Berliner Ensemble: Mit Blitzeinschlag

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Von der Sonne in den Swimming Pool und zurück 

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Alles total anders

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Liebe lässt die europäische Eiszeit schmelzen 

Berliner Chaos-Tage

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Wie lassen sich Bilder und Geschichten auf neue Möglichkeiten hin untersuchen und damit weitererzählen? Der Schriftsteller, Filmemacher und Philosoph Alexander Kluge hat hierzu eine Arbeitsweise entwickelt. Er setzt KI zum Kommentieren ein und bringt dabei wertvolle Missverständnisse und verblüffende Konstellationen hervor. In seinem Buch „<a href="https://www.genialokal.de/Produkt/Alexander-Kluge/Alexander-Kluge-Der-Konjunktiv-der-Bilder_lid_53186683.html?storeID=einabert">Der Konjunktiv der Bilder – Meine virtuelle Kamera (K. I.)</a>“ (Spector Books, 2024) hat der 92-Jährige seine Experimente beschrieben und geht im Gespräch mit TdZ den Möglichkeiten des Mediums auf den Grund, auch für die Zukunft der performativen Künste. Mit dem Schritt von der klassischen Kamera aus Film und Fernsehen hin zur virtuellen Kamera der KI hat Alexander Kluge neue Möglichkeiten entdeckt. Dabei geht es ihm um den Konjunktiv der Bilder: „Als virtuelle Kamera kann sie diesen aufnehmen, was meine klassische Filmkamera, an der ich natürlich hänge, nicht kann. Diese kann nur den Indikativ aufzeichnen, also das, was tatsächlich vor der Kameralinse zu sehen ist, fotografieren, und in Film verwandeln. Dann kann ich als Filmemacher mithilfe von Montage noch etwas bewirken. Aber ansonsten ist diese Arbeitsweise immer linear. Sie befindet sich in der Gegenwart. Nun besteht ein wirklicher Augenblick jedoch aus Gegenwart und dazu allen Möglichkeiten dieses Moments. Dass diese wahre Zeit, die Geschichte...

Wie Alexander Kluge KI nutzt, um die Grenzen des linearen Erzählens zu überschreiten, und was sich daraus für das Theater ableiten lässt

Im Möglichkeitsraum

Die Hitze flirrt in diesem Juli auf einem unerträglichen Niveau. Davon unbeirrbar schlängelt sich der klimatisierte Linienbus auf der Anfahrt aus Athen durch malerische Berg- und Waldlandschaften. Dabei verläuft die Straße in Richtung Epidauros oftmals direkt am Meer entlang. Die Aussicht könnte schöner nicht sein. Etwa auf der Höhe von Korinth dann der jähe Bruch beim Genuss der Natur: Rechts durch das Fenster gerät einer der im Land unerbittlich lodernden Waldbrände in den Blick. Hinter den Hügeln steigen unablässig Rauchwolken auf. Noch vor einer Woche hat die Polizei den Bus an genau dieser Stelle wegen des Feuers den gesamten Verkehr gestoppt, berichtet der junge griechische Sitznachbar. Für drei Stunden ging es nicht mehr weiter. Diesmal ist die Durchfahrt frei. Der bis auf den letzten Platz vollbesetzte Bus befördert an diesem Nachmittag vor allem lokale Reisende, zudem einige Besucher, die das Athens Epidauros Festival ansteuern. Höhepunkt des Theaterfestivals in diesem Sommer: Die Weltpremiere von Frank Castorfs „Medea“. Die Kulisse hierzu könnte nicht beeindruckender sein: Spielstätte ist das historische antike Theater von Epidauros, errichtet im vierten Jahrhundert vor Christus. Im Hintergrund des spätklassischen Bauwerkes erstrecken sich weite Waldflächen; am Horizont verläuft die Berglandschaft der Argolis. An zwei Abenden strömen jeweils imposante neuntausend...

