Tim Behren, gerade sind Sie auf Tournee in Großbritannien mit Ihrer Kompanie Overhead Project. Wie läuft es? Und wie anders ist das britische Publikum? TB: Wir sind in Manchester, Bristol und London unterwegs, wo wir jeweils zweimal spielen. Wir geben zudem Workshops und Lectures und kommen auf diese Art in einen Austausch. Das Publikum ist tatsächlich anders, sehr gesprächig und euphorisch und sucht auch nach der Vorstellung den direkten Kontakt. Was wir aus Deutschland gar nicht kennen, ist, dass man auch gleich um Autogramme gebeten wird. Außerdem habe ich festgestellt, dass hier in Großbritannien die ganze Kulturlandschaft um einige Schritte weiter ist, was Diversität, Zugänglichkeit und Antirassismusarbeit sowie das Kreieren von Safer Spaces angeht. In Köln wird es im Mai die mittlerweile vierte Ausgabe des CircusDanceFestival geben. Ich vermute, diese vierte Ausgabe wird noch größer, prächtiger, schöner und vielfältiger als die vorherigen? TB: Auf jeden Fall! Es wird eine große Ausgabe, was natürlich auch daran liegt, dass die Kulturstiftung des Bundes dieses Jahr mitfördert. Dadurch konnten wir die Anzahl der in das Programm aufgenommenen Arbeiten erhöhen. Es sind jetzt 26 internationale Bühnenarbeiten in 34 Vorstellungen, unsere Sonderprojekte wie das VOICES Magazin und unsere Hochschulprojekte laufen weiter. Und wir haben dieses...

Im Gespräch mit Tom Mustroph

Was macht das Theater, Tim Behren?

Ressource Bühnenbild

Ein Siebenjähriger sitzt in seinem Kinderzimmer in Australien und hört auf Bitten seiner Großmutter eine Schallplatte an. Es ist Puccinis „Madama Butterfly“. Der Junge ist von dieser Musik erschrocken, überfordert, verstört und fasziniert. Er verliebt sich schlagartig in die fremdartige, alles umfassende Kunstform Oper und beschließt, Regisseur zu werden. Diese Urszene seines Kometenaufstiegs erzählt Barrie Kosky gern. Auch zwischen Buchdeckeln war sie schon nachzulesen: 2017 erschien im kleinen Wolff Verlag „Nächster Halt: Bayreuth“. Felix von Boehm und Rainer Simon hatten Kosky im Zug von Berlin nach Bayreuth ausgefragt, wo dieser als erster jüdischer Regisseur auf dem Grünen Hügel inszenierte. 2021 brachte Theater der Zeit das kleine, schön edierte Essaybändchen „On Ecstasy“ heraus, in dem Kosky frühe prägende Einflüsse entschlüsselt: die Hühnersuppe der Großmutter. Der erregende Schweißgeruch der Jungsumkleide nach dem Sportunterricht. Die Suche nach Dionysischem im Alltäglichen also. Nun ein neues Kosky-Buch. Leicht verzögert flankiert es das Ende seiner Intendanz an der Komischen Oper. Der lapidar daherkommende Titel „Und Vorhang auf, hallo!“ ist der Eröffnungsmusik der Muppet Show entliehen, in der an Opernfiguren angelehnten Kapitelstruktur steht Miss Piggy zwischen „Gräfin Mariza“ (aus Emmerich Kálmáns gleichnamiger Operette), Tatjana (aus Tschaikowskis „Eugen Onegin“), „Hans Sachs“, „Salome“, „Tosca“ und „Mackie Messer“. Das überrascht,...

Barrie Kosky verwebt Familien- und Operngeschichte

„Hitler hat verloren, da wir diese Stücke genießen“

Genregrenzen hardcore überwinden

Popanz der Macht

Hoppla, da ging aber gerade einiges durcheinander! Eben hat Nikola noch von ihrem Besuch in Dachau erzählt, und plötzlich geht es um die Verbrechen dort wie im Vernichtungslager Auschwitz, um ihre Verwandtschaft in Polen und in der Ukraine und um die Großeltern, die im Circus Krone gearbeitet haben. Beim Probenbesuch in der neuen Außenstelle der Münchner Kammerspiele, dem Theaterlabor Neuperlach, ist das Gedankengefüge löchrig und der Text sitzt noch nicht. Aber auch bei der Uraufführung von „Time Busters“ eine knappe Woche später gilt: Erinnerung ist in dem Projekt, das das Theater der Stadt München mit Jugendlichen aus dem migrantisch geprägten Stadtteil entwickelt hat, ein Mit- und Ineinander von historischer und familiärer Überlieferung – gefiltert durch das eigene Erleben. Denn kein Mensch ist ein weißes Blatt. Und wie man sich die Geschichte vergegenwärtigt, hat viel mit einem selbst zu tun. Wie sagt Nikola? „Geschichte wiederholt sich nicht. Sie flüstert uns zu.“ Und dieses Flüstern hören wir hier und heute. „Erinnerung als Arbeit an der Gegenwart“ heißt der künstlerische Forschungsbereich, den der Dramaturg Martín Valdés-Stauber 2021 an den Münchner Kammerspielen gegründet hat. In dessen Rahmen ist auch die Stückentwicklung „Time Busters“ entstanden. Der Plot: Eine Gruppe von Menschen entdeckt 2433 eine Zeitkapsel,...

Im Projekt „Time Busters“ an den Münchner Kammerspielen reisen Jugendliche mit autobiografischen Geschichten und Zeugnissen der Shoah durch Zeit und Raum

Wessen Erinnerung zählt?

