Was macht das Theater, Philipp Adlung?

Fluid, Trans, Drag

Cripped Curricula

Es geht nur gemeinsam

Das Programm ARTplus

<blockquote> „Denn nichts ist himmlischer, als zu widerstehen und zuzulassen; zuzulassen und zu widerstehen.“ (Virginia Woolf) </blockquote> Mit Zeit lässt sich arbeiten wie in einer Mine: Man kann ihre Dicke messen, Tunnel in ihr ausbessern, man muss mit den Einstürzen leben, mit den Erdrutschen und Katastrophen. Und doch entreißt man dem Geheimnis ihrer langsamen Bewegung nur den Diamanten eines Augenblicks: Das funkelnde Auftreten (oder Unfall) einer Ordnung, einer Symmetrie, einer Synchronie, ist stets ein Wunder. Die Beziehung zwischen Zeit und Schicksal war schon immer eine geometrische Vermutung. Eine streng genommen abenteuerliche Vermutung – und das Wahngebilde einer Kalkulation – wie das Fieber der Goldgräber des letzten Jahrhunderts in ihrem Wettbewerb um die Aufschüttung phantasmagorischer Reichtümer, das so wenig konkret goldene Resultate erbracht, so eine abstrakte Aura hervorgerufen hat. Zeit schürfen ist die magische Annahme eines Klumpens von Ordnung – das Wunder, in molekularen Begriffen von molaren Angelegenheiten sprechen zu können, von Dauer, vom Brocken, vom Felsen, von der unvorstellbaren Masse einer düsteren Zeit, ohne Ränder oder Chronologie. Zeit zu schürfen bedeutet, den Körper zur Erweiterung dieser dunklen Materie zu machen, die, wie ein Versprechen von Licht, ihr Potential für Ordnung miteinschließt. Gold ist die materielle Metapher für die undenkbare Biokompatibilität einer Zeit,...

Zeit schürfen

Von Kunqu-Oper bis Drohnenfeuerwerk

Ich sehe was, was du nicht siehst

Liebe Alexandra, es ist jetzt einige Jahre her, dass ich Dich zum ersten Mal in Deinem Studio besucht habe. Ich kann mich zwar nicht mehr an das genaue Jahr erinnern, aber dafür umso deutlicher an meine körperlichen Empfindungen, als ich Deinen Probenprozess miterlebt habe. Dieser Eindruck lässt sich am ehesten so beschreiben, als hätte die Atmosphäre, die Du durch Deine Tänzer:innen geschaffen hast, mir das Gefühl von weichen Tentakeln gegeben, die aus meinem Körper wachsen – es hat sich so angefühlt, als würde ich durch meine eigene Haut hinaus horchen. Kommt Dir das bekannt vor? Versuchst Du ganz bewusst, diese Art von Umfeld zu schaffen, oder ist es eine Begleiterscheinung Deiner ästhetischen Suche? Wie gelingt es Dir, dieses spezielle Horchen der Sinne zu erzeugen? Fühl Dich umarmt, Monica Liebe Monica, ich erinnere mich genau an unsere erste Begegnung, das muss 2018 oder 2019 gewesen sein. Wie Du Deine Gefühle beschreibst, als Du mir damals im Studio bei meiner Arbeit zugesehen hast, gefällt mir sehr. Wenn ich arbeite, beginne ich an einem Punkt der Neugier und des Interesses daran, wie wir dahin gekommen sind, wo wir jetzt sind. Ich eröffne einen Raum für alle Mitwirkenden und mich, um uns auf diese...

Dieser Text besteht aus Auszügen eines Briefwechsels zwischen Monica Gillette und Alexandra Waierstall von Dezember 2024 bis Januar 2025.

Schichten des Zuhörens

Wir wollen alle sehen! Wege in die Darstellende Kunst für Menschen mit Behinderung

