Die Spielzeit 2012/13 am Theater Bremen hatte noch nicht begonnen, da sorgte das Spielzeitheft schon für Irritationen. Nicht, weil das darin vorgestellte Programm so ungewöhnlich gewesen wäre. Vielmehr lockten das Erscheinungsbild und die Haptik dieses „Heftes“ manch Journalisten auf die falsche Fährte: ein paar dünne, gefaltete DIN-A3-Zettel, ohne Umschlag, ohne Deckel, noch nicht einmal geheftet. War die neue Theaterleitung um Generalintendant Michael Börgerding etwa nicht rechtzeitig damit fertig geworden? Weit gefehlt. Mit seinen schlichten Zetteln – aus denen am Theater Bremen auch heute noch die Spielzeithefte bestehen – setzte Börgerding ein Zeichen: Unter seiner Leitung, so die Botschaft, sollten die Inhalte im Vordergrund stehen, keine Verpackungen – ein Versprechen, das der kluge Mann mit dem verschmitzten Lächeln und dem feinen Humor bis zum traurigen Ende seiner mehr als zwölfjährigen Intendanz am Theater Bremen halten sollte. Zurück zum Anfang: Bremens Senat hatte den Auftrag des Intendanten in der Ausschreibung der Stelle klar definiert. Er solle das Theater auch für ein Publikum öffnen, das sich normalerweise nicht dorthin verläuft. Insbesondere möge er sich um Zuschauer:innen mit Migrationshintergrund bemühen, die, obwohl wesentlicher Bestandteil einer modernen Stadtgesellschaft, eher selten im Auditorium zu sehen seien. Kurz: Das Theater Bremen sollte, mehr als je zuvor, ein...

Zum Tod von Michael Börgerding, dem langjährigen Bremer Intendanten

Der Anti-Prahler

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Alexander Scheer kam zum Interview für die Letzte-Seite-Rubrik „Was macht das Theater …?“ ganz entspannt aus Marokko ins Berliner Ensemble, wo er ab 20. März mit einem David-Bowie-Abend auftritt. Volker Gebhart war nicht nur von der Begeisterungsfähigkeit des Schauspielers beeindruckt, sondern auch von dessen Kenntnis der inzwischen umfangreichen Literatur über Bowie, der in den 1970ern aus Westberlin das BE besuchte, um sich dort inkognito Brecht-Stücke anzuschauen – ein großer Bogen. Das Thema Nachhaltigkeit hat Theater der Zeit schon öfter beschäftigt. Im Arbeitsbuch „Transformers – Digitalität Inklusion Nachhaltigkeit“ aus dem Jahr 2021 wird erstmals ein Nachhaltigkeitsmanagement am Theater vorgestellt, damals an der Oper in Göteborg. Inzwischen gibt es das Phänomen in wachsender Zahl im gesamten deutschsprachigen Theater. TdZ-Redakteurin Elisabeth Maier porträtiert Anna Haas, die am Staatstheater Karlsruhe diesen Aufgabenbereich übernommen hat – Teil des umfangreichen Schwerpunkts zum Thema, dazu auch das Kunstinsert von Daniel Kötter und seinem Feld des Extraktivismus. Auch den Neustart am Rheinischen Landestheater Neuss könnte man noch dem Thema zuordnen, denn die Intendantin Marie Johannsen hat das Foyer zu einem öffentlichen Raum zur Stadt hin gemacht – nachhaltige Nutzung von Theaterräumen. In den ersten Tagen dieses Monats wird weltweit Karneval gefeiert. Anders als in Deutschlands, Österreichs und Schweizer...

Editorial

Alles total anders

“Love has never been a popular movement. And no one’s ever wanted, really, to be free. The world is held together, really it is held together, by the love and the passion of a very few people. Otherwise, of course, you can despair. Walk down the street of any city, any afternoon, and look around you. What you’ve got to remember is what you’re looking at is also you. Everyone you’re looking at is also you. You could be that person. You could be that monster, you could be that cop. And you have to decide, in yourself, not to be.” JAMES BALDWIN BERG, INSPIZIEREND Ein Land, Berge, Höhen. Wo die Gipfel in die Wolken ragen, wissen die Menschen, dass es ihnen gut geht. Nach oben und / weiter und hoch, hoch, hoch. Da wo mein Stein, mein Granit, mein Schiefer steht, haben die meisten aufgehört, mit den Händen zu arbeiten, aufzuarbeiten, aufzudreschen, aufzuweiden und haben angefangen / zu sitzen, zu gestikulieren, zu investieren. Und sie haben sich verabschiedet von Tierkarren, Gaslichtern, Bauernhäusern. Da wo sich Glimmer, Quarz und Feldspat türmen / sind die Menschen vor hundert Jahren Richtung Fortschritt gegangen und / geschlossen, verschlossen wurden Rhein, Binnengewässer, Büsingen. Da...

Schimmernde  Schluchten

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Liebe lässt die europäische Eiszeit schmelzen 

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Berliner Chaos-Tage

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Pollesch ohne Pollesch

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Samtener Schutzraum

Stellt euch doch mal vor … Eine leere Bühne, unbeheizt, schlecht beleuchtet – ein Symbol für radikale Sparmaßnahmen im Namen der Nachhaltigkeit. Klingt nach einer Dystopie? Es könnte auch das Setting für eine provokante künstlerische Arbeit sein, die fragt: „Wie nachhaltig ist eigentlich unsere Kultur?“ Doch während sich Kulturinstitutionen zunehmend mit ihrem eigenen ökologischen Fußabdruck ausein­andersetzen, stellt sich eine viel größere Frage: Können Theater, Oper und Kunst dabei helfen, die Narrative zu entwickeln, die wir brauchen, um gesellschaftlichen Wandel zu bewirken? Theater und Kulturinstitutionen sind seit jeher Orte der Reflexion und des Wandels, von Imagination und Realisation des Unmöglichen. Von den revolutionären Dramen der Aufklärung bis zu tagesaktuellen Debatten: Auf den Bühnen werden gesellschaftliche Fragen verhandelt, infrage gestellt und manchmal auch neu beantwortet. Perspektivwechsel par excellence? In einer Zeit, in der die Klimakrise nicht nur als wissenschaftliches Problem, sondern als existenzielle Herausforderung für die Gesellschaft wahrgenommen wird, kann Kunst eine Brücke schlagen – zwischen Fakten, Emotionen und dem eigenen Handeln. Maja Göpel, Politökonomin und Nachhaltigkeitsexpertin, betont, dass Narrative „[...] den Raum und die Begrenzung für möglich gehaltene Zukünfte [schaffen]“1. Und genau hier liegt die Stärke der Darstellenden Künste: Sie schaffen kollektive, emotionale Erlebnisse, die uns nicht nur zum...

