Verletzte Körperlandschaft

Theater für Taiwan

Was macht das Theater, Maciej Nowak?

Rekonstruieren, was uns die Diktatur genommen hat

Freiheiten keinesfalls ungenutzt lassen

Warum Theater,

Das Unbehagen fest umklammert

Guerrilla Marika

50 Jahre nach dem Putsch in Chile

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Dafür gibt es in ihrer Sprache bestimmt einen Ausdruck 

Reaktion als Emanzipation

Räume im Besitz der Bürger

Hessisches Landestheater Marburg: Spiel mir das Lied von der EU-Bürokratie

„Falsch wie Fischstäbchen“

Mein Land

Widerhall einer kollektiven Erinnerung in Chile

Theater als Raumschiff

Allianzen bilden

Jetzt ist alles politisch

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Die Straße wird queer

Der Albtraum ist noch nicht vorbei

Zu woke für das Publikum?

Vom toten Huhn bis zu den Millennials

Emily weint doch nie

„Wir freuen uns darauf, mit Ihnen das ‚Sprechen³‘ zu wagen“, lädt die Moderatorin Mareike Gaubitz, wissenschaftliche Mitarbeiterin des Deutschen Forums für Figurentheater und Puppenspielkunst in Bochum, das Publikum des double-Diskurs Nr. 9 ein. Anstatt im Rahmen des FIDENA Festivals zusammen auf einem Podium oder in einem Gesprächskreis zu sitzen, reihen sich die Diskutant*innen und das Publikum – Kästchen an Kästchen – Ende Oktober 2020 in der Zoomkonferenz mit dem Titel „Übers Sprechen sprechen“ aneinander. Die Veranstaltung, zu der die Redaktion des Magazins inzwischen regelmäßig einlädt und die diesmal in Zusammenarbeit mit dem FIDENA Forschungszentrum entstanden ist, fand coronabedingt ihre digitale Form. Sprechen: Am Anfang stehen drei selbstaufgenommene Videos, in denen ein Trailer der Performance „Soñando el carnaval de los animales“ der Kompanie Etcétera beschrieben wird. Die Figurenspielerin Anne-Kathrin Klatt, die Projektleiterin der Puppentheatersammlung Dresden Dr. Kathi Loch und der künstlerische Leiter der Schaubude Berlin und double-Redaktionsmitglied Tim Sandweg formulieren ihre jeweiligen Seherfahrungen in drei Minuten aus dem Homeoffice. Sprechen²: Nach den drei einzelnen Statements wird ein weiterer Mitschnitt einer vorangegangenen Videokonferenz eingeblendet, in dem nun die drei Diskutant*innen mit Gaubitz zusammen die unterschiedlichen Herangehensweisen des Beschreibens aus ihren (eigenen) Videos reflektieren. Es wird deutlich, wie die...

Im double-Diskurs Nr. 9 wird das Sprechen digital besprochen. Zum letzten Teil der Zoomkonferenz mit Publikum

