Totkürzungen drohen

Die Heterotopien erhalten

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Herr Jaenicke, war das Angebot, Flüchtlinge auf dem Festspielhausgelände unterzubringen, eine Reaktion auf die Ausfälle von Pegida? Wir haben schon im November 2014, noch bevor Pegida zu Höhenflügen ansetzte, das Angebot gemacht, Flüchtlinge bei uns unterzubringen. Wir wussten, dass mit mehr als 2000 erwarteten Flüchtlingen ein großes Problem auf die Stadt Dresden zukam. Unser Angebot ist vor allem ethisch-humanitär begründet. Als internationales Zentrum empfinden wir die Aufnahme von Flüchtlingen als einen Akt der Solidarität mit Menschen in Not, und als städtische Institution sehen wir darin auch einen Ausdruck der Solidarität mit der eigenen Stadt. Also etwas tun und nicht nur davon reden? Grundsätzlich bin ich sicher kein typischer Intellektueller, sondern eher ein „Ärmelaufkrempler“. Ich will nicht nur etwas sagen, formulieren, mich positionieren, etwas künstlerisch zum Ausdruck bringen, sondern konkret handeln. Unser Angebot ist Ausdruck dieser Haltung, und die wird von meinem wunderbaren Team hundertprozentig geteilt. Das Angebot an die Stadt liegt nun schon fast ein halbes Jahr zurück. Warum reagierte die Verwaltung nicht eher? Der Versuch, den komplizierten Organismus Stadtverwaltung zu verstehen, kann einem manchmal den Verstand rauben, lässt aber auch den Sinn mancher Hürden ahnen. Wir arbeiten in der Flüchtlingsthematik sehr vertrauensvoll mit der Kultur- und der Sozialbehörde zusammen....

Was macht das Theater, Dieter Jaenicke?

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Stephan Roppel ist am Ende. Aber weder physisch noch psychisch, sondern mit seiner erfolgreichen Intendanz am Zürcher Theater Winkelwiese, die der gebürtige Basler in dieser Saison abgeben wird. Damit ist Roppel der bisher amtsälteste Intendant in Zürichs subventionierter Theaterlandschaft, die in den vergangenen Jahren stark in Bewegung war – mit Wechseln am Theater Neumarkt, dem Theaterhaus Gessnerallee und dem Fabriktheater. Selbst das Schauspielhaus, das sich in Nachbarschaft zur Winkelwiese befindet, hat erst seit fünf Jahren eine neue Intendantin. Roppel machte es am Ende mehr als doppelt so lang. Genauer gesagt: zwölfeinhalb Jahre. Das in einem Gewölbekeller einer alten Villa untergebrachte Theater wirkt ein wenig wie ein Bunker, in dem die Position gehalten wird. Und die ist an der Winkelwiese seit jeher von der Pflege der Gegenwartsdramatik bestimmt. Diese Pflege wurde auch von Stephan Roppel aufrechterhalten, wobei der heute 52-Jährige während seiner Intendanz nicht nur die internationale Dramatik in texttreuen Inszenierungen auf die Bühne brachte, wie es seit der Gründung des Hauses im Jahr 1964 Tradition ist. Roppel hat sich neben eigenen Regiearbeiten auch intensiv um den Aufbau einer neuen Generation von Gegenwartsdramatikern bemüht. Wichtigstes Instrument dafür war und ist der Dramenprozessor, ein Mentorenprogramm für angehende Theaterautoren, das Roppels Vorgänger Peter-Jakob...

Während der zwölf Jahre als Intendant am Zürcher Theater Winkelwiese hielt Stephan Roppel an tradierter Autorschaft fest – und hat damit eine neue Generation Schweizer Gegenwartsdramatiker aufgebaut

Die Autorenvilla

Frühlingstheater

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Da ist dieses Staunen in Augen und Sprache Johanna Wehners: wie schnell der eigene Jugendtraum – Regie – in Erfüllung ging. Eine einzige Bewerbung, an die Theaterakademie „August Everding“ in München, bedeutete den ersten wichtigen Schritt. Da ist die durchaus bodenständige Haltung, das begonnene Studium der Philosophie und Germanistik zuvor abzuschließen: Ein Abbruch wäre für Johanna Wehner nicht infrage gekommen. Da ist schließlich die Fähigkeit, in Alternativen zu denken. Dass ihr bereits die ersten Inszenierungen nach dem Regiestudium erlaubten, vom Traumberuf irgendwie leben zu können, das begreift Johanna Wehner heute noch als Geschenk. Allein ihr Umgang mit Text zeigt, dass sie Vorgegebenes grundsätzlich infrage stellt. Darin liegt der klar definierte Beginn ihrer Inszenierungspraxis: jedes Wort umdrehen. Positionen und Beziehungen jenseits der Textoberfläche herausarbeiten. Komplexität schon über die Textfassung erzielen, damit Konflikte beleuchten: Wo es nichts zu verhandeln gibt, ist für Johanna Wehner auch nichts zu erzählen. Der Unterhaltungsaspekt? Greift als intellektuelle Teilnahme des Publikums: „Theater ist ein Medium, das überträgt.“ Ihre Textpartitur liegt vor Probenbeginn mit endgültigem Charakter vor. Als verbindliche Komposition aus Figur, Haltung und Konflikt. Die Regisseurin ist in diesem Punkt ihre eigene Dramaturgin. Im Kampf um das Ziel, dem radikal Umgedrehten nichts mehr hinzufügen zu müssen. Dabei...

Die Regisseurin Johanna Wehner verdichtet dramatische Töne auf kompositorische Weise

Die Übertragungskünstlerin

Sie sehen ebenso bedrohlich wie faszinierend aus: die Masken der Luchadores, der mexikanischen Wrestler, die so die Identität von Göttern, Helden oder Tieren annehmen. Aneinandergereiht und augenlos wirken sie wie Totenmasken – in dieser verfremdeten Form bildeten die Masken des Lucha Libre, so der Name des Freistilringens, das treffliche Sinnbild des Heidelberger Stückemarkts 2015. Das bundesweit renommierte Treffen hat mit Mexiko erstmals einen transatlantischen Staat als Gastland gekürt. Die Masken stehen nicht zuletzt dafür, dass Mexiko – von den Zeremonien der Maya und Azteken bis hin zu volkstheatralischen Festen – „durch und durch ein Theaterland“ ist, wie es der Schauspiellehrer Rodolfo Obregón formuliert. Gleichzeitig gilt der Befund, dass sich das mexikanische Theater inmitten von Korruption, Gewalt und Drogenkriegen einer im Vergleich zu Westeuropa grundsätzlich anderen, existenziell gefährdeten Situation stellen muss. Einem permanenten Ausnahmezustand, in dem sich das Theater als Hoffnungsanker und Überlebensmittel mehr und mehr aus dem künstlerischen Raum heraus und in den sozialen Kontext hinein bewegt. Gastspiele, ausgewählt von Mexiko-Scout Ilona Goyeneche, und intensive Debatten mit Autoren und Machern fächerten die Vielfalt der aktuellen Szene auf: die Schauspielerin Mariana Villegas, das Teatro Línea de Sombra, der Regisseur David Gaitán und Los Colochos Teatro zeigten eine Bandbreite von der Soloperformance...

Der Heidelberger Stückemarkt 2015 erkundet komische, psychedelische und surreale Theatertexte – und entdeckt das Theaterland Mexiko

Permanenter Ausnahmezustand

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

„On Fire“ heißt das neue Stück von Constanza Macras, und der Titel trifft ins Schwarze – die Aufführung ist wie ein Feuer, das sich ausbreitet und alles verschlingt, Publikum und Rezeptionsroutine eingeschlossen. Man ist überwältigt, verloren, wehrlos, beeindruckt und reibt sich die Augen ob der gewaltigen Bilderflut, der Überfülle an Fantasie und Energie, die da auf einen einprasseln. Die Arbeit ist in Südafrika entstanden und eröffnete das diesjährige Dance Umbrella Festival in Johannesburg, eines der ältesten und renommiertesten Tanzfestivals auf dem afrikanischen Kontinent. Die Choreografin hat sich in letzter Zeit mit sehr unterschiedlichen Themen beschäftigt, ein Stück mit und über Roma aus Osteuropa gemacht („Open for Everything“), einen antikapitalistischen Waldspaziergang in Wales („Branches: The Nature of Crisis“), zuletzt mit „The Past“ ein Stück über traumatische Erinnerungen ans bombardierte Dresden und vergleichbare Katastrophen. Jedes war anders, aber jedes trug deutlich ihre Handschrift: große Imaginations- und Bildkraft, Lebenslust und Gegenwehr, Tempo, sarkastischer Humor und eine Empathie voller Scharfsinn und Schmerz. „On Fire“ erscheint nun wie die Quintessenz all dieser Auftragsarbeiten. Macras geht ihre Themen nicht pädagogisch an, sondern anekdotisch, bezieht die Blickwinkel ihrer Tänzer/-innen ebenso mit ein wie die jeweilige Fachliteratur und entwickelt assoziative Erzählstränge, die mitunter unverständlich, aber immer verblüffend sind....

Beim Dance Umbrella Festival in Johannesburg verwirbelt Constanza Macras’ „On Fire“ afrikanische Kulturtraditionen mit deren Zerstörung und Ausverkauf

Luftige Festung

Hamburger Marathon

„Ich habe keine Ansichten zum Theater. Ich weiß nichts vom Theater. Ich gehe nicht hin. Das ist verzeihlich“, schrieb Samuel Beckett im Januar 1952 an den Pariser Rundfunkredakteur Michel Polac, der noch vor der Uraufführung von „Warten auf Godot“ eine Szene daraus im Radio senden wollte und einen Einführungstext des Autors erbeten hatte. Das klingt endgültig, aber der nach dem 2013 erschienenen ersten Band „Weitermachen ist mehr, als ich tun kann. Briefe 1929–1940“ nun zweite Band mit Becketts Briefen der Jahre 1941 bis 1956 widerlegt diese Behauptungen aufs Interessanteste. Gerade in seinen Briefen an den Kunstkritiker Georges Duthuit gibt Beckett seine Zurückhaltung auf: „Ich glaube nicht an eine Kollaboration der Künste, ich will ein Theater, das auf seine eigenen Mittel reduziert ist, Wort und Spiel, ohne Malerei, ohne Musik, ohne Gefälligkeiten. (…) Was den visuellen Komfort der Zuschauer betrifft, kann der mir gestohlen bleiben.“ Auch gegenüber Roger Blin, dem Regisseur von „Godot“, wird er prinzipiell, als der Estragons Hose nur bis zum Knie fallen lässt: „Der Geist des Stückes besagt, sofern es einen hat, daß nichts grotesker ist als das Tragische. Das muß bis zum Schluß herausgestellt werden – und zum Schluß besonders.“ Es sind diese scheinbar beiläufigen Bemerkungen, die...