Warum Kunst und Kultur die entscheidenden Narrative für Nachhaltigkeit liefern müssen

Leere Bühnen  für volle Köpfe?

Darwin-Theater

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Neulich war ich drei Wochen in Budapest und ging fünf Mal ins Theater. Erstens, um informiert zu sein, und zweitens, weil ich mir in Ungarn auch die guten Plätze leisten kann. Außer das eine Mal, als ich darauf angewiesen war, durch Beziehungen auf eine Kollegenkarte für das Musical nach Ferenc Molnárs Jugendroman „Die Jungen aus der Paulstraße“ zurückgreifen zu müssen, weil es einfach immer ausverkauft ist. Reihe sieben, Mitte. Bis kurz vor Beginn waren sogar die beiden Sitze vor mir leer. Kann man so ein Glück haben? Kann man nicht. „Sie“ (Wer? Wer auch immer gerade Schicksal spielt) warten, bis du Hoffnung auf unverdientes Glück geschöpft hast, und dann kommen sie. Die Ungarn sind im Allgemeinen nicht sehr groß, bis auf jene beiden jungen Menschen, die diesmal kamen. Ein junges Paar, das – ich wünschte, ich hätte ein Beweisfoto – einen Kopf größer war als jede andere Person im vollbesetzten Theater. Normalerweise ragen von der Schulter eines durchschnittlichen Ungarn etwa sieben Zentimeter über die Sitzkante, darauf kommt noch etwas Hals und der Kopf. Die Schultern dieses jungen Paares ragten 20 Zentimeter über die Sitzkante plus lange, schöne Hälse und wohlgeformte Köpfe mit prächtigem Haar plus zwei Schmetterlingsklammern, die die Frisur...

Das Nest sauber halten

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Vor sechs Jahren verkündete der französische Tänzer und Choreograf Jérôme Bel, dass die Performanceszene ihren CO2-Fußabdruck verringern müsse. Für sein Versprechen, von nun an nicht mehr zu fliegen, erntete er viel Kritik. Immerhin blickte Bel, einer der bekanntesten Künstler in seinem Feld bereits auf eine internationale Karriere zurück, die er ausgehend von seinem Wohnort Paris fortsetzen konnte. Künstler:innen reisen, um Freude zu transportieren, hielt die Tänzerin und Choreografin Nora Chipaumire 2019 im Deutschlandfunk-Interview dagegen. Wenn man sich ernsthaft mit der Erderhitzung auseinandersetzen will, meinte die in Simbabwe geborene Künstlerin, müsse man sich die in Europa begonnene Ausbeutung von Arbeitskraft und der Natur anschauen. Europäische Künstler:innen können sich leicht entscheiden, Fliegen sei mit ihrem Klimagewissen nicht mehr vereinbar. Dies verschiebt jedoch einerseits den Fokus weg von der kapitalistischen Ausbeutung von Ressourcen und verstärkt andererseits auch die kolonial geprägte Unterscheidung zwischen kulturellen Zentren und den Peripherien, die ohne Flugzeug abgehängt wären. Komplexe Ausbeutungsgeschichte Auf internationale Kooperationen will Film- und Theatermacher Daniel Kötter nicht verzichten, dennoch fragt er sich, wie nachhaltige Zusammenarbeiten aussehen können: „Wie können wir uns begegnen, ohne dass 20 Menschen ständig fliegen müssen, das Bühnenbild tourt und man nur seine eigene Karriere voranbringt?“ Seine transmedialen Arbeiten verknüpfen lokale Transformationen: So...

Daniel Kötters Arbeiten zum Extraktivismus  öffnen mit „Roden“ eine neue Dimension

Erst der Wald,  dann der Boden

Angstlos! Heimatlos?

In diesem Roman passieren unablässig seltsame Dinge. Da werden Partys zu Ehren eines Pudels veranstaltet, eine Maus mit schwarzem Schnurrbart spielt eine Hauptrolle, und es gibt ein Pianocktail, ein „Drinklavier“, ein Musikinstrument, das beim Spielen Getränke mixt. Dabei erzählt Boris Vian in seinem surrealistischen Roman „Die Gischt der Tage“ eine tragische Liebesgeschichte. Bernadette Sonnenbichler arbeitet genau das in ihrer Inszenierung am Düsseldorfer Schauspielhaus heraus. Der Abend ist witzig, schräg und absurd, dabei glaubwürdig, emotional und mitreißend. Adaptionen sind eine Spezialität der 42-jährigen Regisseurin, die seit zweieinhalb Jahren Oberspielleiterin in Düsseldorf ist und im Sommer 2026 Intendantin des Theater Heidelberg wird. Bücher auf der Bühne, das ist mal wieder ein Trend. Manche Spielpläne scheinen Bibliotheken ersetzen zu wollen. Dabei sind die künstlerischen Ergebnisse selten gelungen. Wenn sich ein Ensemble improvisierend nähert, die Handlung zerfetzt und die Probengags so lustig findet, dass diese dann die Aufführung bestimmen, bleibt oft bloß ein blöder Abend. Die andere Variante ist ein devotes Durcharbeiten eines komplexen Textes, der erkennbar nicht für die Bühne geschrieben wurde. Dann hagelt es Erzähl- und Erklärtexte, die den Spielfluss unterbrechen. Selten gelingt es, das zugrunde liegende Werk ernst zu nehmen und sich künstlerisch frei zu bewegen, einen eigenen Theaterkosmos zu erschaffen,...

Bernadette Sonnenbichlers Spezialität sind subtile Bühnenfassungen von Romanen  und Drehbüchern, 2026 wird sie Intendantin in Heidelberg

Meisterin der Bearbeitungen

Felix Austria – glückliches Österreich! Diese Wendung galt wohl auch der glücklichen Heiratspolitik Maria Theresias, die sich mit ihren Töchtern die Throne halb Europas sicherte. Claudio Magris, der Schriftsteller, sieht sie verbunden mit einem Kaisertum, das seit dem 19. Jahrhundert immer problematischer wurde und dem der Ausruf „Felix Austria!“ half, das Scheinbild von der märchenhaften Donaumonarchie am Leben zu halten. Heute spüren vermutlich nur die Sieger der Wahl vom 29. September vergangenen Jahres Lust, in den Schlachtruf „Glückliches Österreich!“ auszubrechen. Noch – jedenfalls als dieser Text verfasst wurde – laufen die Koalitionsgespräche zwischen der rechtspopulistischen Freiheitlichen Partei und der konservativen Volkspartei in Österreich. Zwar hatte Österreich schon zweimal die FPÖ in der Regierung, aber noch nie führte sie eine Regierung an. Eine Partei, die 1956 von einem österreichischen SS-Brigadeführer gegründet wurde und heute mit Herbert Kickl einen Obmann hat, der die Politik seiner Partei durch das Nadelöhr des Bekenntnisses zum Heimatland Österreich jagt und gegen Asylsuchende das Land zur Festung ausbauen will. Was werden diese Positionen für die Kultur- und Kunstszene Österreichs bringen? Ich habe mich in der Theaterszene und bei intellektuellen Protagonist:innen umgeschaut und umgehört für ein Situationsbild. Eines steht fest: Die Angst ist groß, demnächst von einem rechtsradikalen...