Sprechen³

Was folgt

Teatro Lautaro in Deutschland gestern und heute

Schauspiel Leipzig: I got to break free

Das unheimliche 13. Jahr

Der ewige Wettkampf

 Das Ende der Verzichtsmetapher

Laudation von Jurymitglied Martin Brachvogel für Lena Gorelik

Etikettenschwindel

Am Eröffnungsabend rollten die raumgreifenden und funkensprühenden Flugmaschinen des Walk Acts „Firebirds“ vom Theater Titanick über den Marktplatz. Mit ihren gekonnt slapstickhaft scheiternden Flugversuchen führten die Pilot*innen die große Publikumsgruppe zum Theater der Nacht. Die weiteren künstlerischen Beiträge, die den theoretischen Impulsen auf dem Symposium gegenübergestellt waren, blieben oft ähnlich spektakelhaft. Sie zeigten eine eher einseitige Ästhetik des Genres Figurentheater, das in den Vorträgen wesentlich differenzierter dargestellt und diskutiert wurde. Einen facettenreichen Vortrag hielt die geschäftsführende Museumsdirektorin des KOLK17 in Lübeck, Dr. Antonia Napp. Sie näherte sich dem Thema „Perspektivwechsel“ anhand der Provenienzforschung innerhalb des Projektes „Who’s talking?“. Hierfür wurde das Depot der Figurentheatersammlung 2021 für die Forschungsprojekte von sechs internationalen Künstler*innen unterschiedlicher Sparten geöffnet, die anschließend in einer digitalen Ausstellung präsentiert wurden. Auf Grundlage des entstandenen Austausches und der Anschlussfragen wird derzeit mit den Künstler*innen die Ausstellungsgestaltung der neuen Räume im Museum konzipiert. Eine Perspektive aus der Puppenspiel-Praxis bot die ungarische Puppenspielerin und Präsidentin der Initiative „FreeSZFE“ Kata Castó, die eine allgemein formulierte Kritik an der Bedeutungsgenese in Inszenierungsprozessen übte und sich für eine stärkere Klarheit und direkte Artikulation von Positionen aussprach. Im gleichen Panel gab die Puppenspielerin und Theaterwissenschaftlerin Silke Technau, Mitbegründerin des KOBALT Figurentheaters in Lübeck, einen...

Vom 18. bis 20. August 2023 trafen sich unterschiedliche Akteur*innen des Figurentheaters auf dem Symposium der 7. Deutschen Figurentheaterkonferenz in Northeim. Die vom Verband Deutscher Puppentheater, der UNIMA Deutschland und dem Theater der Nacht veranstaltete Konferenz stand dieses Jahr unter der Überschrift „Aus anderer Perspektive“.

Zum Symposium der 7. Deutschen Figurentheaterkonferenz in Northeim

Perspektivwechsel

Gründung einer Akademie der darstellenden Künste in München

Wenn alles auf der Goldwaage liegt

SagdochmalLuca

Mateja Koležniks „Kinder“

GRIPS 2.0 – Neue Räume für das Kinder- und Jugendtheater

Bonobo

Vom Verschwinden der Körper in frostiger Zeit

Theater für alle versus faire Bezahlung?

Laudatio von Jurymitglied Brigitte Korn-Wimmer für Marisa Wendt (Auszug)

Laudatio von Jurymitglied Eva-Maria Voigtländer für Yannic Han Biao Federer

Vielleicht ein Aufbruch

Eine weiße1 Puppe betritt die schwarze Bühnenfläche. Es ist „Die Gräfin“ in dem gleichnamigen Late-Night-Programm, animiert von der Figurenspielerin Stefanie Oberhoff. Diese steht im schwarzen, langen Kleid, mit schwarzen Handschuhen und schwarzer Perücke bekleidet hinter ihrer Figur. Schwarze, matte Schminke bedeckt ihr Gesicht gleichmäßig und lässt kaum Glanzpunkte zu. Die Schminke umrandet Lippen und Augen genau, sodass zwischen dem tiefen Schwarz die weißen Augäpfel und die roten Lippen der Spielerin hervortreten. Auf dem Festival „Theater der Dinge 2017“ der Berliner Schaubude, durchgeführt unter der Überschrift „Rebell Boy“, scheint sich in dieser Aufführung das schwarze Kostüm- und Maskenbild in eine Folge von gewohnten szenischen Mitteln einzureihen — wie etwa der schwarze Tanzboden, der schwarze Molton, das schwarze Scheinwerfergehäuse und die schwarzen Kabel. Die Gräfin hingegen ist eine weiße, hagere Figur mit Lockenpracht, grellem Make-up auf den Lippen und ungleichmäßig gezogenem Kajal. Sie bestreitet den Abend mit Anekdoten und Kommentaren zu Politik, Wirtschaft, Sex und Tod, vorgebracht in provokantem Plauderton. Stefanie Oberhoff ist dabei die Dramaturgin der Situationen, die durch die Gräfin mit der Reaktion des Publikums, der von Johannes Werner live gespielten Musik, den Requisiten und dem eigenen Text unterhaltsam spielt. In einer Szene dreht sich die alte, stolze...