Er offenbarte, wie feige Ergebenheit und abgrundtiefe Verletztheit in eine radikale Gewaltpsychose umkippen. Er zeigte das Psychogramm eines Lebens, das sich erhält, indem einfach „alle Spiegel zugehängt“ werden: „Ich mag nicht, was einen daran erinnert, dass man fremd ist.“ So Robert Gallinowski vor Jahren am Deutschen Theater Berlin in Koltès‘ „Die Nacht kurz vor den Wäldern“. Er verfügte über listig tänzelnde Kraft und eine faszinierend unmittelbare Wucht. Er war ein Künstler, dessen Ort eher auf der dunklen Seite der Dinge lag, dort, wo Lenz übers Gebirge geht oder Woyzeck über den Erbsen schwitzt. Schweiß blieb ihm lieber als Schminke. In ihm arbeitete die Kreatur und jenes Unflätige, das sich am liebsten dem Schmerz überlässt. Der dann entsteht und Lust wird, wenn man Texte zerbeißt, als wären sie Eisen. Miller und O’Neill spielte er, Pinter und Lorca, Kleist und Müller. Bei Michael ­Thalheimer und Dimiter Gotscheff, bei Thomas Langhoff und Konstanze Lauterbach. In Hamburg und München, am Deutschen Theater und am Berliner Ensemble. Noch jede sportive Lockerheit hatte im Blut das Bleigift einer bösen Lähmung; noch jede Manneskraft war gezeichnet von gehetzter Untauglichkeit. Da lauerte eine Jägerseele in der Brust der gequälten Beute, aber unterm Kostüm des Jägers schlug auch das...

Zum Tod des Schauspielers Robert Gallinowski

„Ohne Ziel auskommen“

Endlich faire Mindestgagen, aber woher kommt das Geld?

Lichtwarktheater: Ein Haus für alle

Rottweil – Die unwirkliche Welt des Bitcoin-Kapitalismus entdecken vier junge Russlanddeutsche. In der Stückentwicklung „Soul oder die seltsamsten Menschen der Welt“ betrachtet Intendant Peter Staatsmann am Zimmertheater Rottweil nicht nur die dunkle Seite der Integration, die auch Fremdenhass und Rassismus freisetzen kann. Sein politisches Theater katapultiert die Akteure in die wirre Welt der globalen Wirtschaftskriminalität. In der ländlich geprägten Region gibt es reale Vorbilder. Aufgewachsen im beschaulichen Schwarzwald-Ort Schramberg, nur wenige Kilometer von der kleinen Bühne entfernt, haben die „Kryptoqueen“ Ruja Ignatova und ihr Bruder Konstantin mit ihrer eigenen digitalen Schwindel-Währung ein Vermögen ergaunert. Die Milliarden-Betrügerin, der die bulgarische Staatsbürgerschaft aberkannt wurde, steht im Fokus des musikalischen Bühnenevents. Ist sie auf der Flucht oder gar bereits tot? Darüber streiten sich die internationalen Leitmedien. In den sozialen Medien generiert die unglaubliche Geschichte Klicks. Die schillernde Figur Ignatova führt Regisseur Staatsmann immer wieder in kurzen Filmsequenzen in seine Uraufführung. Auch in der neuen Produktion scheut der Theatermann, dem die rechtspopulistische Landtags-AfD in Baden-Württemberg 2019 gar die Fördermittel aberkennen wollte, harsche Gesellschaftskritik nicht. Auf der Riesenleinwand im kleinen Zimmertheater erinnert sich Ignatovas ehemaliger Lehrer an die Schülerin, die zur meistgesuchten Verbrecherin wurde. Rührend spricht der Greis von der ehemaligen Schülerin, die schon damals...

„Soul oder die seltsamsten Menschen der Welt“ von Peter Staatsmann (UA) – Regie und Bühne Peter Staatsmann

Zimmertheater Rottweil: Die Welt franst aus

Der Reichtum des Erinnerungsspeichers

Residenztheater München: Oh, wie schön ist Paraguay

Ein Licht nicht von dieser Welt

Kim de l’Horizon – Michelle Steinbeck – Pablo Jakob Montefusco – Alexander Stutz

Martín Valdés-Stauber: Warum hast du Theater als Medium der Auseinandersetzung mit Erinnerung gewählt? Welche Rolle können Inszenierungen spielen, in denen Jugendliche auf der Bühne stehen? Mai-An Nguyen: Ich bin in Verhältnissen aufgewachsen, in denen mir sehr früh klar gemacht wurde, welche Rolle mir für meine Zukunft zugeschrieben wird. Aufgewachsen als Mädchen im Plattenbau einer ostdeutschen Stadt, als Tochter eines vietnamesischen Vertragsarbeiters, nach der Wende geprägt von Armut. Meine Optionen sahen nicht so gut aus. Theater zu spielen gab mir die Möglichkeit auszubrechen. Ich konnte mich in verschiedenen Reaktionen, Verhaltensweisen und Charakteren ausprobieren – völlig gleich, ob diese gesellschaftskonform waren oder nicht. Nirgendwo anders habe ich so viel Freiheit gespürt. Das war schon so in kleinen Spielen im Kindergarten und ging in der Grundschule weiter. 1997 stand ich dann das erste Mal auf der Bühne des Piccolo-Kinder- und Jugendtheaters in Cottbus und bin dann dort auch bis 2011 nicht mehr wegzukriegen gewesen. Nach dem Abitur wollte ich diese Freiheit anderen Menschen schenken können und studierte Theaterpädagogik an der Hochschule Osnabrück in Lingen. Was hat dich zum Theater gebracht und was hält dich dort? MVS: Meine Geschwister und ich sind in Kaufbeuren, einer bayrischen Mittelstadt, aufgewachsen. Nicht nur durch unsere Familiensprache Spanisch...

Das Theater ist flüchtig. Der Momentcharakter ist ihm wesenhaft, der Livemoment der Aufführung gar sein Merkmal. Selbst das Bühnenbild wird eingelagert, umgebaut oder recycelt, da ist das Stück erst abgespielt. Wir haben uns gefragt: Eignet sich das Theater als Medium der Erinnerung? Was vermögen unterschiedliche
künstlerische Formsprachen im Sinne der Erinnerung? Wie verändert sich unsere Erinnerungskultur, wenn wir die radikale Vielfalt unserer Gesellschaft anerkennen? Und: Inwieweit kann das das Theater leisten?

Entstanden ist ein Schwerpunkt, der den Blick auf Projekte richtet, die sich mit Erinnerung im Theater auseinandergesetzt haben. Mai-An Nguyen hat das renommierte Projekt „stolpern“ anhand von Stolpersteinen mit
Jugendlichen entwickelt, an den Münchner Kammerspielen hinterfragt die Inszenierung „Time Busters“ Erinnerungskultur und wir blicken zurück auf das weit angelegte Festival Erinnerung als Arbeit an der Gegenwart.