Österreichs Kunstproduzenten in Theater und Literatur vor dem wahrscheinlichen Regierungsantritt der rechtspopulistischen FPÖ

Erschütterungen von „Felix Austria“

Ran ans Märchen! 

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Der Notfall als Prinzip

Das Theater mit den Finanzen

Der Vorhang senkt sich wieder. Zumindest wenn es nach den Salzburger Festspielen geht. Als Ende 2024 Kritik an Intendant Markus Hinterhäuser laut geworden war, gaben er und die Festspiel-Präsidentin Kristina Hammer ein Interview. Das erste gemeinsame überhaupt seit dem Beginn ihrer Zusammenarbeit drei Jahre zuvor. Hinterhäuser: „Ich bin ein emotionaler, bisweilen impulsiver Charakter.“ Hammer: „Ich bin weder Erzieherin noch Gouvernante.“ Das Verhältnis der beiden gilt als angespannt. Es läuft schon länger nicht rund beim wichtigsten Klassikfestival der Welt. Im September 2023 wurde das gesamte „Jedermann“-Team – das „Spiel vom Sterben des reichen Mannes“ ist das jährliche Herzstück des Festivals – vor die Tür gesetzt. Dabei hatte der Hauptdarsteller schon einen Vertrag unterschrieben. Cholerische Ausbrüche des Intendanten sollen an der Tagesordnung sein. Und Ende November 2024 wurde Schauspielchefin Marina Davydova plötzlich entlassen. Davydova, Jahrgang 1966, flüchtete im Frühjahr 2022 aus ihrer Heimat Russland. Ein halbes Jahr später holte sie Intendant Hinterhäuser als Schauspielchefin zu den Salzburger Festspielen. Seit dem vergangenen Sommer konnte die Öffentlichkeit beobachten, dass die Zusammenarbeit zwischen Davydova und ihrem Arbeitgeber nicht mehr gut funktionierte. In einem Interview ­kritisierte sie die künstlerische Ausrichtung der Festspiele. Ehemalige Angestellte berichten, dass Davydova und Hinterhäuser kaum noch miteinander gesprochen hätten. Am 28....

Die Salzburger Festspiele, der Fall Marina Davydova und die nicht abreißende Kritik an Intendant Markus Hinterhäuser

Kein „Jedermann“-Theater

Staatstheater Nürnberg: Globaler Zelluntergang

RambaZamba Theater Berlin: Riesenspaß mit Hintersinn

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

Originaltitel: Les amis, ça s’arrose combien de fois par semaine? Ou comment se soigner d’un chagrin d’amitié © Laura Chaignat SZENE 1 – Der Barcelona-Schock Laura bereitet sich auf die Hochzeit vor. Zu dieser Musik: Félicien Lia – Les enfants du soleil, Ska Nerfs1 – Arrêt sur demande, Stephan Eicher – Combien de temps, Sandor – La médaille, Psycho Weazel – Chrome. LAURA Nur noch zwei Stunden! Dann geht’s ab nach Barcelona. In zwei Stunden fliege ich nach Spanien, Barcelona, mit einer Gruppe von Freund*innen. Wir kennen uns seit 10 Jahren. Oder länger? Mein Urlaub hat gerade angefangen. Ich hab den Flug gebucht, dazu zwei Nächte im Hotel. Ich freu mich so! Und ... –WhatsApp-Nachrichtenton– Laura spielt die Sprachnachricht ab. „Hey Laura! Wir haben halb zufällig mitbekommen, dass du schon alles gebucht hast, um zu unserer Hochzeit nach Spanien zu kommen. Das hat uns überrascht, weil wir dich ja ehrlich gesagt gar nicht eingeladen haben. Schönes Wochenende dir, viele Grüße.“ Sie spielt sie noch einmal ab. Und noch einmal schneller. Ich habe keine offizielle Einladung bekommen? Das wurde einfach alles in der WhatsApp-Gruppe besprochen. Bloß dass alle aus unserer Freundesgruppe eingeladen waren, außer mir. Wie dumm kann...

Aus dem Französischen von Yasmine Salimi

Freundschaft – bitte nur noch mit Gießanleitung Oder: wie sich Freundschaftskummer heilen lässt

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Theater ist überlebensnotwendig

Die Wuppertaler Bühnen mit mittlerweile insgesamt etwa 330 Mitarbeitenden bemühen sich seit 2020, ihren ökologischen Fußabdruck zu verringern. So wurde eine interne Arbeitsgruppe gegründet, um eine Klimabilanz zu erstellen. Während in Wuppertal den größten Einfluss auf die Klimabilanz der Energiebedarf der Gebäude und die Mobilität ausmachen, liegen hier auch die geringsten Einflussmöglichkeiten: So ist das Wuppertaler Opernhaus ein denkmalgeschütztes Gebäude im Eigentum des Gebäudemanagements der Stadt Wuppertal, und darüber hinaus ist es bereits verkehrsgünstig am Barmer Bahnhof und der Schwebebahnhaltestelle Adlerbrücke gelegen. Die Fahrt mit dem ÖPNV ist für Besucher:innen standardmäßig im Ticketpreis enthalten. Dennoch lohnt es sich, den Blick ebenso auf das Geschehen auf der Bühne zu richten, denn neben dem Klima spielen auch die Arbeitszeit der immer stärker nachgefragten Fachkräfte in den Werkstätten, die knapper werdenden Budgets der Theater und nicht zuletzt die ansteigenden Preise der Ressourcen sowie der materielle Verbrauch eine Rolle. Mit dem Antritt als Opernintendantin hat Rebekah Rota daher ihren Fokus auf den Produktionsprozess gelegt und die Wiederverwendung von Bühnenbildern zum Thema gemacht – ein zuvor eher ausgesparter Aspekt, bei dem viele befürchten, dass er mit einer Einschränkung der künstlerischen Freiheit einhergehen könnte. Doch es zeigt sich, dass diese Herangehensweise das Gegenteil bewirkt, indem es...

