Totkürzungen drohen

Die Heterotopien erhalten

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

„Anthropolis“ ist für Sie schon das zweite Antikenprojekt in Ihrer Laufbahn, nach „Die Rasenden“ in Ihrer Hamburger Auftaktspielzeit 2013/14. Woher kommt das große Interesse an der Antike? Karin Beier: Die antiken Mythen faszinieren mich immer wieder aufs Neue, weil in ihnen eigentlich schon (fast) alles verhandelt wird, was uns auch heute noch an existentiellen Fragen umtreibt. Was kann man wissen, was muss man glauben, woher sollen wir wissen, was richtig ist und was falsch, was wahr ist und was nicht – das sind Grundfragen jeder Gesellschaft, die ganz einfach klingen, die wir aber immer wieder neu diskutieren müssen. So einen Fragenkatalog haben wir in den Prolog vor „Anthropolis“ gesetzt. Wir wollten noch einmal ganz zurück zum Anfang und uns mit den Gründungsmythen unserer Zivilisation auseinandersetzen, die von Urbanisierung und den damit verbundenen Gewaltakten erzählen. Momentan stecken wir in solch großen Superkrisen, wie sie ähnlich damals die Athener erlebt haben müssen, um die Tragödie zu erfinden: der Clash von Natur und Kultur, drohende Vernichtungskriege, Herrschafts- und Machtkrisen, Religions- versus Aufklärungsbewegungen – all das wird exemplarisch in den Geschichten um die Stadt Theben verhandelt. Theben ist eine der ältesten Städte Griechenlands und als Schauplatz von Ödipus und Antigone ein Knotenpunkt der Mythologie....

Karin Beier, Intendantin des Deutschen Schauspielhaus Hamburg und Regisseurin des Antiken-Zyklus „Anthropolis“, im Gespräch mit Peter Helling und Thomas Irmer

Theater braucht die große Geste

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Reiseziele nach dem Zufallsprinzip auswürfeln und sich dann gegen alle Widerstände auf das Abenteuer einlassen, das hat Robert Schoen jetzt schon zum zweiten Mal riskiert. 2020 begab er sich in der Rundfunkgroteske „Entgrenzgänger“ nach Woronesch, nun fiel der Würfelentscheid auf das russische Tscherkessk im Nordkaukasus. Die russische Invasion in der Ukraine hatte aber bereits begonnen, Reisewege wurden kompliziert und unsicher. Schoen findet eine Möglichkeit über das armenische Jerewan und macht sich mit dem Aufnahmegerät auf den Weg. Zuhause in Berlin erkundigt er sich noch bei seiner Reiseversicherung über Details im Todesfall. Auf so etwas ist die natürlich nicht eingestellt. Die Reise nach Tscherkessk ist dann vor allem eine von erstaunlichen Begegnungen mit Menschen in ihren verschiedenen Sprachen und Alltagskulturen, ihrer Musik und manchmal auch ihrem besonderen Witz. Das Hörstück, in dem Robert Schoen selbst spricht und erläutert, ist eine kunstvolle Montage aus Elementen des Reisefeatures, der Dokumentation des eigenen Selbsterfahrungs-Experiments, mit viel Musik und Poesie sowie einer hohen Sensibilität für die Menschen, denen er in diesem Teil Südrusslands begegnet. Auf der Heimreise über Wien entdeckt er dort in einem Antiquariat ein Buch über Abziehbilder. „Abziehbilder gilt es im Hörspiel zu vermeiden“, resümiert Schoen. Für „Entgrenzgänger II – Tscherkesskij Magasin“ (...

Hörspielpreis der Kriegsblinden 2023 für „Entgrenzgänger II“ von Robert Schoen

Eine Reise nach Würfeln gewinnt

Hamburger Marathon

Er hieß Alexander Wagner und schon damals kannten ihn nur die Eingeweihten. Unter diesen gab es wieder zwei Abteilungen. Die einen schätzten ihn als Geschichtenerzähler und zuweilen anstrengenden Trinker, die anderen verblüffte, ja begeisterte er durch sein einzigartiges Talent des Spielens auf der Theaterbühne. Eines verband beide Gruppen. Axel, wie er allgemein nur genannt wurde, ließ die Übergänge zwischen Alltag und Kunst verschwinden. Das Überschreiten der Schwelle gelang ihm völlig unbemerkt. Es war unheimlich. Er konnte als begeisterter Koch, der aber selber nur trank, nicht aß – vom Herd aus also – übergangslos zur Kari­kierung eines Schauspielers, der ihm missfiel, und von da aus wieder zur Beschreibung eines elegant gelungenen Fußballtores übergehen, ohne dass dieses Berichten zerstreut oder willkürlich oder gar erzwungen erschienen wäre. Im Gegenteil. Seine Kunst bewies die oft übersehene Tatsache der Immanenz aller Dinge. „Was redsdn so gschwoin daher?“, hätte er selbst gesagt, „alles hängt eben mit allem zusammen!“ Alexander Wagner war nämlich Österreicher. Genauer gesagt Salzburger, noch genauer Jenischer, das heißt „Halbzigeuner“, wie man damals sagte. Ein, auch in den späteren Jahren, die vom starken Lebensgenuss gekennzeichnet waren, blendend aussehender, immer mit Sakko und Weste gekleideter, feingliedriger Mann, der auf Frauen einen außerordent­lichen Eindruck machte. Auf...