Den Stein zeigen

Alexandra Waierstalls choreografisches Schaffen setzt sich intensiv mit dem Miteinander, Austausch, Freiheit und Fürsorge auseinander. Ihre Arbeit veranschaulicht, inwiefern Choreografie als Modell dafür dienen kann, eine neue Denkweise zu entwickeln – in Bezug auf soziales Miteinander, gegenseitige Anerkennung, kollektives Handeln und eine zukunftsorientierte Ethik von Fürsorge. Ihre Arbeiten, die sich vor dem Hintergrund eines von Bojana Cvejic und Hannah Arendt beeinflussten, philosophischen Diskurses um zeitgenössische Kunstpraktiken einordnen lassen, sind sowohl ästhetisch ansprechend als auch zutiefst sozial engagiert. Ihre Performances üben Kritik an gegenwärtigen sozialen Strukturen und entwerfen zugleich alternative Visionen für die Zukunft. Machtstrukturen in den Darstellenden Künsten Die Darstellenden Künste obliegen schon lange einer hierarchischen Struktur, in der Choreograf:innen und Regisseur:innen an der Spitze des kreativen Prozesses stehen. Traditionell sind sie diejenigen, die die ursprüngliche Idee entwickeln, Mitarbeitende engagieren – Performer:innen, Dramaturg:innen, Lichtdesigner:innen, Szenograf:innen und Komponist:innen – und die Verantwortung für die Entscheidungen tragen, die das Kunstwerk prägen. Dieses hierarchische System, das noch den Nachhall eines anderen Zeitalters trägt, sorgt oft dafür, dass Verhaltensweisen legitimiert werden, die nicht nur streng und fordernd sind, sondern grob, verletzend und aggressiv. Allerdings hat die MeToo-Bewegung eine notwendige Auseinandersetzung mit dem Erbe von schlechter Behandlung und Machtmissbrauch in den Künsten initiiert. Wir befinden...

Choreografie als Modell des Miteinanders

Fließende Zukunft

Heilbronn: Leon Engler gewinnt mit „Wo die Götter kauern wie Hunde“ den internationalen Dramenwettbewerb „Science & Theatre“ 2025

Theater Oberhausen: No King today

Studieren mit Behinderung – (k)ein Privileg

Start des Vorprogramms

Warum sollen Israelis nicht über Fußball sprechen?

Versuche einer thematischen Ordnung

Eine Reibung mit der Gegenwart

Unregelmäßigkeiten im Brandschutzsystem

„Gesellschaft besteht aus Menschen und Menschen können Dinge ändern“

Schauspiel Leipzig: Der Zollstock im Raum 

Not Just Any’s Body And Mind

Was macht das Theater, Daniel Schüßler?

Über Zeitenwenden hinaus

Wer liest noch Dramen? oder: Plädoyer für die Pause

Gesellschaftlich und demokratisch fahrlässig

Tanz ist einfach überall

Kultur- und Musikmanagement mit Hürden

Challenge(d) Bodies

Im Ozean aus Klang und Licht

Wille zum Glauben

Respekt und Vertrauen

Inszenierte Körper

Theater Ulm: Mit doppeltem Boden?

Das Kerngeschäft im Theater sind Feelings

ETA Hoffmann Theater Bamberg: Liftboys und Logbücher

Teufelsgeige

Filmstills

„Wir lassen uns nicht vereinzeln!“

Inklusion versteht sich nicht von selbst

Reflexion fördern

Rückwärts durch die Zeit der Gegenwart

Alexandra Waierstall arbeitet seit Langem mit der Idee eines grundlegenden Bewegungsrepertoires, um ihre Choreografien zu entwickeln – in dem Sinne, dass etwas nicht brandneu sein muss, um originell zu wirken oder neue Ideen zu inspirieren. Ob ihre Werke im Theater oder in einem unkonventionelleren Aufführungsraum wie einem Museum präsentiert werden, das Publikum kann stets das Unerwartete erwarten, da ihre Arbeiten auf dem unerschöpflichen kreativen Potenzial der Open Form Composition basieren. Von Oktober 2023 bis Oktober 2024 zeigte Waierstall ihre Choreografie in den physischen und virtuellen Räumen der Dia Art Foundation im Rahmen einer laufenden Serie von Interaktionen mit dem modularen Werk der Künstlerin Rita McBride Arena (1997): Momentum. Momentum ist vielstimmig: Es beschreibt eine Gruppe, eine Performance, und eine Sensibilität, alles lose angeordnet und gemeinsam gestaltet von Waierstall, McBride und dem Künstler:innenkollektiv discoteca flaming star (gegründet von Cristina Gómez Barrio und Wolfgang Mayer). Momentum hat sich kontinuierlich aus sich selbst heraus entwickelt – von Jahr zu Jahr, ja sogar Monat für Monat; wie ein lebender Organismus wächst das Projekt stetig, formt sich, erinnert sich und konfiguriert sich neu, während es sich immer sowohl buchstäblich als auch konzeptuell an Arena orientiert. Im Dia zeigte sich dies in multimedialen Performances, die...