Das schwarz geschminkte Gesicht von Stefanie Oberhoff in „Die Gräfin“ während der Aufführung des Festivals „Theater der Dinge 2017“ der Berliner Schaubude wird zum Ausgangspunkt für eine Befragung der Farbe Schwarz aus einer produktionsästhetischen und postkolonialen Perspektive. Wie wird mit der Sichtbarkeit im Figurenspiel – vor allem mit der von sonst nackten Gesichtern umgegangen? Können (post)koloniale Machtdynamiken durch ein schwarz angemaltes Gesicht selbst mitthematisiert werden?

Fragen und Gegenfragen zu Stefanie Oberhoffs „Die Gräfin“

Schwarzes Gesicht auf schwarzem Grund

Der Generationswechsel sei wie ein Windprozess, erzählt Hanne Scharnhorst, die zusammen mit Nöck Gebhardt-Seele über 35 Jahre das Theater Fadenschein in Braunschweig leitete. Dort beschäftigt man sich schon länger mit der Frage, wie ein etabliertes Theater der Figurentheater-Szene in Zukunft weitergeführt werden kann – eine Frage, die auch andere künstlerische Leiter*innen freier Theaterhäuser bundesweit beschäftigt. So war es nicht anders zu erwarten, dass auf die Einladung zu einem Treffen jener Figurentheater-Häuser zum Thema Generationswechsel im Juni 2019 zehn Leiter*innen den Weg nach Braunschweig auf sich nahmen. Die neue künstlerische Leiterin des Theaters Fadenschein, Miriam Paul, initiierte dieses Treffen zusammen mit dem Theater Blaues Haus in Krefeld und dem Verband Deutscher Puppentheater. Schnell wurde in dem zweitägigen Arbeitstreffen deutlich, dass der Generationswechsel in der Leitung der Häuser komplexe organisatorische und emotionale Prozesse mit sich führt. Die meisten Häuser stünden in fünf bis zehn Jahren vor diesem Umbruch, berichtet Miriam Paul. In manchen sei er gerade im Gange, andere hätten schon Versuche hinter sich, wiederum andere planen die Schließung ihrer Bühne oder sagen sich „dann spielen wir bis zum Umfallen“. Der gemeinsame Austausch hat Denkprozesse angestoßen, die 2020 in einem weiteren Treffen fortgesetzt werden sollen. Wissen, das nicht in Büchern steht Im...

Hanne Scharnhorst und Nöck Gebhardt-Seele geben die Leitung des Theaters Fadenschein in Braunschweig an Miriam Paul ab. Für double portraitiert René Reith den Generationswechsel aus einem Gespräch über einzelne Schritte und Herausforderungen.

Staffelübergabe in Braunschweig

Mitgenommen werden in eine andere Zeit

Was macht das Theater, Anne Rabe?

Theater Bremen: Die persönliche Schmerzfigur

Beste Stücke

Drive in

Mönchszellen und Bühnenräume

Muttertier

Theater und Digitalität

Wir sind pessimistisch

Was machst du mit Bewegungen, die sich durch jahrelanges Training und tausendfache Wiederholungen fest in den Körper eingeschrieben haben, dich aber gleichzeitig an schmerzhafte Erlebnisse und ein Gefühl der Unzugehörigkeit erinnern? Wie gehst du mit Tänzen um, deren starre binäre Struktur und streng reglementierte Umgebung dich als Person systematisch ausgrenzen? Und wie schaffst du es, dich durch diese Strukturen nicht verdrängen zu lassen, sondern den Weg in Richtung einer Alternativerzählung zu ebnen, in der die vorherrschenden heteronormativen Vorstellungen des lateinamerikanischen Turniertanzes abgelöst werden durch einen fluiden, queer-feministischen Gegenvorschlag? Auf all diese Fragen findet René Reith, Choreograf:in und Performancekünstler:in, in ihrem autobiografischen Solo „Fake Diamonds“ sehr rührende, bisweilen humoristische, v.a. aber schlagkräftige Antworten. Dass es sich bei „Fake Diamonds“, der kritischen Auseinandersetzung mit Paartänzen, um ein Solo handelt, zeigt bereits im Vorfeld der Performance den ersten von vielen Brüchen mit den Regeln des Latein-Turniertanzes auf. Weitere folgen schon während der Einlassphase, wenn Carlos Andrés Rico, Komponist und Live-Musiker der Produktion, Auszüge aus dem Lateintanz-Regelwerk verliest und René Reith augenblicklich gegenteilig dazu agiert. Die Tänze müssen von einem Mann und einer Frau getanzt werden, liest Carlos vor – René steht allein auf der Bühne und lässt sich in keine der beiden Rollen...

