Berliner Ensemble: Mit Blitzeinschlag

„Angefangen wird mittendrin!“, so überschrieb Katja Ott 2009 ihr Konzept in der Bewerbung auf die Intendanz des Theater Erlangen. Für sie hieß das: Die Geschichten der anderen sind immer schon da. Ein Intendanzwechsel bedeutet nicht, Altes einzu­reißen, um Neues aufzubauen. Die Aufgabe liegt darin, genau zu schauen, wo man steht, und den Blick zu richten auf das, wo man hin will. Die ersten drei Jahre standen unter der Prämisse des Kennenlernens dieser Stadt. Hier sollte mit einem nur siebenköpfigen Ensemble ein breit gefächertes Programm für alle Altersgruppen entstehen. Womit die dringlichsten Veränderungen für Ott auf der Hand lagen, nämlich die Umstellung vom Ensuite- auf Repertoirebetrieb und der Ausbau des Kinder- und Jugendtheaters. „Wir wollen, dass das Theater Erlangen für Sie und uns ein Ort des künstlerischen Dialogs und des emo­tionalen Reichtums wird, ein Ort des Erlebens, der Aus­einandersetzung und der Unterhaltung“, hieß es im ersten Spielzeitheft. Der Spielplan zu diesem Vorhaben ergab sich aus dem Ensemble und den damit möglichen Besetzungen. Hinzu kam ein Quäntchen gesunder Größenwahn zur Eröffnung am 01. Oktober 2009: Lasst uns einen Faust mit fünf Spieler*innen plus einer Sängerin auf die Bühne bringen! Regie führte Mario Portmann, dessen Braunschweiger Inszenierung von Moby Dick Ende der Spielzeit...

Die Spielzeiten 2009/2010 – 2011/2012

Angefangen wird mittendrin!

Businessman des Living Theatre

Theatermachen ist immer eine Auseinandersetzung mit der Gegenwart. Daher stehen am Beginn jeder Spielzeit die Fragen: Welche gesellschaftlichen Entwicklungen haben zurzeit die größte Relevanz? Womit wollen wir uns künstlerisch auseinandersetzen, welche Themen durch die Auswahl bestimmter Stücke und anderer Formate zur Diskussion stellen? Die erste von mehreren Plagiatsaffären hatte seit 2011 die Schlagzeilen beherrscht. Der Umgang eines Bundespräsidenten mit Krediten und Urlaubseinladungen sowie die Höhe des „Ehrensolds“ nach dessen Rücktritt prägten gleich im Anschluss die Debatten. Es ging um die Wahrheit und die Beschönigung derselben, um inszenierte Öffentlichkeit, aber auch um die Ausschlachtung der Skandale durch die Medien, deren Verzerrung die Fassaden oft noch weiter verstärkt. Warum lassen wir uns eigentlich so gerne blenden? Der Abgrund zwischen Schein und Sein war schon zu Molières Zeit ein theatral überaus ergiebiger Gegenstand der Betrachtung. Als Urvater aller Blender eröffnete Tartuffe in einer Inszenierung von Dominik von Gunten die Spielzeit 2012/2013. In der Garage zeigte Marcel Luxingers Kriech oder: Orientierungshilfe für den Wertekompass die Abgründe zwischen unseren Ansprüchen an „westliche“ Werte und deren tatsächlicher Umsetzung auf. Die Inszenierung von Katja Blaszkiewitz fand eine fantasiereiche Bildsprache, um Diskursräume zu öffnen. Zusätzlich ging es aber in dieser Spielzeit auch ganz konkret um Scheine zum Anfassen:...

Die Spielzeiten 2012/2013 – 2014/2015

Aus der Komfortzone in die Debatte

Von der Sonne in den Swimming Pool und zurück 

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Liebe lässt die europäische Eiszeit schmelzen 

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Stiller Abbau?

Ruhrfestspiele Recklinghausen/Theater Münster: Ein Krieg führt immer zum nächsten

Samtener Schutzraum

Leere Bühnen  für volle Köpfe?

