Die Schützengräben des Unwahrscheinlichen

Verletzte Körperlandschaft

Weg von den Metropolen, mitten im Bühnen-Bermuda-Dreieck zwischen Konstanz, Tübingen und Freiburg, da liegt das Zimmertheater Rottweil: das einzige professionelle Theater im Umkreis von 60 Kilometern. Momentan ist es auch deshalb etwas Besonderes, weil dort seit 2013/14 die Intendanten Peter Staatsmann und Bettina Schültke überregional beachtenswerte Arbeit leisten. Beide sind von großen Häusern, vom Deutschen Theater Berlin, von der Volksbühne und vom Residenztheater in München her bekannt. Bettina Schültke war Chefdramaturgin in Weimar, Peter Staatsmann Schauspielchef in Nordhausen. Und jetzt Rottweil? Ja, warum nicht? Die Entscheidung, gemeinsam dorthin zu gehen, entstand nicht nur angesichts einer mittelfristigen Verortung von Beruf und Familie, sondern ermöglichte es auch, sich mit der „Rückkehr zu den Wurzeln des Theaters“, so Staatsmann, neu aufzustellen. Im örtlichen Abstand zu den Großbühnen entwickelten die beiden eine Programmatik, die auf Distanz geht zu den lärmenden, postdramatischen Hypes der Zentren: ein forderndes Theater des Nachdenkens, das Schauspieler und Texte ins Zentrum rückt. Zieldefinition: anspruchsvoll und unaufgeregt. Schon der Start 2013 war außergewöhnlich: In einem der landesweit kleinsten Theater, dessen Domizil im Stockwerk über der Stadtbücherei etwa 100 Plätze bietet, ausgerechnet mit Goethes „Faust“ zu beginnen, noch dazu verdichtet auf drei Figuren, erfordert Chuzpe. Noch riskanter: Es folgte gleich im ersten...

Anspruchsvoll unaufgeregt – Die Programmatik des Zimmertheaters Rottweil

Alles wird Ufer

Herr Lübbe, das Schauspiel Leipzig hat die aktuelle Spielzeit sehr grundsätzlich als gesellschaftliche Selbstverständigung angelegt, man denkt fast an Brechts Forderung einer „großen Aussprache“. Wer sind wir, woher kommen wir, wohin wollen wir? Mit der Adaption von zwei großen Prosavorlagen, Peter Richters „89/90“ in der Regie von Claudia Bauer und Lutz Seilers „Kruso“ in der Regie von Armin Petras, eröffneten sie vergangenen Herbst die Spielzeit. Hinzu kommt nun in Ihrer Regie das Doppelprojekt von Aischylos’ „Persern“ und „Die Maßnahme“ von Bert Brecht und Hanns Eisler. Das klingt nach kompakter Geschichtsstunde. Ist das nicht selbst für die „Heldenstadt“, als die Christoph Hein Leipzig eine historische Sekunde lang erblickte, eine Überforderung? Es ist ja kein Frontalunterricht! Und wir wollten auch nicht bloß DDR-Geschichten erzählen, sondern fragen von der Gegenwart aus: Wie ist es gekommen, dass diese Gesellschaft so wurde, wie sie heute ist? So zerrissen? Genau. Was man auch an den großen Kontroversen, Entscheidungen und Wahlen der vergangenen Monate merkt, die Europa und die Welt bestimmt haben und die oft nahezu fünfzig zu fünfzig ausfielen. Weswegen uns diese Thematik auch nächste Spielzeit weiter beschäftigen wird. Die Spuren und Fragen, die wir dabei verfolgen, erreichen aber auch sehr verschiedene Zuschauerschichten. Wir merken das...

Der Intendant des Schauspiels Leipzig, Enrico Lübbe, über Theater als gesellschaftliche Selbstverständigung und die Spur der Wut im Gespräch

Der Riss im Bild

In einigen Städten brodelt es gewaltig. Während die einen den Migrationszustrom als eine Bereicherung für das gesellschaftliche Miteinander preisen, rufen andere den Untergang des Abendlandes aus. Und die Schauspielhäuser? Die sollen oder dürfen moderieren und den Dialog fördern. Leichter gesagt als getan. Wie man dieser hehren Aufgabe gerecht werden kann, zeigen zwei Theater, deren soziales Biotop kaum bunter sein könnte: Pforzheim und Mannheim, beides Städte mit hohem Migrantenanteil und nicht minder hohen Zustimmungswerten für die AfD. In der badischen Goldstadt Pforzheim setzt man ganz auf Konfrontation und die Flucht nach vorn. Gelebt wird Integration, indem man die Geflüchteten direkt auf die Bühne holt. Zum Beispiel in Thomas Münstermanns Inszenierung von Brechts „Die Dreigroschenoper“, wo die „Neuen“ als Teil der Bettlerplatte das tragische Schicksal gesellschaftlich Ausgegrenzter verkörpern, das gewissermaßen auch ihr eigenes ist. Oder in dem Stück „Newcomer – Geschichten vom flüchtigen Leben“ unter der Regie von Antonia Schirmeister: Geprägt von der faschistischen Ideologie, sind die Protagonisten dieses Dramas, größtenteils dargestellt von jungen Geflüchteten, zu seelenlosen Gewaltmaschinen degeneriert. Es ist eine Parabel auf die Radikalisierung junger Menschen, wobei der Text bewusst mit einer Umkehrfigur spielt, insofern die Migranten als häufige Opfer von Diskriminierung nun zu Tätern werden – nicht, weil sie...

Konfrontation oder Integration? Pforzheim und Mannheim zeigen, wie Theater und Migration zusammenpassen

Eine Frage der Haltung

Theater für Taiwan

Baden-Württemberg gilt vielen als Theaterwunderland. Als der reiche Südwesten, in dem eine Theaterlandschaft blüht und gedeiht, die in den Punkten Dichte, Ausstattung und Zuschauerzahl im bundesweiten Ranking zusammen mit Bayern und NRW ein Spitzentrio bildet. Ein Theatermusterländle also? Keine Frage, dass dies auch mit der Flächengröße und der Wirtschaftsstärke des Südweststaats zu tun hat, der die höchste Exportrate und die geringste Jugendarbeitslosigkeit im Bund vorweisen kann. Sicher, trotz eines vergleichsweise soliden Finanzierungssystems gibt es auch hier Engpässe und Sparattacken, zunehmende Angebotsdichte in den Ballungsgebieten und Verödungsgefahr auf dem Land. Doch Fusionen, Spartenabbau oder Schließungen sind hier die Ausnahme. Dass badenwürttembergische Bühnen trotz dieser Vorzugsstellung relativ selten zum Berliner Theatertreffen eingeladen werden, ist ein anderes Thema. Eine Frage der innovatorischen Kraft, der Ästhetik? Oder eher eine Vorurteilsstruktur im Spannungsfeld zwischen Metropole und Provinz? Immerhin, das Schauspiel Stuttgart rangiert beim Berliner Theatertreffen mit insgesamt 31 Einladungen auf einem hervorragenden vierten Platz – hinter dem Burgtheater Wien (49), den Münchner Kammerspielen (45) und dem Schauspielhaus Hamburg (36). Einladungen anderer baden-württembergischer Bühnen? Sind selten und mindestens zehn Jahre her; bis auf Karlsruhe, das es 2016 mit dem Doku-Projekt „Stolpersteine Staatstheater“ erstmals in die Berliner Top Ten schaffte. „Das Theaterland Baden-Württemberg lässt kaum Wünsche offen“,...

Das Theaterland Baden-Württemberg zwischen Krisenindizien und Neugewichtung

Wo Gefahr ist, wächst das Rettende

Die Bremer Stadtmusikanten werden wohl keine Freunde des Theaters Bremen mehr. Zumindest nicht jene, welche der Bildhauer Gerhard Marcks 1953 in Bronze gegossen hat und die seither vor dem Rathaus stehen. Erst vor wenigen Jahren ließ Regisseur Volker Lösch Marcks‘ Tiere durch Schillers „Räuber“ vergewaltigen. Dieser Tage sind es das kainkollektiv und die Jungen Akteure, die Schüler der Theaterschule des Theaters Bremen, die dem Denkmal arg zusetzen. In „Still out there“ fordern sie den Besucher nämlich dazu auf, Esel, Hund, Katze und Hahn aus ihrem „bronzenen Sarg“ zu befreien. Denn sie seien nie wirklich in Bremen angekommen. All dies erfährt der Zuschauer, noch ehe die Vorstellung so richtig begonnen hat: per Hörspiel. Jeder trägt einen MP3-Player mit Ohrstöpseln bei sich. So ausgerüstet informieren ihn das kainkollektiv (Fabian Lettow und Mirjam Schmuck) und die Jungen Akteure nicht nur über Bremens jüngere Geschichte, sondern stimmen ihn auch auf die gemeinsame Mission ein: den Geist der wahren Bremer Stadtmusikanten wachzurufen und Räuber aus der Stadt zu jagen. Zu diesem Zweck dirigiert das Ensemble die Besucher in vier kleinen Gruppen vom Theater ausgehend durch die Altstadt. Wir schließen uns der „Katzen“-Gruppe an. Unser Weg führt durch die Wallanlagen, dort entlang, wo sich einst die...