„Fake Diamonds“ von René Reith – Künstlerische Leitung, Choreografie, Performance René Reith, Kostüm- und Bühnenbild Malaika Friedrich-Patoine, Musikkomposition und Musikperformance Carlos Andrés Rico, Lichtdesign Dennis Dieter Kopp  

Kampnagel Hamburg: Break the System 

Betriebswirtschaftliche Zusammenhänge im (Freien) Kinder- und Jugendtheater

Schauspiel Wuppertal: Generalabrechnung mit der Menschheit 

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Inspiration durch Stille – Kreativität durch Bewegung

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

„Die Glaswanne darf nie kaltlaufen“

Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer

Viel Potenzial, wenig Raum

Theater Heidelberg: Psychoanalyse mit der VR-Brille

Gebrannt hat es immer schon

Theater und Transformation

Klänge von Gestern und Heute auf den Bühnen Chiles

Leichensäcke mit Leichtigkeit

Warum wir das Theater brauchen

Zirkus

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Choreografin und Performancekünstlerin bei systemrhizoma, Hamburg.

Ulrike Seybold, Dr. Antonia Napp, René Reith, Kata Csató, Stephan Schlafke, Silke Technau (v.l.), Symposium im Theater der Nacht.

Theaterregisseur Yair Shermann

René Reith in einem intimen Solo-Paartanz: „Fake Diamonds“ auf Kampnagel Hamburg.

Theatermusik ist stets im Wandel. Sie folgt Moden, aber auch eigenen Konventionen – und wie sie dann wieder aufgebrochen werden. Ruhr-Triennale Intendantin Barbara Frey war einst auch Schlagzeugerin. Sie spricht im Interview mit NRW-­Redakteur Stefan Keim über ihre Auffassungen der Musikalisierung des Schauspiels. Thüringen-Redakteur Michael Helbing stellt das Deutsche Nationaltheater Weimar als die wohl im Moment avanciertest Musik-Schauspiel-Bühne vor, und PC Nackt, dieser Wanderer zwischen Elektro-Punk-Projekten und Theaterbühnen mit Schorsch Kamerun und Sebastian Hartmann, lud zum Gespräch auf ein Boot ein, wo die Geräusche des bewegten ­Wassers nebenbei auch als Sounds besprochen wurden. Ein Schwerpunkt auf den Seiten 10 bis 24.
Das Haus der Kulturen der Welt in Berlin hat eine wechselvolle Geschichte. Von dem amerikanischen Architekten Hugh Asher Stubbins, Jr. entworfen, wurde der Bau als Kongresshalle 1957 eingeweiht. Die zu den ikonischen Architekturen des alten West-Berlin zählende „schwangere Auster“ musste nach einem Teileinsturz des Gebäudes 1980 saniert werden und wurde – kurz vor einer anderen Zeitenwende! – im Januar 1989 zum Haus der Kulturen der Welt, mit der Spezialisierung auf die Präsentation nicht-europäischer Kulturen. Nun wird es, nach einer nochmals notwendigen Renovierung, mit neuer Leitung wiedereröffnet. Intendant und Chefkurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, studierter Biotechnologe, und sein vielköpfiges Team der verschiedensten Kunst- und Wissenschaftssparten ließen schon bei der Pressekonferenz im März erkennen, dass nun einiges anders gemacht werden soll bei der Programmierung und Kuratierung. Im Zusammenspiel beinahe wie eine Big Band, jedenfalls auch mit großem Spaß an der Sache. Ute Müller-Tischler traf sich mit Ndikung und den beiden für die Performing Arts verantwortlichen Kurator:innen, Carlos Maria Romero und Marie Helene Pereira, zum Gespräch.
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Welttheater – Haus der Kulturen der Welt Berlin