Open Source: Momentum

Solidarität und Glitzer

Nationaltheater Mannheim: Wettstreit der Wahrheiten

Wir sind Punks

Trans*respekt versus anti-trans Gewalt

Die Pflanze, die ich also bin

Living Beneath

Körperpolitik ohne Ende

Garage und Galaxie

Vorwort

Münchner Kammerspiele: Lokalgeschichte meets historische Schuld

Drop Premiere 17.05.2000 tanzhaus nrw, Düsseldorf Choreography, Concept, Dance: Alexandra Waierstall | Live Video: Marianne Putziger | Dresses: Norman Icking Production: EDDC Düsseldorf, Center for Dance and Performance Research, tanzhaus nrw Deep Rise Premiere 25.03.2001 1st Cyprus Contemporary Dance Platform, Falcon Theatre, Nicosia Choreography, Concept, Dance: Alexandra Waierstall | Dance, Collaboration: Betty Dramisioti, Seung Hee Yang | Music: Henryk Górecki Production: Echo Arts Living Arts Centre | Supported by: Cultural Services of the Ministry of Education and Culture of Cyprus Transiency Premiere 01.03.2003 3rd Cyprus Contemporary Dance Platform, Rialto Theatre, Limassol Choreography, Concept: Alexandra Waierstall | Dance, Collaboration: Alkis Kaimakis, Athena Piki, Fotis Nikolaou, Maria Christophi, Peter Memmer, Sung Lyun Moon | Music: Arvo Pärt | Light Design: Panagiotis Manousis Production: Echo Arts Living Arts Centre | Supported by: Cultural Services of the Ministry of Education and Culture of Cyprus | Co-organized by Rialto Theatre Gaze Premiere 06.06.2003 11th Biennale for Young Artists from Europe and the Mediterranean, Antonis Tritsis Park of Environmental Awareness at Ilion, Athens Choreography, Concept, Dance: Alexandra Waierstall | Dance, Collaboration: Sung Lyun Moon | Live Video: Aris Kyriakides Production: Echo Arts Living Arts Centre | Supported by: Cultural Services of the Ministry of Education and...

Performances

Staatstheater Stuttgart: Einsame Menschen in den Datennetzen

Vertonen

Es könnte sein. Konjunktiv. Tanz kann vieles (nicht alles); für diejenige, die tanzt, auch diejenige, die das sieht, kann Tanz das Mögliche, sogar das Unmögliche realisieren. Das Unfassbare begreiflich machen. Oder das Begreifliche, das Begriffene unfassbar. Alexandra Waierstalls Choreografien bewohnen diesen unbewohnbaren Raum; sie werten das Dazwischen auf – und aus. So weisen sie mir, als Zuschauerin, keine bestimmte Position zu, sondern lassen mich optische Distanz und bewegtes Beteiligtsein ständig austarieren. Dabei schätze ich es eigentlich, den Tanz von nahem zu sehen. Ich gehe mit beim Zusehen oder stocke, suche, finde, erfinde weiter, wende, folge, horche. Etwas ist – auch – durchsichtig, halb sichtig. Ich versuche, zu durchschauen. Träume das Gesehene rückwärts aus eigenen Bildern heraus. Solch ein Bewegen mit dem Tanz zu wecken und in Gang zu halten, finde ich in dieser Art selten in der Szene des zeitgenössischen Tanzes in der Region und darüber hinaus. Diese feinsinnige Art, mit der die Choreographin ihrem Medium Tanz vertraut, kombiniert mit Licht, Raum, Klang, Kostümen und Objekten. Die Kunst schaut dann auf ähnliche Weise zurück. Man braucht einen Blick dafür. mit Sinnen Denn was in Alexandra Waierstalls Werken die einzelnen Tänzer:innen oder eine Gruppe antreibt, sie zueinander zieht, anhält oder auseinander...

Zwischenstände

„Ich lausche meinem Körper die choreografische Form ab“

Archipel der Kunst

So You Think You Can Turniertanz?