Mai-An Nguyen und Martín Valdés-Stauber im Gespräch über ihre Inszenierungen „stolpern“ an der Schaubühne am Lehniner Platz in Kooperation mit dem Piccolo Theater Cottbus und „Time Busters“ an den Münchner Kammerspielen

Dem Vergangenen nahekommen

„Queer sein bedeutet für mich, das Leben zu genießen. Und es anderen möglich zu machen, es genießen zu können.“

Gastspiel der Geister

Den Tanz der Welt zur Ruhe bringen

Wende und Wandel

Eine weiße rechteckige Spielfläche. Zwei Männer balancieren, liegen, sitzen auf Holzplatten. Sie nehmen einander wahr, beginnen zu kommunizieren, schaffen Wege zueinander. Ganz konkret, indem sie die Holzplatten aneinanderlegen. Das Stück „Pulsar“ hat keine Sprache, es ist für Menschen ab zwei Jahren gedacht. Die beiden Tänzer José Agüero und Adrián Hernández nehmen das Denken und Fühlen kleiner Kinder auf. Sie haben noch keine Souveränität darin, mit anderen umzugehen, über sich selbst hinauszudenken. Es sind vorsichtige Schritte, die Vertrauen erfordern. Und für Ältere ist dieses halbstündige Stück eine Reise zurück zu den Wurzeln des sozialen Verhaltens. Kindertheater, das über die Kindheit hinausweist. Also Theater. Für alle. Das Teatro al Vacío aus Mexiko und Argentinien spielt zum ersten Mal in Deutschland. Das Hellwach-Festival in der Region rund um Hamm zeigt zum zehnten Mal ein internationales Programm in einer Gegend, die sonst nicht von Theatergastspielen aus anderen Ländern verwöhnt ist. Das künstlerische Leitungsteam, bestehend aus Barbara Kölling und Michael Lurse, ist mit ihrem eigenen Ensemble, dem HELIOS Theater, viel unterwegs, koproduziert und schaut sich andere Produktionen an. So ist ein großes Netzwerk entstanden, das alle zwei Jahre ein vielschichtiges und faszinierendes Festival ermöglicht. Die Eröffnungspremiere ist eine Musikshow, in der das Ishya Arts Centre...

Das HELIOS Theater aus Hamm präsentiert zum zehnten Mal sein internationales Festival hellwach

Wege zum Anderen

Eine Fundgrube

Bilder, die als Theater sofort ins Auge springen. Masken mit scharfem Gesichtsausdruck, fast skulpturale Figurenanordnungen, antike Strenge und schwarzweiße Schönheit. Rätselhaft, aus welcher Theaterzeit sie stammen könnten. Wahrscheinlich nicht aus unserer Gegenwart, diese immer wieder aktuelle „Antigone“. Nur zwölf Fotografien sind es, die als Auswahl einer viel größeren Serie eine ganz besondere Produktion zeigen. 1996 entstand sie als Studioinszenierung der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch im Zusam­menspiel der damit diplomierten Regisseure Tom Kühnel und Robert Schuster mit der heutigen Puppenspielprofessorin Suse Wächter und Nicola Sczersputowski für ihre Masken sowie dem Kostümbildner Atif Hussein. Die Schauspieler dieser „Antigone“ – Charly Hübner als Kreon, Christian Tschirner als Antigone und Christian Weise als Ismene – agierten auf Kothurnen mit mundoffenen Vollmasken: erstarrter Schrecken und zugleich eine neue Erscheinung im Theater damals, im Blick zurück. Ganz groß. Fotografiert von Roger Melis, mit seinem Blick auf dieses Theaterstück und dessen besondere Machart. Melis, für seine fotografischen Künstlerporträts von Johannes Bobrowski bis Heiner Müller hoch gerühmt, dazu auch ein ausgezeichneter Flaneurfotograf, etwa bei „Paris zu Fuß“ (1986), ist hier erstmals als Theaterfotograf zu erleben. Was man bislang nicht wusste: Melis hat, angeregt von Klaus Völker, dem ehemaligen Rektor der Ernst Busch, insgesamt achtzig Inszenierungen dort als...

Theaterbilder von Roger Melis erstmals in einer Ausstellung in Berlin

Der Schwarzweißzauberer

Holzmarkt Berlin: Die Utopie vorurteilsfreier KI

Wiener Festwochen: Der Haimon in uns

Fair bezahlt und arbeitslos?

Was macht das Theater, Bernhard Stengele?

Die Wooster Group wird bald fünfzig Jahre alt, je nachdem, an welcher genauen Gründungszeit man das festmacht. Es ist so oder so eine erstaunlich lange Lebensdauer für eine Theatergruppe, umso mehr, zieht man die Bedingungen in den USA und speziell in New York dafür in Betracht. EL: Wir haben damals nicht gesagt, jetzt gründen wir mal eine Theatergruppe, sondern haben einfach ohne Plan losgelegt. Wir, eine Gruppe von gleichgesinnten Schauspielern, hatten die Performing Garage in Manhattan, konnten diesen Raum in der Wooster Street zusammen mit Richard Schechners Performance Group nutzen, wo Spalding Gray als Schauspieler und ich als Regieassistentin mitmachten. Es war auch mehr wie ein Club und nicht wie ein reguläres Theater. 1979 verwendeten wir dann offiziell den Namen The Wooster Group für uns, denn wir mussten uns um staatliche Zuschüsse bewerben, und das ging nur so. Das war also ein Prozess, obwohl wir schon ab 1975 die ersten Sachen mit der „Rhode Island Trilogy“ rausgebracht hatten, die auf Material von Spalding Gray basierten. Ich selbst habe mich auch gar nicht als Regisseurin von Stücken verstanden, denn die Sachen, die wir machten, hatten vor allem mit uns selbst und Spaldings Autobiografie zu tun. Mit uns meine ich neben Spalding...