Frank Castorf inszeniert „Medea“ im antiken Theater von Epidauros – vor neuntausend Zuschauer:innen

Vom unheimlichen Knarren unserer Zeit

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Beim Schritt durch den Eingang folgt die erste Überraschung: Hier wird der:die Besucher:in nicht, wie erwartet, sogleich Teil einer Performance. Aber an zwei nackten Performer:innen vorbei, einer Frau und einem Mann, die jeweils auf einer Seite einer Tür postiert sind, und dabei kaum Raum für den Durchgang lassen, hindurch manövrieren zu müssen, das ist gleich die erste Herausforderung. Die Entscheidung der:s Besucher:in beim Werk „Imponderabilia“, das Marina Abramovic im Original in 1977 mit ihrem damaligen Partner Ulay (verstorben in 2020) aufgeführt hat, besteht darin, zu entscheiden, in wessen Richtung, sie:er sich wendet, um es seitwärts durch die schmale Passage zu schaffen. Statt dieser Reperformance prangt der:m Besucher:in von Abramovic´ s großer Retrospektive in London zunächst einmal in roten Großbuchstaben das Motto „Der Geist verbrennt nicht, ganz gleich in welcher Kondition (The Spirit in any condition does not burn)“ entgegen. Die Ausstellung an der Royal Academy of Arts dokumentiert das bereits mehr als fünfzig-jährige Schaffen der aus Belgrad stammenden Performance-Pionierin. Mit vier live Reperformances, realisiert im Wechsel von 38 Künstlerinnen und Künstlern, versetzt die groß angelegte Schau ihre Werke aus der Vergangenheit in einen Dialog mit der Gegenwart. In einem Gespräch, das Kurator Andrea Tarsia mit Abramovic zur Ausstellung führt, kommt...

Kunstinsert: Junge Reperformer:innen treffen in London auf Marina Abramovic

Das Unbehagen fest umklammert

Stiller Abbau?

Samtener Schutzraum

Leere Bühnen  für volle Köpfe?

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Das Nest sauber halten

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Erst der Wald, dann der Boden

Mit der Pfeilspitze ins Herz hinein

Bewegen, Zeichnen, Überzeichnen

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

Publikumserregung mit Extradimension

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Deutsches Nationaltheater Weimar: Drei Fiktionen für dreizehn Millionen Schicksale

Während die Zuschauer:innen im Parkett noch ihre Plätze suchen, springt ihnen aus dem Wasser bereits ein riesiger Wal entgegen. Der Himmel hat sich pechschwarz verdunkelt, die See ist unruhig. Kontinuierlich brechen, ja krachen Wellen herunter. Darüber liegt der Schrei von Möwen. Der Wal, der hier zu Klängen von Sturm auf hoher See an die Leinwand des Schauspielhauses Düsseldorf projiziert wird, ist ein besonderer, es ist ein amerikanischer Mythos: „Moby Dick“. Der Regisseur Robert Wilson hat sich in seiner jüngsten Inszenierung den großen amerikanischen Roman von Herman Melville aus dem Jahr 1851 vorgenommen. Im Telefongespräch mit Volker Gebhart erläutert Robert Wilson vom Watermill Center in Long Island, New York, aus, wieso er sich für dieses überbordende und vielschichtige Werk entschieden hat, das eine so wichtige Rolle im amerikanischen Bewusstsein einnimmt. Der Künstler berichtet, weshalb er für seine Fassung der Geschichte um die Schiffscrew von Kapitän Ahab und seine obsessive Jagd auf den Albino-Wal die Erzählperspektive verändert hat. Wilson reflektiert, welche Rolle seine Herkunft aus Texas für die Sichtweise spielt und wieso ihn Marlene Dietrich in seiner Arbeitsweise noch immer beeinflusst. Wie hat sich die Idee entwickelt, diesen großen amerikanischen Roman zu inszenieren? RW: Nicolas Bos, ein Freund von mir, der in...

