus der Komfortzone in die Debatte

Captain Hook fliegt ein

Theaterhaus Jena: Elfriede Jelinek spürt diese Leere – wir auch

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Dominique Horwitz?

Stiller Abbau?

Ruhrfestspiele Recklinghausen/Theater Münster: Ein Krieg führt immer zum nächsten

Black Box und White Cube

Transformation statt Revolte

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Keine Angst vor Trash und Chaos

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Unterwegs mit den Formwandlern

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

Fassungslosigkeit und Hoffnung

„Ein großes Festival muss eine Dynamik entwickeln“

St. Pölten:: Peter-Turrini-Dramatiker*innenstipendium für Paula van Well

Langer Atem beim Netzwerken

Publikumserregung mit Extradimension

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Dramaturgie des Zweifels

Widerstand und Erinnerung 

Keine Rechnung ohne Restwert 

Weltall, Erde, Mensch

Hybridgemeinschaften?

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

In 15 Jahren kann man viel erreichen! Die Intendanz von Katja Ott zeigt: Kontinuität einer Theaterleitung, gepaart mit hohem Gestaltungswillen, bringt gute Ideen voran. 15 Jahre ermöglichen einen weiten Blick und nachhaltiges Gestalten der Zukunft, sowohl was technische Innovationen angeht, als auch die künstlerische und strukturelle Weiterentwicklung des Theaters. Rund um die gemeinschaftliche Erarbeitung des Leitbilds wurden in Erlangen viele theaterinterne Veränderungsprozesse losgetreten und vorangebracht. Jedes weitere Stück Weg, hier wie in allen deutschen Theatern, wird ein Gewinn sein – für die Beschäftigten, für die Theaterhäuser und für die Kunst, die auf die Bühne kommt. Die Verankerung des Theaters in der Erlanger Stadtgesellschaft war für beide Seiten wichtig. Das Theater konnte sich als Raum für Diskurs und Austausch fest etablieren und wird dies hoffentlich auch in Zukunft weiterhin tun. Denn die gesellschaftlichen Umbrüche der letzten Jahre haben gezeigt, wie schwierig es ist, sich über komplexe Entwicklungen eine zweifelsfreie Meinung zu bilden: Was ist die richtige Strategie, um den Klimawandel in den Griff zu bekommen, und inwieweit müssen wir uns einschränken? Wie ist Frieden möglich? Wessen Grundrechte sind in Gefahr? Wie können wir Populismus entgegentreten und die Demokratie stärken? Gerade weil wir alle diese Fragen so schwer beantworten können, sollten wir...

Vorhang zu!

Ruhm den Kleinen!

Winfried Wittkopp, Ehrenmitglied des Theater Erlangen

»Da will ich landen!«

Der Engel vieler Geschichten

Thüringer Befund

Das Theatercafé

Vom Schmalzbrot zu den Fantastischen Vier

Festival im Aufwind

Das leidenschaftliche Theatertier

Bodyhorror/Tarantino

Bilder im Takt eines Textes

Auf Augenhöhe

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

»Die Oper ist nicht weniger sinnlich, sondern vielfältiger geworden«

Ästhetische Übereinstimmung, strukturelle Unterschiede

Risiko: Das Salz unseres Lebens

Freiheit des Theater-Erlebens

Berufsbild: Digitaldramaturg

„Den Lohnarbeitern erscheint ihre Arbeit auch nicht mehr als das, was sie ist“

Zerbrochene Familiengeschichten

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Die Rache der Königinnen

Wir gehen rein

Die Signatur unserer Zeit

Balkan Brass und Brüche

Sie leben noch (weiter)

Die Grenzen der Freiheit

Episteme, Ästhetiken und das Gedächtnis der Szenografie

Guten Appetit!

Vor Ort und exklusiv

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Die Unsterblichkeit des Theaters

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Wenn die Unis Trauer tragen

Der Sprachspieler Schiller trotzt der Macht  

Ruhrfestspiele Recklinghausen/THE OFFICE performing arts + film: Humor und Hoffnung in einer zerfallenden Welt