Schau mal einer an

Das Nest sauber halten

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Erst der Wald, dann der Boden

Mit der Pfeilspitze ins Herz hinein

Bewegen, Zeichnen, Überzeichnen

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

St. Pölten:: Peter-Turrini-Dramatiker*innenstipendium für Paula van Well

Publikumserregung mit Extradimension

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Deutsches Nationaltheater Weimar: Drei Fiktionen für dreizehn Millionen Schicksale

Der Notfall als Prinzip

Neue Dramatik trifft Figurentheater

Dober Dan, Ljubljana

RambaZamba Theater Berlin: Riesenspaß mit Hintersinn

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Lego meets Ikea

In 15 Jahren kann man viel erreichen! Die Intendanz von Katja Ott zeigt: Kontinuität einer Theaterleitung, gepaart mit hohem Gestaltungswillen, bringt gute Ideen voran. 15 Jahre ermöglichen einen weiten Blick und nachhaltiges Gestalten der Zukunft, sowohl was technische Innovationen angeht, als auch die künstlerische und strukturelle Weiterentwicklung des Theaters. Rund um die gemeinschaftliche Erarbeitung des Leitbilds wurden in Erlangen viele theaterinterne Veränderungsprozesse losgetreten und vorangebracht. Jedes weitere Stück Weg, hier wie in allen deutschen Theatern, wird ein Gewinn sein – für die Beschäftigten, für die Theaterhäuser und für die Kunst, die auf die Bühne kommt. Die Verankerung des Theaters in der Erlanger Stadtgesellschaft war für beide Seiten wichtig. Das Theater konnte sich als Raum für Diskurs und Austausch fest etablieren und wird dies hoffentlich auch in Zukunft weiterhin tun. Denn die gesellschaftlichen Umbrüche der letzten Jahre haben gezeigt, wie schwierig es ist, sich über komplexe Entwicklungen eine zweifelsfreie Meinung zu bilden: Was ist die richtige Strategie, um den Klimawandel in den Griff zu bekommen, und inwieweit müssen wir uns einschränken? Wie ist Frieden möglich? Wessen Grundrechte sind in Gefahr? Wie können wir Populismus entgegentreten und die Demokratie stärken? Gerade weil wir alle diese Fragen so schwer beantworten können, sollten wir...

Vorhang zu!

Ruhm den Kleinen!

Winfried Wittkopp, Ehrenmitglied des Theater Erlangen

»Da will ich landen!«

Thüringer Befund

Das Theatercafé

Vom Schmalzbrot zu den Fantastischen Vier

Bodyhorror/Tarantino

Bilder im Takt eines Textes

R Ä U M E

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

sogar theater Zürich: Easy said, but schwer getan

Das Ährenfeld als stille Utopie

Berufsbild: Digitaldramaturg

Ja, er lebt noch – oder: Brecht is back!

Dramaturgie der Solidarität

Belgrad: Nikita Milivojević nicht als künstlerischer Leiter von BITEF verlängert

Zerbrochene Familiengeschichten

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Das Thema Hitze  wird in Zukunft  auch dazugehören

Die Rache der Königinnen

Wir gehen rein

Die Signatur unserer Zeit

Die Grenzen der Freiheit

Stück Labor 2023/24

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

München: Auswahl für Radikal jung Festival

Mit nachhaltiger Kunst  die Menschen berühren

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Schauspiel Stuttgart: Überleben in der Karaokebar

Die Unsterblichkeit des Theaters

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Was macht das Theater, Alexander Scheer?