Elizabeth LeCompte und Kate Valk von der New Yorker The Wooster Group im Gespräch über ihre außergewöhnliche Geschichte, polnische Großkünstler und Performance Art

Aus dem Fragmentierten ein Ganzes schaffen

Inwieweit hat Theater als institutionelle, soziale und auch ästhetische Praxis an einer gegenwärtig wieder dringlicher werdenden Suche nach alternativen und zukunftsfähigen Formen des Zusammenlebens Anteil? Es ist diese große Leitfrage, die die Theaterwissenschaftlerin Laura Strack in ihrer Studie „farsi comune. Topographien prekärer Theaterorte im Europa der Gegenwart“ beschäftigt. Die Autorin versammelt sechs konkrete Theaterorte, an denen sich diese Suchprozesse exemplarisch auffinden und analysieren lassen: das transdisziplinäre Kulturhaus L’ Asilo in Neapel, das Tårnby Torv Festival am südlichen Stadtrand Kopenhagens, das Warschauer Teatr Powszechny, der zeitgenössische Kunstort Kino Kultura in Skopje, die Kreuzberger Freie-Szene-Spielstätte Vierte Welt in Berlin sowie eine Reihe theatral-performativer Ortsbesetzungen in Athen – allesamt zwischen 2010 und 2020 aus singulären, informellen Konstellationen hervorgegangen. Das Buch gliedert sich in drei Teile und navigiert zwischen Theaterwissenschaft, politischer Theorie und Philosophie – vornehmlich französischer, poststrukturalistischer Provenienz (Gilles Deleuze, Félix Guattari und Judith Revel sind einige der wiederkehrenden, begriffsspendenden Denker:innen). Zuerst erläutert Strack sehr bündig und nachvollziehbar die mehrdeutigen Dimensionen ihrer zentralen Begriffe Topografie, Prekarität und „farsi comune“. (Letzterer adressiert aus dem Italienischen kommend den Prozess des kommun-Werdens, im Sinne einer Gemeinde, Gemeinschaft oder Institution.) Hieraus wird deutlich, dass sie einem postfundamentalistisches Verständnis von Gemeinschaft folgt und mittels Theorien der Relationalität (von...

Theaterorte des Möglichen und ihre Raumpolitiken

Die Suche nach dem Gemeinsamen

Luzern: Siegerprojekt für das Neue Luzerner Theater gekürt

wann, wenn nicht jetzt?

Ich sitze in einem mittelgroßen Theater und sehe die Neuinterpretation eines Klassikers, „Antigone“, in der Inszenierung einer etablierten Regie. Ausverkauftes Haus, das Publikum meist im Alter meiner Eltern oder Großeltern. Tolle Spieler:innen auf der Bühne, die alles geben. Schwere Sätze über sechs Zeilen hören sich bei ihnen an wie „Hallo, Tschüss, wie geht´s dir?“, das Regiekonzept ist klar zu erkennen. Zwei Stunden vergehen, Held:innen sterben, existenzielle Emotionen werden spürbar, am Ende zu Recht großer Applaus. Aber ich merke, dass mich nichts in diesen zwei Stunden wirklich berührt hat. Es gab keine Katharsis, keine Läuterung, und ich denke, dass liegt nicht daran, dass hier irgendwer etwas falsch gemacht hat. Aber woran dann? Theater ist ein Ort der greifbaren Identifikation mit etwas, der Ort, an dem Lebensrealitäten eine künstlerische Übersetzung bekommen, sodass sie für mich erlebbar werden. Dabei gilt nach meiner Beobachtung, je entfernter die Lebensrealität von meiner eigenen ist, desto mehr muss die Übersetzung leisten, damit sie spürbar für mich wird. Antigones Kampf, ihrem Bruder die letzte Ehre erweisen zu dürfen, Kreons unmenschlicher Entschluss, sie dafür zum Tode zu verurteilen, oder der Umstand, dass sie bei lebendigem Leibe begraben wird – alles grausame Dinge und trotzdem ungreifbar für mich. Nichts davon...

In unserer TdZ-Serie schreiben Theatermacher:innen über innere Antriebe, gesellschaftliche Bedingungen und künstlerische Motivationen

Serie: Warum wir das Theater brauchen #04

Theater schlägt Netflix

Théâtre Vidy-Lausanne: Diversity sells  

Die wirkende Erinnerung

Vorhang runter, Zelt weg

„Musik ist für mich wie das Atmen“

Programmieren auf der Probe?

Wladimir Putin – eine Figur von Dostojewski?

Deutsches Theater Berlin: Moral und Ästhetik in Zeiten des Kriegs

Theater Bremen: Ästhetisches Manifest des Miteinanders 

Glanz oder Harnisch: Das Laboratorium

Ein Mann versucht, nachts in das Gemach dreier Frauen einzudringen. In geistiger Verwirrung irrt er sich in der Tür und beginnt, liebestoll die Töpfe und Pfannen einer Vorratskammer zu küssen und „auf seinem geilen Schoß zu erwärmen“. Durch einen schmalen Spalt in der Wand beobachten die drei Frauen heimlich das Geschehen, bemüht, sich ihr Lachen zu verkneifen. Der mit Ruß verschmutzte Mann – davon überzeugt, die Frauen hätten ihn mit einem Zauber belegt – fordert anschließend die öffentliche Entkleidung der drei. Dies gelingt allerdings nicht, denn die Kleider heften aus unerfindlichen Gründen fest an den Körpern der Frauen. Was hier beschrieben wird, ist die Fantasie einer jungen Frau, die während der Regierung Ottos des Großen im Benediktinerinnenkloster Gandersheim lebte und – ungeachtet aller kulturellen Tabuisierungen – Dramen verfasste. In den Jahren zwischen 960 und 970 schrieb die frühmittelalterliche Autorin neben acht Legenden, kürzeren poetischen Erzählungen und zwei umfangreichen Epen auch sechs Dramen in einer Art gereimter und rhythmisch fallender Prosa. Die Tatsache, dass diese Frau, bekannt unter dem Namen Roswitha von Gandersheim, Dramen schrieb, ist aus verschiedenen Gründen bemerkenswert: Das frühmittelalterliche Christentum stand der Praxis des Theaters keineswegs aufgeschlossen gegenüber; vielmehr sah man dem Schauspiel eine Art des Wahnsinns innewohnen,...

