Vorschau

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Ab und zu lässt die Regie aus dem Off warme, naturtönige Alphorn-Klänge einspielen – die Schweiz lässt von ferne grüßen. Doch „Biel am See“, eine Satire über den Kunstmarkt und die menschliche Verführbarkeit, könnte sich auch woanders abspielen. Das neue Bühnenstück des Tübinger Prosa- und Dramenautors Joachim Zelter, der es 2010 auf die Longlist des Deutschen Buchpreises schaffte, dreht sich um den fiktiven „Kunstpreis des Bielersees“. Es erzählt, wie die Aussicht auf preislichen Ruhm – und 50 000 Franken – einen Bewerber komplett verändern kann. Zum Beispiel den Künstler Richard Gontard: Er kreiert in anhaltender Erfolglosigkeit Gitterskulpturen, mit denen er auf unsere „vergitterte Existenz“ hinweisen will. Ausgerechnet er bekommt von dem Schweizer Kunstprofessor Della Mirandola die Einladung, sich für den Bielersee-Kunstpreis zu bewerben. Logisch, dass Richard diesen Mirandola als Mirakel, als Retter, als Messias empfindet. Nun beginnt aber das Elend erst richtig: Richard bewirbt sich über Jahre immer wieder – vergeblich. Er müht sich, den schwammigen Preiskriterien (u. a. „Seetauglichkeit“!) gerecht zu werden, kandidiert mit seeähnlichen Schüsselobjekten, mit riesigen Stahlbrückenköpfen und am Ende kleinlaut mit schlicht-naiver Bielersee-Malerei. Doch sosehr sich Richard auch anpasst und verleugnet, er kriegt den Preis nie – selbst in mehreren Anläufen nicht. Zelters Text bringt mit...

Zimmertheater Tübingen: „Biel am See“ (UA) von Joachim Zelter. Regie Axel Krauße, Ausstattung Odilia Baldszun und Axel Krauße

Tübingen: Alles für die Kunst

Haupt- oder Nebenrolle? Wer Melanie Lüninghöner auf der Bühne erlebt, wird diese Frage als zweitrangig einstufen. Eine Position am Rand des Geschehens bildet häufig den Ausgangspunkt ihres Spiels. Sei es als Teiresias im Freiburger „Ödipus“ (2015, Regie Felicitas Brucker), sei es als Snejana in Thomas Krupas Inszenierung von Peter Handkes dramatischen Epos „Immer noch Sturm“ (2015). Genau beobachtet sie die Szenerie. Ihr ganzer Körper lässt ihre starke innere Beteiligung einsehbar werden, bevor diese geäußert wird. Melanie Lüninghöners Figuren wissen, woher sie kommen, wenn sie ins Zentrum treten. Das ermöglicht ihr, Position zu beziehen. Häufig auf der Ebene verstörender Alterität. Da ist ihre Stimme, kehlig und tief. Ihr vibrierender Klang füllt das Große Haus in Freiburg bis zum 856. Platz im zweiten Rang aus. Klar und doch different, ambivalent in jedem Ton, mit der Fähigkeit, ein orchestrales Crescendo über die Vokale in einen leise begonnenen Satz zu intonieren. Emotional berührend. Da ist ihr Gang, ruhig und klar, jede Bewegung durchdacht; ihre Mimik, die Zuneigung und Abscheu nahezu gleichzeitig zu versinnbildlichen vermag. Und da ist, wenn sie auf ihre Mitspieler trifft, das Spiel ihrer Hände: Wenn sie als Teiresias König Ödipus gegenübersteht, streicheln ihre Hände beinahe zärtlich dessen Gesicht, um es dann...

Die Schauspielerin Melanie Lüninghöner verleiht am Theater Freiburg gebrochenen Figuren Größe

Am Rand

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Herr Wieler, Sie inszenieren nach sechs Jahren erstmals wieder am Schauspiel, und zwar ein Stück von Ihrem Intendantenkollegen Armin Petras, genauer gesagt von dessen Alter Ego Fritz Kater: „I’m searching for I:N:R:I (eine kriegsfuge)“. Es erzählt vom Scheitern der Liebe zwischen Maibom, einem Nazi-Jäger, und Rieke, die in der NS-Zeit Schuld auf sich geladen hat. Wie würden Sie die Struktur dieses Textes beschreiben? Das Stück ist sehr komplex, weil es mit so vielen verschiedenen Genres umgeht und spielt. Es ist eine Liebesgeschichte, es hat etwas von Film noir, ist aber auch eine Erzählung über die Folgen des Kriegs, über Verletzungen, die der Krieg Biografien zufügt, über die Versehrtheiten der Menschen, über Verschüttungen. Es zitiert Literatur der fünfziger, sechziger Jahre; Heinrich Böll fällt mir ein – in der nüchternen Sicht auf die Biografien dieser Zeit. Das Stück wechselt extrem in den Zeiten. Es spielt um den Jahreswechsel 1959/60, springt zurück in das Kriegsjahr 1941 und nach vorne in den Sommer 1989. Die große Zeitspanne von 1941 bis 1989 wird nicht chronologisch erzählt. Mit seinen vielen Rückblenden hat das Stück auch filmische Züge. Bei meiner ersten Lektüre war ich immer wieder neu überrascht von den Verwicklungen, die sich da auftun in diesem...

Der Regisseur und Opernintendant Jossi Wieler über Fritz Katers „I’m searching for I:N:R:I (eine kriegsfuge)“ im Gespräch mit Otto Paul Burkhardt

Gruppenbild mit Rieke

Warum Theater,

Vorgestellt hat ihn mir Sepp Bierbichler, vor vielen Jahren an der Schaubühne. Sepp sagte: Das ist der unkorrumpierbarste Filmemacher, den du dir denken kannst. Annamirl, Sepps Schwester, hatte Romuald Karmakar in jungen Jahren unterstützt. Später einmal, als der Filmkritiker Michael Althen gestorben war, schickte mir Romuald einen Kurzfilm, den er 1991 für den WDR gedreht hatte. In diesem Film sitzt Michael hinten im Auto auf der Fahrt zum Flughafen, er wird von München nach Berlin fliegen zur Berlinale, und Romuald fragt ihn aus. Dann ein Cut, dann landet ein Flugzeug, und dann sieht man Michael wieder auf dem Rücksitz im Auto, jetzt um fast fünfzig Filme reicher. Romuald will wissen, wie oft Michael eingeschlafen sei. Er antwortet mit Rudolf Thome: Schlafen im Kino heißt dem Film vertrauen. Mitte der 1990er Jahre stellte Michael die Fragen, fürs SZ-Magazin. Gerade lief „Der Totmacher“ mit großem Erfolg in den Kinos, Götz George in der Rolle des Serienkillers Fritz Haarmann. Im Gespräch ging es aber auch um die frühen Filme, um „Eine Freundschaft in Deutschland“, wo Romuald Adolf Hitler in München spielt, oder um die grandiose Söldner-Doku „Warheads“. Ob er ein besonderes Verhältnis zur Gewalt habe, fragte Michael. Romuald antwortete: Komische Frage! „Bei...

