Hart, aber poetisch

Businessman des Living Theatre

Create a mental map of going through three or four different spots in space and witness how you exhaust the possibilities of proximity and distance to each other, to Jan Dibbets’s window: how close is close, how far is far, always keeping in mind the obligatory two meters apart while being supported and surrounded by National Chain. What is the dance that arises out of these conditions? When you are filming, allow the camera to also connect to your body. While you are with the space and the person you are filming, stay close to your own physicality too. Keep observing from the place where you are filming and allow that to inform your dancing and the dancing to inform your filming. When you film and when you dance the body breathes with the space and the other. <blockquote> Notes from Alexandra Waierstall, 2021 </blockquote>

National Chain 2020/Social Practices

<blockquote> “For nothing is more heavenly Than to resist and to yield; To yield and to resist.” Virginia Woolf </blockquote> You can work on time like you work in a mine: measure its thickness, embellish its tunnels, suffer the collapses, landslides and catastrophes. And yet to tear the crystal of an instant away from the mystery of its slow motion: the sparkling incidence (or accident) of an order, a symmetry, a synchrony, always miraculous. The relationship between time and destiny has always been a geometrical conjecture. A technically adventurous conjecture – and the exercise of a delusional calculation – as the race to the phantasmagoric deposits of wealth exacerbated the fever of the last century’s gold diggers, so little concretely golden in the outcomes, so abstractly aural in the proceedings. Time digging is the magical conjecture of a nugget of order, the miracle of articulating in molecular terms the molar matter of duration, the chunk, the boulder, the unimaginable mass of a dark time, without edges or chronology. Time digging means making the body the extension of this dark matter, which incubates, as a promise of light, its potential for order. Gold is the material metaphor of the unthinkable biocompatibility of a...

Time diggers

Captain Hook fliegt ein

Schwein gehabt

Objective: Hands are primal/pivotal in my work. For me, the soul’s expression is placed in the hands. Hands are connectors to others. Hands are seismographs to the world. Hands are navigators to the unknown. This score is an invitation for the dancer to slow down and find a gentle entryway into my work. Material needed: A quiet space. Optional: a partner to hold space and time for you. Instructions: 1. Centering (2-5 minutes) Begin by standing or sitting comfortably. Allow your right hand to rest gently in your lap or by your side. Close your eyes and take a few deep breaths, tuning into the sensations in your body and in your right arm. Feel the space behind you. Feel the space equally in front of you. Listen to the sounds that surround you. Try to listen as far as possible. Keep listening throughout your movement exploration. 2. Movement (5 minutes): Slowly lift your right hand towards ear level. Take your time. Begin with gentle, small movements, exploring the range of motion. Gradually incorporate finger movements, stretching and spiraling your arm, observing how the little finger of your hand connects to your lower back. 3. Exploration of movement qualities (5-10...

Right-hand dance exploration

Was macht das Theater, Dominique Horwitz?

Liebe Alexandra, es ist jetzt einige Jahre her, dass ich Dich zum ersten Mal in Deinem Studio besucht habe. Ich kann mich zwar nicht mehr an das genaue Jahr erinnern, aber dafür umso deutlicher an meine körperlichen Empfindungen, als ich Deinen Probenprozess miterlebt habe. Dieser Eindruck lässt sich am ehesten so beschreiben, als hätte die Atmosphäre, die Du durch Deine Tänzer:innen geschaffen hast, mir das Gefühl von weichen Tentakeln gegeben, die aus meinem Körper wachsen – es hat sich so angefühlt, als würde ich durch meine eigene Haut hinaus horchen. Kommt Dir das bekannt vor? Versuchst Du ganz bewusst, diese Art von Umfeld zu schaffen, oder ist es eine Begleiterscheinung Deiner ästhetischen Suche? Wie gelingt es Dir, dieses spezielle Horchen der Sinne zu erzeugen? Fühl Dich umarmt, Monica Liebe Monica, ich erinnere mich genau an unsere erste Begegnung, das muss 2018 oder 2019 gewesen sein. Wie Du Deine Gefühle beschreibst, als Du mir damals im Studio bei meiner Arbeit zugesehen hast, gefällt mir sehr. Wenn ich arbeite, beginne ich an einem Punkt der Neugier und des Interesses daran, wie wir dahin gekommen sind, wo wir jetzt sind. Ich eröffne einen Raum für alle Mitwirkenden und mich, um uns auf diese...