Wie ein modulares Bühnenbild  am Wuppertaler Opernhaus  eingesetzt wird

Lego meets Ikea

Mit heftigen Vorwürfen von Machtmissbrauch und vor allem verbaler sexueller Gewalt am Wiener Theater an der Josefstadt befasste sich Fabian Burstein jüngst wiederholt in seinem Podcast „Bühneneingang“. In diesem zeigt er uns seit Mitte 2024, so jedenfalls sein Slogan, „den Kulturbetrieb von innen, so, wie er wirklich ist“. Wie es an der Josefstadt unter dem künstlerischen Direktor Herbert Föttinger seit Jahr und Tag wirklich zugehen soll, hatte indes zunächst die Tageszeitung Der Standard recherchiert und öffentlich gemacht. „Wer als Künstler erfolgreich sein will, muss übergriffig sein“, zitierte darin eine Quelle den Chef. Mitarbeiter würden angebrüllt, herabgewürdigt, „mit Existenzvernichtung“ bedroht. Ein in Bursteins Podcast besprochener externer Untersuchungsbericht mahnte dann Ende Dezember einen dringend notwendigen Kulturwandel an, den ein ohnehin anstehender Führungswechsel begünstigen soll: Zur Saison 2026/27 übernimmt Marie Rötzer, Intendantin des Landestheaters Niederösterreich, die Direktion von Föttinger. Derart herabwürdigende und zudringliche Umgangsformen seien ihm in seinem Bereich so noch nicht untergekommen, erklärte der investigative Wirtschaftsjournalist Michael Nikbakhsh im Podcast auf Bur­steins Nachfrage. „Ich kenne keine CEOs, die sagen würden: Man muss Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern blöd kommen, um sie zu Höchstleistungen anzustiften.“ Er glaube allerdings auch nicht, dass dergleichen im Theaterbetrieb so normal sei. „Leider eben doch“, entgegnete ihm sofort der mit...

Wie der Kulturmanager und Publizist Fabian Burstein auf Deutschland und Österreich blickt

Zeit, die Machtfrage(n) zu stellen

Am Anfang stehen die sieben Schauspieler:innen als Gruppe eng zusammen und scheinen sich mit synchronen Bewegungen von Armen und Oberkörpern so in die Höhe zu drängen, dass beinahe der Effekt eines Schwebezustands auszumachen ist. Sie befinden sich am hinteren Rand eines leicht schräg gestellten Stadtplans von Dresden, auf dem der Verlauf der Elbe durch die Stadt deutlich zu erkennen ist. Alles andere wie Straßen und Plätze jedoch eher schemenhaft bleibt. Auch das 2023 erschienene Buch zeigt auf den Vorsatz- und Nachsatzseiten eine Karte Dresdens, Meinholds Stadtplan aus den 1930er-Jahren mit der Topografie des noch unzerstörten Stadtzentrums. Mit seiner Hilfe kann man die Wege und Orte der Dora Wachtel imaginieren, von denen Durs Grünbein aus dem Leben seiner Großmutter als junge Frau und Mutter in den Jahren 1936 bis zum Tag nach dem Feuersturm des 13. Februar 1945 in „Der Komet“ erzählt – in einer Verbindung von biografischem Bericht und kulturhistorisch erkundeter Alltagsgeschichte mit den Kinofilmen, Cafés oder anderen Vergnügungen jener Zeit, in die Grünbein eindringlich präzise auch die nationalsozialistische Atmosphäre und Prägung Dresdens einbringt. Für die Bühne gibt es aber kaum etwas zu „dramatisieren“, und Tilmann Köhler wählt so folgerichtig wie naheliegend die heute im Theater nicht gerade selten zu...

„Der Komet“ nach dem Buch von Durs Grünbein in einer Bühnenfassung von Tilmann Köhler, Uta Girod und dem Spielensemble – Regie Tilmann Köhler, Bühne Karoly Risz, Kostüme Susanne Uhl, Choreografie Gal Fefferman, Live-Musik Matthias Krieg

Staatsschauspiel Dresden: Stadtplan mit lebendem Gedächtnis

Brennender Schatten

Staatstheater Mainz: Apfelstrudel aus der Tube

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

Eine Wette auf die Zukunft

R Ä U M E

Das Ährenfeld als stille Utopie

Schauspiel Essen: Unnachgiebig behutsam

Ja, er lebt noch – oder: Brecht is back!

Das Theater herauszufordern, das gehört zu den Theatertexten Peter Handkes seit fast 60 Jahren. Angefangen mit der „Publikumsbeschimpfung“ (1966) als furioser Auftakt eines Sprechstücks ohne Handlung und Figuren. Ein Meilenstein des Theaters sein autobiografisches Stück „Immer noch Sturm“ (2012), das in der legendären Uraufführung von Dimiter Gotscheff im Mai und Juni noch zweimal im Hamburger Thalia Theater zu erleben ist. Zuletzt gelangte das <a href="https://tdz.de/artikel/9defb7ca-cd91-4dcf-a3b0-a5f11d80e38d">„Zwiegespräch“ in der Inszenierung von Rieke Süßkow</a> 2022 spektakulär auf die Bühne des Wiener Akademietheaters, ein im selben Jahr veröffentlichtes <a href="https://tdz.de/artikel/01a45578-cf53-46ce-b5d5-f61e55364125">Buch</a>, das offenbar nicht ausdrücklich fürs Theater geschrieben war, aber recht ausführlich dessen heute schwindende Bedeutung beleuchtete. Nun also „Schnee von gestern, Schnee von morgen“, laut Klappentext „ein Stück für die Bühne, ein Drama ohne Rednerwechsel, ein Lied ohne Kehrvers“. Ein Monolog? Das wäre eine Herausforderung, den Text so aufzufassen. Die meisten Monologstücke bestehen aus einer figurenbiografisch grundierten Geschichte. Exemplarisch experimentierte Samuel Beckett damit in „Das letzte Band“, in dem seine Figur Krapp Tonbandaufzeichnungen aus seinem früheren Leben abhört. Damit entstehen mehrere Zeitebenen und der Monolog ergibt zudem einen Dialog mit dem eigenen Ich. Das derzeit am häufigsten aufgeführte Monologstück ist <a href="https://tdz.de/artikel/f63bbaa6-4d10-48a0-908d-087de3d526e3">Suzie Millers „Prima Facie“</a>, in dem eine erfolgreiche Anwältin den Fall ihrer eigenen Vergewaltigung...