Wie ein Filmemacher die neue Volksbühne herausfordern könnte

Die Nächte des Romuald Karmakar

Meldungen

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Mohammad al-Attar, Ihre „Antigone of Shatila“ wird von syrischen Frauen aus dem gleichnamigen Flüchtlingslager in Beirut gespielt, das einst für palästinensische Flüchtlinge eingerichtet wurde und heute vor allem von Ihren Landsleuten bewohnt wird. Wie entstand das Stück? Wir haben „Antigone“ zunächst als Modell genommen, um den Geschichten dieser Frauen, die ja keine professionellen Schauspielerinnen sind, einen Rahmen zu geben. Je mehr sie dann von ihren eigenen Geschichten einbrachten, umso mehr konnten wir von der „Antigone“-Stückvorlage abrücken. Die Idee für „Antigone“ als Modell hatte der Regisseur Omar Abusaada schon vor Beginn der Arbeit in dem Lager – auch für mich als Autor war das die richtige Entscheidung, um mit den furchtbaren Erfahrungen dieser Frauen im syrischen Bürgerkrieg in einer Aufführung umzugehen. Warum „Antigone“? Das Stück war sehr geeignet als Ermutigung für die Frauen, ihre eigenen Geschichten zu erzählen. Wir wollten ihnen nichts aufzwingen. Sie hatten aus den verschiedensten Gründen Hemmungen, über ihre Erfahrungen zu sprechen, zumal öffentlich. Die meisten hatten bis zu diesem Zeitpunkt ein Theater nicht einmal von außen gesehen. Was sie durchgemacht haben, kannte ich selbst von meiner Flucht aus Syrien in den Libanon. Dass sie keinerlei schauspielerische Ausbildung haben, kann man sich angesichts der hohen Disziplin ihrer Darstellung...

Was macht das Theater, Mohammad al-Attar?

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Auf eine ganz persönliche Weise ging von Frank Hörnigk jener Wärmestrom aus, den Ernst Bloch für ein unabdingbares Element jedes gelingenden Sozialismus hielt; ihm eignete eine Unmittelbarkeit des Empfindens, der Teilnahme, der Anregung, die jeden, dem es beschieden war, in ihren Bannkreis zog. Er konnte auch aufbegehren und widersprechen, aber noch wenn er polemisierte, blieb Zuwendung die Grundhaltung. Erst spät, in jener einbrechenden Dämmerung, in der nach Hegel die Eule der Minerva ihren Flug beginnt, war der langjährige Dozent der Neueren deutschen Literatur mit Schwerpunkt DDR-Dramatik zu einer außerordentlichen Professur an der Berliner Humboldt-Universität gekommen, einem Lehramt, das sich im Wendejahr 1990 in eine ordentliche Professur verwandelte; sie unter neuen Staatsverhältnissen zu behaupten war mit Schikanen verbunden, die den Maßregelungen unter SED-Ägide verteufelt ähnlich sahen. In den siebziger Jahren hatte Hörnigk neben seiner universitären Arbeit mit der Liedersängerin Bettina Wegner zusammengearbeitet und an der literarischen Jugendzeitschrift Temperamente mitgewirkt; Joochen Laabs, der mit von der Partie war, erlebte ihn dort als den „personifizierten Kessel Überdruck, intellektuell, analytisch, gesellschaftsreflektierend“; hier wie da erfuhr er den Kältestrom des perfektionierten Obrigkeitsstaates. Peter Böthig, dem er in kritischer Lage beisprang (als das nichts half, fand er, zur Emigration genötigt, durch Hörnigk eine Anstellung in Pittsburgh),...

In Gedenken an Frank Hörnigk

Weltliebe und Kämpfertum

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Armin Petras, Sie sagten vor einiger Zeit auf einer Kleist-Tagung mit Berufung auf Norbert Elias’ „Prozess der Zivilisation“, dass die letzten drei-, vierhundert Jahre Menschheitsgeschichte, besonders in Feudalgesellschaften und dann kapitalistischen Ländern, dazu geführt haben, dass wir immer mehr unsere eigenen, individuellen Gefühle, Sehnsüchte abgeschnitten haben, damit wir in einen kapitalistischen Warenreproduktionsprozess hineinpassen. Elias beschreibt für Sie also einen negativen Prozess, bei dem das Kreatürliche des Menschen verloren gegangen ist. Ist aber Elias nicht vielmehr so zu verstehen, dass die Umwandlung sozialer Fremdzwänge in psychische Selbstzwänge eine zivilisatorische Leistung ist, die stattfinden muss, um das vorbehaltlose und gewaltfreie Zusammenleben mit anderen Menschen erst zu ermöglichen? Ich glaube, das ist eine Wertung, die Sie gerade vornehmen. Ich habe auch eine Wertung vorgenommen. Ich glaube schon, dass der Sachverhalt identisch ist, wie ich ihn beschreibe und wie Elias ihn beschreibt. Die einzige Unterscheidung ist dieses Wort „muss“, dass die Menschheit sich in eine bestimmte Richtung entwickeln muss. Da würde ich eher Giorgio Agamben folgen, der sagt: Wir müssen erst mal gar nichts. Auch Kapitalismus muss nicht sein, sondern das ist etwas, was wir mitmachen. Agamben beschreibt eine Alternative aus dem Mittelalter, nach der man sich in die Klöster zurück- und...

Armin Petras im Gespräch mit Nicole Gronemeyer

Wo ist Wir?

