Seelenschau in Versform

Gespräch mit der KI aus dem Internet

<blockquote> „Denn nichts ist himmlischer, als zu widerstehen und zuzulassen; zuzulassen und zu widerstehen.“ (Virginia Woolf) </blockquote> Mit Zeit lässt sich arbeiten wie in einer Mine: Man kann ihre Dicke messen, Tunnel in ihr ausbessern, man muss mit den Einstürzen leben, mit den Erdrutschen und Katastrophen. Und doch entreißt man dem Geheimnis ihrer langsamen Bewegung nur den Diamanten eines Augenblicks: Das funkelnde Auftreten (oder Unfall) einer Ordnung, einer Symmetrie, einer Synchronie, ist stets ein Wunder. Die Beziehung zwischen Zeit und Schicksal war schon immer eine geometrische Vermutung. Eine streng genommen abenteuerliche Vermutung – und das Wahngebilde einer Kalkulation – wie das Fieber der Goldgräber des letzten Jahrhunderts in ihrem Wettbewerb um die Aufschüttung phantasmagorischer Reichtümer, das so wenig konkret goldene Resultate erbracht, so eine abstrakte Aura hervorgerufen hat. Zeit schürfen ist die magische Annahme eines Klumpens von Ordnung – das Wunder, in molekularen Begriffen von molaren Angelegenheiten sprechen zu können, von Dauer, vom Brocken, vom Felsen, von der unvorstellbaren Masse einer düsteren Zeit, ohne Ränder oder Chronologie. Zeit zu schürfen bedeutet, den Körper zur Erweiterung dieser dunklen Materie zu machen, die, wie ein Versprechen von Licht, ihr Potential für Ordnung miteinschließt. Gold ist die materielle Metapher für die undenkbare Biokompatibilität einer Zeit,...

Zeit schürfen

Montag, 08. Juni 2026

Einführung in die szenische Robotik

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Liebe Alexandra, es ist jetzt einige Jahre her, dass ich Dich zum ersten Mal in Deinem Studio besucht habe. Ich kann mich zwar nicht mehr an das genaue Jahr erinnern, aber dafür umso deutlicher an meine körperlichen Empfindungen, als ich Deinen Probenprozess miterlebt habe. Dieser Eindruck lässt sich am ehesten so beschreiben, als hätte die Atmosphäre, die Du durch Deine Tänzer:innen geschaffen hast, mir das Gefühl von weichen Tentakeln gegeben, die aus meinem Körper wachsen – es hat sich so angefühlt, als würde ich durch meine eigene Haut hinaus horchen. Kommt Dir das bekannt vor? Versuchst Du ganz bewusst, diese Art von Umfeld zu schaffen, oder ist es eine Begleiterscheinung Deiner ästhetischen Suche? Wie gelingt es Dir, dieses spezielle Horchen der Sinne zu erzeugen? Fühl Dich umarmt, Monica Liebe Monica, ich erinnere mich genau an unsere erste Begegnung, das muss 2018 oder 2019 gewesen sein. Wie Du Deine Gefühle beschreibst, als Du mir damals im Studio bei meiner Arbeit zugesehen hast, gefällt mir sehr. Wenn ich arbeite, beginne ich an einem Punkt der Neugier und des Interesses daran, wie wir dahin gekommen sind, wo wir jetzt sind. Ich eröffne einen Raum für alle Mitwirkenden und mich, um uns auf diese...

Dieser Text besteht aus Auszügen eines Briefwechsels zwischen Monica Gillette und Alexandra Waierstall von Dezember 2024 bis Januar 2025.

Schichten des Zuhörens

Mittwoch, 24. Juni 2026

Alexandra Waierstalls choreografisches Schaffen setzt sich intensiv mit dem Miteinander, Austausch, Freiheit und Fürsorge auseinander. Ihre Arbeit veranschaulicht, inwiefern Choreografie als Modell dafür dienen kann, eine neue Denkweise zu entwickeln – in Bezug auf soziales Miteinander, gegenseitige Anerkennung, kollektives Handeln und eine zukunftsorientierte Ethik von Fürsorge. Ihre Arbeiten, die sich vor dem Hintergrund eines von Bojana Cvejic und Hannah Arendt beeinflussten, philosophischen Diskurses um zeitgenössische Kunstpraktiken einordnen lassen, sind sowohl ästhetisch ansprechend als auch zutiefst sozial engagiert. Ihre Performances üben Kritik an gegenwärtigen sozialen Strukturen und entwerfen zugleich alternative Visionen für die Zukunft. Machtstrukturen in den Darstellenden Künsten Die Darstellenden Künste obliegen schon lange einer hierarchischen Struktur, in der Choreograf:innen und Regisseur:innen an der Spitze des kreativen Prozesses stehen. Traditionell sind sie diejenigen, die die ursprüngliche Idee entwickeln, Mitarbeitende engagieren – Performer:innen, Dramaturg:innen, Lichtdesigner:innen, Szenograf:innen und Komponist:innen – und die Verantwortung für die Entscheidungen tragen, die das Kunstwerk prägen. Dieses hierarchische System, das noch den Nachhall eines anderen Zeitalters trägt, sorgt oft dafür, dass Verhaltensweisen legitimiert werden, die nicht nur streng und fordernd sind, sondern grob, verletzend und aggressiv. Allerdings hat die MeToo-Bewegung eine notwendige Auseinandersetzung mit dem Erbe von schlechter Behandlung und Machtmissbrauch in den Künsten initiiert. Wir befinden...