Zur Bedeutung historischer Stoffe in der Praxis feministischer Dramatik

Und was träumt Rosi heute? Ein Aufruf

Die Erfindung des Theaters aus dem Geist der Malerei

Sex ist überall. Die junge Generation ist damit aufgewachsen. Mit Pornos, die frei auf Streamingplattformen verfügbar sind. Mit Fernsehwerbungen à la „Es rappelt im Karton“, Amorelie-Adventskalendern und Dating-Apps von Tinder über Grinder bis Bumble – an den speziellen (sexuellen) Bedürfnissen der Benutzer:innen ausgerichtet. Überall kann darüber geredet werden. Konsens-Debatten finden in den Medien statt, #MeToo prägte die Pubertät dieser Generation. Auf TikTok werden Sexpositionen, NonBinary-Awakenings und Sexual-Check-Ins als Date-Night-Idea mit der:m Partner:in geteilt. Noch nie – so scheint es – konnte so offen und vielfältig über Sex geredet werden. Aber wird es das? Über Sex reden ist nicht mehr revolutionär, oder? Die Antwort des Abends: Über Sex zu reden, ist nicht mehr zwingend revolutionär. Tiefgründig, ehrlich, verletzlich über Sex zu reden schon. Denn es bricht mit gesellschaftlichen, patriarchalen und cis-heteronormativ-binären Konstrukten. Und fällt nicht immer leicht. Was nämlich, wenn die eigenen Vorstellungen und Wünsche, Sehnsüchte und Fantasien nicht zum aktuellen Konsens passen? Patty Kim Hamilton hangelt sich in ihrem neuen Stück „Sex Play“ anhand einer fragmentarischen Aneinanderreihung multiperspektivischer Figuren und ihrer Geschichten an den verschiedenen Nuancen der Sexualität entlang. Die Erkenntnisse und Gespräche darin sind nicht immer „der neuste Scheiß“ greifen vieles auf, worüber gerade in den Sozialen Medien sowieso...

„Sex Play“ von Patty Kim Hamilton (DE) – Inszenierung Rebekka Nilsson, Bühne und Kostüme Katja Ebbel, Sound Matthías Sigurðsson

Theater Bielefeld: Mikrowellen-Pop(p)-Porn

Was macht das Theater, Chiaki Soma?

Serie: Blickwechsel #03

Volkstheater Wien: Oh mein Gott. Es ist komisch 

Der Anti-Katastrophenfilm

Niemand ist wohl immer ganz Herr und Niefrau wohl selten ganz Dame über sich selbst. In dieser hier nicht sehr ernst gemeinten Genderei steckt ein Gran Verzweiﬂung, das gelegentlich zu Aussagen führen mag, die wir später bereuen. „Genderwahn und Russenhetze, mir reicht’s“, zitierte die Zeitschrift Super Illu nur eine Woche vor dem Überfall der russischen Streitkräfte auf die Ukraine einen bekannten deutschen Schauspieler. Ob die Truppenansammlungen vor den Grenzen einen Krieg befürchten lassen mussten, stieß zwar auch anderswo noch auf erstaunlich viel Skepsis, doch wären wohl nur wenige auf die Idee gekommen, derartige Befürchtungen als Hetze zu deklarieren. Warum aber wird das als typisch ostdeutsche Ansage wahrgenommen? Und warum kann Mathias Döpfner von Ossis schwadronieren, die niemals Demokraten würden? Dirk Oschmann, der die zornige Bilanz „Der Osten: eine westdeutsche Erﬁndung“ schrieb, untersucht die Entfremdung der zwei Landesteile präzise auch in der Historie. Er geht dennoch aus verständlichen Gründen der thematischen Zuspitzung nicht weit genug zurück. Es bleibt festzuhalten, dass dieses Land bis 1945 eine Ganzheit war, die sich historisch, auch mit den ehemaligen preußischen Provinzen, eher nach Osten orientierte. Wie anders hätte sonst zum Beispiel ein so idiotischer Begriff wie „Erbfeind“ für den Nachbarn Frankreich entstehen können? Damit nach einem...

Hier schreiben unsere Kolumnist:innen, die Schriftstellerinnen Jenny Erpenbeck und Kathrin Röggla und der Schauspieler Burghart Klaußner, monatlich im Wechsel.

Neuordnung der Themenwelt

Besser kann man nicht empfangen werden: ein Selfie auf dem Sofa mitten im Bühnenbild von „Stützen der Gesellschaft“. Das Luzerner Publikum folgt dieser Einladung, genießt die Nervosität ringsum, die sonst nur das Ensemble hinter der Bühne kennt. Eine Inszenierung zur Inszenierung. Gleich vorab. Diese jüngste Arbeit von Katja Langenbach, der Schauspieldirektorin am Luzerner Theater, hatte Mitte Februar Premiere und vertritt durchaus die künstlerische Linie des Schauspiels unter der Intendanz von Ina Karr in ihrer zweiten Spielzeit: klar erzählte Stoffe und Geschichten, davon die Hälfte klassisch oder zumindest bekannt, die andere Hälfte neu geschrieben oder dokumentarisch. Diese Gewichtung ist für ein städtisches Theater wie das Luzerner eher ungewöhnlich und mutig. Selbst der Ibsen kommt frisch und direkt daher. Wie Tableaus schieben sich die Szenen fast auf Augenhöhe vor das Publikum, Bürgerthemen für Luzerner:innen. Bernick: Am Ende blendet dieses Logo einer fatal geschäftstüchtigen Familie um den gleichnamigen Hausherrn ihre eigenen Mitglieder. Selfies würde man mit denen nicht mehr machen, fast schämt man sich für die eigene anfängliche Naivität, aber den Bernicks geht es genauso. Ein letztes gemeinsames Familienporträt will nicht gelingen. Jede Familie hat ihre Geheimnisse. Und jede Familie ist auf ihre eigene Art speziell und damit erst recht geheimnisvoll – und...