Bist du’s noch oder spielst du schon?

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Am 15. Oktober wird in Polen ein neues Parlament gewählt. Die nationalkonservative Regierung PiS regiert seit acht Jahren. Was erwarten Sie für die Kultur und Theater? MN: Wir müssen auf einen viel längeren Zeitraum schauen, der schon mit dem Wechsel 1989 begann. Damals sagte der stellvertretende Ministerpräsident Leszek Balcerowicz zu Vertretern kreativer Bereiche, dass Wissenschaft und Kultur sich selbst tragen müssten. Ein Jahr später wurde der legendäre Schauspieler Andrzej Łapicki zum Präsidenten des Verbandes der polnischen Bühnenkünstler gewählt und stellte fest: „Uns steht gar nichts zu.“ Damals dachten wir, dass dann eben irgendwelche großartigen Sponsoren aus der Wirtschaft einspringen würden. Es gibt keine Einschränkung der Meinungs- und Kunstfreiheit, aber eben ein mangelndes Interesse, anspruchsvolle Kunst zu fördern. Schrumpfende Subventionen haben dazu geführt, dass unsere Theater immer weniger neue Produktionen auf die Bühne bringen, weniger Vorstellungen spielen und auch immer weniger Gastspiele im Ausland zeigen oder von dort holen können. Die Talentiertesten, wie Marta Górnicka oder Ewelina Marciniak, arbeiten in Deutschland. Zugleich sind in den letzten Jahren neue Theater gebaut und alte kostspielig renoviert worden, um Standorte aufzuwerten. Aber für das, was in diesen Theatern stattfindet, werden keine solchen spektakulären Summen aufgewendet. Die Bauleute haben gegen die Künstler gewonnen. Es ist...

Im Gespräch mit Thomas Irmer

Was macht das Theater, Maciej Nowak?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Am 18. Oktober öffnet die Frankfurter Buchmesse ihre Tore, Gastland ist in diesem Jahr Slowenien. Zu den Höhepunkten des Programms jenseits der Bücher gehört der Auftritt der slowenischen Band Laibach in der Frankfurter Jahrhunderthalle am 19. Oktober. Laibach war einst Teil einer Untergrundkunstbewegung mit dem deutschen Namen Neue Slowenische Kunst, kurz NSK, die auch wesentlich zur Entwicklung der Performance-Szene in dieser jugoslawischen Teilrepublik und darüber hinaus beitrug. Später gehörte beispielsweise die Berliner Volksbühne zu den assoziierten Mitgliedern. Einen Schwerpunkt Slowenien, kuratiert von der Dramaturgin und einstigen Leiterin des slowenischen Theatertreffens Alja Predan, gibt es auf den Seiten 12 bis 26 bzw. noch erweitert im Online-Dossier zu Slowenien auf tdz.de. Karin Beier empfing zum Gespräch nur wenige Tage vor der ersten Premiere ihres Antikenzyklus „Anthropolis“, an dem sie insgesamt zwei Jahre geprobt hat. Für unseren Fotografen Nikolaus Stein ließ sie die lebensgroße Tierplastik einer Kuh, zentrales Symbol des Fünfteilers um die Stadt Theben, in das Foyer des Deutschen Schauspielhaus Hamburg legen – siehe Titelbild. Lesen Sie das Gespräch auf den Seiten 28 bis 33. Der lange Sommer der Festivals endete mit dem Kunstfest Weimar, das Thüringen-Redakteur Michael Helbing bilanziert, und dem Sommerfestival auf Kampnagel Hamburg, von dem Peter Helling berichtet....

Editorial

Der Materialergründer

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Kompositionsprinzip Collage

10 Warum brauchen wir Raumschiffe? Warum haben wir überall in den Zentren unserer Städte Raumhäfen gebaut, von denen allabendlich Expeditionen ins Unbekannte starten? Reisen, die die Grenzen der Einheit von Ort, Zeit und Handlung durchbrechen. Reisen, die die Grenzen der Logik sprengen, die uns durch Wurmlöcher viele tausend Jahre in die Vergangenheit katapultieren, in die Zukunft, in abstrakte Welten. 9 Raumschiffe sind Sehnsuchtsorte unserer Imagination. In ihnen verlassen wir das alltägliche Dasein, wir blicken aus der Ferne auf uns, auf die Beziehungen, in denen wir leben, wir blicken auf den Planeten aus der Ferne des Alls. Wir suchen nach Kommunikationsformen mit den fremden Bewohnern, die wir noch nicht oder nicht mehr kennen. Wir bleiben nicht die Menschen, die sich vernünftig und planvoll durch ihr Leben bewegen, wir erleben Lebensformen, die die Grenzen ihres Daseins sprengen, die Konventionen, Erzählmuster und körperliche Grenzen überwinden. 8 Wir sitzen im Cockpit unserer Wahrnehmung und vor unseren ­Augen entstehen Räume einer unheimlichen Doppelnatur. Das Jetzt der individuellen Raumfahrerexistenz synchronisiert sich mit dem Jetzt der extraterrestrischen Realität. Beide Realitäten finden an verschiedenen Orten statt, zu verschiedenen Zeiten, beide gehorchen verschiedenen (Natur-) Gesetzen, sozialen Konventionen und kausalen Zwängen. Gleichzeitig teilen beide Realitäten den exakt gleichen Ort, die...