Dieser Text besteht aus Auszügen eines Briefwechsels zwischen Monica Gillette und Alexandra Waierstall von Dezember 2024 bis Januar 2025.

Schichten des Zuhörens

Stiller Abbau?

Power dynamics in performing arts The performing arts have long been structured hierarchically, with choreographers and directors at the top of the creative process. Tradition­ally, they conceive the initial idea, invite collaborators – performers, dramaturges, lighting designers, scenographers and composers – and take responsibility for the final decisions that shape the artistic piece. This hierarchical system, echoing practices of another era, often legitimizes attitudes that can be not just strict and demanding but also offensive, rough and aggressive. However, the MeToo movement has sparked a necessary confrontation with the legacy of maltreatment and abuse of power within the arts. We now find ourselves in a transitional moment, questioning long-standing norms. Rethinking directing This transition raises critical questions. Must the creative process always have a leader? Conversely, can purely collaborative methodologies yield compelling aesthetic outcomes? These debates highlight the urgent need for alternative directing styles and ethical approaches to artistic creation. Safe working environments, transparency, empathetic leadership, and practices that prioritize the wellbeing of all collaborators are now essential. Alexandra Waierstall’s practice exemplifies these principles. Conversations with some of her dancers (Ioanna Paraskevopoulou, Scott Jennings, Evangelia Randou, Karolina Szymura) reveal a creative process that is smooth, generous, liberating and caring. It...

Alexandra Waierstall’s choreographic practice profoundly explores togetherness, exchange, freedom and care. Her work exemplifies how choreography can serve as a model for rethinking societal relationships, emphasizing mutual recognition, collective agency, and a future-oriented ethic of care. Positioned within the discourse of contemporary artistic practices informed by philosophical insights from Bojana Cvejić and Hannah Arendt, her artistic works are both aesthetically compelling and deeply socially engaged. Her performances critique contemporary social structures while envisioning alternative futures.

Flowing futures: Choreography as a model for togetherness

Ruhrfestspiele Recklinghausen/Theater Münster: Ein Krieg führt immer zum nächsten

Black Box und White Cube

Transformation statt Revolte

Das Nest sauber halten

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Unterwegs mit den Formwandlern

Mit der Pfeilspitze ins Herz hinein

Bewegen, Zeichnen, Überzeichnen

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

Fassungslosigkeit und Hoffnung

„Ein großes Festival muss eine Dynamik entwickeln“

St. Pölten:: Peter-Turrini-Dramatiker*innenstipendium für Paula van Well

Langer Atem beim Netzwerken

No horizon. The vision is blurry. Just a thick, dense, white wall. Particles continuously move through the air, refusing to settle into contours. Slightly it breaths and vanishes in the atmosphere. Briefly allowing glances beyond. Quietly a body emerges in the gaze. As the haze lifts the vision gradually takes shape (like a Polaroid picture). For a moment everything is clear. But the clear view is fleeting in the blinding light. <blockquote> Text by Alexandra Waierstall and Marianna Christofides, 2011 </blockquote>

Mapping the Wind

Publikumserregung mit Extradimension

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Dramaturgie des Zweifels

Deutsches Nationaltheater Weimar: Drei Fiktionen für dreizehn Millionen Schicksale

Widerstand und Erinnerung 

Keine Rechnung ohne Restwert 

Weltall, Erde, Mensch

Neue Dramatik trifft Figurentheater

Dober Dan, Ljubljana

Hybridgemeinschaften?