Körper und Körperlichkeit

Unsere Körper sind Text

Matthias Quabbe: Zwanzig Jahre Arbeit und eine solche Vielfalt an Projekten mit unterschiedlichem Setup, Konzept, Location, Cast … Gibt es ein bestimmtes Interesse, das sich kontinuierlich abzeichnet? Was inspiriert Dich? Alexandra Waierstall: Ich liebe den Moment, wenn Menschen in Verbindung treten, und ich bin interessiert an der besonderen Art von Schönheit, die aus dieser Verbindung entstehen kann. Es ist die Schönheit, die darin liegt, einander Raum zu geben und Vertrauen zu entwickeln, was die Grundlage für alles ist. Es geht um die Schönheit des sensitiven Körpers, der wahrnimmt, der empfindet und so einen Raum der Annäherung und Verbundenheit schafft, wo es weder möglich noch notwendig ist, zu wissen, wer wen trägt. Die Schönheit liegt in der Verbindung, in der Verlangsamung, in der subtilen Verlagerung des Gewichts, die einen Beginn markiert, eine Öffnung. Selbst wenn der stehende Körper sein Gewicht nur leicht verschiebt, gibt es diese permanente Bewegung, diese Vorstellung davon, bis zur Essenz der Dinge vorzustoßen. Dadurch entsteht etwas, das einladend ist, das uns gestattet, ein Teil davon zu sein. Ich glaube, diese Neugier und die damit verbundene Begeisterung treiben mich an. MQ: Es geht also um einen vieldeutigen Zustand des Zusammenseins. AW: Es ist ein ständiger Modus des Übergangs....

Alexandra Waierstall im Gespräch mit Matthias Quabbe über das Dehnen von Zeit und Raum, Großzügigkeit als choreografische Praxis, und die Magie der Geometrie

Ich sehe Dich mich sehen – die Poesie gegenseitiger Betrachtung

Die Rückkehr der großen Geschichten

Ride & Resistance

Als ich 2010 über Open Form Composition geschrieben habe,1 schlug ich diese als Mittel vor, um eine Form von Tanz zu ermöglichen, die von improvisatorischer und kompositioneller Natur zugleich ist. In meiner Erfahrung von Tanz, in dessen Gestaltung und Betrachtung, hatte ich nie das Gefühl, dass sich Tanzformen in gedankliche Entweder-Oder-Konstrukte zwängen lassen. Sie sind per se Sowohl-als-auch – wobei das, was auf die Konjunktion ‚auch‘ folgen kann, unerschöpflich ist, was bedeutet, dass die vermeintliche strukturelle Geschlossenheit von Tanzformen temporär ist, abhängig von unzähligen verwobenen Faktoren. Ich möchte hier die These aufstellen, dass das vielschichtige Gesamtwerk von Alexandra Waierstall von der gleichen Beschaffenheit ist wie das geschriebene Wort, wenn es auf die Leser:innen trifft. Während der schriftliche Text durchaus ein Gefühl von räumlicher Ordnung vermitteln kann, von Rhythmus oder semantischer Tendenz in und zwischen den Worten, zwischen den Worten und einem selbst, findet man irgendwo in der Mitte ein endloses Potenzial, das nur der/die Leser:in vollends ausschöpfen kann. Solche Begegnungen zwischen Text und Leser:in erzeugt Gedanken, Gefühle, Bilder, Empfindungen, die manchmal in die eine Richtung, manchmal in eine andere gehen, sich aber stets einer hermeneutischen Festlegung entziehen. Diese Weigerung, sich mit einer Form in ein bekanntes Muster zu fügen,...

