Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

So weit nach oben wie für Frank Underwood, der sich in der Netflix-Serie „House of Cards“ vom Kongressabgeordneten bis zum Präsidenten der Vereinigten Staaten emporintrigiert und dabei einen guten Schuss „Macbeth“ und „Richard III.“ erkennen lässt, führt der Weg im Theaterbetrieb gewöhnlich nicht. Und natürlich geht es nicht so blutig zu. Aber Throne werden auch hier besetzt – im buchstäblichen Sinne. Ausgerechnet am Theater, das sich gern gesellschaftskritisch gibt und...

Editorial

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

1975 ging Heiner Müller zusammen mit seiner Frau, der bulgarischen Regisseurin Ginka Tscholakowa, als Gastdozent ans Department of Germanic Studies der University of Texas in Austin, einer der größten amerikanischen Universitäten. Empfohlen hatte ihn Günter Kunert, der dort drei Jahre zuvor als erster Autor aus der DDR eingeladen war und über diesen Aufenthalt einen heute noch sehr interessanten Report schrieb, „Der andere Planet“. War für Kunert dieser Amerika-Besuch ein einschneidendes Ereignis, so muss für Müller das Erlebnis seiner ersten USA-Reise in mehrfacher Hinsicht sogar als Wendepunkt gelten. Seine danach entstandenen oder vollendeten Stücke, insbesondere „Leben Gundlings“, „Die Hamletmaschine“ und „Der Auftrag“, nahmen amerikanische Themen und Stoffe auf, ihre Dramaturgie wurde mit der Collagetechnik experimenteller, und Müllers bis dahin durch die Katastrophe des Zweiten Weltkriegs und der Tragödie des Kommunismus geprägte Weltsicht erweiterte sich zu Landschaften und ungeheuren Räumen. Bald folgten weitere Reisen, und die Auseinandersetzung mit Amerika wurde zu einer gegenseitigen Beziehung, denn die Stücke wurden übersetzt, in Zeitschriften und Buchausgaben gedruckt und vor allem an Universitätstheatern gespielt. Höchstens noch in Frankreich erfuhr Müllers Werk – bis heute – eine solch produktive Rezeption außerhalb des deutschen Sprachraums. Zu Müllers Amerika gehört auch eine intensive Beschäftigung mit dessen Literatur, ein Feld,...

Heiner Müller: Der amerikanische Leviathan. Ein Lexikon. Hg. von Frank Raddatz, Suhrkamp Verlag, Berlin 2020, 341 S., 18 EUR.

„Heil COCA COLA“

Kornél Mundruczó, Budapest ist – wieder einmal – in aller Munde, weil Studierende und Lehrende die dortige Film- und Theateruniversität besetzt haben. Sie haben früher auch dort ­studiert. Was ist der Anlass der Be­setzung? Ich studierte zwischen 1994 und 2003 an der Budapester Universität für Theater- und Filmkunst: erst Schauspiel, später Regie. Neun unvergessliche Jahre, die mir sehr viel gegeben haben. Inzwischen ist die Institution durchaus reif für eine ­Reform geworden, aber was jetzt passiert, ist eine reine Machtübernahme. Die Universität wurde von einer privaten Stiftung übernommen, deren Kuratoriumsmitglieder von der Regierung bestimmt wurden. Die Autonomie der Universität wurde aufgehoben, Rektorat und Senat sind zurückgetreten. Den Studenten blieb kaum eine andere Wahl. Ich bewundere die Courage, die Entschlossenheit und den Mut, mit denen sie für ihre eigenen Rechte, ihre eigene Zukunft kämpfen. Damit kann man sich nur solidari­sieren. Was genau sind die Forderungen? Sie fordern die Wiederherstellung der Autonomie der Universität und alles, was damit zusammenhängt. Seit der Wende 1990 haben wir Demokratie in Ungarn. Darüber, wie sie funktioniert, kann man sich streiten, aber es ist eine Demokratie. Diese Demokratie erlitt in den vergangenen zehn Jahren ernsthafte Wunden. Unter anderem wurde die Freiheit der Lehre und der Kunst beschränkt. Der...

Was macht das Theater, Kornél Mundruczó?

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Oktober 2020

Premieren

Notiz am 8.3.2020. Drei Wochen vor dem Lockdown: Das Nichtwissen zeigt sich. Die Hilflosigkeit wächst. Mit ihr Angst und Aktionismus. Nie für möglich Gehaltenes geschieht in kurzer Zeit. Gebiete werden abgeriegelt, Länder lahmgelegt, Kontinente werden folgen. Ganze Wirtschaftszweige verlangsamen den Pulsschlag beim Kampf um Profit, bis hin zum Kollaps. Die Virus-Katastrophe wird zum wirksamen Mittel gegen die andere, die droht wie keine zuvor – abwiegelnd Klimawandel genannt: Der CO2-Anstieg hat sich zum ersten Mal verringert. Klima. Virus. Tod. Aber das Klima ist nicht bedroht, es verändert sich nur. Die gestörte Natur passt sich an das Klima an und generiert das Virus. Mehr nicht. Es gibt Lebewesen, die das nicht ertragen. Bedroht sind Pflanzenarten und andere. Auch fleischliche. Die Menschenart ist darunter. Was ­widersteht, bleibt, was nicht, verschwindet. Bald wird Hauen und Stechen sein. Noch werden Fremde angefeindet, egal aus welchem Teil Asiens sie sich hergewagt ­haben, unvorsichtig. Unvorsichtig sind alle. Auch die, die das ­Virus schon personifiziert haben als „Chines“. Sie fühlen sich ­sicher in der Anfeindung. Die ist ihr selbst gemachter Schutz gegen das Virus. Bald wird es „italienisch“ sein. Schon schwieriger. Und bald steht der Feind innerhalb der eigenen nationalen Grenzen. Er kommt aus der nächsten Stadt, dem...