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Ruhm den Kleinen!

Der Engel vieler Geschichten

Thüringer Befund

In a room. Reaching up to touch the ceiling facing south. Freeze. Back to standing and then reaching up again. Heels. Two inches off the floor. Land. Turning body and facing north. Temperature. Rising to forty degrees. Sweat. Moving down and lying to cool down on the icy floor. Left little finger. Traveling a distance of five centimeters upwards. Elbow. Responding and moving a distance of one meter and back. Stand. Facing east. The light in the room changes. Hearing it coming. Wind. Creating movement. Standing still. Sounding like a freight train getting closer. Roaring sound. Deafening. The electricity goes off. All is shaking and rumpling. Room. Vibrating. Silence. Still. Untouched. Walking to the door and looking towards the other rooms. All I see is blue sky. <blockquote> 2011-2013 </blockquote>

Latitude and longitude: 40.7142° N, 74.0064° W

Year: 2067

Alexandra Waierstall has long worked with the idea of a core set of movements to craft her choreographies, implying that something need not be brand-new to feel original or inspire original ideas. Whether experiencing her works in a theater or in an unconventional performance space, such as a museum, Waierstall’s audiences can expect the unexpected, as her works rely on the endlessly generative tool of open-form composition. Between October 2023 and October 2024, Waierstall brought her choreography to the physical and virtual spaces of Dia Art Foundation as part of an ongoing series of interactions with artist Rita McBride’s modular work Arena (1997), Momentum. Momentum is multivalent: it describes a group, a performance, and a sensibility, all loosely defined and designed by Waierstall, McBride, the artist collective discoteca flaming star (founded by Cristina Gómez Barrio and Wolfgang Mayer). Momentum has built upon itself year on year, even month on month; like a living organism, it is ever-expanding, morphing, remembering, and reconfiguring, while always literally and conceptually centering on Arena. At Dia, it manifested as multimedia performances designed by the group in tandem with the exhibition Rita McBride: Arena Momentum, wherein Arena was placed on view for the first...

Open source: Momentum

Festival im Aufwind

Bodyhorror/Tarantino

Bilder im Takt eines Textes

Auf Augenhöhe

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

Ästhetische Übereinstimmung, strukturelle Unterschiede

Risiko: Das Salz unseres Lebens

I come from a place not so far from here, where bodies, birds and plants live as one. You can hear the voices of stones, humans, plants and animals speaking to each other. Moving in a world without end. Remember, years and years and years ago, you asked me, is there a future? You said, I wonder what kind of days are lying ahead? I said, pause, rest, ponder … You walked away needing an answer … never had any, never pretended to, not once. And for a long time, you were moving, wondering, speeding, until the virus came. Unrest, rest, masks, disinfectants, the social, the antisocial, the bans, the fears, the common and the uncommon, the rational and the irrational. Remember the distance, the absence, the loss? The losses? The lack? The lack of touch, the lack of skin. Two meters apart. The lack of hugs, please keep six feet apart. Pause. For a long time, there was turmoil and havoc and confusion and mistrust. But if you had stopped for a second, if you had paused for a second, you would have actually paid attention to the things around you. The trees, the animals and the forest, falling,...

My name is tomorrow

Freiheit des Theater-Erlebens

Berufsbild: Digitaldramaturg

Someone told me this story about the world in the beginning of time, or even before there was a world when only birds were circling around in a vast thin nothingness that later would be called ‘air’. and not ‘around’ because there was nothing like a center and not ‘in’ ’cause there was no border. There were so many birds that no one, no one would have ever been able to count them. And after a time, or was it an eternity, they needed to rest but there was no earth, no land, no sea, even. But one day, if there were any days, one of the birds died and the others didn’t know where to bury it, where to bury her … And one bird was sad because they had been traveling together for this long, long somethingness, so she just placed the bird in the back of her head since there was no other place to put her. The deafening rage of this silence Can you hear it? It takes my breath away. “Their heart grew cold, they let their wings down.” I wish I was more still … not, this moving … rather more resting. When did...