Peter Handkes neues Rätselstück setzt die selbstreflexiven Experimente fort

„Ich bin noch nicht ganz am Ziel“

Peter Zadek inszenierte im Jahr 2000 am Wiener Akademietheater, dem kleinen Haus des Burgtheaters, Henrik Ibsens Drama „Rosmersholm“. Zadek engagierte zur illustren Besetzung mit Gert Voss, Angela Winkler, Peter Fitz, Klaus Pohl und Annemarie Düringer für eine skurrile Rolle Otto Schenk. Der in Wien und nicht nur in Wien bekannte und beliebte siebzigjährige Schauspieler (und Regisseur) kam auf die erste Probe und stellte sich Zadek mit einem Kopfstand vor – und mit den Worten: „Das kann ich anbieten.“ Es ist eine verbürgte Anekdote, die in nuce zeigt: Diesem Otto Schenk kann man nichts vor­machen, weil er sich nichts vormachen lässt. Und er konnte in seinem langen Leben theatralisch unendlich viel mehr anbieten, denn er war begierig auf das Leben. „Das Leben war für mich eine Art Schauspiel“, sagte Otto Schenk einmal, und dieses sein Lebensschauspiel begann am 12. Juni 1930 in Wien, und wurde für ihn „das größte Abenteuer“. Als Kind und Jugendlicher erlebte er nach dem Anschluss Österreichs an das Großdeutsche Reich ganz unmittelbar die Schrecken der Nazi-Herrschaft, denn die menschenverachtenden Nürnberger Rassegesetze machten ihn wegen seiner familiären Herkunft zu einem „Mischling“, dessen Leben ständig bedroht war. In dieser Zeit entdeckte er Musik und Theater für sich. Er berichtete...

Nachruf auf den Schauspieler und Regisseur Otto Schenk

Adlerauge fürs Unwesentliche

Dramaturgie der Solidarität

Ich bin falsch. Wie immer, wenn ich einen Interviewtermin am Rheinischen Landestheater Neuss habe, bin ich zum Bühneneingang marschiert. Da tut sich nichts, trotz Klingeln. Zufällig kommt Schauspieler Stefan Schleue vorbei, der später am Abend Pater Lorenzo in „Romeo und Julia“ spielen wird. Er nimmt mich mit nach vorne, ins Foyer, das zwei Stunden vor der Vorstellung längst geöffnet ist. Schon jetzt sind viele Leute da. Die neue Intendantin Marie Johannsen begrüßt gerade eine Gruppe aus Wiesbaden, wo sie vorher gearbeitet hat, die Theaterfans sind ihr nachgereist. Aus der ersten Etage des riesigen Foyers tönt Musik. Dort gibt es eine Mischung aus Konzert und Liedermacher-Workshop. Wenige Monate nach dem Start des neuen Teams weht ein anderer Geist durch das Haus. „Gleich zu Saisonbeginn haben wir das umgestaltete Foyer eröffnet“, erklärt Marie Johannsen funkelnden Auges und stolzen Gesichts. „Es war uns wichtig, direkt zu sagen: Wir sind da, wir sind offen, immer ab 13.30 Uhr bis Vorstellungsbeginn.“ So etwas wird gerade von vielen Theatern erwartet, auch das neue Opernhaus, das Düsseldorf nebenan bauen will, soll auch tagsüber geöffnet haben. „Natürlich musste sich das erst mal rumsprechen“, bestätigt Marie Johannsen, „dann wurden wir von einigen Neusser Gruppen annektiert. Jeden zweiten Montag trifft...

Marie Johannsen baut das Rheinische Landestheater Neuss zu einem sozialen Ort mit offenem Foyer um

Knitting Club,  Spielonauten und  Shakespeare

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

Zu Beginn wird das Bühnenbild abgerissen. „Das Spiel ist aus“, die angesetzte Inszenierung nach dem Stück von Jean Paul Sartre ist abgesetzt. Zum Einlass aufgeklebte Silhouetten werden entfernt, denn heute wird Heiner Müller gespielt. Ja, „der Heiner Müller“, versichert Schauspieler Philipp Kronenberg mehrfach dem Publikum und setzt zum ersten Bild der „Hamletmaschine“ an. In Reaktion auf die rechten und antidemokratischen Wahlergebnisse, dessen vorläufiger Höhepunkt der wiederholte Amtsantritt von Trump markiert, entschieden sich Regisseurin Clara Weyde und Kostümbildner Clemens Leander aus dem Leitungsteam, dass es Zeit sei, Müller auf den Spielplan zu setzen. In zwei Stunden umkreisen sie den in der DDR entstandenen Text über Verfall, Verwesung und Verzweiflung am System des Sozialismus. Die totale Vernichtung der Welt, die am Ende der „Hamletmaschine“ steht, ereignet sich heute Abend in einem verlassenen Gasthaus. Holzgetäfelt und geziert mit Jagdtrophäen findet man diese Schänke, nach einem Entwurf von Louisa Robin, wohl in jeder größeren Ortschaft um Magdeburg. Stammtische hält hier niemand mehr ab. Den staubigen Bühnenraum bevölkern nur noch bleiche Gestalten, die zu gespenstischer Musik ihre Totentänze abhalten. Obwohl das Sujet düsterer nicht sein könnte, sieht man den zehn Schauspieler:innen, die Hamlet und Ophelia sprechen, die Ernsthaftigkeit nicht an: Alberne Halskrausen, groteske Gesten...

„Das Spiel ist aus // Die Hamletmaschine“ von und nach Heiner Müller– Regie Clara Weyde, Bühne Louisa Robin, Kostüm Clemens Leander, Musik Thomas Leboeg

Theater Magdeburg: Alptraummaschine

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Personen: BRUNO FRAU BRENNER MITFAHRENDE (MF) als: Marta, Regisseurin, Computer, Chefbeamtin Irina, Eltern, Amalia, Schauspielerin, Reisende, schweigende Gestalt, Erna, Giraffe, zwei Bremsklötze Raum Ein Warteraum-ähnlicher Ort, gleisnah und doch offen für die ganze Welt Ort Basel (Bahn-, Ort- und Sprachspezifisches kann dem jeweiligen Aufführungsort angepasst werden) 1. Halt: Endstation BRUNO (im Dunkeln) Geschätzte Fahrgäste, in Kürze // Brzzz!1 // in Basel // Brzzz! // Gleis … ein. Endbahnhof // Brzzz! // Zugteam bittet Sie // Brzzz! // verabschiedet // Brzzz! // Ihnen. Ihre nächste // Brzzz! // Interregio nach // Brzzz! // Tal, Olten, Zof // Brzzz! // Luz // Brzzz! // Abfahrt: Gleis … // Brzzz! // Ob Sie da hinwollen? Nächste Verbindung // Brzzz! // Lieber bleiben? Was bremst uns? BRENNER Bruno. // Brzzz! // Wer bremst, bleibt. // Brzzz! Licht. BRUNO (zum Publikum) … Basel Endstation … Aufwachen! Ja, Sie! Basel ist Endstation … S’ging schnell. In Zürich einsteigen und ab Altstetten: Traumland. Nur in Gelterkinden, da schnarchen Sie und in Itingen: Lallen … // Brzzz! MF-MARTA Ich will dich in meinem Leben. BRUNO Das hab ich wenigstens verstanden. // Brzzz! MF-MARTA 17 Schafe. // Brzzz! // Vielleicht ein Kind. BRUNO „17 Schafe, vielleicht ein Kind“?...