Theater Bremen: „Still out there“ von kainkollektiv. Regie Fabian Lettow und Mirjam Schmuck, Choreografie Ina Sladic, Ausstattung Alexandra Tivig

Bremen: Räuberjagd mit Ohrstöpseln

Ein Mann geht über den Friedhof. Er betrachtet die Gräber. Worte fallen aus ihm heraus. Rätselhafte Worte. „Dem Tier der Zeit“ etwa. Oder „Dem Hunde, welcher“. Nicht zu entscheiden ist, ob diese Worte, diese Widmungen dem Innern des Mannes entweichen, ob er sie auf den Gräbern liest oder ob diese direkt zu ihm sprechen. Bei Valère Novarina, dem Autor des Theatermonologs „Die Rede an die Tiere“, der gerade in deutscher Übersetzung im Verlag Matthes &amp; Seitz erschienen ist, bleibt die Sprecherinstanz oft unklar. Worte fügen sich bei ihm zu Klumpen, bilden thematische Reihen und Schleifen. „Hier ruhte, wird geruht und würde werden, geruht er hier zu sein, in Würde Hans von Pisten, tiefer Radler, welcher überschlug“ ist eine dieser Schleifen, aus denen Worte wuchern, klangverwandt und sinnverwandt, doch immer wieder wegmäandernd. Zuweilen entstehen Aphorismen wie: „Was immer der Mensch durch den Menschen schreibt, ist gefälscht, sogar diese Inschrift inbegriffen.“ Das sind Knotenpunkte der Wortstrickmaschine, die Novarina anwirft und in langen Zyklen arbeiten lässt. Der in der französischen Schweiz aufgewachsene und dem Landleben weiter verbundene Künstler beschrieb seine Arbeit einst selbst als einen unendlichen Prozess: „Ich muss durch etwas hindurch, jedes Mal mit einer Art Regel wie zum Beispiel, dass ich...

Valère Novarina: Die Rede an die Tiere. Übersetzt von Leopold von Verschuer, Matthes & Seitz, Berlin, 2017, 98 S., 12,00 EUR.

Die Sprachströme des Valère Novarina

Was macht das Theater, Maciej Nowak?

Im Jahr 2002 wurde auf der Bühne des Theaterhauses Jena die Ruhe des Stillstands in der Provinz ausgestellt. Acht Menschen träumten, und ein Schaf döste und fraß auf grünem Rasen vor sich hin. Als Bewegung ins Spiel kam und sich die acht Einzelkämpfer in und zwischen drei Fotofix-Passbildautomaten (für das Selbstdesign) unentwegt neu zu erfinden suchten, redeten sie so hektisch, als ginge es nicht nur um ein neues, sondern ums ganze Leben. Provinz ist der Ort, aus dem alle flüchten wollen, indem sie sich neu erfinden. Doch ist sie nicht nur der Ort, an dem man lebt, sondern sie steckt in jedem und man entkommt ihr und sich nicht. Autorin Felicia Zeller hatte mit ihrem Stück „Triumph der Provinz“ ein wildes Konglomerat von Szenen und Situationen, von Mono- und Dialogen für den Prozess immer neuer Identitätserschaffungen vorgelegt. Für die Uraufführung des Stückes hatte Regisseurin Claudia Bauer den mäandernden Fließtext klug gekürzt und aus den Bewegungen und Beziehungen der Figuren kleine Geschichten von groteskem Witz destilliert. Dabei habe ihr auch die Sprache des Stückes gefallen, hob Bauer, die in ihren Inszenierungen deutlich auf die Sprachpoesie der Stücke achtet, im Interview hervor: „Felicia Zeller schafft es, moderne Sprachstrukturen rhythmisch aufzuzeigen, unsere zerrissene,...

Die Leipziger Hausregisseurin Claudia Bauer dekonstruiert die Grammatik des Theaters, um sie in neuer Perspektive wieder zusammenzusetzen

Das mitleidlose Gefühl der Postmoderne

Ein altmodischer Begriff: Oberspielleiterin. Eine junge Künstlerin: Johanna Wehner. Die Verknüpfung beider Namen bescherte dem Stadttheater Konstanz ein spannendes Experiment. Das ehrgeizige, altehrwürdige Theater am Bodensee verbindet sich mit einer Regisseurin am Anfang ihrer Karriere. Ein mutiger Schritt von beiden Seiten, hatte Johanna Wehner doch vor ihrer Verpflichtung zur Spielzeit 2014/15 noch gar nicht in Konstanz gearbeitet. Die Anfrage durch den Intendanten Christoph Nix kam für sie völlig überraschend. Sie muss beeindruckt gewesen sein vom Vertrauen, das Christoph Nix und sein Theater ihrer Person entgegenbrachten, sonst hätte sie die Stelle für die Dauer von drei Spielzeiten wohl nicht angenommen. Was sie mit dem Konstanzer Intendanten gemein hat, ist sicherlich ihre Rastlosigkeit, ihr Arbeitsethos im Übermaß. Wer sie Anfang Mai sprechen wollte, erreichte sie in Frankfurt am Main, mitten in den Endproben zu einer Uraufführung. Als wären drei Hausinszenierungen am Theater Konstanz pro Jahr nicht genug. Johanna Wehner ist ein kontinuierlicher Mensch. Trotz Konstanzer Oberspielleitung inszenierte sie weiterhin in Frankfurt. Dort hatte sie zuvor im REGIEstudio, zusammen mit den Regisseuren Ersan Mondtag und Alexander Eisenach, eine Spielzeit lang das Programm der Frankfurter Spielstätte Box verantwortet. Wenn Oliver Reese ab der kommenden Spielzeit das Berliner Ensemble übernimmt, wird ihre aktuelle Frankfurter Uraufführung...

Johanna Wehner, Regisseurin und Oberspielleiterin am Stadttheater Konstanz, im Porträt

Theater als Kultur- oder als Kunstbetrieb?

Berliner Festspiele: Perspektivwechsel

Eine von mehreren Episodenrollen, die Sophia Burtscher in Botho Strauß’ „Groß und klein“ am Schauspiel Köln spielte, war die namenlose Frau, in der Szene „Nachtwache“. Die Frau, verfremdet per Live-Kamera, ereifert sich darüber, dass ihr Mann sich ohne besonderen Anlass an ihr Bett gesetzt hat, steigert sich hinein in Erregung und Feindseligkeit, bevor die Protagonistin Lotte auftritt, und die Szene sich in ein Mode-Gespräch verwandelt. So, wie die 26-jährige Burtscher die Frau spielte, ging es nicht um Dünnhäutigkeit, sondern um eine derart potenzierte Feinfühligkeit, dass Hysterie, damit verglichen, eine läppische Diagnose gewesen wäre. Man dachte: Wow! – und sollte man diese Schauspielerin kennen? Es war ihre erste Rolle nach dem Studium. Weitere folgten noch in derselben „Groß und klein“-Inszenierung der jungen Regisseurin Lilja Rupprecht, etwa die wissenschaftliche Assistentin Gudrun, die sich in einen tragikomischen Clinch mit ihrem spinösen Partner verstrickt; die Schauspielerin war kaum wiederzuerkennen, und es war klar: So wenig sie die „Frau“ an eine schlichte und schlechte Komik verraten hatte, so souverän beherrschte sie auch das Fach Situationskomik. Oder Geschlechterkomik. Es sei eine spannende Arbeit gewesen, berichtet die 1990 geborene Bregenzerin. Man hört heraus, dass sie selbst irgendwann gern einmal Regie führen würde. Freimütig erzählt sie dann aber...

Die Kölner Schauspielerin Sophia Burtscher besticht in ihren Rollen durch Sensibilität und einen subtilen Sinn für Komik

Potenziert feinfühlig

Guerrilla Marika

Holger Teschke, den Reformator Johannes Bugenhagen, der besonders in Pommern missionierte und darum den Beinamen Doctor Pomeranus bekam, kennt man als Weggenossen Luthers, doch der Name des Rostocker Kaplans zu St. Petri Joachim Slüter, der ab 1517 in Rostock lebte und dort auch 1532 starb, war mir bislang völlig unbekannt. Wie ging es Ihnen, wie begegneten Sie Slüter? Ich wusste, dass Slüter auf Plattdeutsch gepredigt hatte und dass es ein Gerücht gab, er sei wegen seiner radikalen Predigten vergiftet worden. 2015 kam das Angebot vom Volkstheater Rostock, ein Stück über Slüter und den Beginn der Reformation in Mecklenburg zu schreiben. Das war der Anstoß, mich intensiver mit ihm zu beschäftigen. Wie muss man sich diesen Menschen des 16. Jahrhunderts vorstellen? Bei meinen Recherchen zur Stückfassung von „Ingrid Babendererde“, die ich für Sewan Latchinian am Volkstheater Rostock schrieb, stieß ich im Güstrower Schloss auf eine alte Johannes-Figur aus einer Ölberggruppe, die mich an Ernst Barlachs „Lesenden Klosterschüler“ erinnerte. Ich bin davon überzeugt, dass Barlach von dieser Figur, die ein Rostocker Meister um 1430 für das Kloster Dobbertin schuf, inspiriert wurde. Es ist der verinnerlichte Typus eines Gläubigen, der ganz die unio mystica, die Einheit mit Gott, verkörpert. Das, was die...

Holger Teschke über sein neuestes Stück „Leben und Sterben des Kaplans Joachim Slüter zu Rostock“ im Gespräch mit Gunnar Decker

Reformation auf Plattdeutsch

50 Jahre nach dem Putsch in Chile

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Theater der Zeit vergibt 2017 erstmals und ab Juni jedes Jahr in Folge einen Theaterpreis. Er ist Martin Linzer gewidmet, der gemeinsam mit Herbert Ihering, als dessen Schüler er sich begriff, einer dezidiert linken Theaterkritik im 20. Jahrhundert den Weg ebnete und bis ins beginnende 21. Jahrhundert unverwechselbar ausschritt: haltungsstark, beobachtungsscharf und stilsicher. Martin Linzer, der 2015 verstarb, hinterließ eine noch heute klaffende Lücke, für uns wie für das Theater, das er liebte, ohne sich ihm aufzudrängen. Präsent ohne Attitüde, schrieb er mit intellektueller Wachheit und Noblesse seine Theaterkritiken, oft an den Hauptstraßen des Theaterbetriebs vorbei im vermeintlich Kleinen das Große entdeckend. Er tat das 57 Jahre lang für unsere Zeitschrift. So ehren wir ihn und danken ihm, indem wir uns auf seine Spur begeben. Mit Vernunft und ohne Besserwisserei, aber mit deutlichem Bezug aufs Wirkliche. Dieses zu suchen soll der Anspruch des Preises sein, den wir, gemäß dem Votum eines jährlich wechselnden Alleinjurors von Theater der Zeit, jeweils einem Ensemble beziehungsweise einer freien Gruppe zuerkennen wollen, dabei einen weiten Theaterbegriff ausschreitend. //