Schimmern,  schwingende Form

Die Hüfte ist das Zentrum

Der kluge Mann baut vor

Nicht nur Gestell für Stimmbänder und Handgesten

Von Sprachverbotsversuchen, Sprechermöglichungen und Körperwirklichkeiten

Die Arbeit der Frauen: Punch und Judy

Auf dem Gipfel der Verzweiflung

Tanzen zwischen künstlerischer Perfektion und Höchstleistungssport

Spielart-Festival München: „Sie sind gelaufen, damit ich gehen kann“

Ausgebeuteter Körper

Unidentical Dude

Oldenburgisches Staatstheater: Betont präzise und seelenlos

Die choreografische Praxis von Alexandra Waierstall ist nicht notwendiges Instrument zur Herstellung einer tänzerischen Komposition, sondern eine Form des gemeinsamen Verhandelns von Körpern in ihren Konstellationen, Relationen und Wechselwirkungen, eine Praxis gemeinschaftlicher Empathie im Kontext von Raum und Zeit. Die Choreografien von Alexandra formulieren eine spezifische Ökonomie des Aushandelns, die eine gemeinsame Bewegung zur Folge hat, in der alle Elemente partizipieren und die einen Raum der Aufmerksamkeit öffnet, in dem sich die Zuschauenden wiederfinden können. Es ist eine Form des im Moment Seins. So werden aktuelle Diskurse wie Fragen nach Herrschaft, Hierarchie, das Verhältnis von sozialem Gefüge und individueller Verantwortung nicht als Prämisse formuliert; stattdessen entstehen durch diese spezifische Art des gemeinsamen Agierens Destillate menschlicher, politischer, sozialer Verhältnisse, durch die gesellschaftlich relevante Themen wie ein Echo schimmern. In Alexandras Schaffen steht die choreografische Arbeit als körperliche Manifestation einer sozialen und temporalen Skulptur im Vordergrund. Darin geht es immer um die Verhältnismäßigkeiten von Körpern in ihrer Materialität und Bezügen in einem Gefüge mit anderen Körpern – ob sie nun anwesend sind oder nur vorgestellt als eine unausweichliche Realität. Daher erscheinen die Körper in Alexandras Arbeit immer als gleichermaßen starke wie verwundbare Körper, die immer eine Form von Nacktheit anschaulich machen und...

Einleitung

Zirkus

Thüringen

Essay

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

double

Nordamerika

Südamerika

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Uraufführungen

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Politische Konfliktzonen

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Was macht das Theater...?

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Briefwechsel

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Edition Bayerische Theaterakademie August Everding

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Kostüm und Bühne

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Practicing Bodies and Structure, Eftychia Stefanou and Georgios Kotsifakis at tanzhaus nrw in Düsseldorf, 2019

ANNNA The worlds of Infinite Shifts, tanzhaus nrw, 2017.

  Practicing Tomorrow in Present Tense, Christos Papadopoulos and Evangelia Randou at tanzhaus nrw in Düsseldorf, 2010.

Practicing Momentum, Rachel Gill at Dia Beacon

Crossing Borders, Alexandra Waierstall, Nicosia International Airport, 2007.

STAGES INTO THE NOW, Alexandra Waierstall, Scott Jennings und Sören Parker am Opernhaus Wuppertal, 2021.

Practicing Momentum, Amy Josh at Dia Beacon, 2023

Auf den Proben von HEART MOMENT, Alexandra Waierstall, Judith Jaeger und Matthias Quabbe am tanzhaus nrw in Düsseldorf, 2024.

HEART MOMENT, Karolina Szymura am tanzhaus nrw in Düsseldorf, 2024.

IN THE HEART OF THE HEART OF THE MOMENT, Amy Josh, Eftychia Stefanou, Georgios Kotsifakis, Ioanna Paraskevopoulou, Karolina Szymura, Olivia Ancona, Robert Bridger, Scott Jennings und Ying Yun Chen am tanzhaus nrw in Düsseldorf, 2024.

Joscijka Abels‘ historischer Roman, setzt sich auf komplexe und tiefgründige Weise mit zentralen Fragen der menschlichen Existenz auseinander. Durch den Dialog der Romanfiguren enthüllt sich die performative Natur des Lebens, in der die Grenzen zwischen Realität und Inszenierung im „teatro mundi“ (Welttheater) verschwimmen. Die Reflexion über Kunst, Philosophie und Politik macht Abels Roman zu einer anspruchsvollen und lohnenden Lektüre.
Es ist im Jahre 1464, als Bernardo Rossellino, aus einer Zeitschleife zurückkehrend, sich in der Bibliothek seines von ihm erbauten Palazzo Piccolomini in Pienza wiederfindet. Wer er ist, weiß er nicht mehr. Und so beginnt für ihn die Suche nach seiner Identität. Wer war jener Gamberelli, von dem alle sprachen? Bernardo begegnet einer Abendgesellschaft, darunter Papst Pius II., vormals Eneas Silvio Piccolomini, dem Philosophen und Kleriker Cusanus, auch bekannt als Nikolaus von Kues, dem vielseitigen Architekten Leon Battista Alberti, seinem Tugendfreund Filarete und dem Mathematiker Paolo dal Pozzo Toscanelli. Sie versammeln sich jeden Abend um ein in der Mitte des Bibliotheksaales eingelassenes Spielfeld und widmen sich mit einer runden, ausgehöhlten Kugel dem Globusspiel. Es ist das Weisheitsspiel des Cusanus, in dem es gelingen soll, gleichsam durch einen Spiegel und im Rätselbild auf die Möglichkeiten in dieser Welt und in uns zu sehen. Was ist das Geheimnis des Enea Silvio Piccolomini? Warum hatte man die von Bernardo gebaute Erinnerungsarchitektur, das von diesem Papst gewünschte Memoriale an seinem Heimatort, so geändert? Wieso hatte sich über die cusanische Reform des julianischen Kalenders nicht nur ein Schleier, sondern der Mantel des Vergessens gelegt?
Die abendlichen Dialoge kreisen um nahezu alle Grundfragen, die aus der Renaissance überliefert sind. Die Runde öffnet sich den Quellen der griechisch-römischen Antike und reflektiert über die Beziehungen zwischen Architektur, Kunst und Wissenschaft, über die Wirklichkeit und Möglichkeit in der sichtbaren Malkunst, über den Ursprung der Welt, das Phänomen der Zeit und das Nebeneinander der Religionen.
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Kaleidoskop der Stimmen und Bilder