Über die Seuchen-Kunst Korona und ihre Kritiker

Die Dialektik des Elfenbeinturms

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Der Materialergründer

Leuchtstoffröhren rahmen einen schwarzen Bühnenkasten ein und verströmen ein sanftes, atmosphärisch stimmiges Licht. Ganz zu Beginn von Dariusch Yazdkhastis Uraufführung von Dominik Buschs Szenengeflecht „Deinen Platz in der Welt“ ist der Kontrast zwischen dem Dunkel auf der Bühne und dem strahlenden Rahmen jedoch derart groß, dass einen das Licht blendet. Für einen kurzen Augenblick gibt es nichts als diese gleißende Helle, die einem jegliche Sicherheit und Orientierung nimmt. Man sitzt in diesem Moment zwar auf seinem Platz im Theater, verliert aber jenen Halt, dessen man sich sonst meist so seltsam gewiss ist. Noch bevor Buschs Figuren ihren Platz in der Welt verlieren, erleidet also das Publikum einen ähnlichen Schock. Nur ist der selbstverständlich nicht so nachhaltig wie die Erschütterungen, von denen das Stück erzählt. Zwei Männer, Geldeintreiber für einen rücksichtslosen Gangster, verlieren die Nerven. Eigentlich sind sie gerade dabei, ihrem Boss zu berichten, was bei einem Überfall geschehen ist. Doch sie verlieren sich immer wieder in wüsten Beschimpfungen und bruchstückhaften Schilderungen. Es dauert eine ganze Zeit, bis klar wird, dass ein Mann, den sie bedroht haben, vor ihnen auf die Straße geflüchtet ist und einen tragischen Unfall ausgelöst hat. Dieser Unfall, bei dem ein Bus in eine Menschenmenge gefahren ist,...

Theater Bielefeld: „Deinen Platz in der Welt“ (UA) von Dominik Busch. Regie Dariusch Yazdkhasti, Bühne Anna Bergemann, Kostüme Clemens Leander

Bielefeld: In der Mühle des Lebens

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Im Gegensatz zur Geste fokussiert Gestisches einen Prozess, eine Gestimmtheit und Haltung, die sich einer Auflösung in Zeichen widersetzt. Es ist die Perspektive, der sich die Beiträge im Band „Gestische Forschung. Praktiken und Perspektiven“, der im Juli im Neofelis Verlag erschienen ist, theoretisch und künstlerisch annähern. Jeder Text in der von den Theaterwissenschaftlern Veronika Darian und Peer de Smit herausgegebenen Sammlung vollzieht eine eigene philosophische, am Material analysierende oder theaterpraktische Suchbewegung, die sich selbst auf Gestisches im Schreiben und Arbeiten befragt. Im Sinne Walter Benjamins Überlegungen zur Geste im epischen Theater unterteilen die Malereien der Tänzerin und Choreografin Rée de Smit die Abhandlungen und unterbrechen den Lesefluss. Zu Beginn widmet sich das Handbuch zur gestischen Forschung der philosophischen Untersuchung des Begriffs. In einem bis in die Antike zurückreichenden Abriss bestimmt der Philosoph Fabian Goppelsröder die Geste als Denkfigur der Irritation. Die Geste des „deconstructive embrace“ der postkolonialistischen Theoretikerin Gayatri Spivak, die eine Möglichkeit des Sprechens mit Subalternen und ihren Positionen beschreibt, nimmt Darian als Ausgangspunkt, Wissenschaft als Praxis gestisch zu befragen. Am Beispiel des Vortrags von Wissenschaftlern und Wissenschaftlerinnen untersucht sie deren Körperlichkeit und Haltung. Die Theaterwissenschaftler Jessica Hölzl, Micha Braun, Eiichirô Hirata und Maren Witte analysieren gestisches Agieren in...

Gestische Forschung: Praktiken und Perspektiven. Hg. von Veronika Darian und Peer de Smit, Neofelis Verlag, Berlin 2020, 348, S. 28 EUR.

Erfahrungen des Gestischen

Friede sei mit euch. Wir sind am Nullpunkt angekommen. Vor uns erstreckt sich weit und leer ein Raum von bestürzender Tiefe. Achtzig Meter trennen mich, die ich in der zwanzigsten Reihe sitze, von der Brandmauer am hinteren Ende der Bühne. Eine Weite wie eine Landschaft, an deren Horizont, dort, wo kaum erkennbar eine Frau (Valery Tscheplanowa) wie ein tanzender Neil Armstrong eine große Amerika-Flagge schwingt, die Luft zu flirren scheint. „molto agitato“, Frank Castorfs erster Opernabend an der Staatsoper Hamburg, eröffnet in cineastischem Ausmaß. Aleksandar Denićs verblüffend leere Bühne zeigt eine Supertotale, die an Sergio Leones Italowestern kurz vor High Noon denken lässt. Mit dieser Kameraeinstellung etablierte Leone den Topos Western – natürlich so, wie er ihn verstand: schmutziger, verschwitzter, amoralischer als die US-amerikanische Variante. Und damit ist man schon mitten drin im gedanklichen Kreuzfeuer dieser Arbeit. Der Abend, eine Werkcollage im Geiste der Volksbühne, beginnt mit der Ankunftsmusik der Königin von Saba aus Georg Friedrich Händels Oratorium „Salomo“, eine, wie es heißt, Friedensmusik, zu der ein Screen weniger friedvolle Sätze aus Ovids Metamorphosen zitiert: Der gekränkte Zyklop Polyphem droht, den Lover seiner Geliebten Galatea zu erschlagen. Nach György Ligetis „Nouvelles Aventures“, einer reinen Lautkomposition für drei Sänger, deren autistisch...