SUPPOSE IT’S SUMMER

„Den Lohnarbeitern erscheint ihre Arbeit auch nicht mehr als das, was sie ist“

Drop Premiere 17.05.2000 tanzhaus nrw, Düsseldorf Choreography, Concept, Dance: Alexandra Waierstall | Live Video: Marianne Putziger | Dresses: Norman Icking Production: EDDC Düsseldorf, Center for Dance and Performance Research, tanzhaus nrw Deep Rise Premiere 25.03.2001 1st Cyprus Contemporary Dance Platform, Falcon Theatre, Nicosia Choreography, Concept, Dance: Alexandra Waierstall | Dance, Collaboration: Betty Dramisioti, Seung Hee Yang | Music: Henryk Górecki Production: Echo Arts Living Arts Centre | Supported by: Cultural Services of the Ministry of Education and Culture of Cyprus Transiency Premiere 01.03.2003 3rd Cyprus Contemporary Dance Platform, Rialto Theatre, Limassol Choreography, Concept: Alexandra Waierstall | Dance, Collaboration: Alkis Kaimakis, Athena Piki, Fotis Nikolaou, Maria Christophi, Peter Memmer, Sung Lyun Moon | Music: Arvo Pärt | Light Design: Panagiotis Manousis Production: Echo Arts Living Arts Centre | Supported by: Cultural Services of the Ministry of Education and Culture of Cyprus | Co-organized by Rialto Theatre Gaze Premiere 06.06.2003 11th Biennale for Young Artists from Europe and the Mediterranean, Antonis Tritsis Park of Environmental Awareness at Ilion, Athens Choreography, Concept, Dance: Alexandra Waierstall | Dance, Collaboration: Sung Lyun Moon | Live Video: Aris Kyriakides Production: Echo Arts Living Arts Centre | Supported by: Cultural Services of the Ministry of Education and...

Performances

Es könnte sein. Konjunktiv. Tanz kann vieles (nicht alles); für diejenige, die tanzt, auch diejenige, die das sieht, kann Tanz das Mögliche, sogar das Unmögliche realisieren. Das Unfassbare begreiflich machen. Oder das Begreifliche, das Begriffene unfassbar. Alexandra Waierstalls Choreografien bewohnen diesen unbewohnbaren Raum; sie werten das Dazwischen auf – und aus. So weisen sie mir, als Zuschauerin, keine bestimmte Position zu, sondern lassen mich optische Distanz und bewegtes Beteiligtsein ständig austarieren. Dabei schätze ich es eigentlich, den Tanz von nahem zu sehen. Ich gehe mit beim Zusehen oder stocke, suche, finde, erfinde weiter, wende, folge, horche. Etwas ist – auch – durchsichtig, halb sichtig. Ich versuche, zu durchschauen. Träume das Gesehene rückwärts aus eigenen Bildern heraus. Solch ein Bewegen mit dem Tanz zu wecken und in Gang zu halten, finde ich in dieser Art selten in der Szene des zeitgenössischen Tanzes in der Region und darüber hinaus. Diese feinsinnige Art, mit der die Choreographin ihrem Medium Tanz vertraut, kombiniert mit Licht, Raum, Klang, Kostümen und Objekten. Die Kunst schaut dann auf ähnliche Weise zurück. Man braucht einen Blick dafür. mit Sinnen Denn was in Alexandra Waierstalls Werken die einzelnen Tänzer:innen oder eine Gruppe antreibt, sie zueinander zieht, anhält oder auseinander...

Zwischenstände

Zerbrochene Familiengeschichten

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Die Rache der Königinnen

Wir gehen rein

Die Signatur unserer Zeit

Balkan Brass und Brüche

Die Grenzen der Freiheit

Guten Appetit!