Choreografie als Modell des Miteinanders

Fließende Zukunft

„Is my future all in the past?“

Auf neuen Wegen

Ehrlich Verbunden

Nur das Beste des Schweizer Theaters

Zu schön, um wahr zu sein?

Junges Theater in Kriegs- und Krisenzeiten

Theater des Ungehorsams

Schauspiel Stuttgart: Party mit Schlammschlacht

Theater der Welt in Chemnitz: Den Affen spielen, den Menschen sezieren

Staatsoper Stuttgart: Klangarchiv der Sehnsüchte

Dienstag, 26. Mai 2026

Den verschwundenen Zirkusgebäuden auf der Spur 

Zeitgenössisch für wen? Über Gatekeeping und Zugang im Zirkus  

Die Absicht, eine Mauer zu bauen

Krieg &/vs. Kunst

Bringt euch in Gefahr!

„Es wird eine Kultur der Veteranen geben“

Empathie aus dem 3-D-Drucker

Alexandra Waierstall arbeitet seit Langem mit der Idee eines grundlegenden Bewegungsrepertoires, um ihre Choreografien zu entwickeln – in dem Sinne, dass etwas nicht brandneu sein muss, um originell zu wirken oder neue Ideen zu inspirieren. Ob ihre Werke im Theater oder in einem unkonventionelleren Aufführungsraum wie einem Museum präsentiert werden, das Publikum kann stets das Unerwartete erwarten, da ihre Arbeiten auf dem unerschöpflichen kreativen Potenzial der Open Form Composition basieren. Von Oktober 2023 bis Oktober 2024 zeigte Waierstall ihre Choreografie in den physischen und virtuellen Räumen der Dia Art Foundation im Rahmen einer laufenden Serie von Interaktionen mit dem modularen Werk der Künstlerin Rita McBride Arena (1997): Momentum. Momentum ist vielstimmig: Es beschreibt eine Gruppe, eine Performance, und eine Sensibilität, alles lose angeordnet und gemeinsam gestaltet von Waierstall, McBride und dem Künstler:innenkollektiv discoteca flaming star (gegründet von Cristina Gómez Barrio und Wolfgang Mayer). Momentum hat sich kontinuierlich aus sich selbst heraus entwickelt – von Jahr zu Jahr, ja sogar Monat für Monat; wie ein lebender Organismus wächst das Projekt stetig, formt sich, erinnert sich und konfiguriert sich neu, während es sich immer sowohl buchstäblich als auch konzeptuell an Arena orientiert. Im Dia zeigte sich dies in multimedialen Performances, die...

Open Source: Momentum

Freitag, 19. Juni 2026

Festival d‘Avignon: Das Böse als Barspektakel

Dienstag, 19. Mai 2026

Diversität als Festivaldramaturgie

Vielfalt ohne Versprechen

Schauspiel Leipzig: Motel der Leere

Freitag, 22. Mai 2026

Drop Premiere 17.05.2000 tanzhaus nrw, Düsseldorf Choreography, Concept, Dance: Alexandra Waierstall | Live Video: Marianne Putziger | Dresses: Norman Icking Production: EDDC Düsseldorf, Center for Dance and Performance Research, tanzhaus nrw Deep Rise Premiere 25.03.2001 1st Cyprus Contemporary Dance Platform, Falcon Theatre, Nicosia Choreography, Concept, Dance: Alexandra Waierstall | Dance, Collaboration: Betty Dramisioti, Seung Hee Yang | Music: Henryk Górecki Production: Echo Arts Living Arts Centre | Supported by: Cultural Services of the Ministry of Education and Culture of Cyprus Transiency Premiere 01.03.2003 3rd Cyprus Contemporary Dance Platform, Rialto Theatre, Limassol Choreography, Concept: Alexandra Waierstall | Dance, Collaboration: Alkis Kaimakis, Athena Piki, Fotis Nikolaou, Maria Christophi, Peter Memmer, Sung Lyun Moon | Music: Arvo Pärt | Light Design: Panagiotis Manousis Production: Echo Arts Living Arts Centre | Supported by: Cultural Services of the Ministry of Education and Culture of Cyprus | Co-organized by Rialto Theatre Gaze Premiere 06.06.2003 11th Biennale for Young Artists from Europe and the Mediterranean, Antonis Tritsis Park of Environmental Awareness at Ilion, Athens Choreography, Concept, Dance: Alexandra Waierstall | Dance, Collaboration: Sung Lyun Moon | Live Video: Aris Kyriakides Production: Echo Arts Living Arts Centre | Supported by: Cultural Services of the Ministry of Education and...

Performances

Es könnte sein. Konjunktiv. Tanz kann vieles (nicht alles); für diejenige, die tanzt, auch diejenige, die das sieht, kann Tanz das Mögliche, sogar das Unmögliche realisieren. Das Unfassbare begreiflich machen. Oder das Begreifliche, das Begriffene unfassbar. Alexandra Waierstalls Choreografien bewohnen diesen unbewohnbaren Raum; sie werten das Dazwischen auf – und aus. So weisen sie mir, als Zuschauerin, keine bestimmte Position zu, sondern lassen mich optische Distanz und bewegtes Beteiligtsein ständig austarieren. Dabei schätze ich es eigentlich, den Tanz von nahem zu sehen. Ich gehe mit beim Zusehen oder stocke, suche, finde, erfinde weiter, wende, folge, horche. Etwas ist – auch – durchsichtig, halb sichtig. Ich versuche, zu durchschauen. Träume das Gesehene rückwärts aus eigenen Bildern heraus. Solch ein Bewegen mit dem Tanz zu wecken und in Gang zu halten, finde ich in dieser Art selten in der Szene des zeitgenössischen Tanzes in der Region und darüber hinaus. Diese feinsinnige Art, mit der die Choreographin ihrem Medium Tanz vertraut, kombiniert mit Licht, Raum, Klang, Kostümen und Objekten. Die Kunst schaut dann auf ähnliche Weise zurück. Man braucht einen Blick dafür. mit Sinnen Denn was in Alexandra Waierstalls Werken die einzelnen Tänzer:innen oder eine Gruppe antreibt, sie zueinander zieht, anhält oder auseinander...