Julianische Tage im Schatten der Piazza

Mit zahlreichen Beispielen und Tipps wird in diesem Band das Entstehen gemeinsam improvisierter Szenen erläutert. Wie beginnen wir Szenen? Wie führen wir sie fort? Und wie beenden wir sie? Wie schaffen wir eine stabile Plattform? Und wie improvisieren wir ohne Plattformen? Wie erschaffen wir kraftvolle szenische Konflikte und wie spielt man intime Szenen? Wie unterstützen wir unsere Partner auf der Bühne und aus dem Off? Wie entsteht Komik und wie erschaffen wir berührende Szenen?
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Die Magie der Szene

Improvisationstheater (Bd. 3)

Künstlerbuch mit ca. 50 Zeichnungen, Skizzen und Malereien
Ca. 50 Gedichte in Originalsprache (Englisch) und deutscher Übersetzung
Das letzte von Sieczkarek maßgeblich betreute Projekt – intim, authentisch, einzigartig
 
„Highland Child“ vereint Bildkunst und Lyrik von Mark Sieczkarek in einem eigenständigen Künstlerbuch: Zeichnungen, kleine Malereien und Collagen begegnen 48 englischsprachigen Gedichten, deren deutsche Übertragungen jedem Exemplar als Einleger beiliegen. Als Tänzer des Tanztheaters Wuppertal Pina Bausch in den 80er Jahren (u. a. „Viktor“, „Ahnen“, „Kontakthof“, „Das Frühlingsopfer“, „Nelken“) und seit 1988 mit über 50 eigenen Produktionen als Tänzer und Choreograph, entfaltet er in diesem Band ein sehr persönliches Universum – Menschen aus seiner nächsten Umgebung, Begegnungen aus der internationalen Tanzszene, Erinnerungen und Gedankenskizzen.
Die Arbeiten in Farbe und Schwarz-Weiß zeigen seine poetische Spannung zwischen Bewegung und Bild. Entstanden ist ein sorgfältig gestaltetes und liebevoll illustriertes Hardcover, das die künstlerische Handschrift Sieczkareks in ihrer Vielschichtigkeit sichtbar macht – ein in seiner Interdisziplinarität beeindruckender Künstler, der über Tanz, Kostüm und Bühnenbild wirkte und sich ebenso hingebungsvoll Zeichnungen, Film und Dichtung widmete.
 
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Art and poetry by Mark Sieczkarek

Highland Child

Die 52. Ausgabe von double. Magazin für Puppen-, Figuren- und Objekttheater widmet sich der Figut des Caspar als Superhelden, Spaßmachern und Systemsprenger. Kann die Figur überhaupt im Heute bestehen, ohne ihre anarchische Energie zu verlieren?
Im Zentrum stehen die lustigen Figuren des europäischen Puppenspiels in all ihren Ambivalenzen und Transformationen. Fachbeiträge reflektieren kulturelle Erbe-Diskurse, Genderaspekte und die künstlerisch-ästhetische Entwicklung der komischen Handpuppe vom Kasper bis Punch als Spiegel gesellschaftlicher Herausforderungen und Widerstände. Internationale Festivalberichte, Interviews und Analysen nehmen die Vernetzung der Szene genauso in den Blick wie aktuelle Initiativen zur Unesco-Nominierung.