Samuel Beckett: Ein Unglück, das man bis zum Ende verteidigen muß. Briefe 1941–1956. Hg. von George Craig, Martha Dow Fehsenfeld u. a. Suhrkamp Verlag, Berlin 2014, 819 S., 45 EUR.

Nicht unmöglich genug!

– 1 – Die Alten sind unter den Lebenden wie die Geister überall. – 2 – Bitte das Leben als ästhetisches, ich meine sinnlich und sonstwie begrüssenswertes Phänomen, zu dem der Tod halt dazugehört wie das Atmen zum Leben. Oder Licht zum Schatten. Oder Gewinnen zum Verlieren und Ja zum Nein, uswusf. Los geht ein SPRECHEN OHNE ZUKUNFT – Zukunft, diese kompromittierende Sau – daher freier als manch anderes Sprechen (Es ist der ganze Text und Vorgang des Textes eigentlich das Drehen eines knarzenden Karussells. Ein drehendes Karussell, von welchem man ja karusselleigen und menschenbeschränktheitsmässig stets nur einen Teil sieht. Es sind die Sprechenden ausgestattet mit Stöcken, um das Karussell anzudrehen, manche möchten öfter vorkommen und schieben es schneller an – versuchen es zumindest – andere werden hingedreht und möchten so gar nicht, aber es platzt doch etwas aus ihnen heraus, sind sie einmal vorne, kommt doch etwas aus ihrem sonst zugesperrten Wundgrund hervorgeschossen.) SPRECHENDE Frau Heisingers Inneres, Frau Simplon, diese gehen über in eine unbestimmte, nicht zu bestimmende Anzahl am Altern Teilnehmender (auch bekannt als: Arsenal der Alten) Pflegefachkräfte und Pflegefachschwächen ICH BIN DIE HEISINGER, GERTRUD &amp; NIE BE-SUCHT MICH MEIN KIND/VATER/HUND – ICH BIN DER GRAUE STAR, mehrere...

geister sind auch nur menschen

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

„Viele sind zu viel / Wenn sie fort sind, ist es besser / Aber wenn er vor Ort ist, hilft er“ – so beginnt das „Lob des Schleppers“, inspiriert vom Brecht’schen „Lob des Revolutionärs“, das die Gruppe andcompany&amp;co in „Orpheus in der Oberwelt“, ihrer „Schlepperoper“, anstimmt. „Er organisiert seinen Kampf / Um den Aufenthalt, um die Papiere / Und um die richtige Route. / Er fragt das Grenzregime: / Woraus bestehst du? / Er fragt die Nachrichten: / Wem nütztet ihr?“ Ist es angemessen, dieses Lob aufrechtzuerhalten, nach den jüngsten Flüchtlingskatastrophen im Mittelmeer? Beziehungsweise, da das Wort Katastrophe ein Euphemismus ist, nach den Verbrechen an über 3000 Menschen, die seit Januar dieses Jahres vor der europäischen Außengrenze bereits ertrunken sind? Jedenfalls: Wo das „Lob des Schleppers“ abgewürgt werden soll, ist mindestens Misstrauen angebracht – schon wegen der Verlogenheit, mit der zurzeit ausgerechnet diejenigen politischen Kräfte die Schuld an den Toten auf „verbrecherische Schlepperbanden“ schieben, die deren Geschäftsgrundlage mit ihrer Grenzpolitik jeden Tag neu schaffen. Außerdem gilt es daran zu erinnern – und das ist auch ein zentrales Motiv der „Schlepperoper“ –, wie sehr sich die öffentliche Darstellung der Schlepperfigur in den letzten zwanzig Jahren geändert hat. Denn der Schlepper war...

Zum „Lob des Schleppers“ von andcompany&co

kirschs kontexte: „Wo er verjagt ist, bleibt die Unruh’“

Man kann sich nie ganz sicher sein, ob man so etwas darf: Szenen spielen, die den Islam(ismus) darstellen, mit Mitteln, die an Satire grenzen. Das heißt, man darf natürlich alles, wir leben ja in einem freien Land, aber was werden die Betroffenen sagen? Also ist gleich am Anfang des Essener Abends eine Schrifttafel zu sehen, auf der steht, dass einige der folgenden Szenen unter Umständen religiöse Gefühle verletzen könnten und dass der Zuschauer, sollte er etwas Auffälliges/Verdächtiges um sich herum bemerken, sich nicht scheuen möge, „die Vorstellung zu unterbrechen“. Diese Geste entpuppt sich bald als Teil einer Irritationsstrategie, mit der Hermann Schmidt-Rahmer Mark Ravenhills Kurzdramenzyklus zum Themenkomplex Islamismus/Innere Sicherheit/Irakkrieg aus dem Jahr 2007 anreichert und aktualisiert. Ganz anders als bei der deutschen Erstaufführung des Stücks 2010 am Düsseldorfer Schauspielhaus, wo der Text streng exekutiert wurde, begreift der Regisseur die locker aneinandergefügten Szenen als Spielvorlage, mit dem Akzent auf: Spielen. Gespielt wird im Grillo-Theater – auf virtuose Art und Weise – mit den gröbsten Klischees, den tiefsten Ängsten, den abstrusesten Verdächtigungen. Und nicht immer ist Gut und Böse fein säuberlich sortiert. Die fast leere Bühne zeigt ein Modellhäuschen mit einem dicken fetten Kreuz auf dem Giebel. Wir sind bei Christen! Der...

Schauspiel Essen: „Wir sind die Guten“ von Mark Ravenhill. Regie Hermann Schmidt-Rahmer, Bühne und Video Adrian Ganea, Kostüme Michael Sieberock-Serafimowitsch

Essen: Bei Christen daheim

Der Materialergründer

Es war 1977 ebendiese Zeitschrift Theater der Zeit, die den kompletten Text des in Halle abgesetzten Stückes „Landvermesser“ druckte. Der Abdruck kam einem stummen Protest gleich. Nur zwei Aufführungen erlebte die Auseinandersetzung des sorbischen Autors Jurij Koch mit den Folgen des Braunkohleabbaus für sein ohnehin bedrohtes Volk. Die Energieversorgung der DDR hing maßgeblich an der Kohle, die vor allem in den Tagebauwüsten der Lausitz geschürft wurde. Schon damals herrschte das Diktat der Ökonomie; störende Rücksichten auf mehr als 130 abgebaggerte sorbische Dörfer galten überdies als reaktionär. Lothar Schneider, Nachfolger des 1977 abgesetzten Hallenser Intendanten Ulf Reiher, behauptete damals, „daß ein Stück, in dem die Revolution auffallend barbarische Züge und die Tradition auffallend sentimentale Züge trägt, nicht unserer Auffassung entspricht, die wir von der dialektischen Bewegung unseres gegenwärtigen gesellschaftlichen Lebens haben“. Dreieinhalb Jahrzehnte später hat sich an der Ausgangsproblematik nichts geändert. Für die Erweiterung der Tagebaue Nochten II und Welzow Süd sollen erneut 1500 Menschen umgesiedelt, sollen drei weitere sorbische Dörfer aufgelöst werden. Bessere Abfindungen werden inzwischen gezahlt. Ausgekohlte Restlöcher werden zum „Lausitzer Seenland“ verbunden, das allerdings touristisch eine Entwicklungsregion bleibt. Vor allem ist hier „nichts mehr so, wie es einmal war“, sagt Dramaturgin Madlenka Šołcic, die für den sorbischen...

Deutsch-Sorbisches Volkstheater: „Mein vermessenes Land“ von Jurij Koch. Regie Lutz Hillmann, Ausstattung Miroslaw Nowotny

Bautzen: See(le)nland

vielleicht ist der berührendste moment dieser mid-career retrospective diese stille, das schweigen, die nun mittlerweile fünfte generalpause der 14 streicher, das innehalten björks, das atemaussetzen der etwa 800 zuhörer an diesem samstagmorgen bei einem der das ereignis BJÖRK IN NEW YORK begleitenden konzerte in der carnegie hall, einen tag bevor die tore zu der ausstellung geöffnet werden, die – um es gleich vorwegzusagen – leider zu großen teilen zu recht von fast allen kritikern in der luft zerrissen wurde: björk steht auf der bühne, geschützt bis zur unkenntlichkeit von einer ihr gesamtes gesicht verdeckenden mit seltsamen space-antennen überzogenen maske, und performt BLACK LAKE aus ihrem neuen album VULNICURA, ein zehnminütiges stück, irgendwo zwischen pop, ernster musik und elektroexperiment, einer ihrer schönsten, ihrer persönlichsten songs überhaupt: ein zutiefst verwundetes kind, kurz vorm weinen, schreien, eine enttäuschte, ihre wut gerade noch zurückhaltende fünfzigjährige frau, angelogen und um ein gemeinsames leben beraubt, durchwandert ihre stimme alle klanglichen schattierungen tiefer verletzungen … immer wieder hält der song an, kommt zu einem stillstand, björk leidet, und wir leiden mit ihr … ihr mann, superstar der kunstszene matthew barney, hat sie betrogen, mehrfach, die ehe ist kaputt, sie lebt nun allein mit der gemeinsamen tochter, und...