Zwischenstände

„Setzen wir uns auseinander, nicht zusammen“

Theater der Welt & Humboldt-Forum: Schnaps aus Peking, Schrott aus Chemnitz

Dienstag, 23. Juni 2026

Let’s burn down the patriarchy

Hacken für das Theater

Die Schreie der Opfer in den Kriegen der Welt

Bayerische Staatsoper München: Ein Opernthriller 

Die Kunst der Widersetzlichkeit

Matthias Quabbe: Zwanzig Jahre Arbeit und eine solche Vielfalt an Projekten mit unterschiedlichem Setup, Konzept, Location, Cast … Gibt es ein bestimmtes Interesse, das sich kontinuierlich abzeichnet? Was inspiriert Dich? Alexandra Waierstall: Ich liebe den Moment, wenn Menschen in Verbindung treten, und ich bin interessiert an der besonderen Art von Schönheit, die aus dieser Verbindung entstehen kann. Es ist die Schönheit, die darin liegt, einander Raum zu geben und Vertrauen zu entwickeln, was die Grundlage für alles ist. Es geht um die Schönheit des sensitiven Körpers, der wahrnimmt, der empfindet und so einen Raum der Annäherung und Verbundenheit schafft, wo es weder möglich noch notwendig ist, zu wissen, wer wen trägt. Die Schönheit liegt in der Verbindung, in der Verlangsamung, in der subtilen Verlagerung des Gewichts, die einen Beginn markiert, eine Öffnung. Selbst wenn der stehende Körper sein Gewicht nur leicht verschiebt, gibt es diese permanente Bewegung, diese Vorstellung davon, bis zur Essenz der Dinge vorzustoßen. Dadurch entsteht etwas, das einladend ist, das uns gestattet, ein Teil davon zu sein. Ich glaube, diese Neugier und die damit verbundene Begeisterung treiben mich an. MQ: Es geht also um einen vieldeutigen Zustand des Zusammenseins. AW: Es ist ein ständiger Modus des Übergangs....

Alexandra Waierstall im Gespräch mit Matthias Quabbe über das Dehnen von Zeit und Raum, Großzügigkeit als choreografische Praxis, und die Magie der Geometrie

Ich sehe Dich mich sehen – die Poesie gegenseitiger Betrachtung

Programmgestaltung im Ausnahmezustand – eine Bestandsaufnahme

Ins Offene der Möglichkeiten

Als ich 2010 über Open Form Composition geschrieben habe,1 schlug ich diese als Mittel vor, um eine Form von Tanz zu ermöglichen, die von improvisatorischer und kompositioneller Natur zugleich ist. In meiner Erfahrung von Tanz, in dessen Gestaltung und Betrachtung, hatte ich nie das Gefühl, dass sich Tanzformen in gedankliche Entweder-Oder-Konstrukte zwängen lassen. Sie sind per se Sowohl-als-auch – wobei das, was auf die Konjunktion ‚auch‘ folgen kann, unerschöpflich ist, was bedeutet, dass die vermeintliche strukturelle Geschlossenheit von Tanzformen temporär ist, abhängig von unzähligen verwobenen Faktoren. Ich möchte hier die These aufstellen, dass das vielschichtige Gesamtwerk von Alexandra Waierstall von der gleichen Beschaffenheit ist wie das geschriebene Wort, wenn es auf die Leser:innen trifft. Während der schriftliche Text durchaus ein Gefühl von räumlicher Ordnung vermitteln kann, von Rhythmus oder semantischer Tendenz in und zwischen den Worten, zwischen den Worten und einem selbst, findet man irgendwo in der Mitte ein endloses Potenzial, das nur der/die Leser:in vollends ausschöpfen kann. Solche Begegnungen zwischen Text und Leser:in erzeugt Gedanken, Gefühle, Bilder, Empfindungen, die manchmal in die eine Richtung, manchmal in eine andere gehen, sich aber stets einer hermeneutischen Festlegung entziehen. Diese Weigerung, sich mit einer Form in ein bekanntes Muster zu fügen,...