Staatsoper Hamburg: „molto agitato“ mit Werken von György Ligeti, Johannes Brahms, Georg Friedrich Händel und Kurt Weill. Regie Frank Castorf, musikalische Leitung Kent Nagano, Bühne Aleksandar Denić

Hamburg: Die Moral ist ein schlüpfriges Ding

Autorinnen und Autoren Oktober 2020 / Vorschau

Demokratie ist Belagerung“, übertitelt der Tagesspiegel ein ­Gespräch mit Jan-Werner Müller. „Deswegen hat Jürgen Habermas recht“, sagt der Politikwissenschaftler dort, „wenn er für das Verhältnis von Öffentlichkeit und Parlament das Bild einer Belagerung vorschlägt.“ Hatten demnach die gut 250 Menschen (Reichsbürger, ­denen Nahstehende sowie bunt gemischte Mitläuferinnen und Mitläufer), die am 28. August 2020 auf die Stufen des Reichstags liefen, um sich dort selbst zu feiern, das Recht, dies zu tun? Ein Großteil der Medien hatte berichtet, es hätte einen „Sturm auf den Reichstag“ gegeben, die Menge hätte letztlich in das Gebäude gewollt – obwohl es, soweit sich das recherchieren ließ, keinen Beleg für den Versuch des Eindringens gibt. Nach knapp zehn Minuten war der von der ­Polizei „befriedete Bezirk“ wieder leer, die Menge verlief sich. Wäre eine andere ­Reaktion als die der Empörung wün­schens­wert gewesen, wie sie unter anderem von Bundespräsident Frank-Walter Steinmeier kam? Das Zulaufen auf den Reichstag habe ich schon dreimal ­gesehen – ausgehend von sehr verschiedenen Akteuren. Unabhängig von den jeweiligen Intentionen hat es ein tanztheaterähnliches ­Momentum: Die Überwindung von Zäunen, das gemeinschaftliche Hineinlaufen in den abgesperrten Bereich, auf den Reichstag zu, und die Einforderung von Rechten, die man im Bundestag zumindest als ungenügend wahrgenommen sieht,...

Thema mit Variationen: Der Sturm auf den Reichstag und sein tanztheaterähnliches Moment

Die Treppe der anderen

Kompositionsprinzip Collage

Herr Mau, in Thomas Freyers Theaterstück „Stummes Land“ stellen vier Leute um die vierzig, die in der DDR gemeinsam zur Schule gegangen sind, fest, dass ihnen das Erbe der Elterngeneration tiefer in den Knochen steckt als angenommen. Was sagen Sie als Soziologe – und als Ostdeutscher – zu diesem Befund? Eine generelle Beobachtung, die ich immer wieder mache, ist, dass ein wirklich rigoroses Gespräch über die DDR, über die Vereinigungserfahrung...

„Die Mehrheit wollte in eine Derrick-Bundesrepublik einwandern“. Der Soziologe Steffen Mau im Gespräch mit Christine Wahl

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Nach einer sehr coronakompatiblen Beckett-Trilogie im Juni startet das Wiesbadener ­Theater mit einer sich nicht um Abstands­regelungen und Mäßigung scherenden deutschsprachigen Erstaufführung in die neue Spielzeit. Hinter dem herrlichen Titel „Die Küste Utopias“ verbirgt sich eine Trilogie des englischen Autors Tom Stoppard, die im angelsächsischen Raum bereits für Furore gesorgt hat. 2002 in London ur­aufgeführt, heimste etwa die New Yorker Broadway-Produktion gleich sieben Tony-Awards ein, auch in Frankreich und Japan war das Ganze schon zu sehen. In drei ­Teilen – Aufbruch, Schiffbruch, Bergung – widmet sich Stoppard der russischen Intelligenzija im 19. Jahrhundert. Süffig er­zählt er vom Leben und Lieben berühmter ­Persönlichkeiten wie Michael Bakunin, ­Alexander Herzen und Iwan Turgenjew, wobei sich die Handlung von 1833 bis 1868 erstreckt. Es beginnt auf dem Landgut Premuchino irgendwo in der russischen Provinz. Dort haust die Großfamilie Bakunin, die sich im ersten Bild an einem langen Tisch um ihren Patriarchen Alexander versammelt. Die Töchter liebreizen in weißen Kleidern, während die Mutter matronenhaft auftrumpft und der Vater altbekannte Sprüche absondert und sich die tuberkulöse Seele aus dem Leib hustet. In diesen Zeiten ziemlich démodé. Egal. Vom ersten Augenblick an inszeniert die Regisseurin Henriette Hörnigk, Chef­dramaturgin und stellvertretende Intendantin am Neuen Theater in Halle, den...

Hessisches Staatstheater Wiesbaden: „Die Küste Utopias“ (DSE) von Tom Stoppard Deutsch von Wolf Christian Schröder. Regie Henriette Hörnigk, Bühne Gisbert Jäkel, Kostüme Claudia Charlotte Burchard

Wiesbaden: Es lebe die vorrevolutionäre Zeit!

Es müssen Köpfe rollen

„Work hard, play hard?“

Der genetische Code Amerikas

Herr Mau, in Thomas Freyers Theaterstück „Stummes Land“ stellen vier Leute um die vierzig, die in der DDR gemeinsam zur Schule gegangen sind, fest, dass ihnen das Erbe der Elterngene­ration tiefer in den Knochen steckt als angenommen. Was sagen Sie als Soziologe – und als Ostdeutscher – zu diesem Befund? Eine generelle Beobachtung, die ich immer wieder mache, ist, dass ein wirklich rigoroses Gespräch über die DDR, über die Vereinigungserfahrung und die Transformation weder in Ostdeutschland noch im gesamtdeutschen Kontext hinreichend stattfindet. Manche Leute sagen, Ostdeutschland fehlt ein 1968, also eine Rebellion der jüngeren Leute gegen die Elterngeneration, ein Befragen auf ihre Verantwortung im SED-Staat. Das kam 1989/90 nicht so richtig in Gang, weil die Eltern nicht mehr in Machtpositionen waren. Die musste man nicht mehr herausfordern, sondern sie hatten selber mit Existenzängsten zu tun, sodass die jüngere Generation eigentlich sehr schonend mit der älteren umgegangen ist, sich zum Teil auch mit ihr solidarisiert hat. Außerdem spielte sicher eine Rolle, dass ­diese Auseinandersetzung, wenn es sie denn gegeben hätte, immer vor einem westdeutschen Diskurspublikum stattgefunden hätte, das schon von vornherein ideologisch auf der richtigen Seite stand und qua Position alles besser wissen musste. Das Personal in Freyers Stück – ein...