Warum wir Festivals brauchen

Sie kürzen, wir glänzen

Ballhaus Ost: Ein Trumm kommt selten allein

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Die Regisseurin Katja Ott

Die Bühne als Ort der Debatte

Räume für die Zukunft

Feminismus neu ausrichten

Eine Fußballmannschaft bekämen wir nicht zusammen. Das Theater Erlangen hat eines der kleinsten Ensembles Deutschlands. Muss das ein Manko sein? Mitnichten! Dabei liegen die Nachteile eines kleinen Ensembles auf der Hand: Weniger Flexibilität in Stückauswahl, Spielplan und Besetzung. Mehr Belastung für die einzelnen Kolleg*innen. Weniger Möglichkeiten, gesellschaftliche Diversität – in Alter, Geschlecht, Herkunft, Aussehen – auf der Bühne abzubilden. Aber auch wenn die finanzielle Freiheit, mehr Schauspieler*innen engagieren zu dürfen, ein Wunschtraum blieb, gibt es durchaus sehr schöne Seiten einer familiären Ensemblegröße. Ein kleines Ensemble schweißt zusammen. Jede*r steht mal mit jeder oder jedem auf der Bühne. Gibt es Probleme in einer Produktion, steht man füreinander ein. Nach der Vorstellung passen alle an einen Tisch. Das bedeutet im Gegenzug auch, dass die Schauspieler*innen noch stärkere Teamplayer sein müssen als ohnehin in ihrem Beruf. Familiäre Strukturen bauen auf Vertrauen, nicht auf Ellenbogen. Zum Glück hat das bislang immer gut geklappt. Ein kleines Ensemble macht kreativ. Dass in ­Goethes Faust sämtliche Figuren ungestrichen durchbesetzt werden und vielleicht sogar noch Statist*innen Auerbachs Keller oder die Walpurgisnacht be­völkern, scheint mittlerweile selten geworden. Aber eine Besetzung von nur fünf Schauspieler*innen ist schon besonders und führt zu einer ganz anderen Spielweise. Ein kleines Ensemble verpflichtet. Wer...

Loblied auf ein familiäres Ensemble

Das große Plus an Menschlichkeit

Zirkus

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ist seit 2011 Dramaturgin am Theater Erlangen und seit 1997 Zuschauerin von Winni Wittkopp.

„Tartuffe“. Regie Dominik von Gunten

Bartholomäusnacht – ein Requiem (UA), Regie und Bühne Thomas Krupa

Antigone

Der Kaktus

Bug Muldoon and the Garden of Fear

Eröffnungsinszenierung Oktober 2009, „Faust. Der Tragödie erster Teil“ (Regie Mario Portmann)

Kohlhaas 05/10

Obwohl immer wieder beschrieben und prognostiziert wird, dass sich politische Bewegungen weitgehend in die digitalen Medien verlagern, sind die Erwartungen an politisches Theater und Aktionskunst eher noch gestiegen: Theater soll die gesellschaftliche Wirklichkeit nicht nur widerspiegeln oder kritisieren, sondern direkt in die Wirklichkeit intervenieren. Die Grenze zwischen Kunst und Aktivismus wird durchlässiger, woraus sich für das Theater gesteigerte Wirkungsansprüche ergeben. Das Buch fragt nach den Formen und Traditionen einer solchen intervenierenden Theaterpraxis – und danach, was man sich von ihr erhoffen darf. Es geht um ein Theater, das an der Grenze zur direkten Aktion operiert, ohne die Brechungen, Umwege und Indirektheiten theatraler Aufführungen ganz hinter sich lassen zu können.
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Interventionen politischen Theaters

Die Juni-Ausgabe 2025 von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Heimat(en)“ und beleuchtet, wie Kunst und Theater Zugehörigkeit, Identität und Gemeinschaft neu verhandeln. Essays, Interviews und Berichte von Autor:innen wie Dinçer Güçyeter, Luise Voigt und Elisabeth Maier zeigen, wie vielfältig und umstritten der Heimatbegriff heute ist – von postmigrantischen Perspektiven über ostdeutsche Lebensgeschichten bis zu kulinarisch-politischen Performances.
Auf dem Titel: Sandra Hüller und Tom Schneider ­haben am neuen theater in Halle/Saale MarDis „Penthesile:a:s“ (<a href="https://tdz.de/artikel/3856c3b5-e854-4769-8eef-1533bb028485">der Stückabdruck</a>) inszeniert. Im Interview dazu betonen sie die gemeinsame Theaterarbeit, das Ensemble­schaffen – weit weg vom filmbranchenüblichen Starmodellieren eines Wunders. Ist Sandra Hüller trotzdem.
 