Schimmern,  schwingende Form

Zwischen Gegenwartsdrang und Festivalmüdigkeit

Schreibweisen der zeitgenössischen Zirkuskritik

Theater Magdeburg: Polyphonie des Schmerzes

Die choreografische Praxis von Alexandra Waierstall ist nicht notwendiges Instrument zur Herstellung einer tänzerischen Komposition, sondern eine Form des gemeinsamen Verhandelns von Körpern in ihren Konstellationen, Relationen und Wechselwirkungen, eine Praxis gemeinschaftlicher Empathie im Kontext von Raum und Zeit. Die Choreografien von Alexandra formulieren eine spezifische Ökonomie des Aushandelns, die eine gemeinsame Bewegung zur Folge hat, in der alle Elemente partizipieren und die einen Raum der Aufmerksamkeit öffnet, in dem sich die Zuschauenden wiederfinden können. Es ist eine Form des im Moment Seins. So werden aktuelle Diskurse wie Fragen nach Herrschaft, Hierarchie, das Verhältnis von sozialem Gefüge und individueller Verantwortung nicht als Prämisse formuliert; stattdessen entstehen durch diese spezifische Art des gemeinsamen Agierens Destillate menschlicher, politischer, sozialer Verhältnisse, durch die gesellschaftlich relevante Themen wie ein Echo schimmern. In Alexandras Schaffen steht die choreografische Arbeit als körperliche Manifestation einer sozialen und temporalen Skulptur im Vordergrund. Darin geht es immer um die Verhältnismäßigkeiten von Körpern in ihrer Materialität und Bezügen in einem Gefüge mit anderen Körpern – ob sie nun anwesend sind oder nur vorgestellt als eine unausweichliche Realität. Daher erscheinen die Körper in Alexandras Arbeit immer als gleichermaßen starke wie verwundbare Körper, die immer eine Form von Nacktheit anschaulich machen und...

Einleitung

Zirkus

Thüringen

Essay

Buchrezensionen

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Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

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Corona

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double

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Horror, das Unheimliche auf der Bühne

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Buchpremiere

Alexandra Waierstall

Buchvorstellung

And here we meet: Choreography at the edge of time

Practicing Bodies and Structure, Eftychia Stefanou and Georgios Kotsifakis at tanzhaus nrw in Düsseldorf, 2019

ANNNA The worlds of Infinite Shifts, tanzhaus nrw, 2017.

  Practicing Tomorrow in Present Tense, Christos Papadopoulos and Evangelia Randou at tanzhaus nrw in Düsseldorf, 2010.

Practicing Momentum, Rachel Gill at Dia Beacon

Crossing Borders, Alexandra Waierstall, Nicosia International Airport, 2007.

STAGES INTO THE NOW, Alexandra Waierstall, Scott Jennings und Sören Parker am Opernhaus Wuppertal, 2021.

Practicing Momentum, Amy Josh at Dia Beacon, 2023

Auf den Proben von HEART MOMENT, Alexandra Waierstall, Judith Jaeger und Matthias Quabbe am tanzhaus nrw in Düsseldorf, 2024.

HEART MOMENT, Karolina Szymura am tanzhaus nrw in Düsseldorf, 2024.

IN THE HEART OF THE HEART OF THE MOMENT, Amy Josh, Eftychia Stefanou, Georgios Kotsifakis, Ioanna Paraskevopoulou, Karolina Szymura, Olivia Ancona, Robert Bridger, Scott Jennings und Ying Yun Chen am tanzhaus nrw in Düsseldorf, 2024.

Die Mobilität von Tanz- und Theaterproduktionen wächst: Festivals und Häuser zeigen vermehrt Gastspiele und entwickeln transnationale Koproduktionen. Zugleich wird diese Praxis kritisch hinterfragt. Seit der Covid-19-Pandemie haben hybride Formate zugenommen, Aufführungen verlagerten sich auf den Bildschirm, und neue Strategien entstanden, die ohne Live-Publikum vor Ort funktionieren. Auch im Hinblick auf Klimagerechtigkeit stellt sich die Frage nach verantwortungsvollen Zirkulationsformen. Behinderte Theater- und Tanzschaffende haben schon längst Erfahrungen mit erschwerter Mobilität gemacht und daraus eigene Ästhetiken und Arbeitsweisen entwickelt. Ihre Erfahrungen wurden in den bisherigen Debatten jedoch kaum mitgedacht. Der Sammelband erweitert die Diskussion um Im/Mobilität in den Darstellenden Künsten um eine Disability-Perspektive und versammelt künstlerische Beiträge, Essays und wissenschaftliche Analysen. Auditive Formate, Videos und Zusammenfassungen in Leichter Sprache eröffnen barrierearme Zugänge für ein breiteres Publikum.
Der Band erscheint zugleich als MIMOS – Schweizer Jahrbuch Darstellende Künste Nr. 87–2026, herausgegeben von der Schweizerischen Gesellschaft für Theaterkultur (SGTK) mit Unterstützung der Schweizerischen Akademie der Geistes- und Sozialwissenschaften (SAGW). Ein Teil der Auflage enthält eine französischsprachige Broschüre mit Abstracts der Beiträge.
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Zugänglichkeit und Verantwortung in den performativen Künsten

Im/Mobile Möglichkeiten

Einzigartige Primärquellen aus einem weitgehend undbekannten Kapitel der DDR-Ballettgeschichte
Erscheint zum 80. Jubiläum der Zeitschrift Theater der Zeit
 
