Was macht das Theater, Tim Behren?

Vielleicht ist es ja ein heimliches Update des Underground-Klassikers aus den Fünfzigern, der „Zofen“ von Jean Genet, den das Prinzregenttheater (PRT) zur Saisoneröffnung auf den Spielplan gesetzt hat – einer Saison, die womöglich schon die dritte und letzte der durchaus erfolgreichen Intendantin Romy Schmidt sein könnte. In der Rolle der Gnädigen Frau agiert in diesem Update Sibylle Broll-Pape, inzwischen Intendantin am ETA Hoffmann Theater Bamberg; sie hat das kleine PRT, das in einer ehemaligen Zeche liegt, Anfang der neunziger Jahre mitbegründet und mehr als zwei Jahrzehnte lang geleitet. Nun steht sie dem Trägerverein vor und überwacht, aus der Ferne, aber sicherlich gut informiert, die Geschicke des Hauses, die ihr am Herzen liegen. In der Rolle der aufmüpfigen, aber letztlich doch verzweifelt ohnmächtigen Zofen: die jungen Frauen (und Männer) um Romy Schmidt, die nicht nur das Outfit, sondern auch Spielplan und Publikum des Theaters verändert und in bislang zwei Jahren in einen Bochumer Hotspot verwandelt haben. In Genets Stück soll die Gnädige Frau mit Lindenblütentee vergiftet werden; in Wirklichkeit ist es nur das Klima zwischen den jetzt Aktiven und dem Trägerverein, das immerhin so gründlich vergiftet ist, dass nun ein überparteilicher Mediator eingeschaltet werden musste, um zu klären, was sich dem...

Der Intendantin des Bochumer Prinzregenttheaters Romy Schmidt wurde unerwartet gekündigt, nun soll ein Mediator den Machtkampf entschärfen

Ohnmächtige Zofe, ungnädige Frau?

Am 7. November jährt sich zum einhundertsten Mal der Sturm auf den Winterpalast, der zum Symbol der Revolution der Bolschewiki in Russland wurde. Das Jahr 1917 war eine Epochenwende, ein stürmisches Fanal des „Zeitalters der Extreme“, wie der Historiker Eric Hobsbawm das 20. Jahrhundert nannte. Theater und Film produzierten die ikonischen Bilder dazu. Der Theaterregisseur Nikolaj Jewrejnow inszenierte 1920 zum dritten Jahrestag der im Geltungsbereich des Gregorianischen Kalenders sogenannten Oktoberrevolution...

Editorial

Theater Bielefeld: „Das Knurren der Milchstraße“ (UA) von Bonn Park. Regie Bonn Park, Ausstattung Julia Nussbaumer

Bielefeld: Laute Urliebe

Ressource Bühnenbild

Genregrenzen hardcore überwinden

„Die Aristokraten“ heißt einer der jüngsten Theatertexte von Sasha Marianna Salzmann, ein klaustrophobisches Kammerstück über ein Geschwisterpaar. Zwillinge, die sich in einer Wohnung hoch über einer Stadt mal streicheln, mal zerfleischen, während die Stadt unten im kriegsähnlichen Chaos versinkt. „Außer sich“, der erste Roman der Theaterautorin, der es gleich auf die Shortlist des Deutschen Buchpreises schaffte, nimmt das Motiv der unentwirrbaren Geschwisterliebe der „Aristokraten“ auf, holt aber diese Liebe heraus aus der Abschottung, heraus aus einer Welt, die das Draußen nur vom Hörensagen kennt. Stattdessen wirft sie die Geschwister, Anton und Ali heißen sie im Roman, gnadenlos hinein in ein gewaltiges Panorama. Es ist das Panorama ihrer Herkunft, der Herkunft einer jüdischen Familie in Europa. Weit verzweigt, unübersichtlich, durchzogen von Verfolgung, Ausgrenzung, Tod und Galgenhumor. Die Geschichte von Anton und Ali wird durchwebt von den Geschichten der Eltern, Großeltern, Tanten, Onkel, Urgroßeltern. Geografisch pendelt der Roman zwischen Odessa, Czernowitz, Moskau, Istanbul und Berlin, zeitlich umspannt er ein ganzes Jahrhundert. „Alis Erinnerungen legten sich aufeinander wie Folien und verrutschten“, heißt es einmal. „Sie ergänzten und widersprachen sich, ergaben neue Bilder, aber sie konnte sie nicht lesen, auch Kopfschütteln brachte nichts.“ So liest sich „Außer sich“: wie ein Übereinander zahlreicher Ebenen –...

Sasha Marianna Salzmann: „Außer sich“, Suhrkamp Berlin 2017, 365 Seiten, 22 Euro.