Schauspiel Leipzig

Martin Linzer Theaterpreis 2017

Autoren Juni 2017 / Vorschau

„Falsch wie Fischstäbchen“

Dieses wird die letzte Kolumne sein, die ich an dieser Stelle schreibe, und es ist gar nicht so leicht, nach ein paar Jahren „Kontexten“ ein passendes Ende zu finden. Gerne hätte ich die Reihe mit einer kleinen Variation über „Theater und Ende“ ausklingen lassen, zumal das Theater anscheinend eine besondere Beziehung zum Ende hat, von Hamlets „Der Rest ist Schweigen“ bis Becketts „Endspiel“, von Emilia Galottis seltsamer Erdolchung bis zu Noras finalem Türknall. Oder Schillers berühmte Schlusssätze, diese Apotheosen des Endes: „Dem Manne kann geholfen werden.“ „Kardinal, ich habe das Meinige getan. Tun Sie das Ihre.“ „Der Lord läßt sich entschuldigen, er ist zu Schiff nach Frankreich.“ Selbst Pollesch hat kürzlich ein Stück inszeniert, das „Ich kann nicht mehr“ heißt. Darin wird gesagt: „Theaterabende sind wie das Leben. Wenn man sich nicht fest darauf verlassen könnte, dass sie mit Sicherheit irgendwann ein Ende haben werden, könnte man sie überhaupt nicht aushalten.“ Und erst die ästhetischen Enden, die in der Theatergeschichte einfach kein Ende finden wollen, vom Ende der Tragödie bis zum Ende der Repräsentation. Das Ende der Volksbühne hätte vielleicht noch Platz gefunden, das Ende des Ensemblemodells hätte diskutiert werden können, das Ende des Stadttheaters sowieso. Übrigens: Ein Ende ist...

Zum Ende kommen

kirschs kontexte: Er ist zu Schiff nach Frankreich

Den ersten Kontakt mit dem Theater hatte Elia Rediger, Frontmann der Basler Popband The bianca Story, im Alter von zehn Jahren, als er für einen gewissen Herrn Schlingensief am Badischen Bahnhof in Basel im Chor ein Empfangslied singen musste. Seitdem ließ ihn das Theater nicht mehr los. In der Spielzeit 2015 / 16 war er im Rahmen des Stück Labors Basel Hausautor am Konzert Theater Bern (siehe auch Interview in TdZ 01/2017). In Zusammenarbeit mit fünf Künstlern aus der Demokratischen Republik Kongo entwickelte Rediger, der selbst in Kinshasa geboren wurde, das Stück „Oh Boyoma – 387 Strophen über eine Stadt ohne Namen“. Die Uraufführung ndet am 2. Juni am Konzert Theater Bern statt. Das hier beigelegte Poster ist Postkarte, Landkarte, Schatzkarte dieser Stadt. In der digitalen Theatermusik­-Edition von Hook Music – dem Label von Theater der Zeit – erscheint die Musik aus „Oh Boyoma“. Download und Streaming bei iTunes, Spotify und allen anderen Online­Musikdiensten. Sollte das Poster an dieser Stelle fehlen, finden Sie es auch als Download unter www.theaterderzeit.de/2017/06/

Elia Rediger: „Oh Boyoma – 387 Strophen über eine Stadt ohne Namen“

München: Münchner Förderpreis für neue Dramatik 2023 für Matthias van den Höfel

Widerhall einer kollektiven Erinnerung in Chile

Ich errinnere mich

Theater als Raumschiff

Sie machen Theater an einem ungewöhnlichen Ort: oben auf der Schwäbischen Alb, in dem 950-Seelen-Dorf Melchingen, in einer umgebauten Bauernscheune. Aus wilden Anfängen hat sich da in über 35 Jahren etwas Einmaliges entwickelt: das Theater Lindenhof, das einzige Regionaltheater im Südwesten. Es spielt in ganz Baden-Württemberg und gastiert zuweilen auch am Berliner Ensemble, bei Theater der Welt oder bei den Ruhrfestspielen. Typisch für die Lindenhöfler sind ihre ortsgeschichtlich inspirierten Freiluftspektakel, wenn sie mit dem Publikum Landschaften, Plätze, Gassen und Städte erkunden und mit Theater verzaubern. Theater als gemeinsame, selbstbestimmte Lebensform – das war einst der große Traum der jugendlichen Amateurspieltruppe um Uwe Zellmer, Bernhard Hurm und Dietlinde Ellsässer, die 1981 aus den Städten hinaus aufs Land strebte, beflügelt vom Hölderlin-Appell „Komm! ins Offene, Freund!“, und dort oben auf der Alb, in Schwäbisch-Sibirien, aufklärerisches Volkstheater machte – kantig, zuweilen hart, aber auch anarchisch, poetisch: vom mundartlich gefärbten „Entaklemmer“, einer Molière-Variante von Thaddäus Troll, über Shakespeare und Schiller bis Horváth und Brecht, Lausund und Ringsgwandl. Der große Quantensprung in der Lindenhof-Historie war das erste Tübinger Sommertheater 1986 – ein Theaterspaziergang zum Thema Friedrich Hölderlin. 42 Aufführungen, 12 500 Zuschauer: ein Ereignis. Noch in der Wiederaufnahme 1993 stürzte sich der Dichter allabendlich in...

Zwischen Heimweh und Hinausweh – Der Melchinger Lindenhof

Schwäbisch-Sibirien

Graz: Retzhofer Dramapreis 2023 für Leonie Lorena Wyss

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Die rote Regionalbahn hält selbst in den kleinsten Dörfern. Dann rollt der Zug durch beschauliche Landschaften mit Weinreben, Wald und historischen Burgen. Nach Aalen, Baden-Baden, Ulm und Heilbronn führt die Theaterreise. Also eine Tour durch die badenwürttembergische Provinz? Schon der Blick in die Spielpläne der vier so unterschiedlichen Häuser verrät, dass diese Kategorie reichlich verfehlt ist. Denn was die Stadttheater ihrem Publikum bieten, lässt auf einen weiten Horizont schließen. Und auf ein vielschichtiges, begeistertes Publikum, das hungrig ist auf eine lebendige Kultur, die künstlerische Debatten entfacht und politische Diskurse anstachelt. Theater auf der Straße gehört in Aalen auf der Ostalb zum ästhetischen Konzept. Aus der Not, sich mit provisorischen Spielstätten begnügen zu müssen, macht eines der kleinsten Stadttheater Deutschlands eine Tugend. Beim soziokulturellen Projekt „Boulevard Ulmer Straße“ mischt die Bühne in Kooperation mit anderen Institutionen mit. In der „Gerücheküche“, einem ausgemusterten Bauwagen, servieren die Theatermacher Suppe zur Schauspielkunst. Anwohner des Gewerbegebiets, in dem das Theater im Bürogebäude WIZ seine Hauptspielstätte hat, kommen mittags um zwölf Uhr ebenso zum Essen wie Flüchtlinge oder Menschen, die in den Firmen arbeiten. Kurze Szenen, Lesungen und Lieder regen zum Austausch an. Sprachbarrieren überwinden die Künstler mit ästhetischen Formaten, die Menschen unterschiedlicher Kulturen verbinden. Künstlerisch...

Aalen, Baden-Baden, Ulm, Heilbronn – Eine Reise durch die baden-württembergische Theaterlandschaft

Vernetzte Kulturen

Die Straße wird queer

Landestheater Schwaben Memmingen: Die Liebe zum letzten Zitroneneis 

Der Albtraum ist noch nicht vorbei

Zu woke für das Publikum?

Vom toten Huhn bis zu den Millennials

Emily weint doch nie

Was folgt

Teatro Lautaro in Deutschland gestern und heute

TdZ on Tour

Wir sind die Roboter“. An diesen berühmten Song der Elektro-Pop-Band Kraftwerk muss man denken, wann man in Enrico Lübbes neuester Inszenierung „Die Maßnahme / Die Perser“ einem Chor aus rot-blau uniformierten, gesichtslosen Einheitsmenschen gegenübersitzt. Sind dies Avatare der modernen Arbeitswelt? Oder verweisen sie in ihrer Farbgebung auf die großen Jugendorganisationen der DDR, auf Junge Pioniere und FDJ? Enrico Lübbe jedenfalls ist mit Bert Brechts und Hanns Eislers „Die Maßnahme“, die...

Editorial

Im SÜDEN, wo sich die Überflüssigen treffen

Theaterhaus Jena: „Die Stiere“ (UA) von Marcos Díaz und Rogelio Orizondo. Regie Moritz Schönecker, Ausstattung Benjamin Schönecker und Veronika Bleffert

Jena: Castros Enkel

 Das Ende der Verzichtsmetapher

Eine Geste: Ausgraben

Das Thema Zukunft boomt. Die Zeit der rhetorischen Beschwörung vermeintlicher Alternativlosigkeit(en) scheint beendet. Und wo wäre das Imaginieren, Entwerfen und Verhandeln neuer postkapitalistischer Systeme des Wirtschaftens und Zusammenlebens besser aufgehoben als im Bereich der Künste? Unter dem Titel „Abweichen! Das Irreguläre als Haltung für Kunst und Pädagogik“ fanden sich am 12. und 13. Mai circa sechzig geladene Gäste aus Theaterpraxis, -wissenschaft und -pädagogik sowie Schauspiel und Kunstvermittlung zusammen, um „neue Wege sozialen Handelns zu generieren und zu diskutieren“. Die Tagung ist Teil einer vom Niedersächsischen Ministerium für Wissenschaft und Kultur geförderten Kooperation des Instituts für Performative Künste und Bildung an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig und des Studiengangs Schauspiel der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover. Den Ideengeberinnen und Leiterinnen der Konferenz, Dorothea Hilliger und Regina Guhl, ist es hervorragend gelungen, dafür zu sensibilisieren, wie elementar es – nicht nur für Künstler und Künstlerinnern von morgen – ist, aus den eigenen sozialen, oft sehr homogenen und privilegierten Blasen herauszutreten und eine (im positiven Sinne!) konfrontative Haltung zur Welt zu entwickeln. Dafür standen Persönlichkeiten wie der Filmemacher Thomas Heise oder die beiden Sozialpädagogen Tugba Tanyılmaz und Sven Woytek Pate. Dass alternative, von geltenden Normen und Denkmustern abweichende Ideen künstlerisch...