Aus Anlass von Thomas Freyers neuestem Stück „Stummes Land“: Der Soziologe Steffen Mau im Gespräch mit Christine Wahl

„Die Mehrheit wollte in eine Derrick-Bundesrepublik einwandern“

Der Atem des Raumes

Die Gesetze des Marktes können grausam sein, gerecht sind sie nie. Der ältere Mann, der da starr und verloren auf der Bühne steht, war mal selbstständiger Kfz-Mechaniker, bis ihm die Werkstatt abgebrannt ist; die junge Frau neben ihm, seine Tochter, ist freischaffende Künstlerin und muss sich von Auftrag zu Auftrag hangeln. Beide sind sie weiß geschminkt – zwei Gespenster des Kapitalismus. Auf die eine oder andere Art gilt das auch für die anderen Figuren in „Paradies“, einer neuen, stark gekürzten Fassung von Thomas Köcks „Klimatrilogie“, die der Regisseur Christopher Rüping nun am Thalia Theater in Hamburg herausgebracht hat. Neben Vater und Tochter, die sich selbst ausbeuten, sind da die, die ausgebeutet werden: der chinesische Arbeiter und seine Freundin, die aus der heimatlichen Lithiumionenakku-Fabrik fliehen, nur um in einem italienischen Sweatshop bei einer noch stupideren Arbeit zu landen (und schließlich ihr Leben zu verlieren). Und es gibt natürlich den klassischen Ausbeuter, einen Gummibaron im Manaus des späten 19. Jahrhunderts, der von einem Opernhaus im Dschungel träumt („Kultur!“) und die indigene Bevölkerung in Ketten legen lässt. Ihre Geschichten werden notdürftig zusammengehalten von einem ICE-Schaffner und Erzähler (Abdoul Kader Traoré), der die coronabedingt wenigen Zuschauer im Saal mitnimmt auf eine Reise durch eine...

Thalia Theater: „Paradies (fluten / hungern / spielen)“ von Thomas Köck. Regie Christopher Rüping, Bühne Peter Baur, Kostüme Lene Schwind

Hamburg: Der gute Mensch im Dschungelcamp

Elfriede Fiegert? Noch nie gehört. Hinter dem deutschen Namen verbirgt sich ein schwarzer Kinderstar, der 1952 mit dem Film „Toxi“ berühmt wurde. Fiegert war das, was man ein Besatzungskind nennt, der Vater GI, die Mutter deutsche Ärztin. 1946 geboren, wurde ihr 1955 mit „Der dunkle Stern“ abermals eine Hauptrolle zugespielt. Auch später trat sie noch hier und da in Erscheinung, bevor es ruhig um sie wurde. Nun gehört Elfriede Fiegert zu den insgesamt 250 Namen, die den Auftakt zur Ausstellung „Das Deutsche Museum für Schwarze Unterhaltung und Black Music“ (DMSUBM) bilden. Ein kleines Museum im Frankfurter Museum Angewandte Kunst. Ausgedacht haben es sich die Theaterregisseurin Anta Helena Recke, die Performerin und Choreografin Joana Tischkau, der Musiker Frieder Blume und die Dramaturgin Elisabeth Hampe. In Zusammenarbeit mit dem Künstlerhaus Mousonturm und dem HAU Hebbel am Ufer verwirklichen sie eine Mischung aus Archiv und temporärer Ausstellung. Hintergrund des Ganzen bilden Überlegungen zu einem schwarzen Kanon, einer schwarzen Genealogie. Die Liste mit den 250 Namen am Eingang verewigt Persönlichkeiten der deutschen Unterhaltungsindustrie. Sie beginnt um das Jahr 1920 herum und endet etwa im Jahr 2005. Viele bekannte Namen sind da­runter: Barbara Becker, Charles Kaufmann, Arabella Kiesbauer und noch viel mehr weniger bekannte: die...

In Frankfurt am Main eröffnet das erste „Deutsche Museum für Schwarze Unterhaltung und Black Music“ von Joana Tischkau, Elisabeth Hampe, Frieder Blume und Anta Helena Recke

Ambivalente Karrieren

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Kaum eine Uraufführung war in dieser Spielzeit wohl sehn­licher erwartet worden als „Reich des Todes“ von Rainald Goetz. Über zwanzig Jahre nach seinem letzten Stück – „Jeff Koons“ – gibt es einen neuen Bühnentext des für seinen kritischen Blick auf die Gesellschaft und seine sprachliche Wucht insbesondere vom Feuilleton teils hymnisch verehrten Autors. „Reich des Todes“ wurde als ein Stück über den 11. September angekündigt und die Uraufführung im Deutschen Schauspielhaus Hamburg entsprechend auf eben jenes Datum gelegt, Regie führte die Intendantin Karin Beier selbst. Hätte man den Stücktext vorab lesen können, so hätte man freilich gewusst, dass die Anschläge vom 11. September 2001 in dem Stück im Grunde nur als Auslöser vorkommen. Es behandelt vielmehr die Folgen – und zwar jene im politischen Gefüge der USA mit nicht unerheblichen Auswirkungen auf ein paar weitere Weltregionen. Es geht um Politik, Recht, Macht und den Fall eines zivilisatorischen Tabus. Und das in der Länge von fast viereinhalb Stunden, die sich auch tatsächlich keine Minute kürzer anfühlen. Zu anderen Zeiten hätte man einen solchen Text wohl ein Königsdrama genannt. Könige gibt es zwar nicht mehr, aber Präsidenten, Vizepräsidenten und Minister. Die handelnden Figuren agieren nahezu alle auf höchster politischer Ebene, und die...