Vor Ort und exklusiv

leap in time / what’s yours is mine / at the end we begin / three bits in a spin upside down unraveling / hiding to be seen nobody, touch disclosed / infinite. no, exposed in light made-up yet, so unknown reflect the gaze / elapse the space and then watch out for we leap in time / what’s yours is mine / at the end we begin / three bits in a spin <blockquote> Text by Alexandra Waierstall and Irina Raskin, 2013 </blockquote>

3000 seconds

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Schauspiel Stuttgart: Überleben in der Karaokebar

Matthias Quabbe: Zwanzig Jahre Arbeit und eine solche Vielfalt an Projekten mit unterschiedlichem Setup, Konzept, Location, Cast … Gibt es ein bestimmtes Interesse, das sich kontinuierlich abzeichnet? Was inspiriert Dich? Alexandra Waierstall: Ich liebe den Moment, wenn Menschen in Verbindung treten, und ich bin interessiert an der besonderen Art von Schönheit, die aus dieser Verbindung entstehen kann. Es ist die Schönheit, die darin liegt, einander Raum zu geben und Vertrauen zu entwickeln, was die Grundlage für alles ist. Es geht um die Schönheit des sensitiven Körpers, der wahrnimmt, der empfindet und so einen Raum der Annäherung und Verbundenheit schafft, wo es weder möglich noch notwendig ist, zu wissen, wer wen trägt. Die Schönheit liegt in der Verbindung, in der Verlangsamung, in der subtilen Verlagerung des Gewichts, die einen Beginn markiert, eine Öffnung. Selbst wenn der stehende Körper sein Gewicht nur leicht verschiebt, gibt es diese permanente Bewegung, diese Vorstellung davon, bis zur Essenz der Dinge vorzustoßen. Dadurch entsteht etwas, das einladend ist, das uns gestattet, ein Teil davon zu sein. Ich glaube, diese Neugier und die damit verbundene Begeisterung treiben mich an. MQ: Es geht also um einen vieldeutigen Zustand des Zusammenseins. AW: Es ist ein ständiger Modus des Übergangs....

Alexandra Waierstall im Gespräch mit Matthias Quabbe über das Dehnen von Zeit und Raum, Großzügigkeit als choreografische Praxis, und die Magie der Geometrie

Ich sehe Dich mich sehen – Die Poesie gegenseitiger Betrachtung

Die Unsterblichkeit des Theaters

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Wenn die Unis Trauer tragen

When writing about open-form composition (OFC) in 20101, I proposed it as a vehicle capable of enabling an understanding of form in dance that was of improvisatory and compositional nature simultaneously. In my experience of dancing, making and watching dance I felt that dance forms did not fit either-or constructs of thought. They are intrinsically ‘both-and’ and what follows the conjunction ‘and’ is inexhaustible, suggesting the alleged structural closure of dance forms is temporary, contingent on a myriad of entangled factors. Here, I suggest the multifaceted body of work of Alexandra Waierstall is of the same nature, as are written words when they encounter a reader. While writing may offer a sense of spatial order, a rhythm or semantic tendency, within and between the words, between words and you, somewhere in the middle lies an infinite potential for how they are actualized by a reader. Such encounters occasion thoughts, feelings, images, experiences, at times tending toward a certain way, at times another, but always resisting hermeneutic closure. This resistance to forms congealing into fully known patterns is something I have consistently enjoyed when I have witnessed Alexandra’s works. Below, I unravel how and briefly introduce OFC, a concept...