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Jetzt ist alles politisch

„Eraritjaritjaka“ nach Elias Canettis Roman „Die Blendung“ war eine der schönsten und tiefgründigsten Inszenierungen von Heiner Goebbels – und wurde so auch zu einer der am häufigsten zu diversen internationalen Festivals eingeladenen Produktionen. 2004 feierte sie in Lausanne Premiere und wurde nachfolgend bis 2014 in über 45 Städten auf der ganzen Welt gezeigt. Das Besondere an dieser Arbeit war die Einbeziehung der unmittelbaren Umgebung des jeweiligen Theaters, welches der Schauspieler André Wilms aus seinem Bühnenhäuschen heraus für einen Ausflug in die Wirklichkeit verließ, den die Zuschauer dann als Live-Projektion auf der Bühne erlebten. Diese Ausflüge wurden bei allen Gastspielstationen als Bestandteil der Performance gefilmt. Aus den Videos hat Heiner Goebbels nun eine Videoinstallation entworfen, die einerseits die weite Theaterreise dieser Produktion dokumentiert, andererseits aufs Schönste auch das allmähliche Altern einer wieder und wieder wiederholten Aufführung im Gesicht des Schauspielers in wechselnden Umgebungen zeigt. Die insgesamt 54 Videobildschirme – mit Aufnahmen aus Turin, Kopenhagen, Vilnius und Dutzenden anderen Städten – haben die Form eines kleinen Hauses. Alle zusammen sind wie die wundersam bewegten Fenster eines großen Hauses im abgedunkelten Ausstellungssaal im Lipsiusbau der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden zu erleben. „Es wäre hübsch, von einem gewissen Alter ab, Jahr um Jahr wieder kleiner...

„Die Provinz des Menschen“: Heiner Goebbels transferiert zwei frühere Arbeiten im Dresdner Lipsiusbau in eine großartige multimediale Installation

54 Mal Leben

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

2008 wurde Johannes Leppers Intendanz am Theater Oberhausen beendet. Er habe, so die offizielle Begründung, nicht genug in die Stadt hineingewirkt; Lepper hat dem recht überzeugend widersprochen. Mit jener kulturpolitischen Zäsur wurde auch die Kontinuität einer bedeutenden und hochproduktiven Künstlerbiografie beschnitten. Darauf spielt der Titel eines Paperbacks an – „Unfinished Play“ –, das Leppers inszenatorisches Werk en détail untersucht. Der damalige Intendant Klaus Weise hatte den jungen Schauspieler und Regieanfänger Johannes Lepper, der zunächst Steinmetz gelernt hatte, für eine erste Inszenierung von Göttingen nach Oberhausen gelotst. Von 1999 bis 2003 leitete Lepper das Schlosstheater Moers, anschließend, als Weises Nachfolger, das Theater Oberhausen. Die kontinuierliche Ensemblearbeit, das belegt die vorliegende Monografie deutlich, war für Leppers Wirken am Theater entscheidend. Er entspricht nicht dem Typus des flagranten Gastregisseurs; die beiden Intendanzen sind von entschiedenen dramaturgischen Bögen geprägt. Oft wird Lepper als politischer Theatermacher apostrophiert, allerdings fallen den Interpreten auch regelmäßig pessimistische und dunkle Züge seines Weltbildes ins Auge. Ein scheinbares Revolutionsstück wie Gorkis „Kinder der Sonne“ (Oberhausen 2004) zeugt von einer düsteren Melancholie, die die Inszenierung offenbar noch verstärkt hat. Lepper steht Beckett deutlich näher als Brecht. Dem Tragischen – oder Tragikomischen – näher als dem unbeschwerten Lustspiel. Die Produktion mit dem...

Guido Hiß, Robin Junicke, Stefan Keim, Judith Schäfer (Hg.): Unfinished Play. Johannes Leppers Theater. Athena Verlag, Oberhausen 2015, 224 S., 19,50 EUR.

Beckett im Pott

Was folgt

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Auf einer schmutzigen Matratze liegend, schaut sie zu, wie in einem automatisierten Ritornell Männer über sie hinwegsteigen. Sie bezahlen sie mit einem Schluck Schnaps aus einer halb leeren Flasche und begießen und bespritzen zu herzklabasterndem Stroboskoplicht ihren nackten Körper. Einer schwenkt das gemalte Porträt ihrer Vagina wie eine Fahne über seinem Kopf. Die anderen hissen Wimpel, als ginge es darum, die erste kollektive Matterhornbesteigung zu dokumentieren. Am Ende wickeln sie die Frau in einen schwarzen Müllsack, aus dem diese sich gerade noch mit aller Gewalt befreien kann. Ihr letzter Freier jedoch, ausgestattet mit Thermoskanne, Lieblingstasse und Butterbrotdose, stülpt ihr einen Eimer mit Blut über den Kopf, der sich über ihre Nacktheit ergießt. Er wird ihr berühmter Mörder Jack the Ripper sein. Dies sind nur einige der radikalen Bilder, die der belgische Regisseur Stef Lernous für seine Version der „Lulu“ von Frank Wedekind fand. In einer Koproduktion zwischen dem Theater Oberhausen und dem von Lernous mitbegründeten Abattoir Fermé im belgischen Mechelen wird die „Monstre-Tragödie“ der Lulu zur Originalmusik des legendären Londoner Trios The Tiger Lillies noch einmal neu verhandelt. Zu Beginn liegt die Schauspielerin Laura Angelina Palacios (siehe auch Look Out S. 34) mit der Blässe einer Wasserleiche auf einem abgesägten...

Theater Oberhausen: „Lulu. Eine Mörderballade“ von The Tiger Lillies nach Frank Wedekind. Regie Stef Lernous, Bühne Sven van Kuijk, Kostüme Marina Sell Cajueiro

Oberhausen: Im Rudel

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Hundert Jahre alt wird Dada 2016, hundert Jahre ist es im Februar her gewesen, dass Hugo Ball und Emmy Hennings in Zürich das Cabaret Voltaire eröffneten. Und mögen die Veranstaltungen und Publikationen ins Unüberschaubare wachsen, die für das Dada-Jahr zu erwarten sind: In einer Zeit, in der so mancher das Duchamp’sche Pissoir wieder an seinen ursprünglichen Aufstellungsort zurückführen möchte, kann die Erinnerung daran nicht schaden, was Dada, pardon, „bedeutet“. Schließlich wäre ein Großteil auch der interessantesten Theaterarbeiten, die man heute sehen kann, nicht denkbar ohne den Slogan „Jekami“ (Jeder kann mitmachen), den die Dadaisten einst ausriefen. Überhaupt: Blättert man heute in den Tagebüchern des anfangs ja als Dramaturg tätig gewesenen Hugo Ball, ist man immer wieder erstaunt über die Frische der Aufzeichnungen und Bemerkungen zum Theater – je nachdem allerdings auch ein wenig entmutigt. „Als ich im März 1914 den Plan eines neuen Theaters erwog, war dies meine Überzeugung: Es fehlt eine Bühne der wahrhaft bewegenden Leidenschaften; ein jenseits der Tagesinteressen experimentierendes Theater.“ Man kann es durchaus ernüchternd finden, dass solche Sätze auch heute noch zu jeder ernst zu nehmenden Theaterbiografie gehören. Aber auch Balls Wahrnehmung der zwischen Dauerkrise und Ermattung schlingernden westlichen Gesellschaften des Jahrhundertbeginns kommt einem unangenehm vertraut...