Theatermusik

Wie wollen wir zukünftig leben und arbeiten? Welche Voraussetzungen braucht die Gestaltung sozialer Strukturen jenseits ökonomischer Verwertbarkeit? Orte der Kunst und der Bildung ermöglichen die modellhafte Erforschung und Erprobung von Verfahren, Strukturen und Institutionen und sind damit Impulsgeber für unser Zusammenleben. Sie tragen einen wichtigen Teil dazu bei, um unsere Demokratie in ihrer Komplexität zu erhalten und fortzudenken. Expertinnen und Experten aus verschiedenen sozialen Feldern untersuchen von der Norm abweichende Praxisformen, verorten sie historisch und denken soziale Gegenwart aus einer möglichen Zukunft heraus.
Mit Beiträgen u. a. von Armen Avanessian, Augusto Corrieri, Simone Hain, Isabell Lorey und Joshua Wicke.
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Neue Entwürfe für Kunst, Pädagogik und Politik

Dazwischengehen!

Der Schwerpunkt „Millennials im Theater“ geht auf ein schon viel diskutiertes Generationsphänomen zurück. Die Soziologie versucht, mit immer ausgefeilteren Methoden, Generationen nach gemeinsamen Erfahrungen, Wertvorstellungen, Biografien und – das ist der springende Punkt der letzten Jahrzehnte – im Konsumverhalten zu konstruieren. Gleichzeitig entwerfen Medien, darin zum Teil nur auf die Soziologie zurückgreifend, Generationsbilder, die oft mit kulturellen Akteuren sichtbar werden. Genau an dieser Stelle – oder Schwelle – wollten wir ins Theater blicken: mit den Porträts der Schauspieler:innen Miriam Haltmeier, Jonas Dumke, Dominik Dos-Reis und dem Gespräch mit dem Regisseur Wilke Weermann, zusammen mit den beiden übergreifend betrachtenden Artikeln von Leander F. Badura und Martín Valdés-Stauber. (S. 12­–15) Anna Bertram porträtiert außerdem das Leitungstrio am Theater Neumarkt in Zürich.
 
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Eine Generation auf der Suche

Millennials im Theater

Wolf Biermanns Sohn erzählt seine packende Familiengeschichte Klaus Thaler, und der schrieb sie aus der Sicht einer Puppe auf.
Ich bin eine Puppe, my name is Zorro der Bär. Mein schicksalhaftes Buch lebt von der Vermischung aus absurdem Puppenspiel mit realer Geschichte. Kommt mit auf meinem Flug durch die Ost-Berliner Boheme vor dem Mauerfall! Gleich landen wir im Utopia 1990, direkt auf dem Tacheles mit Eimern voller Niemandsland. Der rote Faden rock‘n‘rollt sich vor- und rückwärts auf. Er entpuppt Biermanns „Treuehand“ und entknotet Freygangs „Firma“. Ich finde eine Spur ins Barocke, erzähle von der legendären Hanswurst-Vertreibung der „Neuberin“ und höre vom gemeinen Rammstein. Ein Märchenbilderbuch deutsch-deutscher Aufklärung von Lessing bis Corona. 
Klappe zu und Vorhang auf!
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Dokumentarroman

Eine Puppe packt aus

Zugänge zum Figurentheater

Barrieren | frei

Anlässlich des 50. Jahrestages des Putsches gegen die sozialistische Regierung Salvador Allendes in Chile bringt Theater der Zeit ein SPEZIAL zum zeitgenössischen Theater in Chile heraus. Vorgestellt werden neueste Tendenzen des politischen, feministischen und digitalen Theaters sowie auch die anhaltende Beschäftigung mit dem Putsch und seinen Folgen. Mit Beiträgen von Manuela Infante, Guillermo Calderon, Alejandro Moreno, Verena Lehmkuhl, Amalia Kassai u.a.
Ein Projekt von Goethe-Institut Chile und Theater der Zeit
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Was für eine Art von Theater es nach dem Krieg in Israel geben könnte, haben wir den Regisseur Yair Sherman (auf dem Titel) am Ende eines längeren Videogesprächs gefragt. Eskapistische Komödien, Stücke für Trost und Trauer oder Patriotisches und Politisches? Man müsse erstmal herausfinden, was genau die Menschen fühlen und wie das zu verarbeiten ist, so Sherman in seiner Wohnung in Tel Aviv. Noch Wochen nach dem Angriff vom 7. Oktober stehen alle unter Schock. Sherman war gleich nach der Premiere seiner Inszenierung von Shakespeares „Wintermärchen“ am Theater Freiburg nach Israel zurückgekehrt.
Themen-Schwerpunkt dieser Ausgabe ist das Theater für junges Publikum, welches sich zur Zeit verändert. Die Kinder- und Jugendtheater werden offener, machen mehrsprachige Angebote und führen schon die Jüngsten in Projekte ein.
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Yair Sherman: Theater und Israel