Falk Richter über die „Mid-Career Retrospective“ von Björk im New Yorker Museum of Modern Art

Medea in New York

Annemie Vanackere, Aenne Quiñones, Sie sind beide durch die Volksbühne unter Frank Castorf künstlerisch geprägt worden. Sie, Frau Vanackere, als Kuratorin, die in den Nullerjahren häufig nach Berlin kam, um Produktionen des Hauses erstmals in die Niederlande zu holen. Sie, Frau Quiñones, als langjährige Dramaturgin und Kuratorin am Haus, insbesondere am Prater mit René Pollesch. Wird das Ende der Castorf’schen Intendanz da nicht auch zu einem persönlichen Einschnitt in der eigenen Biografie? Annemie Vanackere: Es war natürlich nicht die Stadt, in der ich damals gewohnt und gearbeitet habe. In diesem Sinne wäre es für mich vielleicht vergleichbar, wenn Anne Teresa De Keersmaeker bei Rosas rausgeworfen wird und mit der Truppe plötzlich was ganz anderes passiert. Aenne Quiñones: Ich kann mir ehrlich gesagt noch gar nicht vorstellen, dass die Volksbühne anders bespielt werden soll. Der Ort als solcher ist nach wie vor eine starke Setzung in der Stadt. Für mich kommt noch dazu, dass mich mit der Volksbühne nicht nur eine Arbeitsbiografie verbindet, sondern auch meine eigene Sozialisierung als Ost-Berlinerin. Das, was an der Volksbühne unter Castorf stattfindet, ist eine einmalige Form der Auseinandersetzung mit der Geschichte dieser Stadt, die aus zwei Teilen zusammengewachsen ist, was an vielen Stellen noch offensichtlich...

HAU-Chefin Annemie Vanackere und HAU-Kuratorin Aenne Quiñones über Geschichtsvergessenheit, unfaire Wettbewerbsbedingungen und neue Räume für neue Ideen im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Das neue Berlin?

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Der jährliche Wettbewerb um den Hörspielpreis der Kriegsblinden, der 1950 gegründet wurde, wies auch in diesem Jahr einige Bezüge zum Theater auf. Unter den Vorschlägen der öffentlich-rechtlichen Rundfunkanstalten und der aus Kriegsblinden und Kulturkritikern zusammengesetzten Jury fanden sich etwa Lothar Trolles die Zeiten und Welten schichtende Version von „Judith“ (Deutschlandfunk) und das Stück der Saison: Elfriede Jelineks „Die Schutzbefohlenen“, das von Leonhard Koppelmann mit fünf Choristen für den Bayerischen Rundfunk inszeniert wurde. Koppelmann war zusammen mit den Koautoren Peter F. Müller und Michael Müller mit dem fast drei Stunden langen Dokumentarstück „Klaus Barbie – Begegnung mit dem Bösen“ (Westdeutscher Rundfunk) dann auch in der Runde der drei aus der Vorauswahl Nominierten, unter denen dieses ungewöhnliche, auf journalistischen und wissenschaftlichen Recherchen basierende Hörspiel das inzwischen breit ausgefächerte Dokugenre mit allen seinen Vorzügen repräsentierte. Ein anderes in den letzten Jahren sprießendes Genre der deutschen Hörspielproduktion könnte man die „kleine Dystopie“ nennen, mit der die soziale und demografische Entwicklung in ihren negativen Aspekten für die allernächste Zukunft fantasiert wird. Hier reiht sich auch Hermann Bohlens „Lebensabend in Übersee“ (WDR) ein, wo er das Szenario entwirft, dass man als Senior in Deutschland mindestens 487 000 Euro Sicherheit vorweisen muss, um hier altern und sterben...

Der 64. Hörspielpreis der Kriegsblinden geht 2015 an das Liquid Penguin Ensemble

Feier des Gesprochenen

Ich habe mich früher für viele Jobs im Kulturbereich beworben, wo in den Stellenausschreibungen oft ein ‚gepflegtes Äußeres‘ als Kriterium stand. Auf ein gepflegtes Inneres hat niemand Wert gelegt, Hauptsache, man hat ein gepflegtes Äußeres.“ So erklärt Barbara Ungepflegt die Entstehungsgeschichte ihres Namens und ihrer Kunstfigur, welche sich gleichwohl nie ganz von der Person Barbara Kremser trennen lässt. Barbara ist immer beides, so auch, als sie zum Interview in einem bekannten Wiener Innenstadtcafé erscheint. Sie nimmt den Mantel ab, setzt sich an den Tisch, und ich denke nun, Barbara Kremser vor mir sitzen zu haben. Ganz sicher bin ich mir freilich nicht. Diese Irritation, die daher rührt, nicht recht wissen zu können, in welcher Realität sich mein Gegenüber momentan befindet, macht auch die Stärke ihrer gesellschaftspolitischen Arbeiten zwischen Theater, Performance, Intervention und Aktion aus. „Ich habe ja sehr gerne andere Welten. Ich war zum Bespiel viel auf Ärztekongressen, und wenn ich mich vorgestellt habe, hatte ich immer das Gefühl, dass eigentlich niemand zuhört, wie man heißt. Daraufhin habe ich angefangen, mich mit ‚Angenehm, Ungepflegt‘ vorzustellen. Da hatte ich dann schon das Gefühl, dass sich manche vor mir erschraken. Es ist natürlich ein Spiel mit den Konventionen“, gibt die Künstlerin zu....

Die Wiener Performerin Barbara Kremser alias Barbara Ungepflegt entblößt Sprache und Handeln im öffentlichen Raum

Angenehm, Ungepflegt

Kompositionsprinzip Collage

Die Vorlesungen von Sibyl Moholy-Nagy müssen erstaunlich gewesen sein. Sie holte einen Fisch aus ihrer Lederhandtasche, legte ihn aufs Rednerpult und begann über Bauhausarchitektur zu sprechen. Im Hintergrund liefen auf Leinwänden Projektionen mit byzantinischen Mosaiken, Renaissancegemälden oder einer Abbildung eines Stuhls von Frank Lloyd Wright. Während der Vorlesungstext nichts damit zu tun hatte, wechselten die Motive in schneller und ungeordneter Reihenfolge. Am Ende steckte sie den Fisch wortlos wieder ein. Robert Wilson, der damals bei ihr im Kurs war, denkt noch heute über den Fisch nach. Die Filminstallation Transforming Acts von Penelope Wehrli und Detlev Schneider funktioniert in etwa auch so. In der Kapelle im Kunstquartier Bethanien haben sie fünf Leinwände aufgebaut, auf denen sich nach dem Zufallsprinzip Dokumente aus der jüngeren Theatergeschichte abwechseln. Sieben Stunden Material. Man weiß nicht, was folgt und wem wir gegenübersitzen werden. Es fühlt sich an wie Gedankenroulette. Ohne definierten Anfang und ohne Ende laufen die Filmbilder ab, bis sie sich in die Netzhaut einbrennen, für immer abrufbar werden. Die beiden beschäftigen sich seit vielen Jahren damit, wie die neuen Technologien das Theater beeinflussen. Bekannt wurde Penelope Wehrli mit Environment-Räumen für das Tanztheater von Johann Kresnik an der Berliner Volksbühne. Später folgten freie Raumpartituren im...

Kunst: Gedankenroulette

Angstlos! Heimatlos?

„Wo sind meine Stimmbänder?“, fragt zögerlich eine Frauenstimme, schreit ein Kind. Vielstimmig ist das Schweigen, zu dem sich alle verdammt fühlen: der Täter, das Opfer, die Mitwisser. Darum geht es in Katja Brunners „von den beinen zu kurz“: das Netz des Schweigens in seinen Motiven freizulegen. Für ihr Stückdebüt über den sexuellen Missbrauch eines Vaters an seiner Tochter erhielt sie 2013 den Mülheimer Dramatikerpreis. Ein Tabubruch, hieß es in der Jurybegründung. Und dieser lag nicht etwa in dokumentarischer Genauigkeit – das Stück ist ein dezidiert artifizielles Textgewebe aus Märchenelementen, assoziativen Innenansichten und erzählerischen Parts –, sondern in dem Sprechenlassen des Opfers, in dessen Rebellion gegen die Opferrolle. Brunner lässt die Tochter zu Wort kommen und ordnet sie zugleich in einen Chor namenloser Stimmen ein, die zwischen Rechtfertigung, Wut, Empathie und Fassungslosigkeit changieren. „Mich interessiert Sprache als Material, als Akteurin“, sagte Brunner 2012 in einem Interview mit der Neuen Zürcher Zeitung. Es scheint so fast naheliegend, den Theatertext „von den beinen zu kurz“ ganz auf die Sprache zu reduzieren. Der Regisseur und Dramaturg Erik Altorfer, Mitbegründer und künstlerischer Leiter der Zürcher Autorenwerkstatt Dramenprozessor, wo Brunner ihr Stück einst entwickelte, hat den Versuch unternommen und für den WDR ein Hörspiel inszeniert....

Katja Brunner: von den beinen zu kurz. Hörspiel. Regie Erik Altorfer, Produktion WDR 2014, Der gesunde Menschenversand GmbH, Luzern 2014, Audio-CD.

Im Netz des Schweigens

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Völlig zu Recht hat der norwegische Kameramann Sturla Brandth Grøvlen im Februar den Berlinale-Preis für herausragende technische Leistungen erhalten. Für den Film Victoria brachte er es fertig, fast zweieinhalb Stunden in einer einzigen Einstellung zu drehen: ein Bravourstück, das für alle Beteiligten eine enorme Herausforderung bedeutete. Autor und Regisseur Sebastian Schipper erzählt die Geschichte der Spanierin Victoria (Laia Costa), die in einem Berliner Club arbeitet und eines Morgens von einer forschen Jungengruppe dazu eingeladen wird, sie bei einem Banküberfall zu begleiten. Aus dem freundlichen Geplänkel, der zarten Annäherung zwischen Victoria und dem schüchtern-verwegenen Sonne (Frederick Lau) entwickelt sich ein atemloses Rennen, gegen die Polizei, die Zeit und den Tod. Die Kamera folgt den Darstellern durch menschenleere Straßen, über Parkhäuser und Hinterhöfe in Hotelzimmer und wieder hinaus. Innerhalb des Krimiplots entsteht das Bild einer von Freiheit träumenden, lebensdurstigen und doch auch verirrten, verlorenen Generation. Sehenswert. In Christoph Hochhäuslers Die Lügen der Sieger spielt Florian David Fitz den Starreporter Fabian Groys, der einem Giftmüllskandal auf die Spur kommt und im Geflecht von Politik und Medien, Lobbyismus und Korruption existenziell zerrieben zu werden droht. Fabian, zuckerkrank und spielsüchtig, ist dem zerknitterten Humphrey Bogart verwandt: Der Regisseur kennt das Genre des Detektivfilms sehr genau,...