Dramaturgische Mitarbeit: Stephan Teuwissen

Wer bremst, bleibt

Anfangszeiten der Inklusion

Welcher Bereich von Theater ist am wenigsten nachhaltig oder müsste am meisten beraten werden in dieser Angelegenheit von Nachhaltigkeit und Klimaschutz? Nils Hilkenbach: Das lässt sich nicht pauschal beantworten, da sich in den Klimabilanzen von Kultureinrichtungen große Unterschiede zeigen – je nach Hausgröße, Hauszustand, Lage, aber auch Formen der Produktion. Die Erfahrung, die wir mit unseren verschiedenen Programmen gemacht haben, zeigt, dass die sogenannten Scopes, also die Messbereiche für Emissionen stark variieren – je nachdem was gespielt und wie gespielt wird und wie so ein Haus überhaupt aufgestellt ist. Es gibt also nicht den einen Bereich, der per se der klimaschädlichste am Theater ist. Ein signifikanter Faktor für viele Theaterhäuser ist unumstritten die Mobilität, die An- und Abreise des Publikums, aber auch die Reisen von Ensembles, bei denen natürlich in Summe einiges zusammenkommt. Doch auch das lässt sich nicht generalisieren – es gibt Theater, die gerade im großstädtischen Raum sehr zentral liegen, die eine tolle Anbindung an den öffentlichen Nahverkehr haben, wo vielleicht sogar die Fahrkarte im Ticketpreis enthalten ist. In diesen Fällen kann Besucher:innen-Mobilität ein sehr marginaler Faktor im Hinblick auf Emissionen sein, während dann möglicherweise die technischen Anlagen oder das Bühnenbild ausschlaggebend für die Gesamtbilanz einer Produktion sind....

Nils Hilkenbach vom Programm Fonds Zero  der Kulturstiftung des Bundes im Gespräch mit Thomas Irmer

Das Thema Hitze  wird in Zukunft  auch dazugehören

Das Förderprogramm Stück Labor ermöglicht aufstrebenden Dramatiker:innen eine Hausautor:innenschaft in Kooperation mit etablierten Schweizer Theatern. Dort können sie mit Unterstützung des Teams und Ensembles ihre kreativen Visionen entwickeln und zur Aufführung bringen. In einer Zeit, in der die Gesellschaft in sozialen, politischen und kulturellen Fragen immer einfachere Antworten einfordert, gibt das Programm Autor:innen die Zeit, sich tiefergehend mit Themen auseinanderzusetzen. Laura Chaignat erforscht in ihrem Text die fundamentale Bedeutung von Freundschaft in einer zunehmend isolierten Welt. Anaïs Clerc thematisiert die Orientierungslosigkeit in einer sich schnell verändernden Gesellschaft. Fabienne Lehmann beleuchtet die oft vergessenen Geschichten der ländlichen Arbeitswelt und wie wir damit „Heimat“ definieren. Silvan Rechsteiner schließlich untersucht die Weichenstellungen im Leben eines jungen Mannes, der zwischen seinen Träumen und der Realität navigiert. Mit Uraufführungen an renommierten Theatern in der Schweiz setzen diese Autor:innen neue Impulse und laden das Publikum ein, sich mit einem jungen Blick auf unsere Zeit auseinanderzusetzen. LAURA CHAIGNAT ist Performerin, Radiomoderatorin, Comedian und Autorin. Sie hat sich ganz dem humoristischen Schreiben gewidmet, um dann ihre Liebe für Theater zu entdecken. Mit ihrem Soloabend „Presque Phèdre“ (Fast Phädra) feierte sie in der französischsprachigen Schweiz und auf Gastspielen in Frankreich große Erfolge. Mit ihrem neuesten Text stellt sie sich...

Es ist das einzige Förderprogramm seiner Art, das kontinuierlich jede Spielzeit Hausautor:innenschaften in Kooperation mit Schweizer Theatern ermöglicht. Während jeder Saison entstehen so im Rahmen von Residenzen zwei bis vier Uraufführungen zeitgenössischer Stücke. Die Hausautor:innen 2023/24 waren Laura Chaignat
am Théâtre du Jura, Anaïs Clerc an den Bühnen Bern, Fabienne Lehmann am Luzerner Theater und Silvan Rechsteiner am Theater Basel.

Laura Chaignat, Anaïs Clerc, Fabienne Lehmann, Silvan Rechsteiner

Sie stehen ständig unter Strom. In einer Gesellschaft, die immer mehr vom Rassismus gesteuert wird, verlieren sie ihren Halt. Mit seinem Stück „Druck!“ kratzt der Wiener Autor Arad Dabiri an der Fassade westlicher Gesellschaften, die in Rassismus und rechte Gewalt abdriften. Der Text spielt in Österreich. Da greift mit Herbert Kickl einer der radikalsten rechtsextremen Scharfmacher nach dem Kanzleramt. Für die Uraufführung am Nationaltheater Mannheim hat die Regisseurin Ayşe Güvendiren nicht nur tief in den Rhythmus des Textes hineingehorcht, der die Ängste einer Generation reflektiert. Ihre dynamische Inszenierung dieses Stück der Stunde überzeugt mit politischem Tiefgang. Zwar verortet der Autor den Text in seiner Heimatstadt Wien. Aber die Probleme, die die jungen Menschen da auf einer Parkbank verhandeln, lassen sich in viele multikulturelle Gesellschaften übertragen. Was es bedeutet, wegen seines Namens oder seiner Hautfarbe ausgegrenzt zu werden, weiß der Wiener Autor aus eigener Erfahrung. In der Uraufführung stehen Schauspieler:innen auf der Bühne, die selbst im Alltag diskriminiert werden. Dabei sind die Erlebnisse eng verknüpft. „Schuld zieht sich durch alle Geschichten, Familien, alle Orte dieses gottverdammten Kontinents“, sagt Omar. Klug balanciert der Schauspieler Caleb Felder die Gefühle des jungen Mannes aus, dessen Familie aus den französischen Kolonien stammt. Geboren in Südafrika,...