DDR-Ballett, ostdeutsche Tanzgeschichte und selten aufgeführte Choreografien zwischen 1975 und der späten „Nachwendezeit“: Dieser Band versammelt erstmals wegweisende Rezensionen, Essays und Augenzeugenberichte aus dem Deutschen Tanzarchiv Köln, der seit 1946 bestehenden Zeitschrift Theater der Zeit und aus Tageszeitungen. Ein erfahrener Tanzredakteur, Dietmar Fritzsche, und sein damals junger, heute renommierter Autor, Volkmar Draeger, führen kenntnisreich durch vergessene Bühnenmomente – von Uraufführungen u. a. in Berlin, Dresden, Leipzig bis zu neu inszenierten Werken aus den, wie es offiziell hieß, „befreundeten sozialistischen Ländern“.
Kompakt, fundiert und spannend zeichnet das Buch die Entwicklung des DDR-Balletts nach, beleuchtet künstlerische Höhepunkte, politische Tendenzen, ästhetische Irrwege. Damit bildet das Buch ein unverzichtbares Nachschlagewerk für Tanzwissenschaft, Kulturgeschichte und alle, die ostdeutsche Bühne, Tanzkritik und Ballettgeschichte erkunden möchten.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank-Manuel Peter (Hg.): Die andere Seite. Tanz in der DDR von 1975 bis 1997" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank-manuel_peter_hg._die_andere_seite._tanz_i&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Tanz in der DDR von 1975 bis 1997

Die andere Seite

Künstlerbuch mit ca. 50 Zeichnungen, Skizzen und Malereien
Ca. 50 Gedichte in Originalsprache (Englisch) und deutscher Übersetzung
Das letzte von Sieczkarek maßgeblich betreute Projekt – intim, authentisch, einzigartig
 
„Highland Child“ vereint Bildkunst und Lyrik von Mark Sieczkarek in einem eigenständigen Künstlerbuch: Zeichnungen, kleine Malereien und Collagen begegnen 48 englischsprachigen Gedichten, deren deutsche Übertragungen jedem Exemplar als Einleger beiliegen. Als Tänzer des Tanztheaters Wuppertal Pina Bausch in den 80er Jahren (u. a. „Viktor“, „Ahnen“, „Kontakthof“, „Das Frühlingsopfer“, „Nelken“) und seit 1988 mit über 50 eigenen Produktionen als Tänzer und Choreograph, entfaltet er in diesem Band ein sehr persönliches Universum – Menschen aus seiner nächsten Umgebung, Begegnungen aus der internationalen Tanzszene, Erinnerungen und Gedankenskizzen.
Die Arbeiten in Farbe und Schwarz-Weiß zeigen seine poetische Spannung zwischen Bewegung und Bild. Entstanden ist ein sorgfältig gestaltetes und liebevoll illustriertes Hardcover, das die künstlerische Handschrift Sieczkareks in ihrer Vielschichtigkeit sichtbar macht – ein in seiner Interdisziplinarität beeindruckender Künstler, der über Tanz, Kostüm und Bühnenbild wirkte und sich ebenso hingebungsvoll Zeichnungen, Film und Dichtung widmete.
 
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Art and poetry by Mark Sieczkarek

Highland Child

Seit bald 20 Jahren produziert die aus Zypern stammende und in Düsseldorf beheimatete Choreografin Alexandra Waierstall international. Das Buch „And here we meet: Choreography at the edge of time“ bietet erstmals einen umfassenden Einblick in ihr Schaffen. Großformatige Fotostrecken und pointierte Textbeiträge erschließen ihr Werk. Mit Beiträgen von Roberto Fratini, Monica Gillette, Emily Markert, João da Silva, Melanie Suchy und Paraskevi Tektonidou.
Alexandra Waierstalls Arbeiten beeindrucken durch ihre direkte physische Bildsprache, die radikale Präsenz der Tänzer:innen. Sie basieren auf der vitalen zwischenmenschlichen Aushandlung komplexer Beziehungen, die sich in choreografischen Konstellationen, Bildern und Transformationen entfalten. Choreografie wird so zum Mittel der Ermächtigung in der Verkörperung sozialer Verantwortung und zum Ausgangspunkt für Formen von Gemeinschaftlichkeit.
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Die erste große Gesamtschau
Vier Jahrzehnte Tanz, über 50 Produktionen
Aufwendige Gestaltung im Großformat mit über 100 Abbildungen
„Open the curtains. Zum Werk von Mark Sieczkarek“ lädt als Journal zu einer Erkundungsreise in das facettenreich inspirierende Schaffen des Choreografen und Künstlers Mark Sieczkarek (10. 9. 1962 bis 8. 9. 2025) ein. In Schottland geboren, kam er über Pina Bausch nach Wuppertal und folgte dann bald seinem eigenen künstlerischen Weg. Anlass für das Journal war die Ausstellung „paths through my garden – Kunst von Mark Sieczkarek“ vom 9. bis 26. Oktober 2025 im Schauspielhaus/ Pina Bausch Zentrum under construction in Wuppertal. Bis zu seinem Tod hat der Künstler die Werkschau mit vorbereitet. Im Journal finden fotografische Aufnahmen seiner Choreografien, Bühnenbilder und Kostüme ihren Raum, die in über 50 Produktionen in vier Jahrzehnten entstanden sind, ebenso wie Verweise auf seine Filme und Skizzen, Zeichnungen und Bilder. Ergänzt werden die Zeugnisse seiner vielfältigen künstlerischen Aktivität durch Stimmen und Betrachtungen mehrerer künstlerischer Weggefährt:innen.
In „Highland Child“ beendet Mark Sieczkarek sein letztes Gedicht „The end“ mit der Zeile „Open the curtains“. Zeitgleich zum Journal erscheint dieser Band als 2025 zusammengeführte Sammlung eigener Bilder und Gedichte. Sieczkareks letztes Lebensjahr war geprägt von den Herausforderungen der Krankheit ALS. Journal und Künstlerbuch laden nun als posthume Würdigung in Mark Sieczkareks sanftes und zugewandtes, irritierendes und rebellisches Universum ein.
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Zum Werk von Mark Sieczkarek