Shimmering, vibrant form

Ruhrfestspiele Recklinghausen/THE OFFICE performing arts + film: Humor und Hoffnung in einer zerfallenden Welt

Warum wir Festivals brauchen

Sie kürzen, wir glänzen

The roof orbits the stage. It goes round and round in endless circles. Ceaseless orbits as I am trying to find a point of stillness. I am entering the stage. Closing the door behind me. May I move “more naked than flesh, stronger than bone, more resilient than sinew”, more sensitive than nerve. My virtual self will not age as you and I will. And as long as the batteries don’t run out, he will keep dancing for months, years, decades, and centuries to come. Someone, I tell you, in another time will remember you. Eyes, eyes orbiting. Tiny asteroids. The roof orbits the stage. It goes round and round in endless circles. Ceaseless orbits as I am trying to find a point of stillness. I try to keep my balance. I lean on the periphery. The periphery of the stage. I lean on my ear, I lean on the periphery. I touch, I am touched. I wish I were more still. Not this constant moving. Rather the need for resting. The walls are closing in ever more tightly around us. But it turns out that in depth there is a lot of space. Text, 2023 Inspired by Pina Bausch,...

A Solo for Scott Jennings

STAGES INTO THE NOW

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Kampf im Käfig

Feminismus neu ausrichten

Zug: Sélection fürs Schweizer Theatertreffen bekanntgegeben 

Das große Plus an Menschlichkeit

Die choreografische Praxis von Alexandra Waierstall ist nicht notwendiges Instrument zur Herstellung einer tänzerischen Komposition, sondern eine Form des gemeinsamen Verhandelns von Körpern in ihren Konstellationen, Relationen und Wechselwirkungen, eine Praxis gemeinschaftlicher Empathie im Kontext von Raum und Zeit. Die Choreografien von Alexandra formulieren eine spezifische Ökonomie des Aushandelns, die eine gemeinsame Bewegung zur Folge hat, in der alle Elemente partizipieren und die einen Raum der Aufmerksamkeit öffnet, in dem sich die Zuschauenden wiederfinden können. Es ist eine Form des im Moment Seins. So werden aktuelle Diskurse wie Fragen nach Herrschaft, Hierarchie, das Verhältnis von sozialem Gefüge und individueller Verantwortung nicht als Prämisse formuliert; stattdessen entstehen durch diese spezifische Art des gemeinsamen Agierens Destillate menschlicher, politischer, sozialer Verhältnisse, durch die gesellschaftlich relevante Themen wie ein Echo schimmern. In Alexandras Schaffen steht die choreografische Arbeit als körperliche Manifestation einer sozialen und temporalen Skulptur im Vordergrund. Darin geht es immer um die Verhältnismäßigkeiten von Körpern in ihrer Materialität und Bezügen in einem Gefüge mit anderen Körpern – ob sie nun anwesend sind oder nur vorgestellt als eine unausweichliche Realität. Daher erscheinen die Körper in Alexandras Arbeit immer als gleichermaßen starke wie verwundbare Körper, die immer eine Form von Nacktheit anschaulich machen und...

Einleitung

Zirkus

Thüringen

Essay

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

TdZ-Geschichte

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

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Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

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Was macht das Theater...?

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Dramaturgie der Zeitenwende

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Kostüm und Bühne

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Kulturkürzungen

Gespräch

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Practicing Bodies and Structure, Eftychia Stefanou and Georgios Kotsifakis at tanzhaus nrw in Düsseldorf, 2019

Filming STAGES INTO THE NOW, Scott Jennings at cubic studios in Düsseldorf, 2021

  Practicing Tomorrow in Present Tense, Christos Papadopoulos and Evangelia Randou at tanzhaus nrw in Düsseldorf, 2010.

Practicing Momentum, Rachel Gill at Dia Beacon

Practicing HEART MOMENT

Practicing and live streaming National Chain 2020/Social Practices, Rita McBride, Alexandra Waierstall and Fontys Dance Academy with Jolanda Bazzi at De Pont Museum in Tilburg, 2021

Filming STAGES INTO THE NOW, Scott Jennings at Opernhaus Wuppertal, 2021

Practicing Momentum, Amy Josh at Dia Beacon, 2023

And here we meet: Choreography at the edge of time

Assoziationen

Person

Alexandra Waierstall

Neuerscheinungen im Verlag