„Druck!“ von Arad Dabiri (UA) – Regie Ayşe Güvendiren, Bühne Teresa Scheitzenhammer, Kostüme Oktavia Herbst

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

In der Klimakrise sieht Anna Haas eine große Chance, „die Theater neu und nachhaltig aufzustellen“. Seit dieser Spielzeit ist die Dramaturgin Transformations­managerin Nachhaltigkeit Kultur am Staats­theater Karlsruhe. An dem Haus, das derzeit umfassend saniert und erweitert wird, bietet diese Aufgabe viel Spielraum. Zu ihren Aufgaben gehört das eher trockene Erstel­len von Klimabilanzen ebenso wie die Konzeption künstlerischer Projekte. Die Theaterfrau möchte dem Publikum wie auch den Mitarbeitenden des Hauses die Vorzüge klimafreundlichen Verhaltens nahebringen. Denn mit der Kunst könne man die Menschen berühren und zum Umdenken zu bewegen. Dass sie dabei auf ein bundesweites Netzwerk von Kolleg:innen bauen darf, freut Anna Haas. Da sie ihre neue Aufgabe erst im September begonnen hat, profitiere sie vom Wissen der anderen Häuser. Zugleich sucht sie nach Lösungen und Projekten, die auf das Karlsruher Publikum zugeschnitten sind. Ein Herzstück ihres Konzepts ist das Pilotprojekt „Paradise Found“, das der Komponist Paul Brody mit Bürger:innen aus Karlsruhe realisiert. Es wird aus Mitteln des Fonds Zero der Kulturstiftung des Bundes gefördert. Das Produktionsteam fragt Menschen: „Wo ist dein Paradies?“ Daraus entsteht eine Mehrspartenoper in zwölf Episoden. Die Oper, die über zwei Spielzeiten wachsen soll, wird auf energieautarken Mixed-­Reality-Stationen aus recycelten Elektronikteilen an verschiedenen Orten in der Stadt...

Anna Haas ist die erste Nachhaltigkeitsmanagerin am Staatstheater Karlsruhe

Mit nachhaltiger Kunst  die Menschen berühren

Es gibt Helikopter- und Fallschirmmütter, erklären die fünf Frauen in bunten Petticoat-Kleidern. Während Erstere unentwegt um ihre Kinder kreisen, seien sie – schon allein aus Zeitgründen – eher Zweitere. Als berufstätige Alleinerziehende waren sie nicht immer, aber wenn es drauf ankam, da, um sich schützend über ihren Kindern aufzuspannen. In ihrer Auftaktinszenierung an der Bürger:Bühne Dresden widmet sich ihre neue Leitung Christiane Lehmann dem Verhältnis von Müttern und Töchtern. Dafür begaben sich die fünf Paare in einen intensiven Rechercheprozess mit sich selbst. Entlang des autobiografischen Essays „Klassenbeste“ von Marlen Hobrack untersuchten sie, welche Rolle die eigene Herkunft in ihren Leben spielte. Gerahmt durch klassen- und geschlechtertheoretische Überlegungen wird die Frage: „Was wolltest du mal werden?“, die die Töchter an die Mütter richten, zum Politikum. In den Antworten der Frauen wird klar, dass sowohl das Ausbildungsregime der DDR als auch die Erwartungen der Eltern ihre Träume in die Ferne rückten. Sie gingen in die Lehre, die vor allem ein sicheres Auskommen versprach, und nahmen erst nach der Wende ein Studium auf oder versuchten sich in Selbstständigkeit. Ihre Berufsbiografien sind gezeichnet von Aufbrüchen und dem Versuch, einen selbstbestimmten Weg zu gehen, während sie sich als Alleinerziehende auch mit Idealbildern von Mutterschaft rumschlagen...

Die Bürger:Bühne am Staatsschauspiel Dresden in der neuen Leitung von Christiane Lehmann

„Das Publikum ist kein toter Briefkasten“

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Bei deinem Konzert in Berlin im Dezember fiel auf, dass sich nach den Gundermann-Songs bei der Zugabe „Heroes“ von David Bowie nicht nur die Musik, sondern auch deine Körpersprache und dein Ausdruck vollständig veränderten. Nicht mehr nur ein Lied von einem anderen Künstler, sondern du gehst wirklich in diese Rolle hinein. Alexander Scheer: Mir selbst ist dieser Wechsel im Gestus gar nicht aufgefallen. Aber es stimmt natürlich. Das ist ein anderer Planet. Ich mache das nicht mit Absicht, ich kann das kaum bewusst steuern. Es passiert mir. Für „Heroes“ verknüpfst du David Bowies Musik mit Literatur, die ihm wichtig war. Bowie hast du ja schon mehrfach dargestellt. In „Lazarus“ bei Falk Richter, dann in der Serie „Wir Kinder vom Bahnhof Zoo“ und in „I’m Only Dancing – Scheer singt Bowie“. Wie kamst du zum Gesang? AS: Musik ist für mich immer wichtig gewesen. Mein erster Film war das Kinder-Musical „Kai aus der Kiste“ (1988) von der DEFA. Da war ich so zehn, elf Jahre. In meiner Rolle war ich Teil einer Jungsbande. Ausgestattet in Kostümen der zwanziger Jahre haben wir uns auf der Husemannstraße eine Juckpulverschlacht geliefert. Dabei wurde auch gesungen und es hat mich jemand gefragt, was willst du...

Im Gespräch mit Volker Gebhart

Was macht das Theater, Alexander Scheer?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

The Ghost, The Voice, The Faceless

Die Zukunft nebenan

„Sehr geehrte Frau Präsidentin! Verehrte Kolleginnen und Kollegen! Liebe Mitbürgerinnen und Mitbürger! Der 24. Februar 2022 markiert eine Zeitenwende in der Geschichte unseres Kontinents.“ Irgendwas stimmt nicht an diesem ersten Satz. In seiner Rede geht es Scholz darum, klarzumachen, dass Putin versucht, eine „Zeitenwende“ mit martialischer Gewalt zu erzwingen. Die „Zeitenwende“ ist ein Motiv der Eschatologie: die Fantasie vom Ende der Geschichte. Aber, möchte man antworten, ob dieser Versuch eine „Zeitenwende“ ist oder wird, liegt daran, ob wir es zulassen. Scholz hätte also eigentlich sagen müssen: „Der 24. Februar markiert den Versuch Putins, eine Zeitenwende herbeizuführen.“ So wie es ihm formuliert wurde, bestätigt er Putins „Zeitenwende“-Irrsinn. Für ein wichtiges Anliegen, die Sensibilisierung der Gesellschaft für eine große Gefahr, lässt sich Scholz in fahrlässiger Weise auf die apokalyptische Rhetorik Putins ein. Nicht zu reden von der seltsamen Blindheit gegenüber der fatalen „Dramaturgie der Zeitenwende“, nach der Putin diesen Krieg vorbereitet und bereits 2014 begonnen hatte. Wir hatten sie im politischen Diskurs schon abgeschrieben, die Apokalypse. Nach dem Faschismus und seiner „END-“­Rhetorik, vor allem aber angesichts der konkreten Verbrechen, die in diesem Wahn des „Zuendebringens“ begangen wurden: des systematischen Mordes an Millionen von Menschen, der Zerstörung, des brutalen Krieges gegen die Sowjetunion,...