Warum wir das Theater brauchen #07

Theater als Raumschiff

Angstlos! Heimatlos?

Der Zeitgenössische Zirkus wächst. Er gewinnt an Qualität und auch an Anerkennung. Das Berliner Chamäleon wurde kürzlich mit dem Theaterpreis des Bundes ausgezeichnet. Und beim nun schon zum achten Mal ausgetragenen Festival Atoll in Karlsruhe war trotz der Fußballkonkurrenz des Südwestderbys zwischen dem Karlsruher SC und dem 1. FC Kaiserslautern der mehr als fünfhundert Personen fassende Saal des Tollhaus dicht besetzt. Auf die Bühne hatte die belgische Compagnie Circumstances ein eigenwilliges Akrobatik-Instrument installiert. Fünf Wände mit fünf Türen bildeten eine verwinkelte zweistöckige Struktur. Sie spuckte in immer neuen Konstellationen vier Akrobaten aus. Der komplette Reiz der Konstruktion entfaltete sich aber erst, als die zentrale Wand um ihre Mittelachse gedreht wurde. Sie rotierte, einem riesigen Schaufelrad gleich, lud die Künstler auf, ließ sie hinuntergleiten. Und auf dem Höhepunkt der Show „Exit“ hielten die vier Männer nur dank Positionierung und Körperbeherrschung die gigantische Platte in einem waagerechten Schwebezustand. Wenn Zirkus bedeutet, das Unmögliche zu versuchen und die Schwerkraft zu überwinden, so besteht die Kunst des neuen oder Zeitgenössischen Zirkus darin, Erzählungen zu kreieren über den Versuch, das Unmögliche zu erreichen. Dafür gab es beim Atoll-Festival viele Beispiele. Das Schweizer Clownduo „Very Little Circus“ erzeugte mit sehr einfachen Mitteln und skurrilem Humor die...

Das Karlsruher Atoll-Festival präsentierte einige von Europas schönsten Programmen des Zeitgenössischen Zirkus

Erzählungen über die Unmöglichkeit

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Margarete Faust ist Professorin für Gender Studies. Ihre Studierenden sind von ihr begeistert, aber sie bekommt eine Menge gemeiner Hassmails. Die Gesellschaft ist nach rechts gerückt, es entsteht Druck von vielen Seiten. In Frau Faust wächst die Sehnsucht nach Entspannung und erotischen Erlebnissen. Auftritt Mephisto, hier sieht er die Chance für einen Pakt. Seele gegen Genuss. „Neues Deutsches Theater – under construction“ heißt das Motto, das die neuen Intendantinnen des Essener Schauspiels – Selen Kara und Christina Zintl – über ihre erste Spielzeit gestellt haben. Zu Beginn greifen sie zurück auf das Symbolstück des alten deutschen Theaters, das Nationaldrama, den „Faust“. Fatma Aydemir hat ihr erstes Theaterstück geschrieben. Ihre Romane „Ellbogen“ und „Dschinn“ wurden schon so oft adaptiert, dass man sie fast für eine Dramatikerin halten könnte. Sie hat den „Faust“ feministisch überschrieben und in die Gegenwart geholt. Gleich zu Beginn gibt das Stück einen Einblick, wie seine Entstehung gelaufen sein könnte. Wie im Original treffen sich eine Theaterdirektorin, eine Dichterin und eine lustige Person (okay, mit gewandelten Geschlechtern, aber das ist ja kein Ding mehr …). Sie diskutieren über die Klassiker, alle frauenfeindlich, klar, und ganz konkret über den „Faust“. Die Dichterin will Margarete rausschreiben, so ein naives Weibchen,...

„Doktormutter Faust“ von Fatma Aydemir (UA) – Regie Selen Kara, Bühne Lydia Merkel, Kostüme Anna Maria Schories, Musik Torsten Kindermann, Ruben Philipp, Video Florian Schaumberger

Schauspiel Essen: Fast Faust

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Der Wolf ist zurück. Jedenfalls im Mehrbettzimmer im Ferienlager, in das Kemi (Philipp Kronenberg) gegen seinen Willen von Mutter gesteckt wurde – in den Wald nach Brandenburg. Nicht noch ein Stück über Wald, könnte man denken, hat das Thema doch gerade, naheliegenderweise, im Theater Konjunktur. Doch es geht um etwas Anderes in Saša Stanišićs erstem Kinderbuch, mit dessen Text die Leitung des Schauspiels am Theater Magdeburg (Clara Weyde, Clemens Leander und Bastian Lomsché) die Spielzeit eröffnet. Das Ferienlager ist auf der Bühne, einem flachen Pool, gefüllt mit Wasser, schnell aufgebaut. Ein paar Holzscheite bilden ein Feuer, zwei Bänke, das reicht. Die Teamer des Camps stellen sich vor, natürlich einer mit einer Ukulele (naheliegenderweise spielt die Musik auch mit dem Thema der elektronisch verfremdeten Gitarrenmusik). Damit bleibt die Bühne auch flexibel für Umbauten, um Kulisse zu sein für ein Zimmer, für einen Wald, für einen Kletterpark. Das Bühnenelement des Wassers zeigt das Ausgeliefertsein der Figuren. Nicht aber an die Natur – sondern aneinander. Denn, das wird hier deutlich: Der Mensch ist dem Menschen Wolf. Kemi, der Bäume nur als Schrank super findet und sich eigentlich nur über gute Bücher und ETFs unterhalten möchte, ist ein Klugscheißer. Er redet zu viel, er...