Ein Jahrhundert Jekami

kirschs kontexte: Alle Kinder sagen Dada

Die Nachricht vom Tod Frank Hörnigks: ein Schock. Sie wirkt irreal: zu prägnant waren seine Persönlichkeit, sein Charme, seine Kompetenz, die Neugier und sein Engagement, sein Humor, sein staunenswerter Optimismus, mit dem er bis zuletzt einfach „da“ war – wie selbstverständlich. Das sagten mir alle, die ich in den letzten Tagen traf und auf Frank ansprach. Sein Tod unterbricht auf schmerzhafte Weise die Selbstverständlichkeiten des Alltags – meine Gedankenlosigkeit, die immer das Beste mutmaßt, solange man es nicht besser/schlechter weiß. Ich lernte Frank in den Wirren des Wende genannten Geschichtsrutsches kennen und sofort schätzen. Durch Heiner Müller wusste ich, dass er sich im Reclam-Verlag um eine Müller-Ausgabe bemühte, die – als Lesebuch getarnt – das essayistische Werk des Meisters geballt vorstellen sollte. Wie so vieles damals kam auch dieses Buch „Heiner Müller Material“ zu spät, aber wir merkten: den Bogen spannen, dazu war Frank willens und auch fähig. Ich bemühte mich damals um die Transformation eines kleinen unabhängigen Bühnenvertriebes namens Autoren-Kollegium in die neue Zeit, dem der letzte DDR-Kulturminister Herbert Schirmer eine Adresse mit symbolischem Gehalt geben wollte: Clara-Zetkin-Straße 90, dort befand sich die Hauptverwaltung Verlage und Buchhandel, in realita: Dort war der Ort der Literaturzensur in der DDR. Jedes...

Gegen die Wegnahme von Geschichte: Zum Tod Frank Hörnigks

Erfinder und Entdecker

März 2016

Premieren

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Wo ist denn hier der Himmel? Von dem heißt es in Brechts „Baal“ schließlich, er sei „so groß und weit und fahl / blau und nackt und ungeheuer wundersam“. Selbst Rainer Werner Fassbinder schwankt zu diesen Zeilen in Volker Schlöndorffs Verfilmung von 1969 in speckiger Lederjacke, Kippe im Mundwinkel, über irgendeinen öden Feldweg – nur den Himmel noch als trunkselig bösen Bundesgenossen. In der Leipziger Inszenierung von Nuran David Calis aber gibt es keine Fluchtwege mehr für Baal, auch nicht in den Himmel, dafür hat Irina Schicketanz mit ihrem Bühnenbild gesorgt. In gewisser Weise nimmt sie damit Fassbinders Anti-Theateransatz auf, nur eben auf wundersame Weise artifiziell. Natur ist Lüge!, das signalisiert ihr Bühnenbild, das Baal in eine Anstaltsszenerie versetzt. Eine unerträgliche Enge herrscht hier. Lauter Wände, die die Bühne in eine Art Zelle verwandeln, oder Schlimmeres noch, worauf die kalten Kacheln an Wänden und Boden deuten: in ein Schlachthaus! Seit zwölf Jahren arbeitet Irina Schicketanz fast ausschließlich mit Nuran David Calis zusammen, den sie als Absolventen der Otto Falckenberg Schule in München kennenlernte. Der ständig zwischen Fremdheit und Anverwandlung oszillierende Blick des jungen Regisseurs mit den armenischtürkisch-jüdischen Wurzeln war ihr nah. Mit „Baal“ beschlossen sie, die Künstlichkeit auf die Spitze...

Leben bedeutet in den Bühnen von Irina Schicketanz, auf archaische Weise beschriftet zu werden

Weiße Flecken

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Der 2004 veröffentlichte Roman (auf Deutsch 2007 bei Suhrkamp) gilt heute als einer der Meilensteine der neueren ukrainischen Literatur und der postsowjetischen Ära insgesamt. Auf den ersten Blick wird nicht gleich offenbar, dass „Depeche Mode“ doch vor allem von einer wodkatrunkenen Suche dreier Freunde mit den schon alles übertreibenden Namen Dog Pawlow, Wasja Kommunist und Erzähler Zhadan handelt, die ihren Kumpel Sascha Zündkerze (im Original „Vergaser“) suchen, wobei es sie durch eine vollkommen entregelte Welt der frühen neunziger Jahre in der Industriestadt Charkiw treibt. Dort, im ukrainischen Charkiw, sind bislang alle Bücher des Autors angesiedelt. Was man neutral Transformationsgesellschaft nennt, zeigt sich hier als taumelnder Wodkaschmuggel und wüste Reise durch die in Trümmern liegende Sowjetgesellschaft. Serhij Zhadans Setzungen sind allerdings, so beiläufig sie daherkommen, subtil und voller Brisanz. Die Freunde sind nämlich nicht irgendwelche Penner, sondern praktisch über Nacht aus der sowjetischen Mittelschicht entwurzelte Kinder, die in der sich gerade auflösenden Erwachsenenwelt ihren eigenen Platz finden wollen. Dabei sammeln sie beispielsweise aus einer kaputten Fabrik eine Büste von Wjatscheslaw Molotow auf, der als Sowjetfunktionär heute als für die ukrainische Hungerkatastrophe der dreißiger Jahre verantwortlich gilt – von vielen Historikern inzwischen als Genozid unter dem Begriff „Holodomor“ eingestuft. Der Bronzekopf hätte...

Mit der Adaption von Serhij Zhadans Kultroman „Depeche Mode“ in Charkiw gelingt die Verbindung von Pop und politischer Kritik

Taumelnder Wodkaschmuggel

Reisen. Das ist doch etwas, was Menschen tun. Fluchtgeschichten als Reisegeschichten zu missverstehen, das ist trotzdem nichts, was „Illegale Helfer“ tut. Das Hörspiel von Maxi Obexer, unter der Mitarbeit von Lars Studer in dreijähriger Recherchearbeit entstanden, 2015 in der Regie von Martin Zylka für den WDR realisiert, kommt aber immer wieder auf jenen Punkt scheinbar naiver Pragmatik zu sprechen. Scheinbar naiv, weil reisen etwas ist, das nicht Menschen tun, sondern das einige Menschen tun können. Pragmatik, weil die illegalen Helfer, mit denen Obexer und Studer die Interviews führten, auf deren Basis der Text entstand, aus einem Notstand heraus zielorientierte Handlungsweisen erfinden. Bei der Uraufführung am Schauspielhaus Salzburg stehen neun Schauspieler/-innen in einer Reihe frontal zum Publikum. Alle tragen schwarze Kapuzenpullis und werden nur dann angeleuchtet, wenn sie sprechen. Die Bühne ansonsten leer, an der Rückwand Projektionen eines Kunstprojektes von Peter Baldinger und Konrad Winter, 2015 in der zur Notunterkunft gemachten Bahnhofsgarage Salzburg entstanden. In der Inszenierung von Peter Arp ist alles auf Verständnis ausgerichtet. Nur mittels reduzierter Gesten unterstreichen die Schauspieler/-innen ihr Gesagtes und differenzieren sich so voneinander. Der Tonfall ist gleichbleibend laut. Acht der neun Schauspieler/-innen haben Sprechpositionen von real existierenden Menschen inne. Eine Studienrätin, ein Verwaltungsrichter, eine Aktivistin....