Kasper und Co. in schwierigen Zeiten

Superheld, Spaßmacher, Systemsprenger

Seit bald 20 Jahren produziert die aus Zypern stammende und in Düsseldorf beheimatete Choreografin Alexandra Waierstall international. Das Buch „And here we meet: Choreography at the edge of time“ bietet erstmals einen umfassenden Einblick in ihr Schaffen. Großformatige Fotostrecken und pointierte Textbeiträge erschließen ihr Werk. Mit Beiträgen von Roberto Fratini, Monica Gillette, Emily Markert, João da Silva, Melanie Suchy und Paraskevi Tektonidou.
Alexandra Waierstalls Arbeiten beeindrucken durch ihre direkte physische Bildsprache, die radikale Präsenz der Tänzer:innen. Sie basieren auf der vitalen zwischenmenschlichen Aushandlung komplexer Beziehungen, die sich in choreografischen Konstellationen, Bildern und Transformationen entfalten. Choreografie wird so zum Mittel der Ermächtigung in der Verkörperung sozialer Verantwortung und zum Ausgangspunkt für Formen von Gemeinschaftlichkeit.
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Alexandra Waierstall

And here we meet: Choreography at the edge of time

Die erste große Gesamtschau
Vier Jahrzehnte Tanz, über 50 Produktionen
Aufwendige Gestaltung im Großformat mit über 100 Abbildungen
„Open the curtains. Zum Werk von Mark Sieczkarek“ lädt als Journal zu einer Erkundungsreise in das facettenreich inspirierende Schaffen des Choreografen und Künstlers Mark Sieczkarek (10. 9. 1962 bis 8. 9. 2025) ein. In Schottland geboren, kam er über Pina Bausch nach Wuppertal und folgte dann bald seinem eigenen künstlerischen Weg. Anlass für das Journal war die Ausstellung „paths through my garden – Kunst von Mark Sieczkarek“ vom 9. bis 26. Oktober 2025 im Schauspielhaus/ Pina Bausch Zentrum under construction in Wuppertal. Bis zu seinem Tod hat der Künstler die Werkschau mit vorbereitet. Im Journal finden fotografische Aufnahmen seiner Choreografien, Bühnenbilder und Kostüme ihren Raum, die in über 50 Produktionen in vier Jahrzehnten entstanden sind, ebenso wie Verweise auf seine Filme und Skizzen, Zeichnungen und Bilder. Ergänzt werden die Zeugnisse seiner vielfältigen künstlerischen Aktivität durch Stimmen und Betrachtungen mehrerer künstlerischer Weggefährt:innen.
In „Highland Child“ beendet Mark Sieczkarek sein letztes Gedicht „The end“ mit der Zeile „Open the curtains“. Zeitgleich zum Journal erscheint dieser Band als 2025 zusammengeführte Sammlung eigener Bilder und Gedichte. Sieczkareks letztes Lebensjahr war geprägt von den Herausforderungen der Krankheit ALS. Journal und Künstlerbuch laden nun als posthume Würdigung in Mark Sieczkareks sanftes und zugewandtes, irritierendes und rebellisches Universum ein.
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Zum Werk von Mark Sieczkarek

Open the curtains

Buchpremiere am 2. Dezember 2025 um 18 Uhr, Hellerau Dresden
Palucca (1902–1993) wollte nicht hübsch und lieblich tanzen und war noch keinesfalls berühmt, als sie im Alter von 23 Jahren eine private Tanzschule gründete. In diesem Band kommen Menschen zu Wort, die eine Beziehung zu Palucca, zur Palucca Schule (gegründet 1925, heute Hochschule), Mut im Kopf und Mumm in den Knochen haben. Sie taten und tun das vorzugsweise in Projekten, mit denen Menschen im und mit Tanz zu Veränderungen angestiftet und befähigt werden, gesellschaftliche Missstände mit Leib und Seele anzugehen. Das erfordert ziemlich viel Mut.
Für den Soziologen Dirk Baecker ist Mut ein Kalkül. Für Palucca war Mut eine Voraussetzung für Kunst. Studierende des 2. und 3. Studienjahres Bachelor Tanz der Palucca Hochschule für Tanz Dresden verraten, wie sich Mut einstellen kann, selbst wenn sie Angst haben. Das könnte man sich glatt zu Herzen nehmen, und dann ist Mut zu haben vielleicht gar keine Kunst?
 