Film: Verlorene Generation

Ran ans Märchen! 

Es war ein biografisches Jahr für Meg Stuart: Während der Berliner Tanznacht im Sommer 2014 hing sie beim Galeristen Patrick Ebensperger an der Wand und weinte. Dann wieder lachte sie, das porzellanartig sensible, oft fast verschreckt wirkende Gesicht in Nahaufnahme. Eine Deutschlandpremiere der Videoarbeit „The Only Possible City“, die sie 2007 für die Manifesta7 entwickelt hatte – und aus der vielleicht letztlich Schrödingers Katze zum Vorschein kommt. Wir wissen nicht, welchen jenseits des Videoausschnitts liegenden Faktoren sie ausgesetzt ist. Wir wüssten es erst, wenn wir den Rahmen zerschlagen könnten und die echte Stuart herausholten. Im September 2014 saß sie in echt beim Szeneversteher Peter Pleyer in den Sophiensaelen auf der Couch und rätselte mit der ungleichen Kollegin Sasha Waltz darüber, wer jetzt eigentlich bei wem in die WG eingezogen war – damals, in den 1980ern in Downtown New York, in der Zeit des Postpostmodern Dance, der dann über Amsterdam und Brüssel nach Europa schwappte. Im Foyer lief ein jugendversprühendes Video von 1986, in dem sie wie Trisha Browns next Topmodel federleicht erweiterte minimalistische Geometrien tanzt. Dann kam im Spätjahr 2014, kurz vor ihrem 50. Geburtstag, das unerwartet biografische Solo „Hunter“, in dem sie im Setting einer unfertigen Zeltstadt en passant...

Wie die Choreografin Meg Stuart den Tanz und damit einen anderen Repräsentationsbegriff an die großen Theaterhäuser bringt

Der körpereigene Lärm

Was macht das Theater, Alexander Karschnia?

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

»No one ever seems to answer the question why talking should alleviate misery.« »I never said that it did.« Picking up from her previous works, in WHAT ? Anna Mendelssohn once again follows the traces of the political in the private and the private in the political. A fast-paced wrestling match of verbal tactics and strategies, WHAT ? deals with questions of talking and listening. Between ideological flotsam and everyday banalities a woman and a man fall ever deeper into the politics of their private dispute. The audience finds itself in the midst of a conflict, in which two lovers struggle through the thicket of their apparent contradictions: conservatism vs. radicalism, freedom vs. control, power vs. love. The intimacy, the familiarity of the love relationship, which we are all well acquainted with, allows taking a closer look at the vocabulary of dialogue itself, the nuances of speaking, the small ironies, deliberate misunderstandings and teasing games. WHAT ? is an endeavor into the perils of language, a gleeful game of debate, argument and rhetoric. 1 W What? M What? W What was that look? M What look? W The look you just gave me..? M I gave a look? W Yes....

— A Dialogue —

What?

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Jürgen Kuttner, ist es nicht merkwürdig, dass es in der gegenwärtigen Volksbühnen-Debatte so scheint, als ob mit der Volksbühne das letzte große Symbol des Ostens geschleift werden soll, aber im Spielplan des Hauses, nimmt man nur die Inszenierungen von Frank Castorf selbst, spätestens seit „Der Idiot“ vor allem Dostojewski, Céline oder Malaparte zu finden sind? Das klingt nicht gerade nach Ostalgie, deren Zeit abgelaufen ist. Jedem, der im Zusammenhang mit der Volksbühne vom Osten faselt, dem glaube ich sowieso nicht! Ostalgie wird ja der Volksbühne bloß unterstellt. Das sind Leute, die von der Volksbühne nur die drei Neonbuchstaben auf dem Dach kennen und glauben, sie hätten damit etwas begriffen und meinen, hier fände ein sentimentales Schwelgen im schöngeredeten Gestern statt. Das Gegenteil ist richtig. Die Volksbühne war unter Frank Castorf von Anfang an der Versuch, Geschichte in ihrem Widerspruch zu zeigen, ein Unbehagen zu artikulieren … … am angeblichen „Ende der Geschichte“. Der Westen feierte sich als Gewinner des Kalten Krieges über den Osten … … und da kam Castorf mit den grandiosen „Räubern“, mit Hauptmanns „Webern“ … … mit dem Ruf „Unger Unger!“ (ein inzwischen vergessener Reiseveranstalter) statt „Hunger Hunger!“. Genau, das waren präzise soziologische Beschreibungen für...

Der Regisseur Jürgen Kuttner über Frank Castorfs Weltanschauungsfuror – und die ungeheure Anmaßung zu sagen: Jetzt ist Schluss! Ein Gespräch mit Gunnar Decker

Ost-West-Nachzugsgefechte

Gegen die Vereinzelung

Zehn mal zehn Prozent

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

»Disagreement is not the conflict between one who says white and another who says black. It is the conflict between one who says white and another who also says white but does not understand the same thing by it.« Jacques Rancière 1. I Dance Therefore I Talk; a series of staged essays, several contradictory approaches to the same problems: How do we talk about performance? What kind of language do we use on stage? What sort of text runs inside our heads? Is it a text we are too embarrassed to spit out? Parts of the text are intended to be tonguein-cheek, a take on language that is standard poststructuralist theory. Other parts are the exact opposite, the criticism of those who despise that language and view it as emptying the stage out of any coherent meaning. 2. Which leads me to one of the points of departure for the show. The debate between celebrity dissidents Noam Chomsky and Slavoj Z iz ek. The esteemed linguist Noam Chomsky slammed the Slovenian philosopher and cultural critic Slavoj Z iz ek, along with the late French theorists Jacques Lacan and Jacques Derrida, for cloaking trivial ideas in obscure and inflated language...

Notes on the performance I Dance Therefore I Talk

The insufficiently clear

Theater ist überlebensnotwendig

Im Theater Hof ist das Bemühen mit Händen zu greifen, Zuckmayers General Harras eben nicht in jener Täter-Opfer-Mischung eines Mannes erscheinen zu lassen, der um der leidenschaftlichen Fliegerei willen mit dem Teufel Hitler paktiert. Alles Heldisch-Tragische stand für die junge, seit acht Jahren in Deutschland lebende israelische Regisseurin Sapir Heller außer Betracht. Offenbar suchte sie auch alle Anklänge an den Anfangserfolg des Stückes zu vermeiden, das in den Nachkriegsjahren über 5000 Aufführungen erlebte. Die vom „Zusammenbruch“ verstörten Deutschen sahen in Harras eine Identifikationsfigur, jenen anständigen Deutschen, an den man gern wieder geglaubt hätte. Einen, der im Arrangement mit Hitler und den Nazis dennoch nach Werten zu leben versuchte und scheitert. „Nirgendwo in der Welt hätte man mir diese Möglichkeiten gegeben“, entschuldigt er seinen Aufstieg zum Luftwaffengeneral. Mit einer solchen exkulpierenden Interpretation hatte auch Carl Zuckmayer nicht gerechnet, weshalb er später Aufführungen für einige Jahre, bis zur Neufassung 1967, untersagte. Für die Regisseurin aber, die schon während ihres Studiums an der Bayerischen Theaterakademie am Theater im oberfränkischen Hof inszenierte, gibt es wie seinerzeit für Adorno kein richtiges Leben im falschen. An einer solch exponierten Stelle des Militärapparates kann es gegenüber der Nazi-Ideologie weder ein „Ja, aber“ noch ein „Nein, doch“ geben....

Theater Hof: „Des Teufels General“ von Carl Zuckmayer. Regie Sapir Heller, Ausstattung Ursula Gaisböck

Hof: Wenig teuflisch

Geplant war es nicht, vorgegeben schon gar nicht. Trotzdem haben sich die drei diesjährigen Autorinnen und Autoren des Stück Labor Basel, Katja Brunner, Michèle Roten und Wolfram Höll, in ihren neuen, formal sehr unterschiedlichen Theatertexten mit demselben Themenkomplex beschäftigt: Sie alle erzählen Geschichten von der menschlichen Endlichkeit, vom Altern, vom Sterben und vom Tod – und von unterschiedlichsten Bewältigungsstrategien im Umgang damit. Theater der Zeit druckt zwei der drei neu entstandenen Texte ab. In kurzen Lesungen präsentiert und diskutiert werden sie bei der öffentlichen Abschlussveranstaltung des Stück Labor am 12. Juni 2015 im Theater Basel. Katja Brunner <a href="https://tdz.de/artikel/f2b5e7b3-cf85-4115-8c2e-dad3e8f7db2f">Zum Interview</a> | <a href="https://tdz.de/artikel/21750cdb-8224-4cc9-93bb-6b83e475493b">Zum Stück</a> Michèle Roten <a href="https://tdz.de/artikel/b4c7adb2-c264-40b8-9dc9-9d622aa96986">Zum Interview</a> | <a href="https://tdz.de/artikel/ba607e7b-9775-4fab-8a18-c17766b00c79">Zum Stück</a> Wolfram Höll <a href="https://tdz.de/artikel/a4808c00-b9ff-4146-92ea-f49ef1d34292">Zum Interview</a> | Zum Stück

Katja Brunner – Michèle Roten – Wolfram Höll

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Ende der Exception Culturelle

Performances

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Ist es Sport, Tanz, Theater, Akrobatik, Skulptur? Eigentlich nichts davon – oder doch eher: alles auf einmal? Willi Dorner passt in keine Schublade, seine Tänzer schon, sie können sich bestimmt auch dort hineinquetschen, ganz körperlich, nicht symbolisch. So wie sie sich zwischen Geländer und Gerüste klemmen, über Laternen stülpen, an Fassaden kleben, so dass einem schon vom bloßen Zuschauen schwindlig wird. Willi Dorner macht eine Kunst, für die es keinen Namen gibt. Eines seiner Stücke heißt „bodies in urban spaces“ – der Titel beschreibt knapp und genau, worum es ihm in allen seinen Arbeiten geht: um die Spannung zwischen Körper und Architektur, ihre Interdependenzen und die Überraschungen, die sie füreinander bereithalten. Seine Aufführungen sind Stadtrundgänge, bei denen man Menschen beobachtet, die zum Bestandteil der Topografie werden. Lange Körperreihen in knallbunten Outfits sind liegend, hockend, kauernd über riesige Freitreppen drapiert, markieren schmale Wege oder akkurate Zickzacklinien. Andere Akteure baumeln von Balkonbrüstungen, hängen kopfüber an Säulen und Bäumen, sitzen auf Mauervorsprüngen, starr und kompakt, sind in Hauseingängen übereinandergestapelt wie eine atmende Barrikade. Oder sie knäueln wie ein vergessener Müllhaufen an der Straßenecke, nur ein Bein, eine Hand spreizen heraus. Die Bilder sind hintergründig, manchmal unheimlich. Man muss es sehen, um es zu...