Staatstheater Braunschweig: „Überzeugungstäter“ (UA) von Auftrag : Lorey. Projektleitung Auftrag : Lorey. Bühne Marvin Ott, Carla Maria Ringleb, Kostüme Carlotta Oetter

Braunschweig: Wofür kämpfen?

Was kommt zum Schluss? Wirft das Freiburger Schauspiel in der letzten Spielzeit der Intendanz Mundel die Illusionsmaschine an? Nein, das Freiburger Theater bleibt sich treu und wird zum Diskursraum für ein gigantisches dramaturgisches Projekt. In „Eurotopia“ gestalten acht internationale Künstlerteams acht „Statements“ zum Thema Europa. Gerade weil das Vertrauen des Publikums in die diskursiven Fähigkeiten des Theaters Freiburg enorm gewachsen ist, bleibt Enttäuschung nicht aus. Zu disparat erscheinen die sieben Beiträge innerhalb des Inszenierungsabends im Großen Haus (der achte Beitrag, Milo Raus Videoinstallation „The Civil Wars“, läuft ausgelagert in der Kammerbühne). Eine gemeinsame Bühnensprache ist nur schwer erkennbar. Der Austausch zwischen den Künstlerteams kam zu kurz, das bedauert die Dramaturgie des Hauses ganz offen. Die geschreinerten Rednerpulte unterschiedlicher Größe, von ORTREPORT &amp; Meier/Franz als verbindendes bühnenbildnerisches Zeichensystem geschaffen, bilden eine formale Klammer. Anfang und Ende? Los geht es mit der Kurzoper „Die Verführung Europas“, in der der türkische Theatermacher Memet Ali Alabora die Entführung der mythischen Europa-Figur als Migrationsgeschichte inszeniert. Der Zuschauer bedarf dabei allerdings des Programmhefts, um zu verstehen, dass Alabora die Oper als „die europäischste aller Kunstformen“ begreift. Seinen Abschluss findet „Eurotopia“ wiederum in einem wütenden Trommelwirbel zur europäischen Kolonialisierung Afrikas: mit den „Freiburg Files“. Unter der künstlerischen...

Das Theater Freiburg gestaltet Zukunft und bewältigt dabei den Abschied von Ensemble und Intendanz

Utopie als Suchbewegung

Laudation von Jurymitglied Martin Brachvogel für Lena Gorelik

Selbstverständigungsprozess

Mehr als zehn Jahre Handeln und Wirken auf einige Zeichen herunterzubrechen ist immer eine vermessene Angelegenheit. Erst recht, wenn die Intendanz ein Haus mit mehreren Sparten umfasst. Und wenn das Programm eines solchen Großbetriebs der Kunst so gar nicht klar auf zwei oder drei Schlagworte reduziert werden kann. Denn wer versucht, die Amtszeit von Dagmar Schlingmann am Saarländischen Staatstheater zu bilanzieren, kommt unweigerlich zu der ersten Erkenntnis, dass ihr Profil in gewisser Weise die sehr wichtige Auflösung eines Profils voraussetzt, nämlich ein Etikett wie Volks-, Heimat- oder nationalkulturelles Theater bewusst hinter sich zu lassen. Geografisch mag das Haus einerseits am Rande Deutschlands, andererseits im Herzen Europas liegen. Das kleine Saarland mit seiner wechselvollen deutschfranzösischen Geschichte weiß, dass es nur in der Vernetzung zu Bedeutung gelangt. Dagmar Schlingmann hat die Notwendigkeit daher zur Tugend erhoben, indem sie das von der EU geförderte Netzwerk „Total Theatre“ begründete und über Jahre hinweg ausbaute, das unter anderem Kooperationen mit Theatern in Frankreich, Belgien und Luxemburg umfasst. Dem europäischen Gedanken verpflichtet, setzte die Intendantin vor allem auf den Kernkanon des Kontinents. Von der italienischen Oper, mit Giuseppe Verdis „La Traviata“ oder Gioachino Rossinis „Der Barbier von Sevilla“, über Shakespeare als Inbegriff der englischen Dramatik, den...

Mit Maß und Mitte brachte Dagmar Schlingmann das Saarländische Staatstheater während ihrer zehnjährigen Intendanz wieder ins Spiel. Eine Bilanz

Die Kunst des Theater-Zens

studioNAXOS Frankfurt: Queerness zwischen Widerstand und Utopie 

SagdochmalLuca

Angesichts der (selbst)kritischen Reformdiskussionen zum nicht eben mitarbeiterfreundlichen deutschen Stadttheater mag es zunächst beinahe wie ein aus der Zeit gefallenes Klischee klingen, aber András Dömötör sagt, er liebe das Theater, es sei schon eine „huge addiction“, eine Hingabe, vielleicht auch eine Sucht. Tatsächlich verbringt er seit 1999, als er in Budapest mit dem Schauspielstu -dium begann – später studierte er parallel zu seiner Arbeit als Schauspieler Regie –, einen Großteil seiner Lebenszeit mit und im Theater. Was andere als erschöpfenden Produktionsapparat mit zu wenig Weltbezug beschreiben, nennt Dömötör, der am liebsten mit zeitgenössischen Texten und an aktuellen Themen arbeitet – auch im hierzulande kaum gewagten Format der schnell produzierten, politische Nachrichten verarbeitenden Theaterserie –, „the best place in life“. Für den 1978 Geborenen, der trotz schwindelerregender Premierenzahlen pro Spielzeit (fünf für 2017/18 in drei Ländern) nicht müde oder abgekämpft wirkt, liegt das Besondere des Mediums Theater in dessen Fähigkeit, Fantasien und Energien freizusetzen. Er liebt vor allem die auf dem angstfreien und befreienden Austausch beruhende Arbeit mit den Schauspielerinnen und Schauspielern. Und die Momente am Rande der Proben, wenn im Übergang zwischen Rolle und Privatheit, Ernst und Spiel mitunter die besten Ideen entstehen. Als Theatermacher politisiert hat ihn erst die...

Der ungarische Regisseur András Dömötör spiegelt in energiegeladenen Inszenierungen die Gegenwart Europas

Mephistoland Europa

Vor Kurzem noch hatten meine Frau und ich Hans-Joachim Ruckhäberle und seine Frau zum Abendessen eingeladen. Sie blieben bis spät in die Nacht, und er berichtete voller Tatendrang, was er mit „seinen beiden Dieters“, wie er es ausdrückte, den Regisseuren Dieter Dorn und Dieter Wedel, so alles plane. Er erzählte von seinen letzten Theaterpremierenbesuchen, seine Neugierde war ungebrochen. Nun sitze ich vor diesem Nachruf und möchte ständig zum Telefon greifen und ihn fragen, wie er dieses und jenes denn nun wirklich sieht und was ich in diesen Nachruf schreiben soll. Das erste Mal traf ich Hans-Joachim Ruckhäberle 1990 in Oberammergau, in einem umfunktionierten Kino, in dem Christian Stückl „Was ihr wollt“ inszenierte. Ich war achtzehn Jahre alt, noch Schüler an der örtlichen Holzbildhauer-Schule und baute mein erstes Bühnenbild. Und dann gleich „hoher Besuch“ aus München! Ruckhäberle, die langen Haare zum Pferdeschwanz gebunden, saß rauchend, seine hagere Statur s-förmig um den Bistrotisch gebogen, in der Ecke. Ich war beeindruckt. Ein echter Intellektueller! Er sah aus, als käme er eher aus Paris denn aus München. Der Chefdenker des Bayerischen Staatsschauspiels – man könnte annehmen, das sei der weltfremdeste, entrückteste Mitarbeiter eines Theaters. Doch gerade er war es, der sich in der „echten“...

Zum Tod des Dramaturgen und Theatertheoretikers Hans-Joachim Ruckhäberle

Mit lässiger Sachlichkeit

Unsere Welt ist ein Theatervorhang, hinter dem die tiefsten Geheimnisse verborgen liegen. Rainer Maria Rilke (Spielzeitmotto 2012/13) Täglich geht der Vorhang auf. Und es gibt die Zeit, da hebt er sich für eine neue Theaterleitung, voller Erwartung, ob sie erfüllt werden kann, ob sie eingelöst wird. Im Herbst 2012 übernahm Johannes Reitmeier, zuvor Intendant des Pfalztheaters Kaiserslautern, als Nachfolger von Brigitte Fassbaender das Tiroler Landestheater und Symphonieorchester Innsbruck (TLT). Ein Mehrspartenhaus mit rund 400 Mitarbeitern, finanziell abgesichert, Gesamtbudget rund 27 Millionen Euro. In den fünf Jahren erreichte Reitmeier als geschäftsführender Intendant einen Höchststand von 8370 Abonnenten und schaffte es mit seinem Spartenleiter Thomas Krauß, das stark schwächelnde Schauspiel auf den Auslastungsstand des in Innsbruck traditionell dominierenden Musiktheaters zu heben. Als geschäftsführenden Kaufmännischen Direktor hat er Markus Lutz an seiner Seite. Auf Wunsch der Politik (Land Tirol, Stadt Innsbruck) wurden 2016 die renommierten Innsbrucker Festwochen der Alten Musik, künstlerisch weiterhin autonom, administrativ ins Tiroler Landestheater eingegliedert. Außerdem betreut die Theaterleitung einen Neubau, der den maroden Kammerspielen eine neue Heimat bieten soll sowie das Orchester beherbergen wird. Keine Überraschung, dass Reitmeier für weitere fünf Jahre verpflichtet wurde. Erstaunlich eher, dass er bis 2022 zusagte. Die Fantasie kann alles. Sie ist ein mutwilliges...