Robert Wilson über seine Inszenierung von Melvilles „Moby Dick“ als Mythos

Der genetische Code Amerikas

Der Notfall als Prinzip

Neue Dramatik trifft Figurentheater

Dober Dan, Ljubljana

RambaZamba Theater Berlin: Riesenspaß mit Hintersinn

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Lego meets Ikea

Brennender Schatten

Um unsere Träume ein Bauzaun

Eine Wette auf die Zukunft

Bodyhorror/Tarantino

R Ä U M E

sogar theater Zürich: Easy said, but schwer getan

Das Ährenfeld als stille Utopie

Ja, er lebt noch – oder: Brecht is back!

Dramaturgie der Solidarität

Belgrad: Nikita Milivojević nicht als künstlerischer Leiter von BITEF verlängert

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Zerbrochene Familiengeschichten

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Anfangszeiten der Inklusion

Das Thema Hitze  wird in Zukunft  auch dazugehören

Wir gehen rein

Die Signatur unserer Zeit

Die Grenzen der Freiheit

Stück Labor 2023/24

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

München: Auswahl für Radikal jung Festival

Mit nachhaltiger Kunst  die Menschen berühren

Schauspiel Stuttgart: Überleben in der Karaokebar

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Bei deinem Konzert in Berlin im Dezember fiel auf, dass sich nach den Gundermann-Songs bei der Zugabe „Heroes“ von David Bowie nicht nur die Musik, sondern auch deine Körpersprache und dein Ausdruck vollständig veränderten. Nicht mehr nur ein Lied von einem anderen Künstler, sondern du gehst wirklich in diese Rolle hinein. Alexander Scheer: Mir selbst ist dieser Wechsel im Gestus gar nicht aufgefallen. Aber es stimmt natürlich. Das ist ein anderer Planet. Ich mache das nicht mit Absicht, ich kann das kaum bewusst steuern. Es passiert mir. Für „Heroes“ verknüpfst du David Bowies Musik mit Literatur, die ihm wichtig war. Bowie hast du ja schon mehrfach dargestellt. In „Lazarus“ bei Falk Richter, dann in der Serie „Wir Kinder vom Bahnhof Zoo“ und in „I’m Only Dancing – Scheer singt Bowie“. Wie kamst du zum Gesang? AS: Musik ist für mich immer wichtig gewesen. Mein erster Film war das Kinder-Musical „Kai aus der Kiste“ (1988) von der DEFA. Da war ich so zehn, elf Jahre. In meiner Rolle war ich Teil einer Jungsbande. Ausgestattet in Kostümen der zwanziger Jahre haben wir uns auf der Husemannstraße eine Juckpulverschlacht geliefert. Dabei wurde auch gesungen und es hat mich jemand gefragt, was willst du...

Im Gespräch mit Volker Gebhart

Was macht das Theater, Alexander Scheer?

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Die Zukunft nebenan

Das Problem mit der Apokalyptik

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

Kampf im Käfig

Feminismus neu ausrichten

Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

Zug: Sélection fürs Schweizer Theatertreffen bekanntgegeben 

Was macht das Theater, Thomas Köck?

Das große Plus an Menschlichkeit

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Szenen aus „Moby Dick“ von Herman Melville am Düsseldorfer Schauspielhaus

Rosa Enskat als Kapitän Ahab in „Moby Dick“ von Herman Melville am Düsseldorfer Schauspielhaus. Regie, Bühne und Licht: Robert Wilson, mit Songs von Anna Calvi

KI-Variation eines Fotos von Max Horkheimer und Theodor W. Adorno

Medea“ von Euripides beim Athens Epidauros Festival in der Regie von Frank Castorf

Zu Buchdruck von 1596: „Das aufmerksame Gesicht der Hebamme“

Still aus Alexander Kluges Film „Das tödliche Dreieck“ zu Tristan und Isolde

„Die ‚feuernde linke Hand‘ der Freiheit“ von Alexander Kluge

Alexander Kluge als Kind ein Zeitgenosse in 1934

Die „bunte Esse“, ein Wahrzeichen von Chemnitz

Gallery view of the Marina Abramovic' exhibition at the Royal Academy of Arts, London, from 23 September 2023 – 1 January 2024