Der Wiener Choreograf Willi Dorner erkundet die Spannungen zwischen Körper und Architektur – als Rückeroberung der Stadt in Zeiten schrumpfender öffentlicher Orte

Lebende Räume

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Sweet Dreams?

Wer den Gedanken noch nicht aufgegeben hat, dass künstlerische Interventionen Einfluss auf gesellschaftliche Prozesse haben können, der dürfte an dem im Merve-Verlag erschienenen Band „Urbane Interventionen Istanbul“ seine helle Freude haben. Man muss sich nur trauen, lautet die Botschaft. Sich trauen wie der „Vorlesende Mann“ auf dem Taksim-Platz, der Polizisten befrieden wollte, indem er aus einem Buch las. Wie die „Guitar Heroes“, die mit Musik gegen gepanzerte Ordnungskräfte vorgingen, oder die ikonische „Tante mit der Steinschleuder“, die bewies, dass sich auch Menschen über 50 an Protesten beteiligen können. Oder eben wie Erdem Gündüz, der Choreograf, der ein Jahr nach der Niederschlagung der urbanen Revolte als „Standing Man“ das Demonstrationsverbot unterwanderte. Zahlreiche Protestformen gegen Immobilienspekulation und die Gentrifizierung Istanbuls sind in diesem im Rahmen des Forschungsprojekts „Urbane Interventionen“ an der Hochschule für bildende Künste Hamburg entstandenen Buch dokumentiert. Größtes Verdienst ist die Kontextualisierung. Die Stadtforscherin Pelin Tan beschreibt, wie ein Gesetz, eigentlich zur kommunalen Notfallbehebung bei Kriegen oder Naturkatastrophen entworfen, zum Instrument weiträumiger Eigentumsumverteilungen und Infrastrukturänderungen wurde. Angewendet wurde es vornehmlich auf Gecekondular, zunächst illegal errichtete, später aber meist legalisierte Siedlungen der vom Land in die Städte drängenden Bevölkerung. Den Bewohnern dieser Gecekondular werden zwar Neubauwohnungen in den Randzonen Istanbuls angeboten,...

Urbane Interventionen Istanbul. Learning from Gezi? Hg. von Friedrich von Borries, Moritz Ahlert und Jens-Uwe Fischer. Merve Verlag, Berlin 2014, 208 S., 16 EUR.

Jetzt reicht’s!

In der teilweise derben Kritik nicht unbedeutender Theatermacher an der Entscheidung des Berliner Senats, eine neue Leitung der Volksbühne ab 2017 einzusetzen, äußert sich wohl recht deutlich der Widerstand gegen den Abbau des hier nur kurz, nicht umfassend charakterisierbaren subventionierten Ensembletheaters, der bisherigen Basis, so gleichsam einer Gewähr der international herausragenden künstlerischen Geltung des deutschen Theaters. Nicht umsonst nennen die Verteidiger der Entscheidung, dass es ja auch – wohl mit der Regisseurin Susanne Kennedy als eine der neuen Leitungspersonen – ein Ensemble geben werde. Um die Erweiterung eines altengen Horizonts der Volksbühne durch Aktivitäten wie Performances, Tanz, Konzerte, Film/audiovisuelle Medien kann es gar nicht gehen. Genau sie ist eine ihrer Besonderheiten seit dem Antritt der Intendanz Frank Castorfs. Sie ist nicht zuletzt eine – natürlich variierende – Wiederaufnahme des Projekts, das der mit Brecht aus der romanischen Schweiz nach Berlin gekommene Benno Besson als Intendant von 1969 bis 1976 versuchte. Es ging um eine Volksbühne als ein linkes, kritisches, sozialistisches kulturelles Zentrum, das betont spielerisch in verschiedensten Darstellungsformen mit der Öffentlichkeit in aktiv-direkten Dialog tritt, sein Publikum zum Mitakteur der künstlerischen Veranstaltungen zu machen suchte und so seine Räume für gleichsam gemeinsame intellektuell-sinnliche Betätigungen öffnete. Das Spektrum der Aktivitäten reichte,...

Anmerkung

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Wann bin ich Corinna zum ersten Mal begegnet? Ich würde sagen, vor recht kurzer Zeit, gewiss. Aber ich fühle, dass ich ihr auf die beste Weise begegnet bin, vom Zuschauerraum aus, und dies viele Male. Ich kann aus meinem Gedächtnis viele Szenen hervorholen, werde hier aber vor allem von meiner ersten Begegnung sprechen, der in Stuttgart, ein Abend, ein unvergessliches Ereignis: Die Bühne ist groß und leer. Eine Frau steht vor einem Stuhl, und das Publikum wartet. Das Licht ist auf sie gerichtet. Der Rest der Bühne ist kaum beleuchtet. Sie ist schlank, weder klein noch zu groß, sie steht, es herrscht große Stille, in dieser Stille wird ihre Stimme zu hören sein, sie hält ein Buch und beginnt zu lesen. Du hast nicht das Gefühl, dass sie liest, du hörst, was du denkst, das du hören sollst. Sie ist barfuß. Der Boden ist schwarz, und ihre Füße sind weiß. Sie lenken dich nicht ab, denn ihre Stimme hält dich nah bei ihr. Sie liest oder rezitiert auf einem gehaltenen Ton ein Gedicht, „In einer Kriegszeit leben“, geschrieben in den frühen Stunden der Invasion der amerikanischen Armee in den Irak und in den darauffolgenden ein oder zwei Wochen … Dieses...

Corina

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Harter Gitarrensound durchschneidet den spärlich erhellten Raum. Nebel liegt über der Szenerie, Staub rieselt von der Decke, kaum Spuren von Zivilisation sind zu sehen. Plötzlich huschen kindliche Gestalten nach vorne, greifen sich Steine und tauchen zügig zurück in das Dunkel. Nun entwickelt sich getrieben von der Musik spielerisch ein Kampf um Ressourcen: Heftig wird um eine alte Matratze gerungen, bis ein Mann eingreift und das Treiben für sich zu entscheiden scheint. Doch geben die Kinder nicht auf, zerren am erwachsenen Körper, springen ihn an, versuchen ihn umzuwerfen. Das Ringen wechselt kaum spürbar zwischen Gewalt und Spiel, zwischen Ablehnung und Annahme, zwischen Zupacken und Sich-Ausliefern. Die Choreografen Joke Laureyns und Kwint Manshoven aus Gent, Belgien, schaffen dynamische Bilder einer postapokalyptischen Welt, deren überlebende Körper voll viriler Kraft aufeinandertreffen und deren Tanz direkt dem Überlebenswillen zu entspringen scheint. Eine Aufführung, die den Betrachter unmittelbar anspringt und noch Stunden später nicht loslässt. Wir sind bei Augenblick mal!, dem Festival für Theater für ein junges Publikum in Berlin, und „rauw“ ist eines von zwei internationalen Gastspielen. 2015 bereits zum 13. Mal treffen sich bei Augenblick mal! die Künstler und Theaterleute der deutschsprachigen Kinder- und Jugendtheater, um sich zu vernetzen und die aktuellen Trends der...

Das Festival für junges Theater Augenblick mal! in Berlin vermittelt zwischen Genres und Generationen

Die Brückenbauer

Zufluchtsort vor der Welt

In Wolfram Hölls neuem Stück „Vom Verschwinden vom Vater“ geht es um das Sterben des Vaters, um sein Wegsein schon im Leben. In einem poetischen Erinnerungspatchwork zeigt der Autor Splitter dieses Vaters durch die Augen eines Ichs in unterschiedlichen Lebensphasen: als kleiner Sohn, als erwachsener Sohn, als Vater eines eigenen kleinen Sohnes. Wolfram Höll, beim Lesen Ihres Stücks fallen sofort die verschiedenen Schriften – Handschrift, Schreibmaschinenschrift, iPhone-Typografie – und die Klammern und handgeschriebenen Randbemerkungen auf. Dieses spezifische Erscheinungsbild des Texts ist für mich wesentlich. Die verschiedenen Schriften entsprechen verschiedenen Realitäts- und Schreibebenen, die nie eine Einheit bilden werden und sich deshalb schon im Schriftbild voneinander unterscheiden sollten. Die auf der Schreibmaschine getippten Teile sind Variationen von Besuchen beim Vater auf dem Land, die eine sehr ähnliche Dramaturgie haben und mit ähnlichen Mitteln arbeiten. Die handschriftlichen Teile eröffnen einen ganz anderen Raum, eine Art Schlafzustand. Die Klammern setzte ich anfangs, wenn ich nicht sicher war, ob ich etwas drin haben wollte. Dann ließ ich sie als Verständnishilfen für die Schauspieler stehen. Unterdessen gehören sie dazu. Ist Ihre Darstellung also als „typografische Regieanweisung“ zu verstehen? Vielleicht nicht direkt eine Regieanweisung. Aber sie gibt auf jeden Fall einen Klang vor und weist darauf...