„Wolf“ von Saša Stanišić in einer Fassung von Clara Weyde und Bastian Losché (UA) – Regie Clara Weyde, Bühne Katharina Philipp, Kostüm Clemens Leander, Musik Thomas Leboeg

Theater Magdeburg: Sich dem Übergroßen stellen

Es müssen Köpfe rollen

Was macht das Theater, Alexander Karschnia?

Fundament Das slowenische Theater war seit seinen Anfängen eine der Grundlagen für die Entwicklung der nationalen Identität. Darüber hinaus war es bis ins dritte Jahrtausend eng mit der Sprache und der heimischen Dramatik verbunden. Für den Durchschnittseuropäer ist Slowenien eine Art „Bonsai-Land“, denn es ist sowohl bevölkerungs- als auch flächenmäßig eines der kleinsten Länder Europas. Doch im Bereich der Darstellenden Künste weist es eine mit anderen europäischen Metropolen vergleichbare Vielfalt und Fülle auf. Natürlich ist Slowenisch als archaischste slawische Sprache, die sich unter anderem mit der seltenen grammatikalischen Dualform rühmt und nur von zwei Millionen Einwohner:innen gesprochen wird, ebenfalls eines der Hindernisse, dass das slowenische Theater über die Landesgrenzen hinaus (noch) nicht sichtbarer geworden ist. Bereits zur Zeit des jugoslawischen Staates galt das slowenische Theater als besonderes Phänomen, in dem große Durchbrüche geschahen. Zwei Beispiele sind besonders hervorzuheben. Ende der 1960er richtete sich die Generation der damals aufstrebenden Theatermacher:innen provokativ gegen die Strömung des literarischen Theaters und kündigte im Geiste der Artaud’schen Prinzipien die performative Wende an. Der Regisseur und Drama­tiker Dušan Jovanovic´ (1939–2020) been­dete 1969 das Neo-Avantgarde-­Happening „Pupilija, papa Pupilo pa Pupilcˇ ki“ (Pupilia, Papa Pupilo und die Pupilchen) mit der rituellen Schlachtung eines Huhns vor den Augen der...

Slowenien, eines der kleinsten Länder Europas, hat eine lebendige und vielfältige Theaterszene. Neben den Zentren Ljubljana und Maribor gibt es eine Reihe von Stadttheatern, eine freie Szene aller Sparten und ungewöhnliche Performance-Experimente . Die bekannteste Regisseurin, Mateja Koležnik, arbeitet mittlerweile fast nur noch im Ausland, bleibt aber eine zentrale Figur in den aktuellen Entwicklungen.

Im Oktober ist Slowenien Gastland der Frankfurter Buchmesse. Aus diesem Anlass haben wir drei slowenische Autorinnen und Expertinnen eingeladen, ihr Theaterland vorzustellen. Was denkt die jüngere Generation? Welche maßgeblichen Inszenierungen gab es? Wie sieht es mit der slowenischen Dramatik aus? Folgend ein Überblicksartikel von Alja Predan, Petra Vidali über die Regiegeneration nach Mateja Koležnik und – exklusiv im TdZ-Online-Dossier Theater in Slowenien – Zala Dobovšek über neue postdramatische Texte.

Ein Überblick des Theaters in Slowenien heute

Vom toten Huhn bis zu den Millennials

Stückbeschreibung Emily ist neu in der Schulklasse und stellt sich den Mitschüler:innen vor. Sie ist eine witzige, kluge, eine unterhaltsame Erzählerin, aber sie ist auch in einem entscheidenden Punkt sehr besonders: Emily kann keine Gefühle empfinden. Das stellt ihre Umwelt vor wesentlich größere Herausforderungen als sie selbst – und die Zuschauer:innen vor die Frage, wie sich richtiges und falsches Handeln eigentlich jenseits von Gefühlen definiert. Dieses Stück wird von Drei Masken Verlag vertreten. Hallo. Also: Ich heiße Emily. Ich bin neu hier. Mein größtes Hobby ist: Bauen. Ich baue Maschinen. Im Moment baue ich eine Maschine, die meinem Vater die Schultern massieren kann. Mein Vater arbeitet nämlich am Computer und hat immer Projekte, und wenn er gerade ein Projekt hat, dann arbeitet er manchmal zehn Stunden am Tag, und am ersten Zehnstundentag merkt er noch nichts, aber ab dem zweiten Zehnstundentag tun ihm immer die Schultern weh. Deshalb ist mein Projekt eine Schulternmassiermaschine für meinen Vater, und daran baue ich gerade. Außerdem habe ich einen Hund. Der heißt Edhund, wie Edmund, nur mit H, weil er ja ein Hund ist und kein Mund. Edhund ist im Moment leider nur vorgestellt. Ein Fantasiehund. Wir sind nämlich ein paar Mal umgezogen, in...