Das Problem mit der Apokalyptik

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

Hinter einem Gaze-Vorhang schreiten sie über die leere, birkenholzvertäfelte Bühne. Eine Trauergesellschaft in schillernden Kostümen, die hier an römische Tuniken, da an Rüstungen erinnern und doch in genderfluider Ästhetik alles Gewesene neu interpretieren. Im Zentrum: Steffen Link als Kaiser Caligula, ganz in schwarz. Oben trägt er einen Brustpanzer, unten einen ausladenden Rüschenrock. In einer Urne die Asche seiner Schwester, die auch, so weiß das Volk, seine Geliebte war. Zu dröhnenden, quälenden Sounds wird sie in ein Loch im Bühnenboden versenkt. Caligula schleift sich hin, schlägt aufs Grab, bleibt erstmal liegen. Als er irgendwann wieder zu sich kommt, fantasiert er vom Mond, wie andere Machthungrige heute vom Mars fantasieren. „Aber ich bin nicht verrückt, ich war sogar noch nie so vernünftig“, erklärt er mit ruhiger Stimme. „Nur habe ich plötzlich ein Bedürfnis nach Unmöglichem verspürt. Die Dinge scheinen mir so, wie sie sind, nicht befriedigend.“ Also will er sich die Welt fortan nach seinem Wohlgefallen schaffen, koste es, was es wolle. Die Mittel hat er als mächtigster Mann der römischen Welt, Skrupel dagegen keine. Der Regisseur Ran Chai Bar-zvi hat am Münchner Volkstheater Albert Camus’ „Caligula“ inszeniert, diese Geschichte von einem, der außer Rand und Band gerät, sich selbst zum Gott...

„Caligula“ von Albert Camus – Regie Ran Chai Bar-zvi, Bühne Ansgar Prüwer, Kostüme Marilena Büld, Musik Evelyn Saylor

Münchner Volkstheater: Polonaise des Grauens

Körper, komplett bedeckt mit roter, grüner oder blauer Farbe, ziehen mit Anbruch des Montagmorgens durch die Straßen der Altstadt von Port of Spain, der Hauptstadt von Trinidad und Tobago. Dicke Schichten von Lehm, zuweilen auch Schokolade, sieht man bei anderen auf der Haut. Weil sich im Laufe der mehrstündigen Prozessionen Leiber an Leibern reiben, vermischen sich die diversen Farbaufträge. Wer Kleidungsstücke trägt – Kenner:innen raten zu alten Klamotten –, ist ebenfalls getränkt von Farbkombinationen aller Art. „Das ist wie eine lebende Leinwand“, begeistert sich die Regisseurin, Kuratorin, Kulturwissenschaftlerin und Karnevalaktivistin Attillah Springer. „Du läufst durch die Straßen. Deine Freunde oder auch ganz Fremde, die zufällig deinen Weg kreuzen, bewerfen dich mit Farbe oder Lehm. Deine Kleidung, dein ganzer äußerer Körper, verändert sich von einem Moment auf den anderen völlig“, erzählt sie. Jouvert nennt sich die wilde Ouvertüre des Karnevals, abgeleitet von „jour ouvert“. Als ein „Loslassen von allem“, als „wildes, farbenfrohes und moddergetränktes Delirium“, sah der Amerikaner Richard Schechner, Urvater der Performance Studies, in einem 2004 veröffentlichten Essay diesen Teil des Karnevals von Trinidad. (Richard Schechner, Carnival (theory) after Bakhtin, in Carnival, Culture in Action – The Trinidad Experience, hg. von Milla Cozart Riggio, Routledge 2004) Zahlreiche Teilnehmer:innen von Jouvert...

Der Karneval in Trinidad und Tobago: Hochoffizieller Wettbewerb und wilde Feier der Massen mit der Wut über vergangene Sklaverei und aktuelle Zumutungen

Spektakelindustrie oder Aufbegehren?

Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

Der Kultur-Kahlschlag droht

Was macht das Theater, Thomas Köck?

© Fabienne Lehmann Personen: MICHAEL (ca. 50 J.) MATILDA (17 J.) CELIO (ca. 50 J.) FRAU KOHLER GERTRUD GESCHICHTE 1 GESCHICHTE 2 GÖDELI HEIDI HELVETIA DAS MIGRATIONSAMT WILHELM TELL ZUHAUSE MICHAEL Ich bin in einem Haus aufgewachsen, in dem die ganze Nacht einer mit Schuhen in Grösse 54 herumlief. Er klopft mit den Handknöcheln in langsamem Takt auf den Küchentisch. Und dazu noch die Geräusche der Maschinen. Und wenn der dann irgendwo ein Problem hatte oder sich die langen Finger einklemmte, dann konnte er eine Viertelstunde lang fluchen und schimpfen und das habe ich halt alles gehört. Die Wände waren ja dünn MATILDA sagt er, als würde ich sie nicht kennen, die Wände und die Geräusche der Maschinen. Ich kenne das Klatschen, wenn die Lederriemen über die Holzräder hüpfen, das Rieseln der Körner im Trichter, das Rattern, wenn das Sieb hin und her schwingt. Kenne den Atem dieses Hauses, wie es schnauft und röchelt, weiss, dass man sich hier vor nichts mehr fürchtet als der Stille. MICHAEL Von unserem damaligen Müller dachten ja viele im Dorf, der spinne im höchsten Masse. Der hatte Hände so gross wie Suppenteller. Die waren im Winter ganz blau, wenn er in die Stube kam,...

Totreif

In Zeiten, da die Kulturschaffenden wegen drastischer Kürzungen mehr denn je um ihre Existenz fürchten und kämpfen müssen, sind ihre Aufgaben größer denn je. Kunst hat die Kraft, mit ästhetischen Mitteln neue Wege aufzuzeigen. Angesichts von Rassismus, Rechtsruck in der Gesellschaft und einer verblassenden Erinnerungskultur muss das Theater Haltung bewahren. Mit neuen Formaten ein kunstfernes Publikum zu erreichen, das ist die große Herausforderung. Wie das im Theaterbetrieb gelingen kann, diskutierten 350 Dramaturg:innen aus dem deutschsprachigen Raum bei der Jahreskonferenz der Dramaturgischen Gesellschaft am Staatstheater Nürnberg. „Remember, Resist, Represent“ hatten sich die Theatermacher:innen als Thema gesetzt. Wissenschaftler:innen und Kulturschaffende aller Sparten bereicherten den lebendigen Diskurs. Die Angst vor der wachsenden Macht der Populist:innen war bei vielen der Workshops und Gespräche Thema. Dass die Rechtsradikalen so viel Zulauf haben, liegt auch am schwindenden Geschichtsbewusstsein der jungen Generation. Ein Leitfaden der Tagung war daher der Umgang mit der Vergangenheit. Da haben die Bühnen die große Chance, Narrative zu verändern und umzudeuten. Der Veranstaltungsort hätte für dieses Thema nicht spannungsgeladener sein können. In der fränkischen Stadt fanden von 1933 bis 1939 die Reichsparteitage der Nationalsozialisten statt. Auf dem Gelände steht noch die Kongresshalle – ein unvollendetes, monumentales Zeugnis der damaligen Herrschaftsarchitektur. In den Innenhof...

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