Der Autor Wolfram Höll über sein neues Stück „Vom Verschwinden vom Vater“ und seine Entscheidung gegen einen Stückabdruck im Gespräch mit Simone von Büren

Erinnern als Schreibprozess

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Jede Überschreitung des Herkömmlichen löst Schrecken aus. Denn sie möchte eine Gegenwelt entwerfen und verlangt die Verflüssigung der Konventionen. Es heißt, die vom Logos befreite Musik überschreite die Grenzen der Worte. Sie bedient sich der Klangimagination sowie der Stille, so John Cage. Durch die Noten verleiht sie dem Abwesenden oder Toten Töne und Stimmen. Musik kann so eine Welt der Vielstimmigkeit erzeugen. Der Kontrapunkt zum Beispiel, wörtlich „Note gegen Note“, bezeichnet eine musikalische Technik, Gegenstimmen zu gegebenen Tonfolgen zu erfinden. Aus ihnen ergeben sich neue Zusammenklänge, zugleich wird ihre Eigenständigkeit betont. Auch die 50. Ausgabe des Festivals Kontrapunkt, die vom 17. bis zum 26. April 2015 in der polnischen Stadt Szczecin (mit einer Eröffnungsinszenierung in Schwedt und zwei Theaterbesuchen in Berlin) stattfand, konfrontierte das Publikum mit ungewohnten Sehgewohnheiten und einem erweiterten Theaterbegriff. Das Theater soll das Reale überfliegen und zugleich die Sichtweise auf die Realität anhaltend beeinflussen. So heißt es im Programmheft des diesjährigen Festivals, und weiter: Was ist ein Theaterfestival heute? Ein Ort der feierlichen Stimmung unter netten Menschen? Und kann es eine Basis für ernsthafte und sinnvolle Diskussionen schaffen? Kritik geschieht nicht von einem Standpunkt aus, der Überblick über eine Situation erlaubt, von der das Subjekt unberührt wäre,...

Das Kontrapunkt-Festival im polnischen Szczecin

Ein Puzzle namens Existenz

1 Mein erster Nennen-wir-es-Roman – etwa 100 Seiten, die ich Mitte der Achtziger schrieb – hieß „Heimweh“ und war, so würde ich rückblickend sagen, ein postmodernes Stück Literatur. Er entlarvte sich auf Schritt und Tritt als Konstruktion, führte Handlungen aus, die er wieder zurücknahm, und kultivierte den Sprachekel im Angesicht der Realität. Damals, nach indoktrinierenden Marxismuslektionen und im gefühlten Stillstand der Zeit, war mir alles recht, was irgendwie dem Ganzen zuwiderlief; was der festgefügten Welt, die mich umgab, gedanklichen Schaden zufügte. Die Zeit schrie danach, Gewissheiten zu zertrümmern, und es war wunderbar, in der Krise zu sein – inmitten von so viel Optimismus. Veröffentlicht wurde der Text selbstverständlich nicht. Obwohl er keineswegs vordergründig politisch war, konnte der Lektor des Mitteldeutschen Verlages nur den Kopf schütteln … Will sagen: Bei aller Schwäche der poststrukturalistischen und postmodernistischen Theorie, bei all ihrer Ungenauigkeit und Geschwätzigkeit (die sich gewissermaßen als „Methode“ versteht), darf man weder vergessen noch übersehen, dass ihr Ursprung subversiv und emanzipatorisch ist. Die Postmoderne bedeutet die „feierliche Aufkündigung aller Totalität“ (Umberto Eco), sie ist eine Hinwendung zum Einzelnen und Besonderen, zu Vielfalt und Fragmentalität (wiewohl diese Hinwendung, soweit ich sehe, schon von Walter Benjamin aus über die Frankfurter Schule ihre Traditionslinien...

Ein Plädoyer für das Erzählen

Die andere Art des Wissens

Festival der Besessenen

Meldungen

Er verspricht den Himmel auf Erden, lockt die Frauen von Theben mit nur einem einzigen Kuss ins Reich der Lüste. – Es ist der Gott Dionysos, Sohn des Zeus und der sterblichen Semele, welcher die böotische Stadt in wilde Ekstase versetzt. Um die weibliche Schar des Stückes wie das Publikum gleichermaßen zu verzücken, wählt Andreas von Studnitz für seine kongeniale Inszenierung von „Die Bak- chen (Pussy Riot)“, einer Bearbeitung der Euripides-Tragödie durch John von Düffel, eine laszive Schönheit. Zwischen mysteriöser Femme fatale und androgyner Knabengestalt verkörpert Sidonie von Krosigk den Himmelsboten des Rausches als erhabenen Grenzgänger. Ein blauer Blazer verhüllt die Ansätze ihrer Brust, in ihrem zarten Gang schwingt stets der Hauch des Verruchten und Geheimnisvollen mit. Statt eines orgiastischen Farbspektakels bietet die Ulmer Aufführung ein subtiles Verführungsspiel der Sinne. Schon in der ersten Szene taucht der Zuschauer sogartig in einen auf eine übergroße Leinwand projizierten Wolkenraum ein, musikalisch begleitet von einer psychedelischen Version von Robert Wyatts „Different every time“. Melancholie und fiebrige Kontemplation liegen in der Luft. Während man schon zu diesem Zeitpunkt seinen Geist in andere Vorstellungssphären gleiten lassen kann, bleibt der Zugang zu Höherem verwehrt. Von der Decke hängen Bruchstücke einer Treppe herab. Die olympischen Götter haben...

Theater Ulm: „Die Bakchen (Pussy Riot)“ (UA) von John von Düffel nach Euripides. Regie Andreas von Studnitz, Ausstattung Mona Hapke

Ulm: Lasziver Rausch

Zuletzt hatte sich Sophie Hunger selbst eine längere Auszeit verschrieben. Irgendetwas war aus dem Lot geraten, das merkte die Songschreiberin, wenn sie sich zu Hause in Zürich sonderbar beobachtet vorkam, „fast schon pa- ranoid“, wie sie im Interview erzählt. Zuvor war die Schweizerin sechs Jahre lang ohne größere Pausen unterwegs gewesen. Wenn sie nicht mit ihrer famosen Band auf der Bühne stand, produzierte sie etwas – ob Konzertfilm, Buch oder Live-CD. Anfang 2013 war schließlich der Akku leer. Die Sängerin, die von fern an Folk-Feingeister wie Leslie Feist oder Cat Power erinnert, plagten Schlafstörungen. Ihr Refugium fand sie spontan, in San Francisco. „Ich musste irgendwohin, wo ich sein kann, wie ich will, und wo es den Leuten auch egal ist, was ich sage“, sagt sie. „Mir gefiel die Situation, die Migrantin zu sein, die fremd ist.“ Die verloren gegangene Spiellust kam schon nach kurzer Zeit wieder, erste Songs entstanden in Hotelzimmern und Studios. Daraus wuchs ihr fünftes Album, „Supermoon“. Darauf streift die 32-Jährige amerikanische Folkrock-Leichtigkeit, verhangenen Zeitlupenjazz, Chanson und Kammerpop; die Stimmung reicht von sonnig bis nachtschwarz. Insgesamt überträgt sich eine Gelassenheit, die Hunger auf ihrem staunenswerten Einzelgängerpfad durch Europas Songschreiberlandschaft erlangt hat. Zudem wirkten neue Musikbekanntschaften in Kalifornien inspirierend:...

Musik: Leises Fernweh

Disappearing Birdie Coonan

Michèle Roten, Ausgangspunkt Ihres Stücks ist eine Fehlgeburt. Die Frau, Anna, postet das auf Facebook, der sozialen Plattform der Digital Natives. Ihr Mann, Eric, zählt Likes und erschrickt zugleich über die Kommentare. Trauerarbeit wird im Plenum mit einem befreundeten Paar geleistet. Was hat Sie an dem schwierigen Thema gereizt? Ich wundere mich immer wieder über den weitverbreiteten Usus, Schwangerschaften erst ab der zwölften Woche bekannt zu geben, weil bis da das Risiko für eine Fehlgeburt noch erhöht ist. Das scheint also etwas zu sein, was man nicht mit dem Umfeld teilen will – und das in einer Zeit, in der jeder eingewachsene Zehennagel einen Post wert ist. Ich finde die Vorstellung schrecklich, dass eine Frau ein Kind verliert und dann tut, als wäre nichts gewesen, und allein ist mit ihrer Trauer oder Wut oder sich sogar Vorwürfe macht. Jedes Mal, wenn in meinem Bekanntenkreis das Gespräch auf dieses Thema kommt, stellt sich heraus, dass schon sehr viele Aborte hatten, und alle sind froh, mit anderen Frauen darüber sprechen zu können, nicht allein zu sein. Es hat mich gereizt, eine Figur zu erfinden, die einen ganz anderen Weg einschlägt und die traurige Nachrichten publik macht – mit der gleichen Selfie-Mentalität, wie...

Die Autorin Michèle Roten über ihr erstes Theaterstück „Wir sind selig! Oder: Oder“ im Gespräch mit Elisabeth Maier

Geshoppter Lebensentwurf

Hoffnung schaffen

I. ANNA UND ERIC Ein Wohnzimmer: grosser Esstisch mit Platz für acht bis zehn Leute, schönes, altes Holz. Stühle: ein paar Freischwinger, ein paar Eames, der Rest Horgen Glarus. Ein Statement-Sofa. Minotti/B&amp;B Italia/Knoll/Flexform. Darauf liegt Eric und schläft. Ansonsten eine Mischung aus dänischem Design (viel Hay, Ferm Living) und Trouvaillen aus dem Brockenhaus, ein Stück, im Sinne einer ironischen Referenz, von Ikea. Vielleicht ein Billy-CD-Regal, aber horizontal? Darin eine kleine Sammlung alter Blechautos, Blechroboter? Im Hintergrund eine Zamioculcas zamiifolia. Anna, in ausgeleiertem Kaschmirpulli und Trainerhosen, mit fettigen Haaren, Augenringen, sitzt zusammengeknüllt am Tisch, vor sich ein Mac Book Air. Irgendwo Projektion des Computer-Screens: Sie ist auf Facebook und schreibt an einer Statusmeldung. Die letzten Einträge sind z.B. Fotos von Ultraschallbildern oder erste Bauchbilder. Das Feld für die Statusmeldung fragt wie immer: Was war heute los? Anna tippt. Anna Tippt Freunde Tippt Liebe Freunde … Liebe Freunde, Krümelchen ist von uns gegangen Löscht Liebe Freunde, eben noch in meinem Bauch, jetzt schon im Himmel Löscht Liebe Freunde, ich hatte gestern einen Abort Löscht Liebe Freunde, Krümelchen hat sich von der Welt verabschiedet, noch bevor er sie erblickt hat. So viel zu ihrem Zustand. Überlegt, löscht den letzten Satz. Fügt hinzu …...