Wenn die Unis Trauer tragen

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Die Regisseurin Katja Ott

Die Bühne als Ort der Debatte

Das Problem mit der Apokalyptik

Kampf im Käfig

Feminismus neu ausrichten

Eine Fußballmannschaft bekämen wir nicht zusammen. Das Theater Erlangen hat eines der kleinsten Ensembles Deutschlands. Muss das ein Manko sein? Mitnichten! Dabei liegen die Nachteile eines kleinen Ensembles auf der Hand: Weniger Flexibilität in Stückauswahl, Spielplan und Besetzung. Mehr Belastung für die einzelnen Kolleg*innen. Weniger Möglichkeiten, gesellschaftliche Diversität – in Alter, Geschlecht, Herkunft, Aussehen – auf der Bühne abzubilden. Aber auch wenn die finanzielle Freiheit, mehr Schauspieler*innen engagieren zu dürfen, ein Wunschtraum blieb, gibt es durchaus sehr schöne Seiten einer familiären Ensemblegröße. Ein kleines Ensemble schweißt zusammen. Jede*r steht mal mit jeder oder jedem auf der Bühne. Gibt es Probleme in einer Produktion, steht man füreinander ein. Nach der Vorstellung passen alle an einen Tisch. Das bedeutet im Gegenzug auch, dass die Schauspieler*innen noch stärkere Teamplayer sein müssen als ohnehin in ihrem Beruf. Familiäre Strukturen bauen auf Vertrauen, nicht auf Ellenbogen. Zum Glück hat das bislang immer gut geklappt. Ein kleines Ensemble macht kreativ. Dass in ­Goethes Faust sämtliche Figuren ungestrichen durchbesetzt werden und vielleicht sogar noch Statist*innen Auerbachs Keller oder die Walpurgisnacht be­völkern, scheint mittlerweile selten geworden. Aber eine Besetzung von nur fünf Schauspieler*innen ist schon besonders und führt zu einer ganz anderen Spielweise. Ein kleines Ensemble verpflichtet. Wer...

Loblied auf ein familiäres Ensemble

Zug: Sélection fürs Schweizer Theatertreffen bekanntgegeben 

Das große Plus an Menschlichkeit

Zirkus

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Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

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Kulturkürzungen

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ist seit 2011 Dramaturgin am Theater Erlangen und seit 1997 Zuschauerin von Winni Wittkopp.

„Tartuffe“. Regie Dominik von Gunten

Bartholomäusnacht – ein Requiem (UA), Regie und Bühne Thomas Krupa

Antigone

Der Kaktus

Bug Muldoon and the Garden of Fear

Eröffnungsinszenierung Oktober 2009, „Faust. Der Tragödie erster Teil“ (Regie Mario Portmann)

Kohlhaas 05/10

Dieses Buch beschreibt erstmals die wechselvolle Geschichte des Schauspielhauses Chemnitz in einer transdisziplinären Betrachtung von Architektur und theater-künstlerischer Praxis. Es verfolgt gleichermaßen die Entwurfsprozesse wie die Aufführungsweisen der letzten fünfzig Jahre. Neben Darstellungen der verschiedenen Spielorte und der Architektur von Rudolf Weißer werden die Raumaneignungen befragt in Gesprächen mit Theaterleuten wie Hartwig Albiro, Hasko Weber, Carsten Knödler, Gundula Hoffmann und Raj Ullrich. Weitere Theaterkonzepte erklärt Stefan Schmidtke im Kontext der Kulturhauptstadt Europas 2025.
Vor dem Hintergrund der aktuellen Interimssituation von Schauspiel und Figurentheater („Spinnbau“) wird mit der Publikation zugleich die Bedeutung und Perspektive des Theaters als vielschichtiger Kulturort für die Stadt aufgezeigt.
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ISBN 978-3-95749-567-9 (Open Access)  DOI: <a title="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" href="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" data-outlook-id="e526c996-5be6-478d-a074-ff6f174f4806">10.35287/9783957495679</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a title="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" data-outlook-id="b6230f1d-8c98-42e4-bb03-0a4b291c320e">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Zwischen Zeiten und Räumen

Schauspielhaus Chemnitz

Denken wir heute an „Zirkus“, so tauchen in unseren Köpfen gemeinhin Bilder von Artistik- und Tierdressurnummern in der Manege eines Zirkuszeltes auf. Historische Quellen, die in Archiven und Bibliotheken schlummern, zeichnen jedoch ein überraschend anderes Bild der Zirkuskunst um 1900. Die in diesem Buch versammelten Fotografien, Auszüge aus Briefwechseln, Patentschriften, Presseberichte, Bauzeichnungen und vieles mehr, bieten tiefe Einblicke in die Zirkuskultur Berlins um 1900. Sichtbare Spuren der einst erfolgreichen Zirkusgesellschaften mit ihren pompösen Gebäuden mitten im Stadtzentrum finden sich heute hingegen kaum mehr. Anhand von historischen Quellen lässt das Buch Aufführungspraxis, Architekturen, Herausforderungen und Erfolge von Zirkussen, Künstler:innen und Techniker:innen auf eindrückliche Weise zutage treten.
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ISBN 978-3-95749-565-5 (Open Access)  DOI: <a title="https://doi.org/10.35287/9783957495020" href="https://doi.org/10.35287/9783957495020" data-outlook-id="c180ea25-f06b-4836-a7c2-fc4b1261b69b">10.35287/9783957495655</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Einblicke in eine vergessene Praxis