Kinder- und Jugendtheater

Figurentheater und Geschlecht

Puppe*

In den 1960er Jahren vollzog sich in den Künsten unübersehbar eine performative Wende. Anstelle von „Werken“ erschaffen Künstler zunehmend Ereignisse, an denen nicht nur sie selbst, sondern auch die Betrachter beteiligt sind. Angesichts dieser radikal veränderten künstlerischen Produktion stellt sich auch die Frage nach dem geistigen Eigentum grundlegend neu. Moritz Johannes Ott, Fachanwalt für Urheber- und Medienrecht, untersucht die Ästhetik des Performativen in ihren urheberrechtlichen Konsequenzen.
Er fragt danach, ob und wie performative Kunst urheberrechtlich geschützt ist und inwieweit vor diesem Hintergrund szenische Aufführungen in ihrer Gesamtheit neu zu bewerten sind: Liegt der Schlüssel zum urheberrechtlichen Schutz aller Bühnenkunst im Urheberrecht des Regisseurs an seiner Inszenierung?

Theater, Aktion, Performance

Der urheberrechtliche Schutz performativer Kunst

Politiken von Gesicht und Maske

Face-Off

Die Bayerische Theaterakademie August Everding ist eine der herausragenden Ausbildungsstätten für Bühnenberufe, in der sich Theorie und Praxis auf einzigartige Weise durchdringen. Im Herbst 2023 wird sie dreißig Jahre alt. „DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN“ dokumentiert die wechselvolle Geschichte der Institution in der Vielfalt und Heterogenität ihrer Studiengänge im Spiegel der jüngeren Theatergeschichte. Der Band stellt außerdem Fragen nach einer zeitgenössischen Theaterausbildung und reflektiert das Theater als Kollektiv mit seinen unzähligen Allianzen, Kooperationen und ineinander verwobenen Arbeitsprozessen.
Neben Aufsätzen der Lehrenden enthält das Buch zahlreiche Interviews mit und Statements von Wegbegleiterinnen und -begleitern sowie umfangreiches, bisher unveröffentlichtes Bildmaterial.
Edition Bayerische Theaterakademie August Everding
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30 Jahre Bayerische Theaterakademie August Everding

DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN

Der niederländische Theaterkünstler Johan Simons kann auf eine großartige Karriere als Regisseur und Theaterleiter zurückblicken. Erste Erfolge als künstlerischer Leiter der Theatergroep Hollandia machten ihn in den 1980er und -90er Jahren international bekannt. Seine Arbeit hat ihn in die Leitung der Münchner Kammerspiele und der Ruhrtriennale (2015 bis 2017) geführt, seit 2018 ist er Intendant des Bochumer Schauspielhauses. Das vielleicht wichtigste Thema seiner Inszenierungen ist die Auseinandersetzung mit dem Tod, legendär seine Bochumer „Hamlet“-Inszenierung von 2019 mit der Ausnahmeschauspielerin Sandra Hüller in der Titelrolle.
Dieses reich illustrierte Arbeitsbuch will nicht nur Aufschluss geben über verschiedene Aspekte der Arbeit des Regisseurs Johan Simons, es versammelt auch Zeugnisse seiner Mitstreiter:innen und Weggefährt:innen. Zu Wort kommen u. a. Sandra Hüller, Pierre Bockma, Elsie de Brauw und Mieke Koenen in Interviews, Essays, Bildern und Skizzen.
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Dialog mit dem Tod

Johan Simons

Neuerscheinungen im Verlag