Wir sind selig! Oder: Oder

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Bye-bye Baal. Als Frank Castorfs Version von Bertolt Brechts „Baal“ beim diesjährigen Berliner Theatertreffen letztmals über die Bühne ging (die Brecht-Erbin Barbara Brecht-Schall hatte weitere Aufführungen verbieten lassen), wehte bereits ein Hauch Wehmut durch den Saal. Soll dieses einzigartig intellektuell-sinnliche, anarcho-aufsässige Theater wirklich seine künstlerische Basis verlieren? Der Berliner Senat jedenfalls sagt Ja. Ab 2017 soll der Kurator und derzeitige Leiter der Tate Modern in London Chris Dercon die Volksbühne...

Editorial

In Rezensionen zu den Performances Angélica Liddells fallen die Worte „radikal“, „extrem“ und „intensiv“ so sicher, wie sich die Künstlerin in ihren Arbeiten selbst zum Thema macht. Gern gebärdet sich die 1966 geborene Spanierin als Madame Extra-Crazy. Der neueste Teil ihres „Auferstehungszirkels“ trägt den umständlichen Titel „Primera carta de San Pablo a los Corintios. Cantata BWV 4, Christ lag in Todesbanden. Oh, Charles!“. Liddell nutzt das biblische Hohelied der Liebe für eine ganz eigene Auseinandersetzung mit menschlichen Obsessionen. Dabei dient ihr die Liebe als Gipfel des Profanen wie des Heiligen, wobei die Gottesliebe als übertriebenste Form der Hingabe erscheint. Im Frankfurter Mousonturm, der den Abend koproduzierte, ist die Bühne von verheißungsvoll rot glänzendem Samt verhüllt. Allein das setzt ein Assoziationsgeschwader in Gang: vom Theatervorhang bis zum Blut Christi. Unter dem Tuch erheben sich drei Podeste, womöglich ein Sinnbild für die drei Kreuze von Golgatha, vielleicht aber auch eine Anspielung auf die Dreifaltigkeit. Den Hintergrund begrenzt in jedem Fall Tizians berühmtes Ölgemälde „Die Venus von Urbino“, das eine nackt hingestreckte junge Frau zeigt, deren linke Hand scheinbar lässig auf ihrer Scham ruht. In diesem Spannungsfeld zwischen Weiblichkeit, Katholizismus und Gottesfurcht bewegt sich der eineinhalbstündige Abend, der lustvoll pathetisch ausschreitet und zuweilen...

Künstlerhaus Mousonturm: „Primera carta de San Pablo a los Corintios. Cantata BWV 4, Christ lag in Todesbanden. Oh, Charles!“ (DEA) von Angélica Liddell. Regie und Ausstattung Angélica Liddell

Frankfurt am Main: Liddells Liebesbande

Im Garten auf Kampnagel haben sie ein Holzhaus gebaut; ein bisschen sieht es aus wie die Rote Flora. Letzten Sommer schon, während des Festivals, nahmen sie dort Flüchtlinge auf, aber ohne es an die Glocke zu hängen. Kaum jemand bekam etwas davon mit. Zum Glück witterte das Hamburger Künstlerkollektiv Baltic Raw die Chance, mit einer (eigentlich völlig unspektakulären) Kunstaktion den politischen Diskurs zum Tanzen zu bringen. Im vergangenen Dezember bezogen sechs Afrikaner aus der Lampedusa-Gruppe die gefakte Rote Flora, genannt „ecoFavela“, um dort zu leben und zu arbeiten. In guter alter Tradition brachten sie tagtäglich eine soziale Plastik hervor. Damit es jetzt aber auch wirklich jeder mitbekam, erging eine Anzeige an die Hamburger Staatsanwaltschaft, und zwar von der Allianz für Deutschland (AfD), der ressentimentgeladenen Partei im rechten Spektrum, die sich mit ihrem Anzeigen-Geistesblitz als „Partei der Rechtsstaatlichkeit“ aufzuspielen suchte. Der Vorwurf: Amelie Deuflhard, Chefin auf Kampnagel, habe öffentliche Gelder veruntreut, noch dazu „Beihilfe zum Verstoß gegen das Aufenthaltsrecht für Ausländer“ geleistet. Tja, wäre es nicht so traurig, wäre es lustig. Noch lustiger ist, dass der Staatsanwalt, wie im Mai bekannt wurde, tatsächlich ein Ermittlungsverfahren eingeleitet hat. Weder vom Inhalt der Anzeige noch vom Inhalt des Ermittlungsverfahrens hat Amelie Deuflhard irgendetwas...

Flüchtlinge: In Hamburg ermittelt der Staatsanwalt gegen Kampnagel

Soziale Plastik

Die Revolution beginnt mit zivilem Ungehorsam. Für ihn und die Überzeugung, dass sich die Welt mit den Mitteln des Theaters in eine bessere verwandeln lässt, ging die amerikanische Theatererneuerin, Regisseurin, Theaterund Filmschauspielerin, Poetin und Autorin Judith Malina zeit ihres Lebens immer wieder ins Gefängnis. Nun ist sie im Alter von 88 Jahren in einem Pflegeheim für Unterhaltungskünstler in New Jersey verstorben. „Ich verlange alles – totale Liebe, das Ende sämtlicher Formen von Gewalt und Grausamkeiten wie Geld, Hunger, Gefängnis- se und dass Menschen Arbeiten verrichten, die sie hassen“, so beschrieb Judith Malina 1968 im Interview mit dem New York Times Magazine die Ziele ihrer Revolution, ihr Lebensmotto und künstlerisches Vermächtnis des Living Theatre zugleich: „The Beau- tiful Non-Violent Anarchist Revolution“. Es ging um nichts weniger als die Abschaffung jeglicher Form von Herrschaft des Menschen über den Menschen. Um Freiheit und die Überwindung der Angst vor der Freiheit, die den Menschen in unserer Form der Zivilisation von klein auf eingepflanzt wird. In ihrem 2012 erschienenen „Piscator Notebook“ erzählt Malina, dass ihre Eltern bereits vor der Geburt ihrer Tochter 1926 beschlossen hatten, dass diese ein Leben im Theater führen sollte. Eine Art Tauschhandel, den ihre Mutter, die Schauspielerin Rosel Zamojre, bei der...

Zum Tod von Judith Malina

Die Stimme der Beautiful Non-Violent Anarchist Revolution ist verstummt

Ich bin da wie ein alter Rock ’n’ Roller – gibt man dem eine Gitarre in die Hand, fängt er an zu spielen.“ Friedrich Schirmer, 63, hat etwas gewagt, was sich kaum jemand traut: Er ist dorthin zurückgekehrt, wo er einst angefangen hat – an die Württembergische Landesbühne Esslingen (WLB). 1985 hatte er dort seine erste Intendanz begonnen und mit regionalen Stoffen Akzente gesetzt. Es folgten Freiburg und die großen Häuser der Republik – zwölf Jahre Stuttgart und fünf Jahre Hamburg, wo er 2010 wegen „gravierender Unterfinanzierung“ hinschmiss. Jetzt, knapp dreißig Jahre danach (und geschätzte 30 Kilo leichter), ist der Marathonläufer Friedrich Schirmer, der auch schon in Tibet im Kloster lebte, seit Herbst 2014 wieder Intendant in Esslingen. Zurück in der Theaterwirklichkeit. Und fühlt sich offenbar sehr wohl. So eine Peer-Gyntartige Rückkehr zum Ausgangspunkt, vom größten Schauspielhaus der Republik zurück an ein kleines Landestheater, gilt in der aufs Höher-Weiter fixierten Theaterszene als Tabu. Wie fühlt sich das an, wenn statt Hamburg nun Esslinger Abstecherorte wie Ilshofen und Gerabronn auf der Tagesordnung stehen? In beiden Fällen gilt es, gutes Theater zu machen, erwidert Schirmer trocken. „Wir müssen um das Publikum kämpfen.“ Und was heißt hier Provinz? Er sehe, bestätigt Schirmer, manchen...

Friedrich Schirmer bricht ein Tabu und kehrt dorthin zurück, wo er seine erste Intendanz übernahm: an die Württembergische Landesbühne Esslingen

Zurück auf Los

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Mit dem Theater die Welt verändern

Diese Inszenierung ist wie ein Tango, den man abwechselnd mittanzt und dann wieder aus der Ferne beobachtet: ein morbider Reigen der Vernichtung. Ort der Handlung: ein Luxushotel, in dem sich eine Gangsterbande verschanzt hat; draußen wartet bereits ein Großaufgebot der Polizei. Die letzten Patronen der sieben Verbrecher um Jean, genannt Johnny (Michael Pempelforth), und des zu ihnen übergelaufenen Polizisten (Wenzel Banneyer) werden bald verbraucht sein. Man sitzt hier in der Falle, zumal die junge und schöne Geisel, eine amerikanische Millionärin, bereits tot ist. Ein Versehen, irgendjemand hat da wohl die Hände nicht rechtzeitig von ihrem Hals fortbekommen. Pech, das Endspiel ist entschieden, kaum dass es begonnen hat. Was nach Thriller klingt, ist ein Thriller. Aber da der Autor Jean Genet heißt, ist es auch ein philosophisches Lehrstück über unsere hoffnungslose Endzeitexistenz und den ästhetischen Glanz, den sie dennoch ab und zu verbreitet. Regisseurin Claudia Bauer und ihr Bühnen- und Kostümbildner Andreas Auerbach nehmen beides ganz ernst: Thriller und Untergeher-Philosophie. Das ist dann wie am Ende von Oliver Stones „Natural Born Killers“. Als alle bis auf den Mann mit der Kamera ermordet sind, ruft dieser: Nicht mehr schießen, ich bin doch der Letzte, der lebt, außer mir kann keiner mehr die...