Schauspielhaus Salzburg: „Illegale Helfer“ (UA) von Maxi Obexer. Regie Peter Arp, Video Beda Percht, Kostüme Isabel Graf

Salzburg: Nicht unterlassene Hilfeleistung

Derman sendedir

Der Satz ist eine oft ausgesprochene Zumutung, ein Imperativ der Unmöglichkeit: „Sei doch nicht so.“ Sei nicht so, wie du bist, heißt das. Sei so, wie ich, wie wir, wie die Gesellschaft dich haben wollen. Benimm dich. Funktioniere. Fast jeder hat diese Aufforderung schon einmal ausgesprochen, als Ultima Ratio der Kindererziehung oder als Stoßseufzer im Streit. Auch in Henriette Dushes Bühnenexperiment „In einem dichten Birkenwald, Nebel“, das jetzt am Landestheater in Detmold zur Uraufführung kam, fällt dieser Satz. Nur einmal zwar. Doch eigentlich steckt in diesen vier Wörtern alles, worum es geht. Sei doch nicht so: nicht unglücklich, nicht schwermütig, nicht zweifelnd, nicht ungerecht. Sei gefälligst glücklich, man muss das schließlich nur wollen. Gib dir einen Ruck. Irgendwo wird sich ein Sinn des Lebens schon finden lassen. Von dieser Seidoch-nicht-so-Ideologie leben die ungezählten Ratgeber, die Meter um Meter die Regale in den Buchhandlungen füllen, aber auch spirituelle und weltliche Sinnstiftungsangebote von Religion bis Revolutionsromantik. Die „Bühnenelegie für drei Spielerinnen und einen Männerchor von drei Stimmen“, wie Dushe ihr Stück im Untertitel genannt hat, probiert eine klare Antwort darauf: Nein. „Wie schön bist du / Freundliche Stille, himmlische Ruh“: Regisseur Malte Kreutzfeldt hat Franz Schuberts Ode an die Nacht zum Leitmotiv...

Landestheater Detmold: „In einem dichten Birkenwald, Nebel“ (UA) von Henriette Dushe. Regie und Ausstattung Malte Kreutzfeldt

Detmold: Das Recht auf Schwermut

Sie wäre gern die Frau von Motorrad-Stuntman Evel Knievel. Davon träumt Cathy Heyer im tristen Stockport der späten 1970er Jahre. Ein furchtloser Kerl, der sie aus der Enge befreit – nicht umsonst quatscht sie den jungen John Conolly vor der Haustür ihrer Mutter an: Kajal-umrandete Augen, schwarzer Trench, ein Hauch von Postpunk-Neowave-Gefährlichkeit und weiter Welt umgibt ihn. Cathy, die Göre im kurzen Röckchen, beobachtet ihn, seit er nach Reddish gezogen ist. Er behauptet, er verteile Flugblätter für Margaret Thatcher. So absurd es heute klingen mag, dass ein junger Mann wie er für die Konservativen wirbt, so verständlich wäre doch der Wunsch nach Veränderung 1979. In diese düstere Zeit platziert Simon Stephens sein neuestes Stockport-Stück. Sogar die Totengräber streiken, der Müll türmt sich in den Straßen, und die Arbeitslosigkeit hat ihren Höchststand seit 1939 erreicht. Der Kohlenpott bei Manchester lässt keinen Raum für große Sprünge. Cathy ist 17, hat bereits eine kleine Tochter, deren Vater sie nicht benennen kann, und wohnt bei ihrer Mutter Susan, während sie versucht, die Schule zu beenden. Nebenbei arbeitet sie in einer Metzgerei; der Fleischgeruch geht mit Oil of Olaz am besten weg, erzählt sie John. Die desillusionierende Enge von Stephens’ Figuren setzt Bühnen-Altmeister Wilfried Minks...

Theater Kiel: „Blindlings“ (DSE) von Simon Stephens. Regie Ulrike Maack, Bühne Wilfried Minks, Kostüme Irmgard Kersting

Kiel: Medea von Stockport

Die Stress-Knoten auflösen

Tdz on Tour

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Einst nannte man Rostock das Bayreuth des Nordens. Das war noch vor 1900, als die Wagner-Sänger probesingend die Ostsee entdeckten. Inzwischen ist die Ostsee hinreichend entdeckt – aber das einstige Bayreuth des Nordens scheint längst vergessen. Mit dem Argument, dass Rostock auch eine Operntradition besitzt, hat Volkstheater-Intendant Sewan Latchinian, wie kein Zweiter in Rostock, für den Erhalt der Sparten Oper und Tanz gestritten. Denn von solch gegenseitigen Verstärkereffekten lebt ein modernes Vierspartenhaus. Nun aber hat Rostocks Oberbürgermeister Roland Methling, der im vergangenen Jahr mit herrischer Geste Latchinian wegen seines nicht aufhörenden Beharrens auf der Musiktheatersparte den Stuhl vor die Tür stellte und ihn dann, auf Beschluss der Bürgerschaft und nach heftigen Bürgerprotesten, kleinlaut wieder hereinholen musste, den ultimativen Irrsinns-Coup gelandet: Das Volkstheater soll Opernhaus werden, das Schauspiel wird ab 2018 eingestellt. Welch bösartige Schildbürgerei! Warum aber will er die lange Schauspieltradition des Volkstheaters handstreichartig beenden? Weil dies der einzige Weg sei, so Methling, „hochwertiges Theater und einen Neubau auf Kurs zu halten“. Wie verlogen geht es eigentlich zu in einer Stadt, deren Oberhaupt erklärt, man müsse das Schauspiel schließen, um es „hochwertig“ zu erhalten? Wo es dann doch gar nicht mehr existiert? Am 18. Dezember 2015 deutete sich das neuerliche...