Fünf Jahre Tiroler Landestheater unter der Intendanz von Johannes Reitmeier

Aus allen Tälern

Mateja Koležniks „Kinder“

Acht Figuren suchen das Lebensglück, inmitten unerschlossener Freiheit. Einige finden, dass schon in ihrem bisherigen Leben eigentlich nichts wirklich auf diese Glückserfüllung angelegt war. Jedenfalls nicht auf die ganz große Erfüllung. Es ist dieses Thema der Wehmut, das Fritz Kater in seinen Stücken immer wieder aufgreift. Thomas war mal ein Rockmusiker, der nach der Wende in Versicherungen machen musste, damit das eher Rocker-untypische Reihenhaus mit seinen Bauschäden wenigstens zur Hälfte abbezahlt werden konnte. Er träumt von einer Go-Kart-Bahn als etwas glamouröserer Existenz, näher an den alten Träumen. Ihm gegenüber, fast wie in einer sozialen Versuchsanordnung der ostdeutschen Nachwendeprovinz, sind da noch der frühere Parteiarbeiter Benjamin, der seit dem wohl eher versehentlich abgegebenen und einzigen Schuss im Herbst ’89 im Rollstuhl sitzt, und der aus dem Westen gekommene Pfarrer, der mit seiner etwas falsch wirkenden Freundlichkeit an den realen Nöten vorbeifremdelt. 2003 schrieb Fritz Kater das Stück „Sterne über Mansfeld“, und sein Alias Armin Petras inszenierte die Uraufführung in Leipzig. Vierzehn Jahre später können die „Sterne über Senftenberg“ angesichts der Übernahme von Figurenkonstellationen und Motiven als ein Remake bezeichnet werden – andere Zeit, anderer Ort. Es ist vom Staub der Kohle die Rede, um die Figuren glaubwürdig in die unmittelbare Landschaft...

Neue Bühne Senftenberg: „Sterne über Senftenberg“ (UA) von Fritz Kater. Regie Dominic Friedel, Ausstattung Peter Schickart

Senftenberg: Der Lange-nachder-Wende-Blues

Ihr Auftrag ist es, mit ihren Spielplänen „risikofreudige, unbequeme und unberechenbare Kunst mit unterhaltsamen und traditionellen Produktionen auszubalancieren“. Das sieht die Konzeption „Kunst 2020“ der badenwürttembergischen Kulturpolitik für die drei Landesbühnen vor. Kurz gesagt: Sie bringen anspruchsvolle Kultur in den ländlichen Raum. Erfolgreich, aber mit ganz unterschiedlichen ästhetischen Konzepten entwickeln die Intendanten Carsten Ramm in Bruchsal, Friedrich Schirmer in Esslingen und Thorsten Weckherlin in Tübingen die Profile ihrer Häuser, die im besten Sinn Wanderbühnen sind. Grenzen setzen den Landestheatern die finanziellen Möglichkeiten. Siebzig Prozent der Etats finanziert nach dem gängigen Modell das Land, dreißig Prozent tragen die Kommunen. Nur die Bühne in Bruchsal bekommt etwas mehr von der Stadt. Für die vorbildlichen Projekte, die alle drei Landestheater mit ihren Kinder- und Jugendbühnen anstoßen, gibt es zwar zusätzliche Fördermittel, zum Beispiel von der Kulturstiftung des Bundes oder aus anderen Töpfen. Das hat allerdings einen Haken. „Wenn ein Projekt erfolgreich gestartet ist, läuft die Förderung schon bald wieder aus“, bedauert Marco Süß, Leiter der Jungen WLB in Esslingen, etwa mit Blick auf den Innovationsfonds des Landes Baden-Württemberg oder den Topf „Kulturelle Bildung im ländlichen Raum“. Deshalb sein Wunsch: „Das sollte ein Nachhaltigkeitsfonds werden.“ Denn Pläne haben die Theatermacher viele. Die Landespolitik setzt...

Die drei Intendanten der baden-württembergischen Landesbühnen Carsten Ramm, Friedrich Schirmer und Thorsten Weckherlin im Gespräch mit Elisabeth Maier

„In Stadthallen lässt sich kein neues Publikum generieren“

Bonobo

Vom Verschwinden der Körper in frostiger Zeit

1986

Theater für alle versus faire Bezahlung?

Laudatio von Jurymitglied Brigitte Korn-Wimmer für Marisa Wendt (Auszug)

Das Konzert Theater Bern kündigt die Schweizer Erstaufführung eines Stücks von Lukas Bärfuss an, welches man nicht kennt – das erstaunt. Es stellt sich heraus, es ist ein bereits 2001 in Bochum uraufgeführtes Werk. Samuel Schwarz, mit dem Bärfuss damals die Theatergruppe 400asa gegründet hatte, die mit brisanten politischen Inhalten und innovativer Ästhetik für Furore sorgte, brachte das Stück zur Aufführung. Seitdem wurde es in den Dramaturgiestuben unbeachtet nach hinten gelegt. Weshalb auch immer, aber es war ein Fehler. Bärfuss, der in den letzten Jahren vor allem Frontberichte aus dem Schweizer Kulturkrieg geliefert und die Natur der konservativen Revolution dargestellt hat, die den Massen christlich-kriegerische Spektakel bietet und Wohltaten an die Reichen verteilt, der die Korruption der öffentlichen Debatte, die Verdrängung jeder Sache, um die es sich lohnt zu streiten, anprangerte, schrieb mit „Die Reise von Klaus und Edith durch den Schacht zum Mittelpunkt der Erde“ ein Theaterstück, welches an die Dramengeschichte der fünfziger und sechziger Jahre erinnert: an die Häftlingspsychosen bei Sartre und Genet, auch an Anouilh. Er überhöht eine dramatische Familiengeschichte zur parabelhaften Allegorie und spendiert, das soll gleich gesagt sein, einen ganz und gar überzeugenden Theaterabend, der all jenen gefallen wird, denen die derzeit fast schon wieder...

Konzert Theater Bern: „Die Reise von Klaus und Edith durch den Schacht zum Mittelpunkt der Erde“ von Lukas Bärfuss. Regie und Bühne Claudia Meyer, Kostüme Barbara Kurth

Bern: Die Entzifferung des Verworfenen

Den Martin-Linzer-Theaterpreis 2017 vergibt Theater der Zeit an das Schauspiel Leipzig. Unter der Leitung seines Intendanten Enrico Lübbe ist es dem Ensemble über jetzt fünf Spielzeiten hinweg nicht nur gelungen, ein ehedem leergespieltes Haus wieder zu füllen – mit jährlichen Auslastungszahlen von über achtzig Prozent – sondern es auch zu einem zentralen Ort gedanklicher und künstlerischer Debatte zu entwickeln. Hier wird etwas verfolgt, das nicht den schnellen Einzelerfolg sucht, das dank kluger konzeptioneller Rahmung über das Bühnengeschehen hinausweist und immer ein Ziel hat: den neuen Zuschauer, Jung und Alt. Das Schauspiel Leipzig will im Herzen der Stadt einen Ort der An-, aber auch der Aufregung, des Austauschs, aber auch der Geselligkeit schaffen, um auf die inzwischen sehr unterschiedlichen und sich immer weiter ausdifferenzierenden Erwartungen an das Theater so zu antworten, wie es nur die Kunst, ergo auch das Theater kann. Kennzeichnend für den Leipziger Weg sind die künstlerischen Doppelbefragungen von antiken und zeitgenössischen Stoffen, von Stücken der Moderne, aber vor allem auch von origineller Gegenwartsdramatik, mit der das Haus inzwischen auch überregional Anerkennung und Bewunderung erzielt hat. Dank eines fulminanten Schauspielerensembles und sehr unterschiedlicher und starker inszenatorischer Zugriffe, die nicht nur der Intendant und die beiden Hausregisseure Claudia Bauer und...

Ein ekelhaftes Theaterstück

„Es gab in all den Jahren kaum Denkverbote bei uns. Nicht erlaubt aber war, auf der Probe zu fragen: Verstehen das die Kinder?“ 27 Jahre ist Dagmar Schmidt als Chefdramaturgin der Münchner Schauburg gemeinsam mit ihrem Mann und Intendanten George Podt dem Auftrag der Stadt nachgekommen, „realitätsbezogenes Kinder- und Jugendtheater“ zu machen. „Aber das“, erklärt der Intendant, „haben wir nie in dem Sinn wörtlich genommen, dass wir deswegen eins zu eins die Probleme junger Menschen abgebildet hätten. Unsere Arbeit war gesellschaftsorientiert.“ Und so wurde der Spielplan der Schauburg nicht von Pubertätsdramen dominiert, sondern eher von Texten klassischer Autoren: von Shakespeare und Büchner, Strindberg, Storm und Hauptmann oder Ionesco und Nadolny. „Kompliziertheit statt Vereinfachung!“ lautete das Motto. Und: „Fragen statt Antworten!“ Denn „die Antwort“, sagt Schmidt, „ist immer eine Lüge. Die Frage hält neugierig. Auszuhalten, dass es keine Antworten gibt, ist der erste Schritt zur Toleranz.“ Dass diese Überzeugung neben einem inhaltlichen Ansatz auch ein ästhetisches Konzept beschreibt, wurde noch einmal in der letzten Inszenierung Beat Fähs eindrucksvoll sichtbar. Der Schweizer Theatermann war einer der prägenden Regisseure der nun zu Ende gehenden Ära Podt/Schmidt. Zum Abschied (nicht nur von der Schauburg, sondern von der Regie überhaupt!) adaptiert er Fellinis Filmklassiker „La...