Emily weint doch nie

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Gegen die Vereinzelung

Zehn mal zehn Prozent

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Theater ist überlebensnotwendig

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Es ist ein unsere gemeinsame Wirklichkeit bereicherndes Buch, das Natasha Kelly vorgelegt hat. In 35 Miniaturen bespielt die Autorin einen Triangel aus Dekolonialismus, Autobiografie und Porträts persönlicher Leitbilder von Frantz Fanon über May Ayim bis zu Tracy Chapman, Arabella Kiesbauer und „Bauer sucht Frau“. Zwischen Tagebuch und Antrittsvorlesung angesiedelt, öffnet sie weit die Türen zu bekannten und unbekannten Schwarzen Pionierinnen. In einem ungewohnt versöhnlichen Ton beschreibt Natasha Kelly, selbsterklärte Vollzeitaktivistin und radikale Schwarze Feministin, wie sie sich selbst ihre Heldinnen erst heranziehen musste. Dabei ist ihr Bericht eines Heranwachsens im Deutschland der 1970er und 80er Jahre frappierend. Eine Historie von Verletzungen, verwehrten Chancen und einem Mangel an geeigneten Vorbildern. Eine Erinnerung gilt Audre Lorde, einer Wegbereiterin für Schwarze Freiheit in Deutschland, deren provokative Selbst-Labelung als „Schwarze, Lesbe, Mutter, Kriegerin, Poetin“ vielleicht auch den Titel „Schwarz. Deutsch. Weiblich“ mit modelliert hat. Eine weitere Protagonistin im Universum von Kelly ist die Schriftstellerin Alice Walker („Die Farbe Lila“). Keine Zadie Smith, keine Bernardine Evaristo, deren Romantitel „Mädchen, Frau etc.“ ebenfalls mit Zuschreibungen spielt. Warum? Kelly nimmt für ihren Parcours zahlreiche Abkürzungen in Kauf, manchmal ist ihrer Argumentation nicht leicht zu folgen. Die historischen Beispiele, werden an Punkten ihrer Biografie in einen Zusammenhang gestellt,...

Natasha A. Kelly erzählt ihre Lebensund Ermächtigungsgeschichte

Schwarz. Deutsch. Aktivistisch

Alles fließt

Mit blonder Perücke, gemustertem Hemd und opulentem Rock kunstvoll zu einer Ingeborg Bachmann zwischen Sekretärin und Kaiserin zurechtgemacht, eröffnet die Schauspielerin Bettina Lieder den Theaterabend vor einem geschlossenen roten Vorhang stehend. Sie stellt die Figuren vor: Neben dem Ich gibt’s den Ivan – er ist das zukünftige Love Interest der Protagonistin –, seine zwei Kinder und den titelgebenden „Malina“. 1971 veröffentlicht, bekommt dieser Roman in einer Fassung von Regisseurin Claudia Bauer und Dramaturg Matthias Seier zur Spielzeiteröffnung am Volkstheater Wien die ganz große Bühne. Heißt: Nach dem megalo-wow-wow Erfolg des Ernst-Jandl-Abends „humanistäää!“ im vergangenen Jahr sind die Erwartungen hoch. Heißt auch: Abgesehen von einer Handvoll Zitate aus der Literaturkritik in Reaktion auf „Malina“, ist hier aus dem Text Bachmanns zu hören, zweieinviertel Stunden lang.So sehr der Prolog zuerst die Figuren, den Ort und die Zeit der Handlung als dingfest-machbare Identitäten fixiert, so schnell ist es damit auch schon wieder vorbei – Vorhang auf für das „Ungarngassenland“, wo Zeiten, Realitäten, Albträume, Telefongespräche und Briefe in brüchigen Beziehungen zueinanderstehen und Bauer das eine Ich in viele auffächert. Auch Evi Kehrstephan, Nick Romeo Reimann, Uwe Rohbeck, Christoph Schüchner, Friederike Tiefenbacher und Johanna Zachhuber tragen Perücke, Hemd und Rock. Mithin gibt es hier nicht...

„Malina“ von Ingeborg Bachmann in einer Fassung von Claudia Bauer und Matthias Seier – Regie Claudia Bauer, Bühne Patricia Talacko, Kostüm Andreas Auerbach, Gesangs-Kompositionen, Soundscapes & Musikalische Leitung Peer Baierlein, Soundscapes Igor Gross