Rainald Goetz hat ein neues Stück über den 11. September und die Folgen geschrieben – Ein Bericht von der Hamburger Uraufführung

Weil es böse ist

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Harold Bloom, der große amerikanische Shakespeare-Forscher, ein fast unübertrof­fener Meister des „close reading“, meinte, unsere Epoche sei dem „King Lear“ nicht gewachsen. Und Bloom hat noch mehr Interes­santes herausgefunden. Die Titelfigur des Dramas bezeichnet er fast wortwörtlich als die letztgültige Verkörperung des alten weißen Mannes. Wenn man bedenkt, dass das Stück in grauer Vorzeit spielt, Jahrhunderte vor Christus … Als hätte Johan Simons in seiner Bochumer Inszenierung Bloom irgendwie zustimmen wollen, lässt er gegen Ende ein wenig die Zügel schleifen. Das fast unerträgliche Pathos der Tragödie wird unterlaufen, die fabelhafte Anna Drexler, zuvor Cordelia und Narr, zitiert die Regieanweisungen („Lear stirbt“), die Toten liegen zuckend auf der Bühne, und das wirkt dann wie eine schale Parodie. Schade, denn bis dahin, also vier Akte lang, war im Bochumer Schauspielhaus ein fesselnder, glasklarer „Lear“ zu erleben. Pierre Bokma mit seinem feinen niederländischen Akzent, ohne Blumen im Haar, stattdessen mit einem Pelzhut geschmückt (Kostüme Greta Goiris), interpretiert den Achtzigjährigen als einen impulsiven, nicht sehr intelligenten, aber dennoch nachdenklichen und vor allem hochsympathischen Aristokraten. Seine Begegnungen mit Cordelia sind herzzerreißend. Die jüngste Tochter (die beiden anderen sind ­Travestien, von Männern gespielt) reagiert keineswegs demütig oder zerknirscht, als der Vater die Stoisch-Störrische vom Hof jagt....

Schauspielhaus Bochum: „King Lear“ von William Shakespeare in der Neuübersetzung von Miroslava Svolikova. Regie Johan Simons, Bühne Johannes Schütz, Kostüme Greta Goiris

Bochum: Ein bitterer Abgesang auf die Familie

1. Teil Ein gedeckter Tisch in der Mitte des Raums 1 ESTHER Mensch, Daniel. Ist das schön. DANIEL Da bin ich also. ESTHER Dass es endlich geklappt hat. Komm. Gib mir deine Jacke. DANIEL Gut siehst du aus. ESTHER Ach. DANIEL Doch, doch. ESTHER Jetzt setz dich erst mal. Soska ist auch schon da. SOSKA In Anbetracht des katastrophalen Zustands meiner Wohnung war ich geradezu erleichtert, als ich gehört habe, dass wir uns hier bei Esther treffen. DANIEL Ganz der alte Soska. Lass dich umarmen, mein Lieber. Groß bist du geworden. SOSKA Spotte nicht, Sportsfreund. DANIEL Ist schön. Wirklich. Schön, dich wiederzusehen. SOSKA Ja. Stille. ESTHER Habt ihr was von Laura gehört? SOSKA Sie hat geschrieben, dass sie auf dem Weg ist. ESTHER Mir hat sie nicht geantwortet. Stille. DANIEL Wahrscheinlich hat sie es einfach nicht geschafft. ESTHER Wahrscheinlich. SOSKA Diesen Blick, liebe Esther, den kenne ich noch gut. ESTHER Ja? SOSKA Und der gefällt mir nicht. ESTHER Wein? DANIEL Sie hat viel zu tun. Also Laura. Hab ich gehört. Also gelesen. In ihrem Blog. ESTHER Die Kinder, ja. DANIEL Und die Tiere. Der Hof. SOSKA Und drum herum diese entsetzliche Natürlichkeit. Dieses Wachsen. Keimen. Dieses ständige Verrotten. Zerfallen....

Stummes Land

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Verwundertes Erstaunen über sich und das eigene Sein in der Welt im jähen Gewahrwerden, dass die Welt eine andere als die vorgedachte und ausgedachte ist: Das ist wohl ein Grundgestus des jugendlichen Heldenspielers Alexander Lang am Deutschen Theater Berlin Anfang der siebziger Jahre gewesen. Dass diese bittere Erkenntnis den Helden zum hemmungslosen Rasen gegen sich und die Welt brachte, begeisterte Zuschauer und Kritiker. Im Hause selbst fand er schnell Anerkennung und Fürsprache; erstaunlich für einen jungen Schauspieler, wenn er direkt vom Berliner Ensemble kam: „Er hat intuitives Gespür für Kostüme, er weiß viel von der Erzählfähigkeit von Haltungen und Gesichtern. Er weiß oder ahnt ebensoviel von dem Wesens- und Umweltgeprägten der Stimme. Und wenn er sich in diesem Sinne alles gründlich und genau gemacht hat, kommt der romantische Ernst einer Begeisterung für das herrliche Wunder, sich auf dem Theater unentwegt verwandeln zu können, in beinahe übermütiger Aufhebung aller Selbststrenge noch dazu.“ Der Blick Ilse Galferts auf Lang in Theater der Zeit (Heft 9/1972) lässt schon eine Regiebegabung ahnen. Aber noch dominiert die Spielwut. Und Lang hat Kräftiges und viel zu spielen: Ferdinand, Caliban oder – an einem Abend – den Prinzen von Homburg und Ruprecht in dem berühmten Kleistdoppelprojekt Adolf...