Das Rostocker Volkstheater soll nun plötzlich Opernhaus werden

Bösartige Schildbürgerei

Bühnenbilder und Recherchematerialien

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Samstagmorgen, zehn Uhr, im noch leeren Saal der Kammerspiele des Deutschen Theaters. Ein schwerer Herrenduft liegt in der Luft, vermischt mit Weihrauch. Vier junge Menschen auf dem Podium diskutieren bereits. Wenngleich das Quartett in einer Fantasiesprache spricht, wird schnell klar: Es geht ums Theater, um seine Geschichte und Funktion. Das Grundproblem des (Stadt-) Theaters konstruieren die Performer/-innen von Talking Straight, die hier die künstlerische Dienstleistung „rescue remedy“ erbringen, mithilfe einer Gebäckmischung: Mittig stehe das „Theat“, außen herum, kreisförmig und mit größerem Abstand, die Gesellschaft. Aus der Menge schaffen nur wenige den Eintritt in das Zentrum der „Elitshumen“. Wer Inklusion erfahre, bestimme das Innen, dessen Existenz von der Exklusion jenes Außen abhänge. Wie soll dieses „Theat“ die Gesellschaft repräsentieren? Talking Straight hauen einfach einmal kräftig drauf auf ihr Keksmodell, lassen dann im Video Köpfe diverser (stellvertretender Disney-)Protagonistinnen rollen, um anschließend unter der musikalischen Maßgabe „alors on danse“ das Publikum zu animieren, den Saal zu verlassen. Kampf den „Megaegos“! Mit dieser erfrischend-frechen ästhetischen Intervention mahnten Talking Straight den Dramaturgen-Berufsstand zur kritischen Selbstbefragung und präsentierten zugleich den komplexen Gegenstand der diesjährigen Jahrestagung in nuce. Unter dem Titel „Was tun. Politisches Handeln jetzt“ galt es, an vier Tagen zusammenzukommen, um über Handlungsspielräume und Wirkungspotenziale...

Zwischen Keksmodell und Artivismus – Die 60. Jahrestagung der Dramaturgischen Gesellschaft diskutiert Handlungsspielräume von (Stadt-)Theater in Zeiten globaler Krisen

Was tun? Nichts tun?

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Die fetten Jahre sind vorbei, die Euphorie ist verflogen. Vom einstigen Revolutionskämpfer Antoine (Oliver Firit) scheint nur noch ein Wrack übrig zu sein. Sein Besitz erweist sich als spärlich: ein aufgeplatzter Ledersessel, eine Marx-Büste, ein versifftes Waschbecken – dies alles verrottet in einer alten Industriehalle, die noch von besseren Zeiten künden mag. Sie markiert den architektonischen Tiefpunkt einer Geschichte über große Träume, Leidenschaft und Verrat. Axel Vornam hat mit seiner Inszenierung von Heiner Müllers „Der Auftrag“ (1979) am Theater Heilbronn ein Drama gewählt, das angesichts eines zu zerbrechen drohenden Europas und fehlender politischer Visionen kaum aktueller sein könnte. Anstelle einer Aktualisierung liefert der Regisseur eine zeitlose Schau auf die Irrungen der menschlichen Tragödie, an deren Anfang auch in diesem Fall eine Utopie steht: Als Antoine, Galloudec (Anjo Czernich) und Debuisson (Stefan Eichberg), drei Missionare der französischen Revolution, in die Karibik reisen, um dort die Sklaven zu einem Aufstand zu bewegen, steht das Unterfangen bald auf wackeligen Beinen. Denn mit dem Siegeszug Napoleons verliert der Auftrag seine Gültigkeit. Und auch im Trio tun sich Zweifel an der Sinnhaftigkeit des Unternehmens auf. Orientiert an Müllers Collage, die statt auf eine lineare Handlung auf fragmentarische Einzelszenen und Retrospektiven setzt, zeigen sich die Stärken...

Theater Heilbronn: „Der Auftrag. Erinnerung an eine Revolution“ von Heiner Müller. Regie Axel Vornam, Bühne Tom Musch, Kostüme Cornelia Kraske

Heilbronn: Die Aporie der Geschichte

Kleist ist der ideale Gefährte im Geiste, wirft man sich mit höchster poetischer Traumwucht der schnöden Realität entgegen. Ein Souverän der „hochgespannten Situation“, der das Schneidende im Paradox jederzeit fühlbar zu machen versteht. Alexander Weigel, viele Jahre Dramaturg am Deutschen Theater Berlin, einer jener klarblickenden Intellektuellen in der DDR, die die akademische Kaderschmiede instinktiv mieden und das Theater als Laboratorium der Zukunft suchten, hat immer beides im Blick, den Text und den Schauspieler, die Interpretation und das sich von dieser wieder emanzipierende Spiel. Er war Dramaturg bei Adolf Dresen und Heiner Müller, stand im Gedankenaustausch mit Wolfgang Heise, den Wolf Biermann seinen „DDR-Voltaire“ nannte und hinzufügte, er sei wohl der einzige echte Philosoph in der DDR gewesen. Der einzige wohl nicht, aber richtig ist: Die Denker – das ist bis heute so geblieben – tauchen immer da ab, wo Ideologie sie allzu sehr bedrängt, und da wieder auf, wo Bedrängnis (die ja nicht aufhört) fruchtbar zu werden verspricht. Unter anderem am Deutschen Theater der 1960er bis 80er Jahre. Weigel also hatte Kleist immer im Doppelblick, zwischen Schiller und Lessing, Büchner, Brecht und Müller. Nun hat Alexander Weigel verschiedenste Texte zu Kleist, theaterpraktische, aber auch eher grundsätzliche und polemische, in dem...

Alexander Weigel: Das imaginäre Theater Heinrich von Kleists. Vorträge, Theatertexte, Aufsätze. Reihe „Heilbronner Kleist- Studien“, Kleist-Archiv Sembdner, Heilbronn 2015, 296 S., 20 EUR.

Marionette sucht Maschinisten

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Es ist ein Kreuz: Einerseits kann das Vorhaben, Lutz Seilers „Kruso“ auf die Bühne zu bringen, nur enttäuschen. Auf dem Weg zwischen den knapp 500 Seiten des Romans zur Bühne wird immer etwas verloren gehen. Andererseits: Besucher sehen auf der Bühne eben gern, was jüngst die Belletristikleser-Seelen bewegte. Theater wollen zeigen, dass sie am Puls der Zeit sind. Kritiker, dass sie fleißig lesen. Jetzt also – nach Magdeburg und Gera – der dritte „Kruso“ dieser Spielzeit, diesmal in Potsdam. 2010 brachte hier Intendant Tobias Wellemeyer Uwe Tellkamps „Der Turm“ heraus, ein Kassenschlager, der dem Theater noch heute als Dauerausweis seiner Auseinandersetzung mit der DDR-Vergangenheit dient. Jetzt bekommt er durch „Kruso“ Verstärkung. Die Umsetzung hat der Schweizer Elias Perrig besorgt, der in Roland Schimmelpfennigs „Das schwarze Wasser“ zeigte, wie man leichthändig und gedankenschwer zugleich sein kann. Auch von Lutz Seiler lässt sich Perrig die Leichtigkeit nicht austreiben. Für das Bedeutungsschwangere ist hier vor allem die Bühne (Marsha Ginsberg) zuständig: hohe, festungsartige Wände, die in der Tiefe spitz aufeinandertreffen wie ein Schiffsbug, keine Fenster. Eine Trutzburg. Raus wird man später nur nach vorne kommen, über den Zuschauersaal. Aber erst einmal lässt sich Ed (Holger Bülow), der junge Germanistikstudent, der vor seinem Unglück...