Zirkuskunst in Berlin um 1900

In den letzten Jahren wird viel über Generationenwechsel, Generationenkonflikt, Generationengerechtigkeit und -dialog gesprochen. In diesem winterheft wird genauer nachgefragt: Geht es eigentlich um einen Generationen- oder Gesellschaftskonflikt? Auch in den Darstellenden Künsten finden und fanden in den letzten Jahren viele Umbrüche durch u.a. Generationenwechsel in den Leitungen der Theaterhäuser oder Sparten sowie in diesem Jahr innerhalb des ASSITEJ-Vorstandes und der KJTZ-Leitung statt. Dem Theater für und mit jungem Publikum ist die Begegnung verschiedener Generationen quasi per se eingeschrieben. Aber was genau ist mit dem Begriff “Generation” eigentlich gemeint? Und welche Rolle spielen in diesem Zusammenhang Altersdiversität, Adultismus und Ästhetik?
Der wissenschaftliche Beitrag des winterhefts beschäftigt sich mit der sozialen Praxis des Generation-Werdens sowie Konzepten von crip time und queer time, die normativen Vorstellungen von Zeitlichkeit widersprechen. Um das Verhältnis von jungen Menschen und Erwachsenen auf, vor und hinter der Bühne geht es in Artikeln zum Publikum, zu Theaterproduktionen und einer digitalen Bühne. Wie intergenerationelle Räume gestaltet werden können, beschreiben Praxiseinblicke in ein mehrgenerationelles Stadtensemble und die Vermittlung einer Kunsthalle. Zuletzt blicken wir auf uns selbst und laden scheidende ASSITEJ-Vorstandsmitglieder und KJTZ-Leitung zum Gespräch.
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Generation what?!

Das Arbeitsbuch widmet sich dem Intendanten und Regisseur Peter Carp. Als Schauspieldirektor in Luzern (2004–2007), als Intendant des Theater Oberhausen (2008–2017) und seit 2017 als Intendant des Theater Freiburg entwickelte er ein Theaterkonzept immer stärker aus, welches auf konsequente Internationalisierung setzte, auf ein Theater als „Weltempfänger“. Kennzeichnend für seine Arbeit war eine ausgeprägte Entdeckerlust, wie er sich generell als Förderer verstand (Simon Stone, Ewelina Marciniak, Amir Reza Koohestani, Yair Sherman, Herbert Fritsch). Das reich illustrierte Arbeitsbuch gibt Auskunft zu verschiedenen Aspekten der Arbeit des Regisseurs und Intendanten Peter Carp und versammelt Zeugnisse seiner Weggefährten.
 
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Weltempfänger in Luzern, Oberhausen und in Freiburg

Peter Carp

Theater der Leere macht die Katastrophen des technowissenschaftlichen Zeitalters zum Ausgangspunkt für die Annäherung an das Theater und zeigt, dass die Leere im zeitgenössischen Theater mehr ist als ein bloßes Nichts. Im Gegenteil, sie ist das Potenzial und die Möglichkeit einer radikalen Transformation des Theaters selbst.
In der Hinwendung zur Leere verschränkt Kovacs Debatten über Transformation und Zukunft mit der Reflexion über die komplexe Beziehung zwischen Theater und den Naturwissenschaften und macht deutlich, dass die Theaterformen, die bislang unter dem Begriff des „Postdramatischen Theaters“ diskutiert wurden, eine Zukunft haben.
Kovacs bringt in ihrer Studie Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch zusammen und zeigt, was es bedeutet, wenn der Nullpunkt zum zentralen Energiefeld des Theaters wird. Die Studie entfaltet nicht nur überraschend neue Perspektiven, sondern legt auch bislang übersehene Linien frei, die die Arbeiten dieser vier Theatermacher:innen durchziehen und verbinden. Sie argumentiert, dass wir im ‚Theater der Leere‘ eine theatrale Grammatik entdecken können, die uns in der von Nukleartechnologie und Klimawandel bedrohten Gegenwart viel zu sagen hat.
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Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch

Theater der Leere

Wir machen Theater, jedes Jahr im Sommer. Das gilt für die Burgfestspiele Jagsthausen seit 1950. Als einziges Theater im deutschsprachigen Raum wird hier seit 75 Jahren mit Goethes „Götz von Berlichingen“ Theater an seinem Originalschauplatz gespielt. Mittlerweile sind die Burgfestspiele aber viel mehr als nur „Götz“: Musicals, Kinderstücke, Schauspiele und Musiktheater im weiteren Sinne gehören zum Repertoire. Das Buch bietet Rück-, Ein- und Ausblicke. Es beleuchtet die ersten 50 Jahre im Schnelldurchlauf und konzentriert sich im Schwerpunkt auf die letzten 25 Jahre. Die vier Intendant:innen Jan Aust, Heinz Kreidl, Axel Schneider und Eva Hosemann (seit 2019) haben diese Zeit geprägt. Ihnen werden einzelne Kapitel gewidmet.
Interviews und Anekdoten beschreiben das bekannte Freilichttheater aus einer Vielzahl von Perspektiven. Auf der Bühne und hinter der Bühne sehen wir einen Organismus im ständigen Wandel. Neben einer faszinierenden Bildauswahl informiert dieser Jubiläumsband mit spannenden Inhalten rund um die Burgfestspiele sowie Zahlen und Fakten zu den Produktionen. Es ist ein Jubiläumsbuch der besonderen Art und unternimmt eine Zeitreise durch 75 Jahre Theatergeschichte.

75 Jahre Burgfestspiele Jagsthausen

WIR MACHEN THEATER ... jedes Jahr im Sommer

Die 51. Ausgabe von „double“ mit dem Schwerpunkt „Zum Verhältnis von Puppe und Text“ beleuchtet auf vielfältige Weise die komplexe und sich wandelnde Beziehung zwischen dem geschriebenen Wort und der performativen Kraft des Figurentheaters. Das Heft untersucht historische Entwicklungen, gegenwärtige Tendenzen und zukünftige Perspektiven dieser spannungsreichen Interaktion. Es kommen sowohl Theoretikerinnen als auch Praktikerinnen zu Wort, die ihre Erfahrungen und Überlegungen zu diesem zentralen Aspekt des Puppen-, Figuren- und Objekttheaters teilen.
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Zum Verhältnis von Puppe und Text

Worte formen

Das internationale figuren.theater.festival in Erlangen, Nürnberg, Fürth und Schwabach gehört zu den renommiertesten Festivals des Genres und ist bekannt für das große ästhetische Spektrum seines Programms. Gegründet 1979, entwickelte es sich rasch zu einer erstklassigen Adresse für Künstler:innen und Veranstalter:innen, ebenso zu einem internationalen wie regionalen Publikumsmagneten. Es spiegelt mit seinen Stammkompagnien, seinen performativen Experimenten, gewagten Präsentationsformaten und oft folgenreichen Begegnungen nicht nur die jeweils aktuellen Bewegungen der Szene, sondern schrieb sich auch selbst in deren Geschichte ein.
Was es bedeuten kann, wenn ein Festival bereit ist, ein Genre immer wieder neu zu (er)finden, wenn Kuratieren auch als kritische Förderung verstanden, Studierenden regelmäßig eine Plattform geboten und eine Region vom Festivalfieber erfasst wird – das beleuchten Beiträge von zahlreichen Beteiligten vor, auf und hinter den Festivalbühnen.
 
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Erlangen Nürnberg Fürth Schwabach

Offen! Das internationale figuren.theater.festival

Wie werden dekoloniale Ästhetiken in der zeitgenössischen Gegenwartsdramatik produziert? Was kennzeichnet dekoloniale Ästhetiken im Theater? Mit einem dramaturgischen Blick und einer theatertextuellen Analyse von Stücken international renommierter afro-diasporischer Künstler:innen wie Dieudonné Niangouna, Aristide Tarnagda, Hakim Bah, Marie N´Diaye u.a. argumentiert die Theaterwissenschaftlerin Grit Köppen, dass dekoloniale Ästhetiken im Theater als breites Spektrum künstlerischer Strategien zu denken sind. Diese bewegen sich aktuell zwischen einer Ästhetik des Aufruhrs gegen postkoloniale Realitäten und einer Ästhetik der Transgression.
 
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Dekoloniale Ästhetiken im zeitgenössischen Theater

Linda Best