Volkstheater Wien: Komplexes Welt-Ich-Verhältnis am Telefon

Stückbeschreibung Krass, ey: Luca hat auf jemanden eingeschlagen. In der Garderobe. Mit einer Metallstange, echt. Und der hat dann geblutet. Das ist die Geschichte. Oder das ist sie eben nicht. Was ist denn eigentlich genau passiert? Alle wissen alles, niemand weiß irgendetwas, aber alle haben etwas zu sagen. Angebliche Zeug:innen verbinden Gesehenes mit Gedachtem, vergrößern Details oder lassen sie weg, erinnern sich oder meinen, sich zu erinnern. So prallen Erzählungen aufeinander, in deren Zentrum Luca steht. Und Luca erzählt nichts. Dieses Stück wird von Rowohlt Theater Verlag vertreten. Nachdem IRGENDJEMAND AUS DER KLASSE Ich hab gar nicht alles gesehen. Hätte ich auch gar nicht gekonnt. Ich kam noch aus der Dusche, und da lief das Wasser, und das war so laut, da hört man echt nix. Aus der Dusche, was da grad in der Garderobe passiert, da hört man eigentlich nichts. Außer wenn jemand so schreit. IRGENDJEMAND AUS DER KLASSE Du hättest da auch geschrien. Du hättest noch viel krasser geschrien. IRGENDJEMAND AUS DER KLASSE Ich sag ja nur. Ich hab nichts gesehen. Und ich weiß nicht, ob du was gesehen hast. IRGENDJEMAND AUS DER KLASSE Ich hab alles gesehen. Ich hab echt alles gesehen. IRGENDJEMAND AUS DER KLASSE Ich...

Ein Stück für junge Menschen

SagdochmalLuca

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Sweet Dreams?

Mateja Koležniks letzte Premiere im slowenischen Theater fand am 15. September 2016 statt. Die jüngste Generation der heute anerkannten Regisseur:innen (Živa Bizovicar, Mojca Madon) hatte damals ihr Studium begonnen oder war noch nicht einmal so weit. Nina Rajic´ Kranjac und Žiga Divjak waren zu der Zeit dabei, ihr Debüt in einem institutionellen Theater zu geben. In kurzer Zeit eroberten sie verschiedene Arten öffentlicher Theaterinstitutionen und gewannen alle Preise bei den wichtigsten Festivals. Was verbindet ihre unterschiedlichen, jedoch ausgeprägten und konsequenten Regie-Poetiken mit denen anderer junger Regisseur:innen? Der einzige gemeinsame Nenner ist ein eklektischer, postdramatischer Ansatz. Doch es scheint ausgerechnet diese sehr allgemeine Einordnung zu sein, die sie später am meisten von Mateja Koležniks Einfluss entfernt. Mateja Koležnik sagt, der postdramatische Ansatz sei für sie nie relevant gewesen. Als Regisseurin zeichnet sie sich durch ihre Fähigkeit aus, den Originaltext und die inszenierungsbezogenen Absichten der Autor:innen nur minimal zu verändern. „Ich vermeide es, entweder zu arrogant oder zu bescheiden mit dem Text umzugehen, freue mich allerdings, wenn ich aus Worten, die älter, weiser und stärker sind als ich, etwas schaffe, das erneut erleuchtet. Vielleicht bin ich manchmal zu ängstlich, um meine Absichten zu Ende zu führen. Wenn ich es jedoch schaffe, alle...

Der Auftritt der jüngsten Regiegeneration in Slowenien

Mateja Koležniks „Kinder“

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Maschinengewehrsalven, martialischer Sound, Todesschreie. Robert Wilson zieht akustisch in den Krieg: „Um alle zu töten, die bekämpfen, wofür wir stehen“, sagt seine Stimme auf Englisch. Einer nach dem anderen, der eben noch auf dem Laufsteg vor schmaler breiter Bühne das Schild eines Protestmarschs hochhielt, fällt stilisiert durchs Holzschwert, das daraus wurde. Das ist, vor blutroter Lichtwand, Akt fünf. Es folgt, vor samtrotem Vorhang: Akt sieben. Auferstehung. Da bleibt eine Lücke, eine Leerstelle. „Ubu“ eröffnete das Kunstfest Weimar so gut wie, aber jedenfalls die Sektion Schauspiel darinnen, als „performative Installation“ nach Alfred Jarrys ursprünglich mal dem Marionettentheater zugeeigneter Groteske, in der das Vulgäre das Edle meuchelt. Nach Lithografie-Serien dazu entwarf Joan Miró 1978 überlebensgroße Marionetten für Joan Baixas’ Truppe La Claca, die damit in Palma auf Francos Diktatur anspielte. Das dortige Kunstmuseum Es Baluard, das Mirós „Ubu“-Bilder hütet, beauftragte Wilson zunächst mit einem Klangstück: „Ubu Sounds the Alarm“ war 2022 auch in Weimar zu hören, mit Repliken dieser Marionetten. Die tauchen in der Performance kurz wieder auf, die Wilson und Charles Chemin danach mit neun Spielern im Es Baluard herausbrachten, als Jarry-Essenz ohne Originaltext, und für die Aina Moroms ansonsten Kostüme aus Zeitungspapier schuf. Gewiss dem Budget geschuldet, verweist das zugleich...

Ein Kunstfest mit Wilson und Walser, Koohestani und Suleiman

Existenzfragen in Weimar

Zufluchtsort vor der Welt

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Festival der Besessenen

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Inklusive Ansätze erproben!