Fazit der 27-jährigen Ära Podt / Schmidt an der Münchner Schauburg

„Es gibt kein Kinder- und Jugendtheater als eigene Sparte“

Florian Lutz, Veit Güssow, Michael von zur Mühlen, die Oper Halle ist unter Ihrer Leitung mit einem ästhetisch radikalen Programm sehr erfolgreich gestartet. Nun schlägt die Mitteldeutsche Zeitung reißerisch Alarm. Ein „Millionenloch“ von 1,5 Millionen Euro soll im Etat der TOOH klaffen – wobei sämtliche Zahlen vonseiten der TOOH bislang nicht bestätigt sind. Die MZ macht vor allem die Oper dafür verantwortlich. Die Einnahmen aus Ticketverkäufen sollen zwischen Januar und April 2017 bei 333 000 Euro gelegen haben, im Vergleichszeitraum 2016 waren es 600 000 Euro. Ist das Alarmismus oder Alarm? Zu dem angeblichen Millionenloch können wir an dieser Stelle nichts sagen. Das betrifft strukturelle Fragen, die im Bereich der Geschäftsführung liegen. Die Einnahmen der Oper mit diesen Fragen in Verbindung zu bringen ist eindeutig Alarmismus. Wir haben uns auf der Ausgabenseite strikt an unsere Budgets gehalten. Die in der MZ lancierten Zahlen über die Einnahmen der Oper waren nicht mit der Opernleitung abgestimmt und geben ein verzerrtes Bild der Lage ab. Dieser Vorgang hat uns sehr beunruhigt. Warum kommen diese Zahlen gerade jetzt in Umlauf? Und woher stammen sie? Wer auch immer das tut, dürfte nur ein geringes Interesse an der künstlerischen Entwicklung der GmbH haben – denn das...

Was macht das Theater, Oper Halle?

Laudatio von Jurymitglied Eva-Maria Voigtländer für Yannic Han Biao Federer

Datenklau im Zuschauerraum – das praktizieren Chris Kondek und Christiane Kühl in ihrer Installation „Anonymous P.“. Damit sprengen die Performer Grenzen. Zunächst verwickeln sie das Publikum in ein Smartphone-Spiel, kommen so an deren Daten, hacken E-Mail-Konten. Und die Zuschauer müssen erkennen, dass sie gläserne Menschen sind. Dieses und andere Medienprojekte verblüfften die Teilnehmer bei der Karlsruher Tagung zur Digitalisierung des Dramas. Lust auf technische Experimente brachten viele mit. Aber wie lässt sich das im Theaterbetrieb realisieren? Da war manch einer skeptisch. „Wir dürfen nicht ängstlich sein, sollten die kalten Medien mit den Emotionen der Schauspieler aufladen“, fordert Jan Linders, stellvertretender Intendant und Chefdramaturg des Karlsruher Staatstheaters. Er hatte die Tagung am Karlsruher Zentrum für Medientechnologie (ZKM) zusammen mit der European Theatre Convention (ETC) organisiert und Medienkünstler aus Europa und den USA eingeladen. Mit 110 Theatermachern aus 20 Ländern loteten sie Möglichkeiten aus, die neue Technologien den Bühnen bieten. Um über den Horizont beschränkter Theaterapparate hinauszublicken, hatte Linders das ZKM und seinen Leiter, den Medienkünstler und Professor Peter Weibel, ins Boot geholt. Der prophezeit einen radikalen Wandel: „In Zukunft werden wir ein Theater der Dinge haben. Schauspieler werden mit Robotern und autonomen Gegenständen spielen.“ Weichen würden im Virtuellen gestellt. Dies will...

Europäische Künstler denken in Karlsruhe über Theater und digitale Medien nach

Schauspieler in virtuellen Schleifen

Du hast keine Vorstellung, was auf dich zukommt!“, warnte mich meine Freundin und Nochnicht-Kollegin Kerstin, als sie mich 2013 anrief. Sie hatte wissen wollen, ob ich jemanden für die Karlsruher Dramaturgie wüsste, und ich, zu der Zeit Student bei Autordramaturg John von Düffel, hatte unbescheiden mich selbst vorgeschlagen. Nein, ich hatte wirklich keine Vorstellung davon, was dann auf mich zukam; und als zunächst Kerstin, dann Schauspieldirektor Jan Linders und schließlich Generalintendant Peter Spuhler meinem Engagement zustimmten, zog ich aus meiner Berliner Kunstblase in das beschauliche Baden. Das Erste, was einen dort erwischt, ist die brutale Hitze. Der Kaiser hat in Karlsruhe seine Kolonialbeamten erprobt, General Rommel sein Afrikakorps. Der massive Sichtbetonbau des Badischen Staatstheaters – aus allen Nähten platzend, ein Neubau längst überfällig – wird von Juni bis September eine thermische Herausforderung für die etwa tausend Menschen, die in ihm arbeiten. In diesem Supertanker der deutschen Stadttheaterlandschaft sind fünf Sparten vereint, mit der entsprechenden Vielzahl an künstlerischem, handwerklichem, administrativem und sonstigem Personal. Viele Hände zu schütteln, viele Namen zu merken. Viele Freunde zu finden. Mein erstes größeres Projekt in Karlsruhe war ein Abend zu den Terrortaten des sogenannten Nationalsozialistischen Untergrunds. Zusammen mit dem Regisseur Jan-Christoph Gockel und den sehr interessierten...

Mal fluchend, mal singend – Auf der Dramaturgenbrücke des Badischen Staatstheaters Karlsruhe

Der Supertanker

Ruhrtriennale: Eine Reise zum Mittelpunkt des Menschseins

Vielleicht ein Aufbruch

Wer Josef Winkler für das Theater begeistern will, der muss schon in den Wörthersee steigen und auf den Schriftsteller zuschwimmen. Veronica Kaup-Hasler, Intendantin des Festivals steirischer herbst hat es getan, und damit 2015 in Graz mit „Specter of the Gardenia“ den ersten Theatertext Winklers sprichwörtlich an Land gezogen. Das zweite Theaterhaus in Österreich, das einen Text von Josef Winkler auf die Bühne brachte, war nicht das Burgtheater (dessen Auftragswerk an den Autor erst im November Premiere hat), sondern das Landestheater Niederösterreich. Eine Dramatisierung der Erzählung „Roppongi“ erlebte im vergangenen Januar dort in St. Pölten seine Uraufführung. Es wurde ein schöner, kleiner Abend voller pfeilgenauer Sprechakte und gesundem Respekt vor der bildgewaltigen Kraft des Textes, den Regisseurin Julia Jost umgesetzt hatte. Das Landestheater Niederösterreich, seit Anfang der Spielzeit von Marie Rötzer geleitet, war im Fall Winkler also ganz vorne mit dabei. Nicht das einzige Indiz dafür, dass das Haus einen guten Lauf hat. Das Landestheater hat sich in den letzten Jahren neben Graz und Linz zur drittwichtigsten Landesbühne außerhalb Wiens entfaltet, beginnend vor allem mit der Intendanz von Bettina Hering 2012. Schon deren Vorgängerin Isabella Suppanz setzte wichtige Aufbauarbeit in Gang, darunter einen handverlesenen Gastspielbetrieb, der dann unter Hering exponierte Regiehandschriften...

Unter der neuen Intendanz von Marie Rötzer twittern Politiker am Landestheater Niederösterreich ihren Leichtsinn in die Welt und ein Friedenschor wartet auf seinen Auftritt

Eine Bombe zum Kaffee?

Barbara Ehnes, Kattrin Michel, im Studiengang Bühnen- und Kostümbild an der HfBK Dresden vertreten Sie zwei von insgesamt drei Professuren. Wie sieht der Unterricht bei Ihnen aus? Kattrin Michel: Bühnen- und Kostümbild in Dresden ist ein Diplomstudiengang, in dem in aufeinander aufbauenden Modulen unterrichtet wird. In den ersten beiden Jahren lernen die Studierenden fachspezifische Grundlagen, meistens in Gruppenarbeiten. Es ist zunächst eine Art klassische Theaterausbildung, bei der Stücke erarbeitet werden und es also um Textarbeit und Dramaturgie, Zeichnen, technische Grundlagen und so weiter geht, damit die Studierenden die einzelnen Phasen einer Entwurfsarbeit einmal durchlaufen haben. Danach treten sie in das Hauptstudium ein, das heißt, sie sind in ihrem Studium dann wesentlich freier. Wir bieten semesterweise Themen an, und die Studierenden können sich sowohl bei Barbara Ehnes als auch bei mir für Projekte eintragen. Im letzten Jahr des Studiums gibt es zwei Diplomthemen, die sich die Studierenden wählen, ein Thema wird von Barbara und eines von mir mentoriert. Barbara Ehnes: Und man kann für zwei Jahre Meisterschülerin bei uns werden, auch wenn man nicht in Dresden studiert hat. Für viele, die sich nach dem Studium entscheiden, nicht in Assistenzen zu gehen, sondern in Dresden eine freie Gruppe zu gründen, ist das...

Barbara Ehnes und Kattrin Michel über den Studiengang Bühnen- und Kostümbild an der Hochschule für Bildende Künste Dresden im Gespräch mit Nicole Gronemeyer

Handwerk und Kritik

Zimmertheater Tübingen: Zauberwald in Zeiten des Klimawandels 

Staatstheater Augsburg: Kurvenkontrollfreaks unter sich 

Peter Paul Rubens wurde in Siegen geboren. Zwar hätte man den barocken Maler für einen Flamen gehalten, er hat auch nur wenige Monate in der (seinerzeit vermutlich idyllischen) Geburtsstadt verbracht, aber was soll’s – ein bisschen stolz darf man auf den flüchtigen Siegener schon sein. Wie auch auf den 390 Jahre später geborenen Navid Kermani, Friedenspreisträger des Deutschen Buchhandels, dessen Roman „Große Liebe“, 2014 erschienen, in Siegen spielt, ohne dass die Stadt je beim Namen genannt wird. Kenner sagen, sie sei erkennbar. Schön ist das heutige Siegen nicht, aber schön gelegen. Und seit zehn Jahren hat Siegen ein veritables Theater mit 520 Plätzen, von dem man gut und gern behaupten kann, dass es floriert. In der Saison 2015/16 kamen fast 100 000 Besucher in das ehemalige Apollo-Kino. Als das Theater 2007 unter maßgeblicher Beteiligung eines Trägervereins gegründet wurde, hielt man eine Zuschauerzahl von 45 000 für realistisch. Sie wurde bereits im ersten Jahr übertroffen. Magnus Reitschuster, der Intendant und Geschäftsführer, ist ein bayerischer Schwabe. Er war zuvor Chefdramaturg in Erlangen. Die Siegener Theaterszene, erzählt er in seinem kleinen Büro, war vor 2007 „wunderbar desolat“. Die Tourneetheater gastierten in einer Schulaula. Sonst gab es nichts. Dabei hatte man sich schon seit...