Alexander Langs Weg vom Schauspieler zum Regisseur – Eine biografische Skizze anlässlich der Verleihung des Konrad-Wolf-Preises in der Berliner Akademie der Künste

Die Eigen-Art mobilisieren

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Es war seinerzeit, 1973, eine kleine Sensation. Der fünfzigjährige Wuppertaler Exportkaufmann Karl Otto Mühl, bislang kaum als Autor in Erscheinung getreten, schrieb ein Stück, das so präzise wie einfühlsam die höchst ungewöhnliche Romanze zwischen einem verwitweten Rentner und einer fünfzig Jahre jüngeren Küchenhilfe erzählt: eine zarte Liebschaft, die von den Angehörigen des alten Mannes beargwöhnt, kaum geduldet und letztlich sabotiert wird. „Rheinpromenade“ wurde von den Wuppertaler Bühnen zur Uraufführung angenommen, vom Intendanten Arno Wüstenhöfer höchstselbst milieurealistisch inszeniert und, nach einer vielbeachteten Premiere, zum Stück der Saison; insgesamt kam es auf sechzig Inszenierungen. Ein solch durchschlagender Erfolg war selbst dem seinerzeitigen Branchenführer des „Kitchen Sink Realism“, Franz Xaver Kroetz, nicht oft beschieden. Karl Otto Mühl, der fast alle Beteiligten an der damaligen Sternstunde überlebt hat, blieb seinem sogenannten bürgerlichen Beruf in einer Wuppertaler Metallwarenfabrik treu, definierte das Schreiben also gewissermaßen als Zweitberuf. Nach einigen Veröffentlichungen Ende der vierziger Jahre hatte er die Schriftstellerei beinahe schon aufgegeben; umso besser hatte er das Arbeiter- und Angestelltenmilieu kennengelernt, in dem seine Stücke spielten. Einige von ihnen erschienen, wie die Heiner Müllers, im West-Berliner Rotbuchverlag. Es folgten unter anderen „Rosenmontag“ und „Kur in Bad Wiessee“. Sie wurden aufgeführt und auch als Hörspiele gesendet, wenngleich sich...

Zum Tod des Dramatikers Karl Otto Mühl

Leben und Liebe zwischen Küche und Fabrik

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Videoarbeiten und Installationen

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Es scheint nicht abwegig, angesichts der Feuer-Installation ­Julius von Bismarcks an einige Verse von Paul Celan zu denken: „Harnischstriemen, Faltenachsen, / Durchstich- / punkte: / dein Gelände.“ Der so wunderbar eigensinnige Dichter verwendet hier einige sinnlich aufgeladene, aber fremd klingende Begriffe aus der Geologie. Die rumorende Erde hat eine zerstörerische Kraft, Tsunamis entstehen bekanntlich durch bewegliche Gesteins­platten. Das Gelände, das Julius von Bismarck vermisst, wenn auch nicht mit der „Kluftrose“ (Celan), sondern eher am Computer, sind brennende Wälder in Schweden und Kalifornien. Die aus acht ­Keramikskulpturen bestehende Allee, die man zunächst durchschreitet, bevor man sich der breiten LED-Leinwand an der Stirnseite des Saals in der Bonner Bundeskunsthalle nähert, vermittelt ein paradoxes Gefühl von Kühle. Die Bilder des gut einstündigen Videos jedoch sind heiß, der Slow-Motion-Effekt und der (nicht veränderte, nur heruntergedimmte) Original-Sound wirken gleichermaßen unwiderstehlich aufs Unbewusste des ­Betrachters. In manchen Sprachen gibt es nur zwei Farben, Schwarz und Weiß, aber wenn eine dritte hinzukommt, ist es immer Rot. Angefangen mit dem Prometheus-Mythos, über das archaische Lagerfeuer, den Verbrennungsmotor, das Feuer als Metapher („Feuer und Eisen“, „Feuer und Flamme“), bis hin zur Hölle, die man sich seit alters her ultraheiß vorstellt, spielen die Farbe Rot und die magische Energie des...

Der Künstler Julius von Bismarck vergleicht sein Verfahren mit dem psychologischen Rorschachtest

Blick in den Glutkern der Existenz

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Im April, als alle Festivals vom Theatertreffen bis zur Ruhrtriennale abgesagt waren, machten sich der Künstlerische Leiter des Kunstfestes Weimar, Rolf C. Hemke, und sein Team daran, das Programm ihres Mehrspartenfestivals grundlegend neu zu konzipieren. Großveranstaltungen waren aufgrund von Corona auch in Thüringen bis Ende August generell nicht mehr möglich. Aber könnte das Kunstfest nicht mit kleinteiligerem Programm und ­einem großen Open-Air-Anteil stattfinden? Und wie könnte man auf die Situa­tion inhaltlich reagieren? Würde am Ende diese Festival-Ausgabe als erstes echtes Festival der Corona-Ära in Deutschland zählen? Tatsächlich gab es für den Start des Kunstfestes Weimar mit nahezu sechzig Programmpunkten pünktlich zum Auftakttag sogar eine Sondergenehmigung der Landesregierung: Es handele sich beim größten Festival Thüringens zwar um eine Großveranstaltung, aber die ersten Tage seien mit Freiluftaufführungen und Vernissagen in Räumen mit kontrollierter Besucherzahl möglich. Kunstfest-Leiter Hemke verband seine Erleichterung darüber mit einer kämpferischen Ansage: „Wir wollen es als Zeichen verstanden wissen, dass die Kultur noch da ist. Und dass wir uns nicht unterkriegen lassen.“ Zwei aufwendige Bühnenproduktionen – die Uraufführung der Oper „Electric Saint“ von Stewart Copeland und Jonathan Moore sowie Amir Reza Koohestanis Adaption von Anna Seghers’ „Transit“ – wurden ins nächste Jahr verschoben. An ihrer Stelle gingen eilig Stückaufträge...