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Faszination und Verantwortung

Mut Palucca

Der menschliche Körper ist Gegenstand, Medium und Instrument der Künste! Über und durch den Körper wird dargestellt, wird Geschlecht zugeschrieben, wird ein- und ausgeschlossen, werden künstlerische Formen ebenso wie institutionelles Selbstverständnis geprägt. Die kritische Reflexion von Körperlichkeit war immer auch Anlass zum Umdenken in den Künsten. Im Mai 2024 luden vier Münchner Institutionen zum gemeinsamen Respekttag ein, um Fragen der Repräsentation, Gewaltprävention und Antidiskriminierung mit Fokus auf der Körperlichkeit zu diskutieren: die Bayerische Theaterakademie August Everding (Gastgeberin), die Akademie der Bildenden Künste München, die Hochschule für Fernsehen und Film München und die Hochschule für Musik und Theater München. Der hochschulübergreifende Aktionstag nahm in Vorträgen, Workshops, Diskursformaten und künstlerischen Beiträgen das Spannungsfeld des herausgeforderten und herausfordernden Körpers in der zeitgenössischen Kunst in den Fokus.
Die Publikation ist nicht nur eine Dokumentation und Rückschau auf diesen Respekttag 2024, sondern eine Sammlung von wissenschaftlichen und künstlerischen Perspektiven zu den zentralen Themen des Aktionstages.
Mit Beiträgen von Magz Barrawasser, Franzy Deutscher, Lann Hornscheidt, Nele Jahnke, Jayrôme C. Robinet, Jenny Schrödl u. v. m.
 
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Herausfordernde und herausgeforderte Körper in der zeitgenössischen Kunst

„Challenge(d) Bodies“

Nach dem Tod von Heiner Müller am 30. Dezember 1995 entstand das erste TdZ-Arbeitsbuch mit dem Titel „Kalkfell“. Es folgten ein zweiter „Kalkfell“-Band und viele Einzelstudien und Aufsatzbände in der TdZ-Recherchen-Reihe sowie in der Zeitschrift immer mal wieder Texte aus Müllers Nachlass, die im Entstehen der Werkausgabe bei Suhrkamp entdeckt wurden. Dazu opulente Bände zu Müllers eigener Inszenierungsarbeit und B. K. Trage­lehns Müller-Inszenierungen. Die Biografie Heiner Müllers war indes bisher kein ausgeprägtes Feld bei Theater der Zeit. Im hier aus Anlass des kleinen Gedenkjubiläums zusammengestellten Schwerpunkt finden Sie neben den Beiträgen von Kristin Schulz und Wolfgang Storch die Erinnerungen von Hans-Jochen Vogel an seinen Cousin Heiner. Die Lebenswege gingen schnell weit auseinander – Müller verließ schon jung den erzgebirgischen Herkunftsraum und ging nach Berlin, ­Vogel blieb in der Gegend und wurde Studentenpfarrer in Karl-Marx-Stadt beziehungsweise Chemnitz. Verbunden blieben sie durch das Interesse aneinander – und deshalb ist Vogels (online vollständig zu lesendes) Memoir ein erhellendes Stück Müller-­Literatur heute.
Mit Tilda Swinton kommt man in die verschiedensten Bereiche von Film und Theater, so wie das Kunstinsert an ihre Zusammenarbeit mit Derek Jarman und Pedro Almodóvar erinnert. Ihre Zeit mit Christoph Schlingensief ist legendär und nebenbei war bei der Arbeit an diesem Beitrag auch noch von ihrer Rückkehr auf die Bühne zu erfahren. 1982 schrieb der Regisseur Manfred Karge sein erstes Stück, „Jacke wie Hose“, über eine Frau, die in der Weltwirtschaftskrise von 1929 die Stelle ihres verstorbenen Mannes annimmt und fortan, heute würde man sagen, als ‚männlich gelesen‘ weiterleben muss. 1987 spielte Swinton am Londoner Royal Court Theatre die englische Erstaufführung – und 2026 wird sie diese „Man to Man“-Szenen wieder am Royal Court spielen, mit einem geplanten Gastspiel im Berliner Ensemble.
Ein kuratiertes Insert befasst mit Machtmissbrauch in den Darstellenden Künsten – das Netzwerktreffen von Helvetiarockt und m2act.
Über gleich zwei Neustarts berichtet das Heft, in Hamburg und in Freiburg, genauso wie über Festivalberichte. Weiterhin, wie immer: der Stückabdruck (diesmal von Gerhild Steinbuch) unsere Kolumnen.
 
 
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Zwischen Bühne und Film

Tilda Swinton

And here we meet: Choreography at the edge of time

Assoziationen

Person

Alexandra Waierstall

Highland Child

Open the curtains

Neuerscheinungen im Verlag