Das Apollo-Theater Siegen hat sich in den zehn Jahren seit seiner Gründung zu einem Ort entwickelt, der Identität und Differenz ausspielt

Heimat hoch zwei

Philipp Preuss, Sie zeigen in Ihrem „Sommernachtstraum“, der 2015 am Schauspiel Leipzig Premiere hatte, einen Wald aus Überblendungen. Das steht nicht zuletzt in einer Tradition von Max Reinhardt, der in seiner Verfilmung von 1935 schon mit Überblendungen arbeitete. Bei Ihnen sehen die Bilder vor allem unheimlich aus. Es sollen immer Doppelbilder sein, die nichts Erklärendes haben, sondern etwas Erratisches, Befragendes, Abgründiges, Albtraumhaftes. Mir geht es schon lange um die Traumerzählung im Theater, auch als Freiheit der Kunst, sich zu verrätseln. Das kann ins Psychedelische gehen, in den Surrealismus. Es müssen für diese Traumlogik verschiedene Elemente zusammenkommen, damit dieser „trippige“ Zustand entsteht: die Musik mit dem Spiel, mit dem Loslassenkönnen der Spieler. Wenn man in der Filmgeschichte zurückgeht, etwa zu Buñuels „L’ Age d’Or“ und „Der andalusische Hund“, dann war die Sprunglogik, die diesen Filmen eigen ist, ja eine Befreiung von den Konventionen der bürgerlichen Kunst. Dieser Sprunglogik – von in sich schlüssiger Bildfolge zur nächsten Bildfolge ohne direkte narrative Erklärung – muss man vertrauen. Wenn man das im Theater erreicht, kann es auch für den Zuschauer im Verhältnis zum Ganzen auf der Bühne befreiend sein. Bei „Peer Gynt“, einer Produktion, die im Januar in Leipzig Premiere hatte, werden die Schauspieler...

Der Regisseur und bildende Künstler Philipp Preuss über Gattungsmontagen, Überblendungen und die Freiheit der Kunst, sich zu verrätseln, im Gespräch

Traumerzählung

Köln: Gewerkschaften erklären Tarifverhandlungen zur Arbeitszeit für gescheitert

Was macht das Theater, Anne Rabe?

Klang und Form

Reaktivierung und Verteidigung der Erinnerung

Schreiben, um nicht zu vergessen

Memoria 1973 – 2023

Drive in

Über die fünfzig Jahre

Mönchszellen und Bühnenräume

Muttertier

Wir leben zweifelsohne in einer Komfortzone. Unsere Theater können selbstbewusst in eine freie Gesellschaft hineinwirken. Man darf und will politisch sein. Gerade wer die Beiträge der Ukraine, des diesjährigen Gastlandes des Heidelberger Stückemarkts, Revue passieren lässt, weiß die Errungenschaften einer liberalen Demokratie ganz neu wertzuschätzen. Freie Kunst muss man sich erst einmal leisten können. An kämpferischer Verve fehlt es den Schauspielern und Regisseuren des von Krieg und Korruption erschütterten Landes glücklicherweise nicht. Im Gegenteil: Selten hat man so forcierte Bühnenkunst sehen können. Während die osteuropäischen Gäste die saturierte Universitätsstadt am Neckar aufrütteln, mangelt es Teilen der deutschsprachigen Produktionen hingegen sichtlich an Dringlichkeit. In dem Stück „Der blaue Würfel“ von David Gieselmann ringt eine neureiche Familie mit ihrer Nachbarschaft um den Besitzanspruch auf den titelgebenden Kubus, der auf wundersame Weise Zeitreisen zu ermöglichen scheint. Schauspielerisch liefert das Ensemble zwar eine Glanzleistung, der Text erinnert jedoch mehr an das schlechte Skript eines Austin-Powers-Films. Na ja, aus einem klamaukigen, schwachen Text über die vermeintliche Sorglosigkeit unserer westlichen Welt, die sonst nichts antreibt, als ihren Materialismus zu verteidigen, hat das brillante Stadttheater das Beste gemacht. Und wie verhält es sich mit den großen Playern, die man in die Metropolregion Rhein-Neckar einladen konnte? Auch hier...

Der Heidelberger Stückemarkt 2017 geht den Gefährdungslagen unserer Zeit nach

Am Ende der Saturiertheit

Nach einem halben Jahrhundert Leben, wie lange sind fünfzig Jahre?

GAM: Fünfzig Jahre nach dem Putsch

In den Fokus der hiesigen Presse ist Alvis Hermanis zuletzt nicht aufgrund seines unverwechselbaren Regiestils, sondern wegen der skandalisierten Absage einer Inszenierung geraten. Das Engagement des Hamburger Thalia Theaters für Geflüchtete war ihm Anlass, eine Arbeit an dem Haus abzubrechen. Ob dahinter bloßes Ressentiment oder aber der kritische Blick auf den kurzen Sommer der Empathie steckte, ist schwer auszumachen. Die Opulenz, Eindrücklichkeit und Detailverliebtheit jedenfalls, die die Theaterabende des lettischen Regisseurs und Intendanten Hermanis auszeichnen, versucht ein großformatiger, prächtiger Bildband einzufangen und dem Künstler in genau diesen Eigenheiten nachzueifern. Paris, Wien und Berlin, Zürich, Salzburg und Sankt Petersburg heißen die Städte, in die der Theatermacher für Inszenierungen eingeladen wird. So erstaunt es auch nicht, dass der ambitionierte Rigaer Verlag Neputns zeitgleich mit der lettischen eine englischsprachige Ausgabe des Buchs veröffentlicht hat. Mehr als vierzig Schauspiel- und Operninszenierungen, die Hermanis zwischen 1993 und 2016 verantwortet hat, zeigt der Band vor allem in ausdrucksstarken Bildern, aber auch in Kritikerstimmen und anekdotenreich in Aussagen des Regisseurs selbst. Ein einführender Essay wie auch das umfassende Werkverzeichnis versuchen, dem Leser Aufschluss über den Ausnahmekünstler zu geben. Besser aber gelingt das in einem abgedruckten Gespräch, in dem Hermanis die schlichte Formel für seine Arbeit nennt: „good...

Alvis Hermanis (English edition). Herausgegeben von Laima Slava. Neputns, Riga 2016, 640 S., 49,00 EUR.

Wohltuend unzeitgemäß

Berliner Ensemble: Starabend ohne Widerspruch

Theater und Digitalität

Wir sind pessimistisch

Unterhalb der Stiftskirche, in unmittelbarer Nähe zu Alter Burse, Hölderlin-Turm und Neckarinsel gelegen, befindet sich das Tübinger Zimmertheater, mitten im Zentrum der historischen Altstadt. „Das Zimmertheater ist einer der schönsten Orte Deutschlands, um Theater zu machen“, sagt Intendant Axel Krauße. Ende der fünfziger Jahre als Spielstätte einer freien Gruppe in der schwäbischen Universitätsstadt gegründet, kann das Zimmertheater Tübingen auf eine bemerkenswerte Geschichte und Gegenwart blicken. Bei den diesjährigen Privattheatertagen in Hamburg war das Zimmertheater zum vierten Mal in Folge mit einer Produktion für den Monica-Bleibtreu-Preis nominiert, Ende Mai gab es eine Uraufführung von Oliver Bukowskis Stück „Letzte Menschen“ als Koproduktion mit den Ruhrfestspielen Recklinghausen. Zehn Jahre hat Krauße das Zimmertheater geleitet, die nächste Spielzeit ist seine letzte am Haus. Er ist „jetzt schon der dienstälteste Zimmertheater-Intendant aller Zeiten“, wie er erzählt. Welche Erfahrungen er in dieser Zeit gemacht hat? „Flache Hierarchien, Offenheit, Transparenz, ein hohes Maß an Selbstverantwortung aller Mitarbeiter – Dinge, die ja gerade wieder heiß diskutiert werden. Hier finden sie statt, weil es gar nicht anders geht. Das heißt nicht Friede, Freude, Eierkuchen, ganz im Gegenteil; es bedeutet Konfliktfähigkeit, lernen, besser machen und ein hohes Maß an Selbstausbeutung. Was alle letztlich vereint, ist der Wunsch, für Tübingen ein...

Flache Hierarchien, Offenheit und Transparenz – Das Zimmertheater Tübingen

Kleines Haus, große Kunst

Betriebswirtschaftliche Zusammenhänge im (Freien) Kinder- und Jugendtheater

München: Spatenstich beim Neubau eines Proben- und Werkstättenzentrums für das Bayerische Staatsschauspiel

Schauspiel Wuppertal: Generalabrechnung mit der Menschheit 

Inspiration durch Stille – Kreativität durch Bewegung

Espacio Checoslovaquia

„Die Glaswanne darf nie kaltlaufen“

Colina

Herr Kosminski, wie verlief Ihre Theatersozialisation – was war für Sie prägend? Natürlich bin ich eins von Peymanns Kindern und nach Stuttgart ins Theater gepilgert. Das war die Zeit – ich war 17 –, in der er die Stimme gegen Ministerpräsident Filbinger war. Das war aufregend, man hatte das Gefühl, dass er wirklich Paroli bietet. Ich habe neulich das Programm zu „Faust I und II“ wiederentdeckt (zieht eine Fünf-Bände-Kassette mit 660 Seiten aus dem Regal): Das waren ja noch Wahnsinns-Programmbücher damals! Natürlich war ich auch mal in der Tonne Reutlingen oder im Zimmertheater Tübingen. Aber die große Prägung war Stuttgart. Wie kam’s zum Sprung in die USA, ans Lee Strasberg Institute, ans William Esper Studio? Ich habe eine Schauspielausbildung, war Schauspieler, habe Theater gespielt, nie fest im Ensemble, sondern frei, habe Fernsehen gemacht, auch ein paar ganz schöne Filme – und hatte dann eine persönliche Krise, weil ich eigentlich immer Regie studieren wollte. Dann habe ich das Buch „Lee Strasberg. Das Schauspielerseminar“ gelesen. Seine Methode hat mir eingeleuchtet. Am Strasberg Institute kann man auch Regie studieren, und so habe ich mich beworben. Was haben Sie vom Method Acting für sich mitgenommen? Lee Strasberg wird immer reduziert auf emotional...