Das Kunstfest Weimar bewährt sich als erstes deutsches Großfestival unter Corona-Bedingungen

Am Wochenende keine Drogen nehmen

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Ewald Palmetshofers Komödie über die Not dreier Mittdreißiger – Babsi, Jeani und Max – aus dem Jahr 2008 hat sich im Repertoire der Gegenwartsdramatik etabliert. Vermutlich, weil der Autor, nunmehr mit ganz anderen Themen und Stoffen, mittlerweile zu den wichtigsten deutschsprachigen Dramatikern gehört, ganz sicher aber auch, weil das Stück mit seiner „Stummelsprache“ aus unbeendeten Sätzen einen soziologischen Befund über die behütet Unbehausten vorstellt, der auch für die unmittelbare Gegenwart von Interesse ist. Früher lebten die drei in einer WG, man war „ein bisschen links“ und schwelgte in jugendlicher Gruppendynamik samt erhoffter Beziehungsanbahnungen. Jetzt hat Jeani, kurz vor ihrer Hochzeit, ihre ehemaligen ­Mitbewohner Babsi und Max zu einer Art nostalgischem Junggesellinnenabschied in ein Berghotel eingeladen. Das ist die Konstella­tion für diese traurige Komödie der verschwundenen Jugend. Andreas Kloos hat aus Palmetshofers Sprache, die das Alltägliche und Beziehungsbanale in bester österreichischer Manier in eine auftrumpfende Kunstbehauptung wendet, eine Sprechakt-Komödie geformt. Anika Kleinke, deren Jeani als Erste die Bühne betritt, legt sofort los und ergeht sich in Halbsätzen unter körperlichen Verrenkungen in Berichten über die einstige WG. Auf der Bühne von Esther Bätschmann sind drei im Sicherheitsabstand aufgestellte Stühle samt Telefontischchen zu sehen, die in einem Gasthof mit Jagdambiente stehen könnten, wie...

Theater und Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: „Wohnen. Unter Glas“ von Ewald Palmetshofer. Regie Andreas Kloos, Ausstattung Esther Bätschmann

Neubrandenburg: Traurige Komödie der verschwundenen Jugend

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Festival der Besessenen

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Inklusive Ansätze erproben!

Verlockung und Verzicht treffen einander in dem Titel „Die Goldberg Variationen, BWV 988“. Diesen nüchternen Namen hat Anne Teresa De Keersmaeker ihrer jüngsten Arbeit gegeben, die bei den pandemiebedingt verschobenen und stark reduzierten Wiener Festwochen uraufgeführt wurde. Seit vierzig Jahren verzichtet die belgische Starchoreografin beinahe ausnahmslos auf poetische Stück­bezeichnungen. Sie hält die Titel nüchtern, kühl und doch verlockend. Meist zitiert De Keersmaeker darin bloß die musikalische, fallweise auch eine literarische Referenz. Ganz und gar nicht nüchtern dagegen verhält sich Marlene Monteiro Freitas. Sinnlichkeit ist bei der auf den Kapverden gebo­renen Künstlerin eine dominierende Prämisse. Sie nennt ihre Werke so, wie sie sind, „Bacantes – Prelúdio para uma purga“ oder zuletzt „Mal – Embriaguez Divina“: „Vorspiel für eine Reinigung“ oder „Göttlicher Rausch“. Frühere Titel sind „Jaguar“, „Elfenbein und Fleisch – auch Statuen leiden“ oder „Tierischer Ernst“. Ein Titel ohne Wortspiel wie „The Six Brandenburg Concertos“ (De Keersmaeker, 2018) scheint undenkbar. Freitas’ Arbeiten ziehen ihre Zuschauer in traumähnliche Labyrinthe. Auch „Mal – Embriaguez Divina“, das ich nicht am Uraufführungsort Kampnagel in Hamburg, sondern kurz nach De Keersmaekers „Goldberg Variationen“ bei den Festwochen gesehen habe, kann als Irrgarten erfahren werden. Oder wie ein Film von David Lynch. Freitas’ und De Keersmaekers Choreografien zeigen...

Wiener Festwochen / Internationales Sommerfestival auf Kampnagel: „Die Goldberg Variationen, BWV 988“ (UA) von Anne Teresa De Keersmaeker; „Mal – Embriaguez Divina“ (UA) von Marlene Monteiro Freitas

Wien / Hamburg: Rausch und Kontrolle

Meldungen

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Glanz und Elend: Unter diesem Titel veröffentlichten wir im <a href="../../2016/10/">Oktober 2016</a> ein Interview mit dem Schauspieler Shenja Lacher sowie Lisa Jopt und Johannes Lange vom Ensemblenetzwerk. Es ging um Machtmissbrauch und toxische Arbeitszusammenhänge an Theatern. Lacher, damals Ensemblemitglied am Münchner Residenztheater, war einer der Ersten, der sein Unbehagen an Strukturen und Umgangsformen im Betrieb in dieser Form öffentlich machte. Vier Jahre später sprechen wir immer noch davon. In Karlsruhe beschuldigten jüngst große Teile der Belegschaft ihren Intendanten Peter Spuhler des Machtmissbrauchs. Das Theater gehört reformiert. Nur wie? Frau Puls, Frau Jennicke, Herr Schlötcke, Intendantinnen und Intendanten an Theatern werden, und so ist es für einen Ort der Kunst natürlich richtig, vorrangig nach künstlerischen Kriterien ausgewählt. Das Problem ist nur: Nicht zwangsläufig sind sie auch die besten Chefs. Temperament kollidiert mit Respekt, Narzissmus mit Teamfähigkeit, es kommt zu verbalen Entgleisungen, Drohungen, Machtmissbrauch. Unter dem Deckmantel der Kunst wurden derartige Zustände an Theatern lange toleriert. Handelt es sich dabei um ein spezifisches Theaterproblem? Wiebke Puls: Ob es ein spezifisches Theaterproblem ist, kann ich nicht sagen, denn ich lebe ja leider nur im Theater (lacht). Nein. Aber ja, es gibt Dinge, die ich mir in Bezug auf dessen Führung anders vorstellen...