Open the curtains

Die Maiausgabe von „Theater der Zeit“ widmet sich im Schwerpunkt dem Thema Teamintendanzen und fragt, wie kollektive Leitungsmodelle Theaterarbeit, Machtverteilung und Verantwortung verändern. In Interviews und Porträts kommen u. a. Thomas Bockelmann, das Leitungsteam des Nationaltheaters Weimar sowie Inka Neubert und Pascal Wieandt vom Theaterhaus G7 Mannheim zu Wort – was sind die Vorteile einer Teamintendanz? Welche Konflikte gibt es? Ist eine geteilte Intendanz wirklich Machtverteilung oder schafft sie neue Abhängigkeiten? Ergänzt wird der Schwerpunkt durch ein Gespräch mit Schauspielerinnen des Theaters Magdeburg über Probenprozesse in der Teamintendanz, das einen konkreten Blick aus der Ensembleperspektive bietet.
Ergänzt durch Beiträge zu den großen Theaterfestivals im Sommer: die Mülheimer Theatertage, das Theatertreffen, das Schweizer Theatertrffen und: Florentina Holzinger über ihren Auftritt bei der Biennale in Venedig!
Drüber hinaus erinnert die Ausgabe an Peter Zadek und Konstanze Lauterbach und würdigt den verstorbenen Autor und Regisseur Alexander Kluge. Wie immer: Stückabdruck (diesmal Robert Seethalers „Vernissage“), eine Kolumne von Max Glauner und eine Buchkritik zur ersten Biografie von Judith Malina.
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Schwerpunkt Teamintendanzen

Florentina Holzinger in Venedig

Das Juni-Heft von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Horror, das Unheimliche auf der Bühne“ und verbindet ästhetische, kulturpolitische und traumagesellschaftliche Perspektiven. Essays von Joseph Pearson und Hannah von Sass, Stefan Keim und Horrorspezialist Jörg Buttgereit untersuchen das Unheimliche in Schauspiel und Musiktheater – das auch bei den Bayerischen Theatertagen in Form von Stephen Kings „The Shining“ als Oper in Regensburg wieder auftaucht.
Das Magazin verhandelt zudem aktuelle Konflikte um Theaterbauten und Kulturpolitik – exemplarisch am Chemnitzer Schauspielhaus.
Das Stück im Juniheft: Kevin Rittbergers „Wunde Stadt“ verhandelt das Attentat von Magdeburg, flankiert von einem Stückgespräch.
Kolumnen von Mateja Meded („Habitus-Passing“) und Lina Wölfel („Wir gehen nicht rein“) reflektieren Klassenverhältnisse, Diversität und Auswahlmacht im Theaterbetrieb, während Berichte von Festivals und Ausstellungen (u. a. Heidelberger Stückemarkt, Bayerische Theatertage, Bühnenbildklasse Düsseldorf, Brecht-Journal) den Blick auf internationale Szenen und Theatergeschichte erweitern.
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Wie gewinnt ein Textvortrag, obwohl er aus wiederholbaren Zeichen besteht, Bühnenpräsenz? Was kann die heutige Sprechausbildung im Schauspielstudium leisten, um die Studierenden darin zu unterstützen?
Helmut Becker geht diesen zentralen Fragen in seiner Dissertation nach. Basierend auf aktuellen Leiblichkeitskonzepten und einem phänomenologisch orientierten Textbegriff analysiert Becker Möglichkeiten der Texterschließung und Textgestaltung an klassischen Werken von Euripides, Shakespeare, Schiller, Kleist, Kafka, Mann, Camus sowie zeitgenössischen Autoren wie Heißenbüttel, Brinkmann und Gernhardt.
Durch die gezielte Schulung von Atemqualitäten und deren Anwendung am Text entsteht ein neues, tiefgehendes Verständnis von Leiblichkeit. Das Buch zeigt, wie ein solches Leibbewusstsein die Lust am Text, an kraftvoller Bühnenpräsenz und authentischer Textperformanz nachhaltig fördert – und richtet sich an Schauspielstudierende, Bühnenprofis sowie alle, die sich für lebendige Textpräsentation, Stimmtraining und performative Literaturvermittlung begeistern.
Mit zahlreichen Hörbeispielen als Audiofiles begleitend zum Lesen.
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Die Leiblichkeit der Texte

25 Bühnenbilder von Katrin Brack, entstanden zwischen 2010 und 2025, inklusive ihrer Rauminstallation anlässlich der Verleihung des Goldenen Löwen in Venedig 2017: Die Bildstrecke macht signifikante Gemeinsamkeiten wie auch Brüche und Entwicklungen in diesen 15 Jahren deutlich, die durch die Zusammenarbeit mit u. a. Dimiter Gotscheff, René Pollesch, Luk Perceval, Karin Henkel geprägt ist. Ergänzt wird dieser fotografische Schwerpunkt sowohl von unveröffentlichten Zeichnungen, die Einblicke in Konzeption, Entstehung und Realisation der einzelnen Bühnenarbeiten gewähren, wie von unterschiedlichen Textbeiträgen.
Im Gespräch mit dem Herausgeber Frank M. Raddatz erläutert die Ausnahmebühnenbildnerin die Kunstprinzipien, von denen sie sich leiten lässt. Der Philosoph Robert Pfaller verortet ihre Arbeiten in der jüngeren Kunstgeschichte der Gegenwart, während Birgit Wiens die Spezifika dieser Räume aus theaterwissenschaftlicher Sicht untersucht. Josef Bairlein und Götz Leineweber geben Einblicke in Bracks Lehre an der Kunstakademie München und die kollektive Arbeitsweise ihrer Bühnenbildklasse. Statements von Birgit Minichmayr, Tabea Braun, Sybille Meier, Luk Perceval und Thomas Thieme werfen Licht auf diese lebendigen Bühnen.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank M. Raddatz (Hg.): Bühne / Stage Katrin Brack" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank_m._raddatz_hg._b_hne_stage_katrin_brack&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Bühne / Stage Katrin Brack