Burkhard C. Kosminski, der designierte Intendant des Schauspiels Stuttgart, über das Revolutionspotenzial des Schwaben im Gespräch mit Otto Paul Burkhardt

Ein bisschen Ruhe vor dem Sturm

PERSONEN Joachim Slüter, Magister und Kaplan zu St. Petri in Rostock Katharina Jelen, seine spätere Frau Soske Jelen, ihre Mutter Kaspar Huck, Narr und entlaufener Mönch Mine Rieck, Fischfrau Barthold Kerkhoff, Ratsherr zu Rostock Johann Oldendorp, Syndikus Barthold Moller, Dekan zu St. Jakobi und Professor der Theologie Johannes Bugenhagen, Reformator zu Wittenberg Ludwig Dietz, Buchdrucker zu Rostock Herzog Heinrich V., Landesherr zu Mecklenburg Konrad von Greyffenhagen, herzoglicher Rat Fischer, Fährleute, Bürgerinnen und Bürger und Kinder Das Stück spielt in Rostock und Wittenberg in den Jahren 1523 bis 1549 VORSPIEL Fastnacht. Marktplatz vor dem Rathaus zu Rostock. Buden, Bierbänke und eine Bühne auf großen Fässern samt Portal und Vorhang. Kaspar, der Narr kommt mit Engeln und Teufeln, einem Schwert- und Feuerschlucker sowie mit Moriskentänzern und Musikanten. Kaspar: Hochwohllöbliches Publikum, stehengeblieben und zugeschaut! Wir bringen euch heute das Fastnachtsspiel vom Groß-Türken, wie es geradezu Nürnberg mit unerhörtem Erfolg über die Bühne gegangen ist! Seitdem läuft es auf allen Jahrmärkten zwischen Bayern und Mecklenburg! Das Fastnachtsspiel vom Sultan Soleiman, dem Schrecken des Abendlandes! Stehengeblieben und zugeschaut! Der Vorhang öffnet sich und ein Herold tritt auf. Herold: Nun schweigt und hört die fromme...

Leben und Sterben des Kaplans Joachim Slüter zu Rostock (Auszüge)

Ein Dorf ist in Aufruhr. Eine Aktiengesellschaft hat sich eingekauft und will auf einem überschaubaren Hügel eine Altenresidenz errichten. Die anvisierte Klientel sind gut alimentierte, alte, aber rüstige und gewiss eigensinnige, weil ein erfolgreiches Leben im Privileg privilegiert abschließende Menschen. Die AG führt den Titel gemeinnützig. Ihre Gewinne sind steuerfrei. Das garantiert auch eine bleibende Rüstigkeit der AG. Das Dorf gehört zu meiner Heimat. Vom künftig gemeinnützigen AG-Hügel aus kann man meine Heimat überschauen bis zur Sichtgrenze. Das sind die Alpen. Sie wirken wie eine hohe Mauer aus Stein. Die Menschen fühlen sich aufgehoben beim Anblick der Alpen. Sie formen ihrer Heimat den Begriff. Ich hab’ das Wort Heimat selten gebraucht. Wenn, dann höchstens als Chiffre, als ironische Verbrämung meiner Ablehnung jeglicher Form von Volks- und Brauchtümelei. Ich will das Wort nicht verschleißen. Schließlich bin ich umgeben von Heimat. Ich muss mich damit nicht auch noch aufblasen. Um mich herum wird das Wort gewürdigt wie eine Monstranz. Es gibt sogar einen Heimatminister in meinem Bundesland. Im benachbarten Nordamerika gibt es ein Heimatschutzministerium. Die neu errichtete Bundesrepublik führte zur Festigung des Heimatgefühls eine Zeit lang ein Vertriebenenministerium. Ich mach’ mich immer ganz klein, um nicht an die Untergrenze der Trachtenhüte...

Bon Appetit, Deutschland!

Bildet Allianzen!

Meldungen

Viel Potenzial, wenig Raum

Vielleicht ist ja der Titel eine Anspielung auf Bob Dylans „Rolling Stone“-Zeile „no direction home“, die schon als Filmtitel der Dylan-Dokumentation von Martin Scorsese die Ewigkeit eines großen Performers nach der Vorstellung zeigt. Auch Minkes Bilder zeigen die Volksbühnen-Schauspieler und viele Mitarbeiter des Hauses zumeist nach der Verausgabung und in eher privaten Momenten. Sophie Rois, Martin Wuttke, Birgit Minichmayr, Milan Peschel, ein völlig verschwitzter Alexander Scheer, Marc Hosemann an einem Verkehrsschild hangelnd, zum Schluss auch Castorf mit hochgekrempelten Hosen über feinen Halbschuhen und einem Plastikbecher in der Hand. Das Umfeld der Porträts besteht immer aus einer gewissen Unordnung – nach der Schlacht, die da stattgefunden haben muss und nach einer Zigarettenpause in Garderoben und Toiletten sowieso in der Kantine noch weitergeht. Es sind Gesichter, die alle Müdigkeit schon hinter sich gelassen haben, von Leuten, die scheinbar nie nach Hause gehen, weil sie ja schon dort sind. Als Theaterbuch zum Ende einer Ära ist das freilich auch ein Volksbühnen-radikales Konzept: Fast 300 Seiten ohne ein einziges Inszenierungsfoto, aber dafür ungewöhnliche wie ungewöhnlich schöne Porträts aus nächtlicher Aktion. René Pollesch schreibt in seinem Vorwort, das selbstverständlich in der Mitte des Buchs zu finden ist, er habe „nie schönere Menschen gesehen“ als in...

William Minke: No Way Home. Volksbühne 2004 – 2017. Herausgegeben von Betty Fink und Laura Benz, Kerber Verlag, Bielefeld 2017, 288 S., 30,00 EUR.

Nächtliche Aktion

„Du bist der Autor deiner eigenen Geschichte.“ Solche Sätze muss Felix in einem sogenannten Optimierungsseminar nachsprechen. Dann nimmt er einen Job als content reviewer an, und der Satz verkehrt sich in das absurdeste Gegenteil. Denn beim Durchsehen und Bewerten „unangemessener Inhalte“ im Internet geht es nie um die eigene Geschichte, sondern fast nur um irgendwo im Netz aufgespürte Gewaltpornografie und gefilmte Folter, die der Gutachter fürs Aussortieren zu klassifizieren hat. Einer der schlimmsten Jobs, die die heutige Welt zu bieten hat und wahrscheinlich ein schnell wachsendes Feld für die Therapiebranche. Hörern dieser WDR-Produktion werden die Würggeräusche und Schmerzschreie zwar als Gegenstand von Felix’ Arbeit dargeboten, aber die eigentliche Erzählebene zeigt den inneren und sozialen Zerfall des Protagonisten durch diese digitale Schmutzarbeit. Gesprochen wird Felix in der Produktion „Screener“ von Andreas Helgi Schmid; Autor und Regisseur Lucas Derycke wurde für diese Arbeit jetzt mit dem 66. Hörspielpreis der Kriegsblinden ausgezeichnet. Der 1990 geborene Belgier ist mit diesem Stück, das einen noch wenig bekannten Aspekt der Gegenwart akustisch erzählend erkundet, wohl der jüngste Preisträger – dazu auch der erste, dessen Muttersprache nicht Deutsch ist. Das dargestellte Berufsbild, falls man es so nennen kann, wurde gerade auch in einigen Reportagen in Deutschland und...

Der Hörspielpreis der Kriegsblinden geht an Lucas Derycke für „Screener“

Hörspiel als Gegengattung

Juni 2017

Premieren

Theater Heidelberg: Psychoanalyse mit der VR-Brille

Künstlerinsert: Inszenierungen und Installationen

Gebrannt hat es immer schon

Das aufstrebende Theater im Kontext von fünfzig Jahren nach dem Putsch in Chile

Klänge von Gestern und Heute auf den Bühnen Chiles

Eines Tages wird die Katastrophe über uns hereinbrechen. Und sie wird gnadenlos, biblisch, apokalyptisch sein. Feuerbälle werden auf uns niederprasseln, niemanden verschonen. Nur jene Anständigen und Rechtschaffenen, die von einem Engel auserwählt werden: Sie werden in letzter Sekunde gerettet. Davon ist die Erzählerin Baganja (Jaëla Carlina Probst) im Stück „Umständliche Rettung“ bedingungslos überzeugt. Mit der Muttermilch hat sie diese Ansicht aufgesogen — hat doch ihre Mutter das Erbe des väterlichen, millionenschweren Unternehmens „Sahur Industry“ ausgeschlagen, um nicht im kapitalistischen Sumpf der fiktiven Stadt Sodiriya unterzugehen. „Scharfsinnig“ nennt Baganja diese vorausschauende Entscheidung ihrer Mutter, die lieber eine zufriedene Hure war, als sich vom stinkenden Moloch verpesten zu lassen. Baganja tritt in ihre Fußstapfen, stets wachsam, damit sie den Engel, der selbstverständlich sie selbst zur Rettung auswählen wird, nicht verpasst. Die Autorin Martina Clavadetscher gewann mit ihrem Stück „Umständliche Rettung“ 2016 die 4. Essener Autorentage „Stück auf“. Nun wurde ihr dichtes und einfallsreiches Werk in der Casa in Essen uraufgeführt. In ihrem Theatertext wechseln sich schnelle, zackige Dialoge und innere Monologe ab. Ihre Sprache ist heutig und direkt, doch immer wieder ergeben sich kleine, poetische Momente. Den größten Redeanteil hat die Figur der Baganja, die als außenstehende Erzählerin und innerer Motor der...

Schauspiel Leipzig

Assoziationen

Theater

Schauspiel Leipzig

Oh Boyoma

Recherchen 124

Du weißt ja nicht, was die Zukunft bringt

THE FAIR PLAY

Theater in der Übergangsgesellschaft

Neuerscheinungen im Verlag