Wie sich das Schauspiel am Luzerner Theater mit seiner Schauspieldirektorin Katja Langenbach und der Intendantin Ina Karr erneuert hat

Patenbabys und Selfies im Bühnenbild

Ein Mann in allen Medien

Als ich den Roman und später die Stückfassung gelesen habe, da sind direkt bei der Personenliste Bilder in mir aufgeploppt, weil die Orte für mich, die ja gerade in Hildesheim ist, total greifbar sind. Welche Rolle spielt Hildesheim als Stadt für den Text? Lisa Krusche: Ich glaube, die Entscheidung ist vor allem ex negativo gefallen, weil ich nicht wollte, dass die Geschichte in einer Großstadt spielt. Und vielleicht war es auch wichtig für mich, mir Hildesheim zu erschreiben, mich durch den Text in ein anderes Verhältnis zu der Stadt zu setzen. Ich könnte auch behaupten, dass ich das Randständige, das Unspektakuläre dieses Ortes mag. Mich zu fragen: Wie vergeht hier die Zeit? Welche Figuren prägen das Bild einer solchen Mittelstadt? Wie lebt man sich dort ein oder raus? Aber irgendwie kommt mir das schon überinterpretiert vor. So wichtig, so im Fokus meines Schreibens war der Handlungsort gar nicht. Moritz Koch: Ich habe diese Fassung für die Hildesheimer Uraufführung geschrieben, da den Bezug herauszustreichen, wäre ja völliger Quatsch. Aber es war wichtig, dass wir Hildesheim den Hildesheimer:innen nicht bebildern, sondern dieses Modell Klein- oder eher Mittelstadt, wie Lisa sagt, als Kompressor für die Geschichten von Gwen und Charles nutzen. Wir kennen...

Die Autorin Lisa Krusche und der Uraufführungsregisseur Moritz Nikolaus Koch über „unsere anarchistischen herzen“ am Theater für Niedersachsen in Hildesheim Im Gespräch mit Lina Wölfel

Sich lieben und sich freilassen

Berlin: Kim de l’Horizon erhält den Hermann-Sudermann-Preis 

Was macht das Theater, Christiane Schneider?

All die schönen Menschen

Hessisches Landestheater Marburg: Ein Computerspiel auf der Bühne

„Es geht um magische Momente“

Der Theaterturm von Ludwigsburg

„Aber Jakob ist immer quer über die Gleise gegangen“ – mit diesem je nach Lesart trotzigen oder traurigen und auf jeden Fall widerständigen ersten Satz des Nicht-Verstehen-Wollens fängt Uwe Johnsons Roman „Mutmassungen über Jakob“ an, veröffentlicht 1959. Der Eisenbahner Jakob Abs ist auf seiner eigenen Arbeitsstelle von einer Rangierlok erfasst worden und gestorben, im November 1956. Seine Freunde versuchen, dies zu verstehen, und in ihrer Erinnerung erzählt Johnson die Geschichte dieses Herbsts, benennt die Ereignisse, die diesem unversöhnlichen Tod vorangingen. Am Ende ist manches klarer, aber nichts ist gut. Johnsons Roman schrieb neuere deutsche Literaturgeschichte – als ein Buch über das Leben in der DDR, das in der DDR nicht gedruckt werden konnte, als eine Geschichte über die deutsche Teilung, und auch in formeller Hinsicht. Angelehnt an Faulkner, der Roman ist kompromisslos modern, multiperspektivisch, sprachlich stark und eigenwillig und lässt vieles im Dunkeln. Und die Figuren – Johnson nannte sie „seine Menschen“ – sind schillernd und voller Leben, gerade weil ihre Beweggründe, so zu handeln, wie sie handeln, nie ganz erklärbar sind. Da ist Jakob selbst, der nachdenkliche Arbeiter, nach dem Krieg mit seiner Mutter aus Pommern geflüchtet. Und Gesine Cresspahl, zu deren Familie er im Mecklenburgischen kommt und die...

Zweimal Uwe Johnson in Sachsen: Erstmals kam der als schwierig geltende Debütroman „Mutmassungen über Jakob“ in Dresden auf eine Theaterbühne, danach folgte der erste Teil des epischen Großwerks „Jahrestage“ in Leipzig. Letzteres auch ein Beispiel für eine spezifisch deutsche Erinnerungskultur im Theater. Sind Johnsons Romane, die immer wieder neue Lesegenerationen erreichen, also für die Bühne interessant und tauglich?

Mit „Mutmassungen über Jakob“ gelingt am Staatsschauspiel Dresden die Adaption von Uwe Johnsons Debütroman

Heißer Herbst 1956

Wie wagt man einen unmittelbaren, schonungslosen Blick auf Vergangenheit und Erinnerungsarbeit und setzt dabei künstlerische Impulse, ohne in einem Betroffenheitsmasochismus zu verharren? Der Rassismusexperte Mark Terkessidis fordert in seinem Buch „Wessen Erinnerung zählt“ Differenzierung: Zwar habe „das gigantische Ausmaß der nationalsozialistischen Verbrechen dafür gesorgt, dass es keinen Weg um das Erinnern herum“ gebe, aber darüber hinaus sollte in einer vielheit­lichen Gesellschaft das Erbe aus vielen Erinnerungen bestehen, also multiperspektivisch sein. Außerdem verlangt er, jegliches Schweigen zu durchbrechen: „Die große menschliche Aufgabe bleibt, den Anderen zu sehen und den Dialog zu beginnen.“ Mit dem siebenwöchigen Festival „Erinnerung als Arbeit an der Gegenwart” wagte das gleichnamige künstlerische Forschungsfeld der Kammerspiele im Herbst 2022 den Versuch, ein Festival als ein politisches und poetisches Unterfangen zu durchmessen. Es entstand eine komplexe Zeitreise, die historische Schuldverstrickungen auch über deutschen Grenzen hinweg offenlegte. Das Festival vereinte kaleidoskopartig Kunstformen: Theaterstücke, Konzerte, Tanzaufführungen, Performances, Workshops und Lesungen, verwob unterschiedliche Sprachen und Erinnerungen verschiedener Kulturen an unterschiedlichen Spielstätten. Festivalleiter Martín Valdés-Stauber präsentierte dabei (Zwischen-)Ergebnisse eines fortlaufenden Großprojekts, das sich politisch profiliert, provokant und poetisch der problematischen Vergangenheit Deutschlands stellt, Perspektiven für die Zukunft eröffnen will und zuvorderst im Heute für Pluralismus und Toleranz einsteht. Theater kann respektvoll Visionen vor-spielen,...