Alexander Kluge holt Theodor W. Adorno zum Mittagessen ab. Nach einem Foto von Stefan Moses

Bearbeitung von einem Buchdruck (1596) aus der Georg Baselitz Collection

Dieses Buch beschreibt erstmals die wechselvolle Geschichte des Schauspielhauses Chemnitz in einer transdisziplinären Betrachtung von Architektur und theater-künstlerischer Praxis. Es verfolgt gleichermaßen die Entwurfsprozesse wie die Aufführungsweisen der letzten fünfzig Jahre. Neben Darstellungen der verschiedenen Spielorte und der Architektur von Rudolf Weißer werden die Raumaneignungen befragt in Gesprächen mit Theaterleuten wie Hartwig Albiro, Hasko Weber, Carsten Knödler, Gundula Hoffmann und Raj Ullrich. Weitere Theaterkonzepte erklärt Stefan Schmidtke im Kontext der Kulturhauptstadt Europas 2025.
Vor dem Hintergrund der aktuellen Interimssituation von Schauspiel und Figurentheater („Spinnbau“) wird mit der Publikation zugleich die Bedeutung und Perspektive des Theaters als vielschichtiger Kulturort für die Stadt aufgezeigt.
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ISBN 978-3-95749-567-9 (Open Access)  DOI: <a title="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" href="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" data-outlook-id="e526c996-5be6-478d-a074-ff6f174f4806">10.35287/9783957495679</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a title="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" data-outlook-id="b6230f1d-8c98-42e4-bb03-0a4b291c320e">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Zwischen Zeiten und Räumen

Schauspielhaus Chemnitz

Denken wir heute an „Zirkus“, so tauchen in unseren Köpfen gemeinhin Bilder von Artistik- und Tierdressurnummern in der Manege eines Zirkuszeltes auf. Historische Quellen, die in Archiven und Bibliotheken schlummern, zeichnen jedoch ein überraschend anderes Bild der Zirkuskunst um 1900. Die in diesem Buch versammelten Fotografien, Auszüge aus Briefwechseln, Patentschriften, Presseberichte, Bauzeichnungen und vieles mehr, bieten tiefe Einblicke in die Zirkuskultur Berlins um 1900. Sichtbare Spuren der einst erfolgreichen Zirkusgesellschaften mit ihren pompösen Gebäuden mitten im Stadtzentrum finden sich heute hingegen kaum mehr. Anhand von historischen Quellen lässt das Buch Aufführungspraxis, Architekturen, Herausforderungen und Erfolge von Zirkussen, Künstler:innen und Techniker:innen auf eindrückliche Weise zutage treten.
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ISBN 978-3-95749-565-5 (Open Access)  DOI: <a title="https://doi.org/10.35287/9783957495020" href="https://doi.org/10.35287/9783957495020" data-outlook-id="c180ea25-f06b-4836-a7c2-fc4b1261b69b">10.35287/9783957495655</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Einblicke in eine vergessene Praxis

Zirkuskunst in Berlin um 1900

Eine Generation auf der Suche

Millennials im Theater

Die 24. Ausgabe der Anthologie SCÈNE widmet sich Fragen von Geschlechtskonstruktion und genderbasierter, struktureller Gewalt. Acht Texte von Autor*innen aus Frankreich, Belgien, der Schweiz und Québec machen das Private zum Politischen – oft aus einer queeren Perspektive. Vom experimentellen Prosastück zur (nicht nur sprachlichen) Zurichtung weiblich gelesener Körper über lesbische Science-Fiction-Szenarien bis hin zu feministischen Überschreibungen klassischer Theatertexte ist dabei sowohl thematisch als auch formal große Vielfalt geboten. Gemeinsam ist allen Stücken ihr intersektionaler Ansatz: Soziale, ökologische, antikapitalistische und sexuelle Revolutionen werden zusammengedacht und auf die Bühne gebracht – mal agitatorisch-sprachspielerisch, mal performativ versponnen und mal mit fein-ironischem Humor.
 