Schauspiel Leipzig: „Splendid’s“ von Jean Genet. Regie Claudia Bauer, Ausstattung Andreas Auerbach

Leipzig: Morbider Reigen

In den Kritiken des neuen Romans von Siri Hustvedt trifft man immer wieder auf denselben kritischen Mangel. Nicht wenige Rezensionen verpassen die vielleicht wichtigste Volte des Werks, wenn sie das Geschlecht der Herausgeberfiktion von „Die gleißende Welt“ vereindeutigen. Mal ist in den Artikeln von einer Kunsthistorikerin die Rede, die das Buch kompiliert habe, mal von einem männlichen Schöpfer der Anthologie. Tatsächlich trägt das fiktive Vorwort die Unterschrift „I.V. Hess“; Siri Hustvedt selbst – wie ähnlich die Namen klingen! – wies in einem Interview darauf hin: „we don’t know the sex of the editor“. Überhaupt hat es dieses Vorwort in sich. Es beginnt mit dem Satz einer gewissen Harriet Burden, den ein gewisser Richard Brinkman zitiert, welchen wiederum I.V. Hess zitiert, um zu erklären, wie er/sie auf Burden aufmerksam wurde – um schließlich herauszufinden, dass Richard Brinkmann nur eine der vielen Masken von Harriet Burden war, die – auch Spitznamen erfinden Identitäten – von allen schlicht „Harry“ genannt wurde. Die Uneindeutigkeit nicht nur, aber vor allem des Geschlechts darf als literarisches Programm von „Die gleißende Welt“ gelten, allererst jedoch stellt sie das Thema des Romans dar. I.V. Hess fand einige Tagebücher jener Harry, befragte deren Kinder, Freunde, Therapeuten, führte einige Interviews,...

Literatur: Identitätskaleidoskop

Guilt-Trip durchs Vogtland

Was ist Theater?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Juni 2015

Premieren

Im September 1915 fand in Zimmerwald bei Bern ein von dem Schweizer Sozialdemokraten Robert Grimm organisiertes Treffen der Sozialistischen Internationale statt. Prominenteste Teilnehmer waren Lenin und Trotzki; fern der Schlachtfelder ging es u. a. um eine grundsätzliche Haltung gegen den Krieg. Damit die Sache möglichst ungestört stattfinden konnte, war sie als Ornithologenkongress getarnt. In der Schweiz kennt diese Geschichte fast jeder. Zu Zeiten des sozialistischen Weltreichs kamen sowjetische Delegationen öfter in den kleinen Ort, der ihnen als eine der Keimzellen der Oktoberrevolution galt. Wenn man heute nach einer Schnittmenge zwischen schweizerischer und russischer Geschichte sucht, kommt man recht schnell darauf, stellte Matto Kämpf, neben Ariane von Graffenried Koautor von „Alle Vögel sind schon da“, fest. Und skurril genug ist sie außerdem, bestens geeignet auch für eine Auseinandersetzung mit den postsowjetischen Anteilen in Putins Politik. Statt eines papierenen Dokustücks haben die beiden Autoren eine ziemlich verspielte Vorlage geschrieben, die Eberhard Köhler und Danila Korogodski in Kooperation vom Schlachthaus Theater Bern, dem Teatr Pokoleni in Sankt Petersburg, dem Theater Winkelwiese in Zürich und dem Theater Chur entschlossen subversiv als großes Spektakel inszenierten, in dem sich der Kongress vom Totentanz des Weltkriegs mit der russischen Märchenhexe Baba Jaga und heutigen Zimmerwald-Touristen verbindet. Baba...

Wie die schweizerisch-russische Koproduktion „Alle Vögel sind schon da“ vom historisch Grotesken zum Ernst der politischen Gegenwart kommt

Alphorn und Akkordeon

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

TdZ on Tour

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

Es ist nicht übertrieben: Aus dem europäischen Zentrum schwemmen Hasswellen Richtung Peripherie; die ist derzeit Griechenland. So eine Aufsässigkeit gegen sparsames europäisches Haushalten geht gar nicht!, heißt es. Diese deutsche Gemütslage wird getragen von einem breiten Konsens, der die Spitze des deutschen Staats mit der untersten Stammtischkante der Gesellschaft eint. Ein demokratisches Highlight, könnte man meinen, weil auch ein Gutteil der Presse, die vierte Gewalt, im Gleichschritt tritt. – Ich mein’s anders: So ranzig kann demokratische Gewaltenteilung werden, wenn sich der Souverän von langjähriger geduldiger und souveräner Kleinarbeit durch das Kapital und seine Zuarbeiter zum Souvenir – auf Deutsch: Mitbringsel – der Demokratie zurechtschnitzen lässt. An den Stammtischen, die bis in den sogenannten seriösen Journalismus hinein ausstrahlen, herrscht emotionale Entgrenzung der üblen Art. In der Regierung zielgerichtete Disziplin. So ist es, wenn Regierung und Stammtisch eins sind. Dann überlässt der demokratische Souverän der Regierung seine Macht. So beginnen politische Katastrophen. Vor zweieinhalb Generationen galt es die Welt Mores zu lehren, als dieser deutsche Zustand erreicht war. Diesmal gilt es nur ein kleines Land zu maßregeln. Trotzdem: Der Tonfall ist schon wieder da, der die Musik macht. Warum soll ich Gedanken zum Schichtwechsel an der Volksbühne denken, wo ein alteingesessener Clochard...

Event(uell)

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Die Bühne als Imaginationsraum: Leere. Dunkelheit. Ortlosigkeit. Ein „Angelusläuten“ evoziert Friedlichkeit. Die Stimme des Ich-Erzählers, der sich erinnert: Er sucht den Raum seiner Kindheit mit dem Tastsinn seiner Worte. Das Kärnten der Jahre 1936 bis 1945, Leben und Leiden der slowenischen Minderheit. Dort choreografiert sich seine Familie: Großmutter und Großvater, die Mutter, deren drei Brüder, die Schwester der Mutter. Wenn das Licht angeht, haben diese erste Positionen auf der Bühne eingenommen. Identitätssuche also, die von der Familie ausgeht. Der Röntgenblick auf innerfamiliäre Strukturen, Beziehungen und Emotionen. Die große Stärke von Handkes Text liegt in der Verschränkung von Familien- und Gesellschaftsgeschichte. Kriegszustände gibt es schon in Friedenszeiten: Da ist Ursula, die Dunkle, deren abseitige Position mit Grund gewählt ist. Denn auf dem elterlichen Hof ist für sie bald kein Platz mehr. Erst im Krieg findet sie ins Zentrum des Familienbildes. Dann nimmt sie als Partisanin Snejana breitbeinig die Mitte der Bühne ein. Melanie Lüninghöner verkörpert diese zentrale Alteritätsrolle mit Wucht, heiserer und klarer Sprache, mit aller Ambivalenz zwischen Aufbegehren und Unterordnung. Erschütternd ihr Sterben auf der Bühne kurz vor Kriegsende, kniend, mit ausgestreckten Händen: eine Opferrolle, stellvertretend für ihre Sippe, die den Kampf gegen den Nationalsozialismus mit Vernichtung bezahlt. Handkes episches...

Theater Freiburg: „Immer noch Sturm“ von Peter Handke. Regie Thomas Krupa, Ausstattung Jana Findeklee, Joki Tewes

Freiburg im Breisgau: Reise ins Wir

Katja Brunner, in Ihrem neuen Stück „geister sind auch nur menschen“ geht es um eine aus der Balance gekippte Gesellschaft – und das zulasten der Alten, die man ratlos oder auch bloß desinteressiert der anonymen Pflegeindustrie überlässt. Es ist auch ein sehr grundsätzlicher – und dabei hochpoetischer – Text über die Dinge des Lebens. Deren tiefster Grund bleibt doch immer der Tod? Die Frage nach einem selbstbestimmten Sterben beschäftigt mich stark. Es gab in meinem unmittelbaren Lebensumkreis Sterbevorgänge, Leben, die Enden fanden, bei denen die Frage nach der Würde eine laute war; dies hat mich auf ein Ungleichgewicht gestoßen: In Kinder wird getrost und gerne investiert, das hält die Gesellschaft für sinnvoll, es vermittelt Befähigung, Stärkung; in die Alten keineswegs. Es scheint da nichts zu holen zu geben – das ist das Credo; so findet man aber keine Verwendung oder Aufgabe für eine immer schneller wachsende Bevölkerungsgruppe. Dabei stößt man an jeder Straßenecke, an jeder Bushaltestelle auf diese alten, geisterhaften Menschen. Niemand nimmt sie wirklich wahr oder aber sie werden bewusst ausgeblendet. Weite Passagen Ihres Textes sind ein harter Anstaltsreport. Ein Blick in den Bauch der Pflegeindustrie, die Sie als eine Art Vorhölle schildern: „Die berühren uns nur mit Gummihandschuhen!“...

Die Autorin Katja Brunner über ihr Stück „geister sind auch nur menschen“ im Gespräch mit Gunnar Decker

Fahrlässigkeit am künftigen Ich

Zwischen Illusion und Ideologie

Eine Frau, zwei weiße Stühle. Dahinter eine Projektionsleinwand, auf der Bilder von Frauen auftauchen, Heilige sowie der bewölkte Himmel Kalabriens. Mit diesen einfachen Mitteln erzählt Rosy Canale ihre Geschichte vom Kampf gegen die ’Ndrangheta. Canale war Betreiberin eines Szenelokals und erteilte den Drogendealern der kalabrischen Mafia-Organisation Hausverbot. „Ich will diesen Dreck nicht“, sagte sie ihnen und meinte dabei nicht die Qualität des Kokains, sondern das kriminelle Geschäft mit der Sucht überhaupt. Resultat dieser Zivilcourage: Sie wurde von maskierten Männern auf einem Motorrad verfolgt und musste in das schwarze Loch des auf sie gerichteten Laufs einer Pistole blicken. Canale berichtet in dem Theatermonolog „Malaluna“ in eigener Person davon. Die Produktion tourte durch Italien, von Kalabrien im Süden über Rom bis hoch nach Mailand, Turin und Triest. Canale wurde Antimafia-Aktivistin, gründete nach den ’Ndrangheta-Morden in Duisburg eine Antimafia-Organisation in San Luca, dem Heimatort der Killer wie der Opfer. „Malaluna“ ist Teil eines neuen Trends im italienischen Theater, sich dem Thema Mafia über Frauenbiografien zu nähern. Biografien von emanzipierten Frauen, die sich wie Canale gegen die Mafia wehren. Biografien von sich emanzipierenden Frauen, die sich aus der familiären Zugehörigkeit zur Mafia herauslösen – etwa in Gestalt Rita Atrias, einer der frühesten Aussteigerinnen aus...

Das italienische Theater entdeckt in den Aussteigerinnen krimineller Clans Bühnenfiguren, die den allmächtigen Strukturen ihres Landes die Stirn bieten

Hasta la vista

Assoziationen

Theater

Volksbühne Berlin

Theater der Zeit 06/2008

Wider die Verlenzung

Volksbühne

Theater der Zeit 9/1947

Volksbühne

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