Das Festival „Erinnerung als Arbeit an der Gegenwart“ fragt an den Münchner Kammerspielen nach Formen der Erinnerung in künstlerischen Formaten

Verdichtung statt Verdrängung

I do you!

Leonhard-Frank-Stipendium zur Förderung zeitgenössischer Dramatik geht an Elisabeth Pape

Uwe Johnsons „Jahrestage“, diese am Ende der Sechzigerjahre begonnene und 1983 kurz vor seinem Tod abgeschlossene Tetra­logie, ist mehr noch als andere Großromane auf der Bühne kaum vorstellbar. Margarethe von Trottas Verfilmung (2000) ließ deutlich erkennen, wie schwer es ist, Johnsons epische Mon­tage ­ästhetisch in ein anderes Medium zu überführen, und blieb die ­gewöhnliche Fernsehware einer Familiengeschichte zwischen New York und Mecklenburg, um deutsche Geschichte in Sentimentalität zu ertränken. Nun also der erste Versuch auf der Bühne, und der geht so los, dass fast das ganze Ensemble an der Rampe sitzt und über das Buch spricht, über eigene Leseerfahrungen etwa oder objektiver, dass der Roman Grenzen überschreite und die ­Frage im Raum stehe, was man damit auf der Bühne anfängt. Es werden auch aktuelle Einwände vorgebracht wie der, er sei „aus weißer Perspektive“ erzählt. Bei dieser Metaebene des Über-das-Buch-Sprechens fehlen die beiden Darstellerinnen von Gesine Cresspahl und ihrer Tochter Marie, neben der New York Times und dem Genossen Schriftsteller Johnson die Hauptinstanzen des Erzählens. Ein solcher Einstieg will das Publikum außerdem darauf vorbereiten, dass es sich hier um ein besonderes „Projekt“ handelt, wie es auf den überall in Leipzig zu findenden Plakaten angekündigt wird. Ein Wagnis ohnehin bei diesem Roman...

Am Schauspiel Leipzig bringt Anna-Sophie Mahler „Jahrestage“ (Erster Teil) mit viel Musik auf die Bühne

Klangvoll epische Montage

Digitales ins Theater übersetzen 

Luzerner Theater: Post-Weltschmerz-Theater für das Klima 

Es ist einer dieser Romane, die man nach dem Ende noch einmal zurückblättern muss. Wie konnte die Geschichte von Katharina und dem wesentlich älteren Hans so enden? Wo fing das an? Und dann noch dieser Epilog, der eigentlich auch den Titel in Frage stellt. Kairos, dieser Gott des günstigen Moments. Falls es ihn gibt, ist hier daraus, Jahre später, ein bohrender Fluch der Wahrheit geworden. Armin Petras hat den 2021 erschienenen Roman für eine sehr schlanke Fassung im Kammerspielformat für nur drei Figuren bearbeitet. Es gibt eine ältere Katharina, die Jahrzehnte danach zwei Kartons mit Unterlagen zu ihrer Affäre mit Hans auspackt, die für sie als 19jährige 1986 in Ost-Berlin mit allen Wundern der Liebe begann. Nun ist die ältere Katharina, gespielt von Sigrun Fischer, die Instanz mit dem Textbuch in der Hand, halb Regisseurin und Aufsicht über die Rückblende. Die junge Katharina ist dagegen ganz Protagonistin, also ohne das Wissen, was ihr alles geschehen wird. Nathalie Schörken macht das mit aller aufrichtig dargestellten Naivität wunderbar. Mayan Frank hat ihr ein Kostüm angezogen, das Mehrschichtigkeit zeigt: unter einer seidig herumflatternden Hose sitzt noch etwas anderes, unter einem mehrfach durchbrochenen, asymmetrischen Oberteil ein weiteres Kleidungsstück. Als ob sich noch eine andere...

„Kairos“ nach dem Roman von Jenny Erpenbeck in einer Fassung von Armin Petras (UA) – Regie Fania Sorel, Bühne Ann-Christine Müller, Kostüme Mayan Frank

Staatstheater Cottbus: Als Adaption kaum tauglich

(Fast) alles neu bei Theater der Zeit

Leidenschaftlich zeitgenössisch

Was macht das Theater, Johanna M. Keller?

Aalto-Musiktheater Essen: Der Mensch ist gar nicht gut 

Neue Perspektiven auf etwas sehr Bekanntes

Systemcheck

Veronika Dräxler, Sie verbringen viel Zeit in der Natur. Stundenlang streifen Sie durch den Wald. Nach all der Endzeitstimmung der letzten Jahre war es das Beste, das die Pandemie uns bescherte, dass wir auf null gesetzt wurden. Für viele entstand ein neuer Blick auf die Welt und die Erfahrung, etwas anders zu machen, lebendiger zu sein. Wie war das bei Ihren Walks? VD: Der erste „Broken Branches Walk“ war tatsächlich kurz vor der Pandemie, Ende Januar 2020. Für eine private Investorenparty sollte ich eine Arbeit einbringen. Für diesen Rahmen wollte ich einen Ansatz, der möglichst gegensätzlich sein sollte zur Leistungsgesellschaft und der Logik des Kapitals. Ich habe mich gefragt, wer oder was bestimmt überhaupt einen Wert? Dann habe ich mich im Forst in Berlin-Frohnau in einen großen markanten Ast verliebt, der mich an einen Blitz erinnert hat. Der war allerdings so fragil und sperrig, dass er weder mit meinem Auto noch mit den öffentlichen Verkehrsmitteln gut zu transportieren war. Also habe ich spontan entschieden, diesen 22 Kilometer weit nach Kreuzberg zu tragen. An den Ort, an dem er dann ausgestellt wurde. Im Nachhinein kommt mir diese Performance wie ein Vorbote vor, als wir von einem Virus Zeit zwangsverordnet bekamen. Auf...