„Setting the Stage, Vol. 3 – Contemporary Spaces“ versammelt Positionen zu Bühnenbild und Szenografie aus dem Kunstinsert der Zeitschrift Theater der Zeit und richtet den Blick – im Vorfeld der Prager Quadriennale 2027 – auf die produktive Kraft von Bühne, Raum und Körper für das zeitgenössische Theater. In vier thematischen Kapiteln – Körper/Raum, Politische Topografien, Mediale und digitale Räume sowie Architektur/Natur – zeigen international arbeitende Künstler:innen, wie der Bühnenraum zum aktivierenden Gestaltungsmittel wird. Ihre Arbeiten machen sichtbar, wie aus Abwesenheit Präsenz entsteht, wie Stille Bedeutung trägt und wie Räume politische und ästhetische Aussagen provozieren.
Mit Beiträgen u. a. von James Turrell, Anne Imhof, Lars Ramberg, Markus Selg und Henrike Naumann. Gespräche, Porträts, Werkdokumentationen und umfangreiches Bildmaterial eröffnen unmittelbare Einblicke in künstlerische Haltungen und Arbeitsweisen. Der Band setzt die editorische Linie fort, die Theater der Zeit mit den Vorgängerbänden „Das Bild der Bühne“ (1998) und „Setting the Stage, Vol. 2“ (2015) etabliert hat.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Arbeitsbuch 2026: Setting the Stage Vol. 3" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=arbeitsbuch_2026_setting_the_stage_d56f6a4c2e320a&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Contemporary Spaces

Setting the Stage, Vol. 3

Mensch-Technik-Verhältnis auf der Bühne
Inszenierungspraktiken und Kooperationsmodi
Ausgehend von der Frage nach einem post-anthropozentrischen Verständnis von Theater entfaltet Marcel J. V. Kieslich in seiner Studie eine theoretisch wie praktisch fundierte Untersuchung der szenischen Robotik. Im Zentrum steht die Analyse mehr-als-menschlicher Relationen und ihrer ästhetischen wie ontologischen Implikationen für die performativen Künste. Kieslich entwickelt auf dieser Basis neue Inszenierungspraktiken, die den Roboter nicht allein als technisches Artefakt, sondern als relationales Gegenüber begreifen. Dieses Spannungsfeld zwischen algorithmischer Steuerung und emergenter Autonomie fasst er unter dem Begriff der „Informierten Unbestimmtheit“. Im Zusammenspiel von Kunst- und Wissenschaftsforschung skizziert das Buch Kooperationsmodi, die das Verhältnis von Mensch und Technik in der Theaterpraxis neu bestimmen und einen Beitrag zur aktuellen Debatte um posthumanistische Ansätze in der Theaterforschung leisten.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" title="Marcel Kieslich: Informierte Unbestimmtheit. Robotik im Theater" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=marcel_kieslich_informierte_unbestimmtheit._robot&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Zur Robotik im Theater

Informierte Unbestimmtheit

„Brecht gebrauchen, ohne ihn zu kritisieren, ist Verrat“, hat B. K. Tragelehns künstlerischer Weggefährte Heiner Müller konstatiert. Als letzter Meisterschüler Bertolt Brechts in den 1950er Jahren hat Tragelehn dessen Erbe nie zum Museumsgut erstarren lassen. Seine aufstörenden Inszenierungen, zeitweise gemeinsam mit Einar Schleef, haben in Ost und West Theatergeschichte geschrieben.Das Lesebuch „Roter Stern in den Wolken 3" erscheint anlässlich des 90. Geburtstags von B. K. Tragelehn und versammelt Gespräche, Gedichte und Aufsätze aus seinen letzten Schaffensjahren. Die Beiträge dokumentieren seine fortwährende Auseinandersetzung mit Brecht und Heiner Müller und zeigen Tragelehn als scharfsinnigen Analytiker des Gegenwartstheaters wie der Theatergeschichte. Sie reflektieren die Rolle der Darstellenden Kunst in ihren gesellschaftlichen Zusammenhängen – und machen diesen Band zu einem unverzichtbaren Dokument deutscher Theaterkultur.

Aufsätze, Reden, Gespräche, Gedichte. Ein Lesebuch

Roter Stern in den Wolken 3

Die sechste Ausgabe der VOICES wechselt die Blickrichtung: weg von der Bühne und hinein in den Publikumsraum. Sie schaut auf diejenigen, die Zeitgenössische Zirkusveranstaltungen besuchen und auf diejenigen, die sie nicht besuchen. Sie fragt nach Zugänglichkeit, Zirkustrends und dem Zirkuserlebnis Was passiert eigentlich zwischen Bühne und Publikumsraum? Wie erleben Zuschauer:innen eine Aufführung? Was verbirgt sich hinter der „Dramaturgie des Risikos“? Wo gibt es Feedbackschleifen und wann Gemeinschaftsgefühle? 
Das Magazin lädt dazu ein, genauer hinzuschauen – und sich selbst zu hinterfragen. Es bricht mit gängigen Zuschreibungen und eröffnet neue Denk- und Erfahrungsräume. Ganz im Sinne des Mottos „Come Closer“ vom Circus Dance Festival 2026 in Köln rücken partizipative Formate und aktuelle Trends der Zirkusproduktion ins Zentrum. VOICES VI betrachtet Möglichkeiten, Verantwortung, interaktive Strategien und Wünsche von Zirkusschaffenden, Programmverantwortlichen, Stadtplaner:innen – und natürlich vom Publikum selbst. Eine Einladung, näherzukommen.
23.05.26, 11 Uhr: Heft-Präsentation und Gespräch im Rahmen des Circus Dance Festivals 2026.
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Zirkus und Publikum (VOICES VI)