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Sandra Hüller und Tom Schneider

Geste des Kollektiven

Seit bald 20 Jahren produziert die aus Zypern stammende und in Düsseldorf beheimatete Choreografin Alexandra Waierstall international. Das Buch „And here we meet: Choreography at the edge of time“ bietet erstmals einen umfassenden Einblick in ihr Schaffen. Großformatige Fotostrecken und pointierte Textbeiträge erschließen ihr Werk. Mit Beiträgen von Roberto Fratini, Monica Gillette, Emily Markert, João da Silva, Melanie Suchy und Paraskevi Tektonidou.
Alexandra Waierstalls Arbeiten beeindrucken durch ihre direkte physische Bildsprache, die radikale Präsenz der Tänzer:innen. Sie basieren auf der vitalen zwischenmenschlichen Aushandlung komplexer Beziehungen, die sich in choreografischen Konstellationen, Bildern und Transformationen entfalten. Choreografie wird so zum Mittel der Ermächtigung in der Verkörperung sozialer Verantwortung und zum Ausgangspunkt für Formen von Gemeinschaftlichkeit.
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Alexandra Waierstall

And here we meet: Choreography at the edge of time

Szenografie ist Teil jeder Theaterproduktion: als ­Doing Scenography (Entwerfen von Bühne, Kostüm, Maske, Licht, Video) und als Scenography in Performance. Auch jenseits (gebauter) Bühnen tritt sie heute vielgestaltig auf: das Spektrum reicht von ­Environmental Scenography und urbaner Intervention über inszenierte Räume in Ausstellungen / Museen bis hin zu Szenografien medialer Räume. Inwiefern sie – dergestalt ‚extended‘ und mit ‚weltentwerfendem‘ Potenzial – je als Teildisziplin oder eigenständige Kunst aufzufassen ist, diskutieren die Scenography&amp;Performance Design Studies. In der deutschsprachigen Theaterwissenschaft blieb Szenografie-Forschung bisher eher außen vor.
Das Buch schafft wichtige Anschlüsse: gefragt wird nach Epistemologien ästhetischer Praktiken, weitere Aspekte sind Digitalität, Eco-Design und die soziale Dimension szenografischen Gestaltens.
 
 
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Perspektiven der Szenografie und Performance Design Studies

Bühne

Das Arbeitsbuch widmet sich dem Intendanten und Regisseur Peter Carp. Als Schauspieldirektor in Luzern (2004–2007), als Intendant des Theater Oberhausen (2008–2017) und seit 2017 als Intendant des Theater Freiburg entwickelte er ein Theaterkonzept immer stärker aus, welches auf konsequente Internationalisierung setzte, auf ein Theater als „Weltempfänger“. Kennzeichnend für seine Arbeit war eine ausgeprägte Entdeckerlust, wie er sich generell als Förderer verstand (Simon Stone, Ewelina Marciniak, Amir Reza Koohestani, Yair Sherman, Herbert Fritsch). Das reich illustrierte Arbeitsbuch gibt Auskunft zu verschiedenen Aspekten der Arbeit des Regisseurs und Intendanten Peter Carp und versammelt Zeugnisse seiner Weggefährten.
 
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Weltempfänger in Luzern, Oberhausen und in Freiburg

Peter Carp

Wir machen Theater, jedes Jahr im Sommer. Das gilt für die Burgfestspiele Jagsthausen seit 1950. Als einziges Theater im deutschsprachigen Raum wird hier seit 75 Jahren mit Goethes „Götz von Berlichingen“ Theater an seinem Originalschauplatz gespielt. Mittlerweile sind die Burgfestspiele aber viel mehr als nur „Götz“: Musicals, Kinderstücke, Schauspiele und Musiktheater im weiteren Sinne gehören zum Repertoire. Das Buch bietet Rück-, Ein- und Ausblicke. Es beleuchtet die ersten 50 Jahre im Schnelldurchlauf und konzentriert sich im Schwerpunkt auf die letzten 25 Jahre. Die vier Intendant:innen Jan Aust, Heinz Kreidl, Axel Schneider und Eva Hosemann (seit 2019) haben diese Zeit geprägt. Ihnen werden einzelne Kapitel gewidmet.
Interviews und Anekdoten beschreiben das bekannte Freilichttheater aus einer Vielzahl von Perspektiven. Auf der Bühne und hinter der Bühne sehen wir einen Organismus im ständigen Wandel. Neben einer faszinierenden Bildauswahl informiert dieser Jubiläumsband mit spannenden Inhalten rund um die Burgfestspiele sowie Zahlen und Fakten zu den Produktionen. Es ist ein Jubiläumsbuch der besonderen Art und unternimmt eine Zeitreise durch 75 Jahre Theatergeschichte.
 