Skadi Jennicke, Wiebke Puls und Sven Schlötcke über Machtmissbrauch an Theatern im Gespräch mit Dorte Lena Eilers und Christine Wahl

House of Arts

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

„Faust war kein faustischer Mensch.“ Emil du Bois-Reymond, 1882 Es war im Frühjahr 1962, ein knappes Jahr nach der Berliner Grenzschließung, als Walter Ulbricht die Kulturschaffenden seiner Partei zu einer internen Konferenz zusammenrief, um ihnen wegweisende Worte zu sagen. Das Ziel, auf das der 1960 zum Staatsratsvorsitzenden avancierte Parteichef seine Genossen orientierte, war hochgesteckt; er hatte sich der „Faust“-Lektüre erinnert, zu der ihn in Lehrlingsjahren der sozialdemokratische Arbeiterjugend-Bildungsverein angeregt hatte, und war im Blick auf Fausts visionäres Schlusswort am Ende des zweiten Teils auf den hoffnungsvollen Gedanken gekommen, dass „die Arbeiter und Bauern des Landes ... mit ihrer Arbeit, mit ihrem Kampf für Frieden und Sozialismus ... den dritten Teil des ,Faust‘“ schrieben. Dachte er daran, dass das hohe Ziel, das dem erblindeten Hundertjährigen vor Augen steht, die ultimative Hoffnung, einmal „auf freiem Grund mit freiem Volke“ zu stehen (Vers 11580), in der DDR insofern realisiert worden war, als das Privateigentum an Grund und Boden weitgehend zurückgedrängt worden war? Nicht durchgängig (es gab noch privates ebenso wie genossenschaft­liches Eigentum), aber großenteils waren die Einwohner Mieter staatlicher oder kommunaler Eigentümer geworden und profitierten davon durch das definitive Ausbleiben von Mieterhöhungen. Das bedeutete zugleich, dass niemals Geld genug für substanz­erhaltende Maßnahmen da...

Goethes „Faust“ im deutschen Staatssozialismus

Und was machen wir mit Mephisto?

<h2>Erinnerung an eine Revolution in Minsk</h2> „Kaltes Erwachen im langsamen Fahrstuhl zum Blick auf die rasende Uhr. Ich stelle mir die Verzweiflung von Nummer Eins vor. Seinen Selbstmord. Sein Kopf, dessen Porträt alle Amtsstuben ziert, auf dem Schreibtisch.“ 2016, vor vier Jahren, spricht Corinna Harfouch diese Zeilen aus Heiner Müllers Revolutionsstück „Der Auftrag“ in Minsk, auf der Bühne des Kulturpalastes des Automobilwerks (MAZ). Das Schauspiel Hannover ist mit der Inszenierung von Tom Kühnel und Jürgen Kuttner zu Gast beim TEART Festival in der belarussischen Hauptstadt. Hier haben Müllers Zeilen auf einmal eine Dringlichkeit, an die in Hannover nicht zu denken ist. Es ist klar, auf wen die Leute den Text beziehen. Das Gastspiel ist ein Coup des Goethe-Instituts und der findigen Festivalleiterin Angelika Kraschewskaja. Hauptsächlich finanziert wird TEART von der Belgazprombank. Die Werbejingles vor jeder Aufführung sind gewöhnungsbedürftig. Hinter dieser Förderung steht der Bank­manager Viktor Babariko, ein ebenso schwerer wie lebenslustiger Theater- und Kunstenthusiast, der sich die Förderung belarussischer Kunst und den Austausch über europäische Grenzen hinweg auf die Fahnen geschrieben hat. Heiner Müllers Revolutionsstück 2016 in Belarus: Noch ist von der Präsidentschaftskandidatur Babarikos keine Rede, und auch an die Hunderttausende auf den Straßen des Landes ist nicht zu denken....

Ein Report über die belarussische Kultur- und Theaterszene, die im Zentrum der Proteste gegen Staatschef Lukaschenko steht

Wir glauben! Wir können! Wir siegen!

Explodierendes Dokumentartheater

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Herr Bartling, Sie haben sich als Coach auf Theater spezialisiert. Warum? Sind die Theater besonders beratungsbedürftig? Oder -resistent?! (Lacht) Oder das, genau?! Tatsächlich habe ich mich gar nicht auf Theater spezialisiert. Etwa fünfzig Prozent meiner Aktivitäten liegen in der Kulturbranche, die anderen fünfzig immer noch im Wirtschaftsbereich. Weil meine Partnerin schon länger mit Theatern gearbeitet hat, wurde ich irgendwann gefragt, ob ich mit Führungskräften aus dem Theater reden könnte, um eine Perspektive von außen einzubringen. Das hat Spaß gemacht – und war für beide Seiten ein Kulturschock. Inwiefern? Ich habe beobachtet, dass Führung im Theater sehr viel stärker mit Emotionen verknüpft ist als in der Wirtschaft. Fakten, das eher Analytische, Wissenschaftlichere, fehlten mir oft erst einmal. Umgekehrt wurde mir eine sehr nüchterne Analytik gespiegelt. Kunst, heißt es immer so schön, folge anderen Gesetzen. Auf der Bühne ist das richtig, im Betrieb nicht. Machtmissbrauch und ­toxisches Arbeitsklima sollten nicht im Namen der Kunst toleriert werden. Folgt man der 2019 erschienenen Studie von Thomas Schmidt zu „Macht und Struktur im Theater“, passiert aber genau das. Wo liegt aus Ihrer Sicht das Problem: bei der Führungsebene, im Gesamtbetrieb Theater oder, ganz abstrakt gesehen, in der sehr pyramidalen, aus dem 19. Jahrhundert...

Der Coach Stefan Bartling über den notwendigen Kulturwandel am Theater im Gespräch mit Dorte Lena Eilers und Christine Wahl

House of Arts

Assoziationen

Theater der Zeit 10/2016

Glanz und Elend

Theater der Zeit 6/2021

Das große Kegeln

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