reach out

Eine Dokumentation der Ära Holger Schultze am Theater und Orchster Heidelberg (2011–2026)
Opulent gestalteter Text-Bild-Band mit Illustrationen
Nach 15 Jahren als Intendant am Theater und Orchester Heidelberg verabschiedet sich Holger Schultze aus der Stadt und aus seiner Leitung.
Das Buch zeichnet den Weg seiner Intendanz nach: von den Anfängen über die umfassende Sanierung und den Wiederbezug des erweiterten Hauses bis zu den künstlerischen Entwicklungen in Musiktheater, Schauspiel, Konzert, Jungem Theater und Tanz.
Im Mittelpunkt steht die internationale Ausrichtung des Hauses, die mit dem Heidelberger Stückemarkt, dem iberoamerikanischen Festival ¡Adelante! und der Tanzbiennale Heidelberg das Profil des Theaters weit über die Region hinaus geschärft hat. Zugleich blieb das Haus unter Schultzes Leitung tief in der Stadtgesellschaft verwurzelt – mit zahlreichen Spielstätten, Festivals und einem engen Dialog mit den Menschen vor Ort.
Holger Schultzes Theaterverständnis als Regisseur und Intendant wird in Beiträgen prägender Wegbegleiterinnen und Wegbegleiter sichtbar. Zahlreiche Inszenierungsfotos und Illustrationen ergänzen diese Bilanz einer lebendigen Theaterära.
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Intendanz Holger Schultze 2011–2026

Live und in HD

Exklusive Einblicke in bisher unveröffentlichtes Bildmaterial eines preisgekrönten Kinder- und Jugendtheaters
Praxisnahe Inspiration für Pädagog:innen und Kulturschaffende
Seit 40 Jahren sprudelt in Nürnberg „die Pfütze“ – unerschöpflich, lebendig, widerspenstig. Was als kleine, private Initiative begann, ist heute ein einzigartiges Haus für junges Publikum: ein Ort, an dem Musik, Sprache und Bewegung zu einer eigenen, poetischen Ästhetik verschmelzen. Dieses Buch erzählt von Menschen, Ideen und Zufällen, die das theater pfütze geprägt haben – von Aufbrüchen, einem Theaterneubau und der unerschütterlichen Überzeugung, dass Kunst kein Alter kennt und Bewusstsein für gesellschaftliche Verantwortung braucht. Es ist eine Hommage an die Neugier, den Humor, das Staunen und an viele Künstler:innen, die dieses Haus mitgestaltet haben sowie an sein treues Publikum. Doch der Blick geht weiter: in die Zukunft eines Theaters, das nie stehen bleibt, das sich neu erfindet und fragt, was und wie wir morgen erzählen wollen. „Pfütze“ – das ist kein Name, sondern eine Haltung: spielerisch, tief, frei.
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40 Jahre theater pfütze

Mutige Sprünge und große Wellen

Der Leitgedanke eines „Theaters für die Stadtgesellschaft“, das als Ort des Nachdenkens und lebendigen Diskurses allen Bewohner:innen Düsseldorfs offensteht, prägte seit 2016 Wilfried Schulz’ Intendanz am Düsseldorfer Schauspielhaus. Unter seiner Leitung wurde das D’haus zu einem lebendigen Ort der Begegnung, an dem großes Sprechtheater, zeitgenössische Dramatik, Klassikerinszenierungen und spartenübergreifende Projekte ihren Platz fanden. Mit der Wiedereröffnung des Schauspielhauses am Gustaf-Gründgens-Platz erstrahlte 2019 ein Düsseldorfer Wahrzeichen neu und war fortan wieder zentral im Stadtleben verankert. Das Schauspielhaus wurde zu einer relevanten Stimme in gesellschaftlichen Debatten, während zugleich große Herausforderungen gemeistert wurden – von Renovierung und Umbau bis hin zu den Einschränkungen der Pandemie.
Der vorliegende Band bebildert umfassend die programmatische Vielfalt der vergangenen zehn Jahre, die Arbeit des herausragenden Ensembles mit renommierten Regisseur:innen sowie der Sparten Junges Schauspiel und des Stadt:Kollektiv mit seinen vielfältigen partizipativen Projekten. Erinnerungen und Beiträge von Persönlichkeiten, die mit dem D’haus verbunden sind, zeichnen das Bild einer Intendanz, die Kunst, Haltung und Öffentlichkeit einer Stadt nachhaltig geprägt hat.
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Schauspiel – Junges Schauspiel – Stadt:Kollektiv

D’haus. Düsseldorfer Schauspielhaus 2016–2026

And here we meet: Choreography at the edge of time

Assoziationen

Person

Alexandra Waierstall

Highland Child

Open the curtains

Neuerscheinungen im Verlag