Julien Gosselin ist, was die Literatur angeht, aber mit der Musik gesprochen: ein Sampling-Künstler, der in großen Strukturen arbeitet. Nach dem eher kraftlosen Goethe-Thomas-Mann-Abend „Sturm und Drang“ im letzten Jahr hat er nun eine Jahrhundertspur der österreichischen Literatur komponiert, die wahrscheinlich auch der kühnste Essay nicht hätte entwerfen können. Es geht mit einem vierzigminütigen Rave auf der großen Bühne los. Bummbumm – bumm – bummbumm, würde Rainald Goetz notieren. Irre laut, aber Freibier. Es funktioniert, denn tatsächlich scharen sich sofort Leute um den Tisch mit seiner von zwei Tonstapler:innen hastig befingerten Laptoplandschaft. Wer sich darüber nur wundern möchte, kann auch vom Parkett zusehen. Nur darf man dann den überraschenden Moment nicht verpassen, dass einer gerade gefilmten jungen Frau gesagt wird, sie solle mal in Wolfsegg anrufen. Mit diesem Signalwort endet der erste Teil. Und es folgt ein völlig anderes Format: In feinen Schwarz-weiß-Filmbildern besichtigt eine Kamera Tote in einem Salon, erschossen, erhängt, erstochen, Suizid ist mehrfach zu vermuten. Schließlich beginnt – Sommer 1913 – in dem Salon hinter einer breiten Wand, mit anliegenden Bettgemächern und Boudoirs, ein live gefilmtes Bühnengeschehen, in dem Albertine und Florestan sich für den Maskenball in Schnitzlers „Traumnovelle“ ausgehbereit machen. Gespielt wird wie auf einem Filmset,...

„Extinction“ mit Texten von Thomas Bernhard, Arthur Schnitzler und Hugo von Hofmannsthal – Adaption und Regie Julien Gosselin, Bühne Lisetta Buccellato, Kostüme Caroline Tavernier, Musik Guillaume Bachelé, Maxence Vandevelde, Video Jérémie Bernaert, Pierre Martin Oriol

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Im Salon und nach dem Rave

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Stückbeschreibung Eine McDonald’s-Filiale in der Nacht, sie hat längst geschlossen, Agus und Mariola wischen Böden und Maschinen, als ein Mann auftaucht, der essen will, bald auch eine Frau, und die Polizei, es ist ja Sperrstunde. Mehr und mehr Menschen wanken herbei, eine Katze erzählt von der Gier, die nicht vergehen will, außerdem gibt es Ärger mit DHL, und ein Mann im Bürohemd erfindet sich einen Geliebten. I McDonald’s EMCEE Eine Mcdonald’s-Filiale in der Nacht, der bekannte Schriftzug leuchtet vom Dach auf den leeren Parkplatz, zwischen den Mülltonnen fiepen Ratten, abseits eine dickliche Katze, gestreiftes Fell. Sie sitzt am begrünten Begrenzungsstreifen des Drive-in und beobachtet die Nagetiere, sie tut teilnahmslos, stellt aber doch die Ohren auf, wenn sich die erhoffte Beute unter den Containern hervorwagt. Innen zwei Angestellte in Uniform, ihre Bewegungen routiniert, aber müde. Mariola wischt die Böden, Agus schraubt einen Rührarm von der Eismaschine, säubert sie mit einem fleckigen Lappen. Mariola nimmt den Stoffbezug von der Halterung, wäscht ihn im Eimer, drückt ihn in die Lappenpresse, wirft ihn platschend vor sich hin, um ihn wieder in das Moppgestänge zu spannen. Agus hebt einen schwarzen Müllsack aus der Halterung, stößt die Tür zum Parkplatz auf, die Ratten huschen davon, die...

Drive in

Mit dem Theater die Welt verändern

Stückbeschreibung Halbtot aber atmet noch. Am Krankenbett der Mutter geraten die drei Geschwister ins Erzählen der eigenen Kindheit. Oftmals sich selbst überlassen, flüchten sie sich in die fiktive Welt der „Titanic“ – so lange, bis Realität und Fiktion zu verschwimmen drohen. Zwischen Nähe und Abwesenheit, Kindheit und Jetztzeit beleuchtet „Muttertier“ Erwartungshaltungen, die mit Vorstellungen von Muttersein einhergehen. Dieses Stück wird von S. FISCHER Theater &amp; Medien Verlag vertreten. Is it cold in the water?1 SOPHIE, Oil of Every Pearl’s Un-Insides wir wachsen mit einem Mutterbild auf, bei dem die Frau an ein Stück Würfelzucker erinnert: immer zur Hand und zur Selbstauflösung bereit LASTESIS, Verbrennt eure Angst! <s> </s> why is water both a noun and a verb? how do we know what tense we’re in? K-Ming Chang, Bestiary Das ist also das Schiff, von dem es heißt, es sei unsinkbar Ruth DeWitt Bukater, Titanic für drei Geschwisterstimmen 1 HALBTOT ALLE da liegt sie da halbtot aber atmet noch halbtot aber wir alle drei ums Bett herum groß mittel klein alle drei ums Bett herum in dem sie blass ganz blass halbtot aber ffffff ffffff die Maschine pumpt Luft in die Lungen ffffff ffffff die Maschine die das Nachthemd mit...