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75 Jahre Burgfestspiele Jagsthausen

WIR MACHEN THEATER ... jedes Jahr im Sommer

Das Arbeitsbuch von Theater der Zeit im Juli 2025 widmet sich der zeitgenössischen Schweizer Theaterszene. Es begreift sie als eine Art Landschaft, die es bereist und deren Diversität, Mehrsprachigkeit und Komplexität es aus verschiedenen Perspektiven beschreibt.
Der Fokus liegt auf der Schweiz als mehrsprachigem Theaterort, wo verschiedenste Theater- Ästhetiken, Traditionen und Strukturen auf kleinstem Raum aufeinandertreffen oder nebeneinander bestehen. Welche Entwicklungen zeichnen sich ab im zeitgenössischen Schauspiel, in der Performance, im Theater der Schweiz? Inwiefern bildet die Schweizer Theaterszene die europäische Theaterszene im Kleinen ab? Wie gelingt der mehrsprachige Dialog? Welche Beziehungen bestehen zu den Kulturräumen der Nachbarländer Frankreich, Italien, Deutschland, Österreich und Liechtenstein?
Neben Essays, Berichten und Dialogen kommen auch genuin künstlerische Positionen zu Wort: aus allen Landesteilen, sowohl innerhalb als auch fernab der Metropolen.
Mit freundlicher Unterstützung der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia sowie der Ernst Göhner Stiftung und der Oertli Stiftung.
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landscapes des zeitgenössischen theaters

diversité suisse

Das internationale figuren.theater.festival in Erlangen, Nürnberg, Fürth und Schwabach gehört zu den renommiertesten Festivals des Genres und ist bekannt für das große ästhetische Spektrum seines Programms. Gegründet 1979, entwickelte es sich rasch zu einer erstklassigen Adresse für Künstler:innen und Veranstalter:innen, ebenso zu einem internationalen wie regionalen Publikumsmagneten. Es spiegelt mit seinen Stammkompagnien, seinen performativen Experimenten, gewagten Präsentationsformaten und oft folgenreichen Begegnungen nicht nur die jeweils aktuellen Bewegungen der Szene, sondern schrieb sich auch selbst in deren Geschichte ein.
Was es bedeuten kann, wenn ein Festival bereit ist, ein Genre immer wieder neu zu (er)finden, wenn Kuratieren auch als kritische Förderung verstanden, Studierenden regelmäßig eine Plattform geboten und eine Region vom Festivalfieber erfasst wird – das beleuchten Beiträge von zahlreichen Beteiligten vor, auf und hinter den Festivalbühnen.
 
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Erlangen Nürnberg Fürth Schwabach

Offen! Das internationale figuren.theater.festival

Wie werden dekoloniale Ästhetiken in der zeitgenössischen Gegenwartsdramatik produziert? Was kennzeichnet dekoloniale Ästhetiken im Theater? Mit einem dramaturgischen Blick und einer theatertextuellen Analyse von Stücken international renommierter afro-diasporischer Künstler:innen wie Dieudonné Niangouna, Aristide Tarnagda, Hakim Bah, Marie N´Diaye u.a. argumentiert die Theaterwissenschaftlerin Grit Köppen, dass dekoloniale Ästhetiken im Theater als breites Spektrum künstlerischer Strategien zu denken sind. Diese bewegen sich aktuell zwischen einer Ästhetik des Aufruhrs gegen postkoloniale Realitäten und einer Ästhetik der Transgression.
 
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Dekoloniale Ästhetiken im zeitgenössischen Theater

Vom hochfürstlichen Opern- und Komödienhaus zum Stadttheater der Zukunft

300 Jahre Theater Erlangen

Die erste Anthologie des 2011 in Köln gegründeten africologneFESTIVAL gibt einen Einblick in die Vielfalt der Stimmen, Perspektiven, Themen und Ästhetiken zeitgenössischer Dramatik aus Benin, Burkina Faso, DR Kongo, Guinea, Republik Kongo, Senegal und Uganda. Die neun erstmals in deutscher Übersetzung publizierten Texte reichen von der Tragödie über die Satire, von der dramatischen Poesie bis hin zum Neo-Western. Post- oder neo-koloniale Themen sind ebenso präsent wie persönliche Reflexionen über gesellschaftspolitische Verankerungen. Viele Autor:innen hinterfragen dabei auch die Geschichte und Politik ihrer Heimatländer.  Ergänzt werden die Stücke u.a. durch ein Vorwort zur zeitgenössischen Dramatik in afrikanischen Gesellschaften und einem Essay zu ihrer Übersetzbarkeit bzw. Transformation.
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Zeitgenössische Theatertexte aus afrikanischen Ländern und der afrikanischen Diaspora

SPUREN

Linda Best