Hans Otto Theater: „Kruso“ von Dagmar Borrmann nach dem Roman von Lutz Seiler. Regie Elias Perrig, Ausstattung Marsha Ginsberg

Potsdam: Hauptsache hier, Hauptsache weg

Personen maibom rosa, helene, rieke (ein und dieselbe person) milena julie (16) der junge mann eine leiche 1/ anfang dezember 1959/ berlin-west (huxleys) sassen im bett rauchten juno/ erzählten uns sachen von früher/ rieke lachte oft und dann weinte sie wieder weil ich sie verlassen würde/ verlassen allein im verregneten november immer noch nicht wusste ich ob ihre haare gefärbt waren dabei kannten wir uns nun schon das siebte jahr/ es war nicht das verflixte geworden sondern ein wunderschönes next year i wanna marry you jahr/ wieder heulte sie aber wer wird schon schlau aus frauen/ ich nicht mehr dachte ich und schnallte mein bein an/ draussen mischte sich der regen mit ersten schneeflocken die tochter des hausmeisters klopfte/ ihr wagen steht vor der tür herr maibom danke julie sagte ich/ ihr pulli ist zu eng was sagst du ihr pulli viel zu klein hast du ihre brüste nicht gesehen/ der vater ist ein geizhals und ein säufer/ was soll ich dir mitbringen aus brasilien ja einen stein es soll dort wunderschöne steine geben für den ring verstehst du/ klar/ hoffentlich krieg ich ihn durch den zoll/ liebst du mich überhaupt noch schatz/ was soll das/ wenn du mich liebtest...

I’m searching for I.N.R.I. (eine kriegsfuge)

„Is my future all in the past“

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Herr Hochhuth, vor fast 25 Jahren entstand Ihr Stück „Wessis in Weimar. Szenen aus einem besetzten Land“, das materialreich die Verfehlungen der Vereinigung anprangerte. Wie sehen Sie das Land heute? Es gibt zwei Sachen, die auch heute noch fehlen: Wir sind als Land nicht souverän. Und nach wie vor steht das Recht auf Arbeit nicht im Grundgesetz. Schon Bismarck wollte das Recht auf Arbeit durchsetzen – und ist damit im...

Der Schriftsteller und Dramatiker Rolf Hochhuth wird 85. Ein Gespräch mit Thomas Irmer und Cornelia Klauß

Aufruhr in Permanenz

Open Table: Uncanny Valley

Kiew, im Dezember 2015. Der Maidan, einst Schauplatz des Ringens um Europa, liegt verlassen da. Nur die hinter einer riesigen Baufolie versteckte ausgebrannte Fassade des einstigen Gewerkschaftshauses schräg gegenüber dem Hotel Ukraina, in dem die auswärtigen Teilnehmer des von der European Theatre Convention (ETC) organisierten Austauschprogramms „Theatre, Freedom, Dialogue: European Networking with Theatres in Ukraine and Belarus“ untergekommen sind, weist auf die Kämpfe im Winter und Frühjahr 2013/14 hin. Der Blick vom Hotelfenster aus auf den Platz ist dramatisch aufgeladen: Hinter einigen der Fenster lauerten Scharfschützen, die in die Menge schossen. Anderthalb Jahre später beherrscht friedlicher Alltag das Areal. Manch Aktivist des Maidan ist an den alten Arbeitsplatz zurückgekehrt. Jewgeni Nischtschuk, einst offizieller Sprecher des Maidan, ist nach einem zwölfmonatigen Intermezzo als Kulturminister der Ukraine wieder als Schauspieler in Kiews erstem Haus, dem Nationalen Akademischen Drama-Theater „Iwan Franko“, tätig. In diesem imposanten neoklassizistischen Bau mit der gleichfalls eindrucksvollen Personalausstattung von 1500 Angestellten spielt er gegenwärtig die Titelrolle in August Strindbergs Königsdrama „Erik XIV.“ Im postsowjetischen Kulturraum hat das Stück wegen Jewgeni Wachtangows Inszenierung in den ersten Jahren nach der Oktoberrevolution Kultcharakter. Stanislaw Moissejew, Regisseur der aktuellen Kiewer Fassung und künstlerischer Leiter des „Iwan Franko“, versteht das Stück um einen anfangs...

Zwischen Restauration, Revolution und den Herausforderungen des Krieges im Osten: das Theater in der Ukraine

Theater für den Dialog

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Zunächst möchte ich dem intellektuellen Hintergrund, dem Sebastian Martins Bühnenadaption von Martin Scorseses „Taxi Driver“ unterliegt, einen Ort bieten: „Das Jenaer Theaterhaus“, so heißt es im Ankündigungstext, „stellt sich in der Inszenierung, 40 Jahre nach der Filmpremiere, die Fragen: Wie allein ist der vermeintliche Einzelgänger wirklich, wenn die Werte, auf die er sich beruft, jedem Bürger einer parlamentarischen Demokratie zur Ehre gereichen? Wieviel Travis steckt im Wutbürger des Jahres 2016? Wieviel Mobilisierungspotenzial schwelt in unserer Gesellschaft? Was geht in den Köpfen all jener vor, die ‚ihre‘ Werte in Gefahr sehen? Die das Recht selbst in die Hand nehmen wollen, weil es vermeintlich niemand tut?“ Für sie ist der Rechtsstaat jedenfalls nicht mehr die zuverlässige Instanz, die dem „bösen Treiben“ ein Ende setzt. Damit ist der Themenbogen gezeichnet: die Radikalisierung eines einzelnen Individuums als Reaktion auf eine unübersichtliche Gesellschaft, die ihm Angst macht. Das Intro der Inszenierung kommt erst einmal banal herüber. Die vier Schauspieler repetieren die Routen in der Stadt Jena. Straßen werden in Windeseile abgefragt. Das Wissen um das Straßennetz ist Bedingung für die Erteilung eines Taxischeins. Doch schnell kommt die Inszenierung in Rage. Ratternd werden Texte von Schwerverbrechern, wie die des Norwegers Anders Breivik, ins Bewusstsein gerufen (Textfassung...