Veronika Dräxler über ihre Dialogräume und Begegnungen mit Marina Abramović und Joseph Beuys Im Gespräch mit Ute Müller-Tischler

Sich der Gewalt zuneigen

Ein Ensemble als Band

„If I can't be close to you, I'll settle for the ghost of you“ - mit diesen Worten aus Justin Biebers Song „Ghost“ werden die Zuschauenden im nebligen Theaterraum des Berliner Ringtheaters in Empfang genommen; mit Videoaufnahmen von scheinbar übernatürlichen Begebenheiten wird der Saal auf die bevorstehende Geisterreise eingestimmt. Hier sei anzumerken, dass sich bei dieser Inszenierung nicht nur die Geister des Landwehrkanals auf einer Reise befinden, sondern auch das Ringtheater selbst: Nachdem das Theater 2022 seinen Standort am Ostkreuz in Berlin Friedrichshain hinter sich lassen musste, ist das Theaterkollektiv derzeit in der Alten Münze in Mitte beheimatet, bis es 2024 wieder in den Friedrichshain zurückkehren wird. Dieses Moment der Bewegung, des Flüchtigen und Veränderlichen, überträgt sich künstlerisch in das, was „Ghosts of the Landwehrkanal“ dem Publikum theatral zu vermitteln versucht. Denn: „Everything, as it comes to pass, turns out to be temporary. Even the afterlife!“, wie der Geist Rosa Luxemburgs (Moritz Sauer), gekleidet in eine pinke Lederjacke und stylische Skinny Jeans, im Verlauf des Abends noch verkünden wird. Nationen, Grenzen, Staaten: All das sind flüchtige Dinge, die uns auf dem Weg unserer eigenen Sterblichkeit in Gefangenschaft nehmen – so die Bilanz Luxemburgs. Das Bühnenbild (Christa Joo Hyun D‘Angelo) setzt...

„Ghosts of the Landwehrkanal“ von Travis Jeppesen – Regie Wang Ping-Hsiang, Bühne und Kostüm Christa Joo Hyun D’Angelo, Video und Grafikdesign Lin Yu-En

Berliner Ringtheater: Geisterspiele

Berliner Ensemble: Unmittelbare Trägerschaft des Landes Berlin angestrebt

Die eigene Dringlichkeit

Neue Dramatik, alte Geschichten, neue Welten

Bildet Allianzen!

Die Zeichen stehen auf Krise: Machtmissbrauchsskandale, schwindende Besucher:innenzahlen, Delegitimierungsversuche von rechtsaußen. Unübersehbar ist auch die Diskrepanz zwischen emanzipatorischer Behauptung auf der Bühne und Demokratiedefiziten hinter dem Vorhang. Doch es formiert sich Widerstand. Während die einen auf Schönheitskorrekturen wie Stadtdramaturg:innen oder Diversitätsmanagement setzen, sind andere der Meinung, dass es einen grundlegend anderen Ansatz braucht. Letztere berufen sich dabei auf ein sehr altes Konzept: die Commons. Sie fordern völlig neue, solidarische Strukturen und sind international und interdisziplinär aufgestellt. Am 20. März 2023 bekam die Thematik des Commoning, die zunehmend auch für etablierte Kulturinstitutionen zum Modethema wird, mit der Veranstaltung „Art Occupations &amp; the City as Cultural Common” im Ateliersi-Theater in Bologna eine Bühne. Das Institute of Radical Imagination (IRI) hatte Kulturschaffende aus mehreren europäischen Städten eingeladen, die an Besetzungen von Kulturräumen beteiligt waren oder sind. Das IRI besteht aus einer Gruppe von Kurator:innen, Aktivist:innen, Wissenschaftler:innen und Kulturproduzent:innen, die ein gemeinsames Ziel haben: die Entwicklung von Wissen, künstlerischen und politischen Interventionen, die auf die Umsetzung postkapitalistischer Lebensformen abzielen. In Bologna verhandelt werden sollten Cultural Commons, das heißt Kulturorte, die von Gemeinschaften unter demokratischen Grundsätzen der Teilhabe jenseits von Marktlogik und bürgerlicher Exklusivität organisiert werden. Massimiliano Mollona, Gründungsmitglied des IRI und Professor an...

Über die kollektive Vernetzung zur Commonisierung bisher hermetischer Kulturbetriebe. Ein Bericht aus Bologna

Vernetzen und Besetzen – eine Volksbühne der Commons

Das Cartoonartige ausloten

Erweiterung des Menschlichen

Für alle Freund:innen Personen: Charles Gwen Sinan der Kioskdude aus der Steingrube Charles’ Papa Charles’ Mama Nico Charles’ Bruder, 10 Jahre alt Missy Freundin von Charles’ Eltern Gwens Vater Gwens Mutter Chris Gwens älterer Bruder Mo Bad boy, Freund von Gwen Vince &amp; Dennis Freunde von Mo Fritz aka der Grabbler, ein Hausfreund &amp; Schönheitschirurg Die Bürgermeisterin hängt auch mit Gwens Eltern ab Gerd Pony und gottverdammte Beautyqueen Elsa Nachbarsmädchen in Heinde Gordon Schröder der echte Gordon Schröder Rudolf Gordon Schröders Hund, karamellfarben Florian einer von Gwens Tindertypen Robert noch einer von Gwens Tindertypen Eine alte Frau mit Rollator und lila Haar Ein dicker Mann Ja, ja, Sie meine ich Hendrik Sohn des Schönheitschirurgen &amp; Cabriobesitzer Eine YouTube-Reitlehrerin Eine Rewe Itzum-Kundin Eine Rewe Itzum-Kassiererin Nachbar:innen, Passant:innen, Partypeople, Florians Freunde, City-Beach-people, Studierende, Hildesheimer:innen und Heindener:innen © S. FISCHER Verlag GmbH Stand April 2023 Abdruck gefördert mit Mitteln des Deutschen Literaturfonds Zum Konzept: Charles und Gwen erzählen uns ihre Geschichte(n). Dabei springen sie frei zwischen Spiel-Szenen (Direkte Rede = regular gedruckt) und Erzählhaltung, direkt ans Publikum gewendet (Erzähltexte = kursiv gedruckt). Die anderen Kolleg:innen springen jeweils in die Szenen als Mit-Erzählende, also als alle anderen Figuren, manchmal mehrere gleichzeitig. Die...

Theater & Erinnerung

Neuerscheinungen im Verlag