Fassung vom 29. August 2023

Muttertier

Guilt-Trip durchs Vogtland

Was ist Theater?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Weißwasser ist eine alte Glasmacherstadt in der Oberlausitz, nahe an der Grenze zu Polen. Wie noch vor dreißig Jahren mit der Kraft der Lungen aus höllisch erhitzter Glasmasse Kelche geblasen wurden, kann man in einem Film im Glasmuseum Weißwasser sehen. Männer mit dicken Wangen halten da sehr behutsam lange Pfeifen. An deren anderem Ende wächst eine transparente Blase aus Glas in dem Maße, in dem sie Luft aus ihrem Munde entweichen lassen. Physische Kraft und viel Gefühl für das fragile Material vereinen sich zu einer ganz besonderen Kunstform. Mittlerweile sind diese Fertigkeiten hier nicht mehr gefragt. Der Mauerfall führte weitgehend zur Einstellung der Produktion. Nur zwei Standorte von einst einem Dutzend sind noch zum Teil in Betrieb. In der ehemaligen „Aktienhütte“ stellt seit 1996 das österreichische Unternehmen Stölzle Trinkgefäße aus Kristallglas her. In einem Teil der Hallen der früheren Osram-Fabrik, später VEB Spezialglaswerk Einheit, erzeugt die Firma Telux den Grundstoff Glasgemenge und fertigt Spezialgläser für die Industrie an. Auf einem anderen Teil des Geländes hat sich im Jahr 2017 das Soziokulturelle Zentrum (SKZ) Telux angesiedelt. „Wir waren bereits 2003 und 2005 mit einer großen Jahresabschlussveranstaltung hier. Und da haben wir gesehen, wie gut sich die Räumlichkeiten für uns anbieten“, erzählt...

Wie die einstigen Osram-Werke im sächsischen Weißwasser zum Kunstort wurden

„Die Glaswanne darf nie kaltlaufen“

Die Basilianerin Carolina Bianchi, weiß gekleidet, zerstößt zu Beginn ihres Abends „The Bride and the Goodnight Cinderella“ eine Schlaftablette, streut sie in einen Drink, trinkt ihn aus. In ihrer Heimat Brasilien heißen die Tabletten übersetzt „Gute Nacht, Aschenputtel“. Sexualstraftäter benutzen sie, um Frauen zu vergewaltigen – und immer wieder werden diese Frauen auch ermordet. Während Bianchi langsam müde wird, liest sie an einem Tisch aus einem eigenen Theatertext vor. Darin geht es um Femizide, um Morde an Frauen, weil sie Frauen sind, und um weibliche Performerinnen, die sich Extremsituationen aussetzen. Von einer redet sie besonders: von Pippa Bacca. Sie wollte 2008 in einem weißen Brautkleid aus Italien nach Jerusalem trampen, um für den Frieden zu demonstrieren. In der Türkei wird sie von einem Autofahrer vergewaltigt und ermordet. Fotos der jungen Frau werden hinter Carolina Bianchi eingeblendet. Es ist eine ­Reise in die Nacht, sie schläft ein. Indem sie die Tablette einnimmt, leiht sie ihren Körper dieser Geschichte, diesem Trauma. Ihr Schlaf beglaubigt diese Reise, sie ist da, ohne da zu sein. Während die anderen Performer und Performerinnen die Bühne in einen Friedhof ermordeter Frauen, einen nächtlichen Kult-Ort verwandeln, entsteht eine Séance, ein Geistertanz. Und dann wird die bewusstlose Carolina Bianchi...

Das Internationale Sommerfestival in der Hamburger Kulturfabrik Kampnagel

Urbanes Fieber

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Vier Premieren, eine Menge Konzerte, Performances, Installatio­nen. Dazwischen Begegnungen, gemeinsames Essen am Foodtruck. An jedem Spieltag herrscht Festivalatmosphäre im Theater an der Ruhr. Das ist enorm anregend, aber auch anstrengend. Die ganze Saison kann das keine Bühne durchhalten. Deshalb gibt es in Mülheim seit dieser Saison drei Spielinseln, die jeweils einige Wochen dauern. Das Ensemble spielt nicht mehr die gesamte Zeit durch. Wenn Aufführungen gezeigt werden, ist das etwas Besonderes, ein Event. Das Theater an der Ruhr erfindet sich neu und stellt die Saison unter das Motto „Rausch“. Ein radikaler und mutiger Schritt. In vielen Städten schleppen sich die Theater in manchen Phasen durch die Spielzeit. Es wird bis zum Anschlag produziert, aber die Aufführungen erreichen zum Teil nur wenig Publikum und werden schnell wieder abgesetzt. Da fragt man sich manchmal, ob sich der Aufwand überhaupt lohnt. Das Theater an der Ruhr hat kein Abosystem und ist deshalb ­flexibler als die meisten städtischen Bühnen. So kann es eine Vorreiterrolle übernehmen und ein neues Spielplansystem ausprobieren. „Ich glaube“, sagt der Künstlerische und kaufmännische Geschäftsführer Sven Schlötcke, „dass so unverwechselbare Gesamtereignisse entstehen können, thematische Tiefenbohrungen mit unterschiedlichen Kunstformen und Formaten, die viele Perspektiven eröffnen und dazu einladen, mit uns auf Entdeckungsreisen zu...

Das Theater an der Ruhr erfindet sich mit einem großen „Rausch“-Projekt neu und erinnert ergreifend an die verstorbene Schauspielerin Simone Thoma

Theater in Slowenien

Assoziationen

Recherchen 61

Landvermessungen

Neuerscheinungen im Verlag