Theaterhaus Jena: „Taxi Driver“ von Diana Insel und Sebastian Martin nach Motiven von Paul Schrader und Martin Scorsese. Regie Sebastian Martin, Ausstattung Kaja Bierbrauer

Jena: Angry Driver

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Roh und wild. Frz. brut. Der Wiener Spielstätte, die vormals als dietheater seit 1989 der Ort für die österreichische Performanceszene war, sind die Adjektive also schon in den Namen eingeschrieben. 2007 wurde sie als brut zum international ausgerichteten Koproduktionshaus. Thomas Frank und Haiko Pfost, die beiden Neugründungsintendanten, haben für die große Bühne im Künstlerhaus und die kleine im Konzerthaus nicht nur Performance, Tanz und Theater programmiert. Roh und wild waren auch die Konzerte und Partyformate. Mit Beginn der Spielzeit 2015/16 hat sich im Theater-Wien einiges geändert. Neue Intendanzen am Volkstheater, am Schauspielhaus und auch am brut: Kira Kirsch, zuvor leitende Dramaturgin beim Festival steirischer herbst, ist neue künstlerische Leiterin. „Wir haben nicht die Tür aufgesperrt und alles ist fix und fertig – wir wollen immer wieder Neues ausprobieren.“ Vieles hat aber bereits eine andere Form bekommen. Der Internetauftritt, das Weniger an Partys, das Mehr an Klarheit, die Übersichtlichkeit der Formate und die Umgestaltung der Bar versprechen eine neue Lesart des Eigennamens. Herb, also sehr trocken, das kennzeichnet den strengen Chic der veränderten Atmosphäre. Der Eröffnungsabend selbst, „We’ve only just begun. Un-mapping the beginning“, war dann aber nochmal als rohes und wildes Ungetüm angelegt. Mehr als 30 Kunstschaffende, solche, die...

Unter der neuen Leiterin Kira Kirsch positioniert sich das brut in Wien als Theaterhaus, das in einem intensiven Dialog mit der Stadt steht

Stößchen!

Die Stimmung im Stuttgarter Talkessel ist unruhig. Nervös. Etwas aufgeregt. Die gigantische Baustelle am Hauptbahnhof, der gedreht und unter die Erde verlagert werden soll, wächst und wuchert immer mehr. Der Verkehr steht auf Jahre hin kurz vor dem Kollaps, und die immer neuen Wegeführungen im Bahnhof werden umbaubedingt länger und länger. Die grünrote Landesregierung hat den Volksentscheid für das S21-Projekt längst ausdrücklich akzeptiert – Ministerpräsident Winfried Kretschmann besiegelte dies mit dem berühmten Wort „der Käs isch gessa“. Doch die Gegner lassen nicht locker, bei der 300. Montagsdemo im Dezember wurden zwischen 3000 und 5000 Menschen gezählt. Und am Staatsschauspiel? Auch da ist die Stimmung etwas unruhig. Blenden wir kurz zurück: Armin Petras ist vor dreieinhalb Jahren von der Theatermetropole Berlin nach – wohin bitte? – ja, Stuttgart gegangen. Es war ein großer Start, ein vielversprechender auch. Petras erkundet seither die Stadt mit einem jungen, ästhetisch risikobereiten Team und füllt das Haus gleichzeitig mit konsensfähigen Inszenierungen, bei denen er prominente Ensemblemitglieder wie Edgar Selge, Peter Kurth und Gäste wie Fritzi Haberlandt, Corinna Harfouch, André Jung und Joachim Król einsetzt. Der Erfolg kam prompt: zwei Einladungen zum Berliner Theatertreffen, jeweils eine weitere zu den Mülheimer Theatertagen und den Wiener Festwochen, belobigte Schauspieler...

Einen „künstlerischen Unruheherd“ nennt ihn die Kulturpolitik – und verlängerte Armin Petras’ Vertrag als Intendant des Schauspiels Stuttgart vorzeitig. Eine Zwischenbilanz

Schaffe, schaffe

Stumm und nackt. Kann man so eine abendfüllende Rolle, Frank Wedekinds Lulu in der Musicalversion der Tiger Lillies, spielen? Ein Auftritt ohne Kostüm, ohne Maske, fast ohne Text, ist das nicht beinahe so, als würde man ohne Seil und Pickel das Matterhorn besteigen? Tollkühn, schutzlos, ganz und gar ausgesetzt? Die 28-jährige Laura Angelina Palacios gibt zu, es fühle sich zunächst „kühl und komisch“ an. Vor 400 Zuschauern nackt aufzutreten, sei an sich schon eine verrückte Vorstellung. Aber man vergesse es dann. Und was den fehlenden Text betrifft, so könne man sich ja auf seinen inneren Monolog zurückziehen. Wie man sich den wohl vorstellen muss? Lulu, die geschundene, verherrlichte, vielfach ausgebeutete „Urfrau“, wie Palacios sie nennt, als nackte Projektionsfläche – diese Setzung des belgischen Regisseurs Stef Lernous habe ihr sofort eingeleuchtet. Und sie habe spontan Vertrauen gehabt, sonst hätte sie diese Aufgabe ablehnen müssen. Das kleine Wunder dieses Oberhausener Theaterabends liegt darin, dass man Lulus Nacktheit tatsächlich nicht als Effekt, als Provokation empfindet, sondern als ganz natürlich, und die Ursache dafür ist die, dass Palacios die gängigen Klischees eines Vamps verschmäht. Bei aller Schamlosigkeit hat diese Figur etwas Unschuldiges, Selbstvergessenes. Sie raucht, sie tanzt exzessiv zu wilder Musik, sie verhüllt ihre...

Selbstvergessen und natürlich: Die Schauspielerin Laura Angelina Palacios am Theater Oberhausen

Die Maximalbegabte

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Buhrufe bei den Premieren, Zuschauerzahlen, die leicht sinken – nicht immer oder, besser gesagt: immer seltener bewahren Kulturpolitiker in einer solchen Situation einen kühlen Kopf. In Stuttgart indes ist das anders. Während sich Schauspielintendant Armin Petras auch in seiner dritten Spielzeit noch durch die wechselüblichen Phasen des Federnlassens manövriert, wie unser Korrespondent Otto Paul Burkhardt berichtet, hat die Stadt seinen Vertrag vorzeitig bis 2021 verlängert. Einen „künstlerischen Unruheherd“ nennen ihn...

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