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Neue französischsprachige Theaterstücke

In den letzten Jahren wird viel über Generationenwechsel, Generationenkonflikt, Generationengerechtigkeit und -dialog gesprochen. In diesem winterheft wird genauer nachgefragt: Geht es eigentlich um einen Generationen- oder Gesellschaftskonflikt? Auch in den Darstellenden Künsten finden und fanden in den letzten Jahren viele Umbrüche durch u.a. Generationenwechsel in den Leitungen der Theaterhäuser oder Sparten sowie in diesem Jahr innerhalb des ASSITEJ-Vorstandes und der KJTZ-Leitung statt. Dem Theater für und mit jungem Publikum ist die Begegnung verschiedener Generationen quasi per se eingeschrieben. Aber was genau ist mit dem Begriff “Generation” eigentlich gemeint? Und welche Rolle spielen in diesem Zusammenhang Altersdiversität, Adultismus und Ästhetik?
Der wissenschaftliche Beitrag des winterhefts beschäftigt sich mit der sozialen Praxis des Generation-Werdens sowie Konzepten von crip time und queer time, die normativen Vorstellungen von Zeitlichkeit widersprechen. Um das Verhältnis von jungen Menschen und Erwachsenen auf, vor und hinter der Bühne geht es in Artikeln zum Publikum, zu Theaterproduktionen und einer digitalen Bühne. Wie intergenerationelle Räume gestaltet werden können, beschreiben Praxiseinblicke in ein mehrgenerationelles Stadtensemble und die Vermittlung einer Kunsthalle. Zuletzt blicken wir auf uns selbst und laden scheidende ASSITEJ-Vorstandsmitglieder und KJTZ-Leitung zum Gespräch.
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Generation what?!

Das Arbeitsbuch widmet sich dem Intendanten und Regisseur Peter Carp. Als Schauspieldirektor in Luzern (2004–2007), als Intendant des Theater Oberhausen (2008–2017) und seit 2017 als Intendant des Theater Freiburg entwickelte er ein Theaterkonzept immer stärker aus, welches auf konsequente Internationalisierung setzte, auf ein Theater als „Weltempfänger“. Kennzeichnend für seine Arbeit war eine ausgeprägte Entdeckerlust, wie er sich generell als Förderer verstand (Simon Stone, Ewelina Marciniak, Amir Reza Koohestani, Yair Sherman, Herbert Fritsch). Das reich illustrierte Arbeitsbuch gibt Auskunft zu verschiedenen Aspekten der Arbeit des Regisseurs und Intendanten Peter Carp und versammelt Zeugnisse seiner Weggefährten.

Weltempfänger in Luzern, Oberhausen und in Freiburg

Peter Carp

Theater der Leere macht die Katastrophen des technowissenschaftlichen Zeitalters zum Ausgangspunkt für die Annäherung an das Theater und zeigt, dass die Leere im zeitgenössischen Theater mehr ist als ein bloßes Nichts. Im Gegenteil, sie ist das Potenzial und die Möglichkeit einer radikalen Transformation des Theaters selbst.
In der Hinwendung zur Leere verschränkt Kovacs Debatten über Transformation und Zukunft mit der Reflexion über die komplexe Beziehung zwischen Theater und den Naturwissenschaften und macht deutlich, dass die Theaterformen, die bislang unter dem Begriff des „Postdramatischen Theaters“ diskutiert wurden, eine Zukunft haben.
Kovacs bringt in ihrer Studie Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch zusammen und zeigt, was es bedeutet, wenn der Nullpunkt zum zentralen Energiefeld des Theaters wird. Die Studie entfaltet nicht nur überraschend neue Perspektiven, sondern legt auch bislang übersehene Linien frei, die die Arbeiten dieser vier Theatermacher:innen durchziehen und verbinden. Sie argumentiert, dass wir im ‚Theater der Leere‘ eine theatrale Grammatik entdecken können, die uns in der von Nukleartechnologie und Klimawandel bedrohten Gegenwart viel zu sagen hat.
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Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch

Theater der Leere

Neuerscheinungen im Verlag