Ungeschliffene Murmeln

Didier Eribons autobiografischer Essay „Rückkehr nach Reims“ hat vor allem in Deutschland für einige Furore gesorgt. Das Buch hat zweifelsohne einen Nerv getroffen. Angesichts der selbst für sozialdemokratische Verhältnisse völlig auf den Hund gekommenen SPD, der nach 16 Jahren Merkel-Regierung umfassend paralysierten politischen Opposition – wenn man davon unter den Bedingungen einer weitgehenden Entpolitisierung der Politik überhaupt noch reden mag – sowie des dadurch bedingten Aufstiegs der sich erfolgreich als Scheinopposition inszenierenden und gerierenden AfD vermeinte man in dem Buch vor allem die Abkehr linker Politik von ihrer angestammten Klientel, der Arbeiterklasse, zu sehen. Diese war zwar im Zweifelsfall noch nie gut beraten, sich von einer Kaste vom Staat alimentierter Berufspolitiker vertreten zu lassen. Dass sich aus den Erneuerern der Linken – wie Mitterrand, Blair und Schröder – in den letzten Jahrzehnten skrupellose Sozialingenieure entwickelt haben, hat die Lage aber durchaus verschärft. Was Eribon beschreibt, ist die „Welt der sozialen Gewalt“, der Klassenverhältnisse und des Klassenkampfs, der inzwischen fast ausschließlich von oben geführt wird. Der rundum erneuerten Linken ist zuallererst die Sprache verloren gegangen, mit der solche gesellschaftlichen Antagonismen noch bezeichnet werden konnten – zwischen der verdinglichten Sprache des Parteimarxismus und der inhaltsleeren der neuen sozialen Bewegungen ist der Blick...

Schaubühne am Lehniner Platz: „Rückkehr nach Reims“ nach Didier Eribon. Regie Thomas Ostermeier, Ausstattung Nina Wetzel

Berlin: Ankunft in Charlottenburg

Autoren November 2017/Vorschau

Popanz der Macht

Die Volksbühne Berlin bricht spielerisch mit allen Gepflogenheiten des Theaterbetriebs. Nachdem die Spielzeit durch einen Tanzmarathon auf dem Tempelhofer Feld eröffnet worden war, fand nun auch die erste Aufführung im Haus am Rosa-Luxemburg-Platz statt. Über einhundert Performer hatten unter dem Titel „Staub zu Glitzer“ eine „kollektive, transmediale und mimetische Theaterinszenierung“ ausgerufen. Der Inhalt der Aufführung: die Besetzung eines Theaterhauses. So hieß es im Programmheft: „Wir nehmen das Theaterhaus in Besitz und erklären es zum Eigentum aller Menschen. Wir öffnen es und stellen es zur allgemeinen Nutzung zur Verfügung.“ Das Publikum zeigte sich vom Mitmachtheater geradezu begeistert, Hunderte strömten nach Berlin-Mitte, um an der Performance teilzunehmen. Eine neue Generation von Theatergängern lockte die Volksbühne an: jung, international, selbstbestimmt und mit einem unermüdlichen Interesse an den Vorgängen vor und hinter der Bühne. Aus Gründen des Denkmalschutzes konnten nicht alle zur selben Zeit die Foyers, den Aufführungsort, betreten. Wann hat man zuletzt in Berlin Menschenmassen vor einem Theater gesehen, die flehentlich Einlass erhofften? Die sozial gerechte Gestaltung des Eintritts (kostenfrei) dürfte auch zum großen Erfolg der Aufführung beigetragen haben. Ein besonderes Highlight: Zunächst war kein Ende der Performance festgelegt – open end. Als besonders geschickt erwies sich auch, dass der Intendant Chris...

Die Berliner Volksbühne erlebt eine Performance der besonderen Art – ihre Besetzung

Die Schule des Befremdens

Endlich faire Mindestgagen, aber woher kommt das Geld?

Lichtwarktheater: Ein Haus für alle

Der Reichtum des Erinnerungsspeichers

„Wer wird noch etwas wissen von ihm, wenn erst drei Jahre vergangen sind?“, ätzte der Kritiker Peter Iden nach dem Tod Werner Schwabs in der Neujahrsnacht 1994. Gar so schnell sollte der im Alter von nur 35 Jahren Frühverstorbene nicht dem Vergessen anheimfallen. Allerdings sind es tatsächlich nur ein paar wenige Stücke des ungeheuer produktiven Schreibwüterichs, die sich bis heute auf den Spielplänen gehalten haben – vor allem seine sogenannten „Fäkaliendramen“ „Volksvernichtung oder Meine Leber ist sinnlos“ und „Die Präsidentinnen“. Mit dem Hype der frühen neunziger Jahre, als Schwab ein Popstar war wie Kurt Cobain, hat das allerdings nur noch wenig gemein. Der Nirvana-Frontmann verabschiedete sich wenige Monate nach Schwabs Tod mit einem Neil-Young-Songzitat aus dem Leben: „It’s better to burn out than to fade away.“ So ließen sich auch Schwabs Leben und Sterben überschreiben. Dass die Begeisterung der Bühnen für sein Werk heute nur noch auf Sparflamme flackert, erscheint da als bittere Ironie des Schicksals. Wo, wenn nicht in Schwabs Geburtsstadt Graz, wäre der rechte Ort für einen Versuch, sie neu anzufachen? Schwabs „Faust :: Mein Brustkorb : Mein Helm“ hat bisher überhaupt erst zwei Inszenierungen erlebt: 1994 die postume Uraufführung in Potsdam (Regie Thomas Thieme) – da hagelte...

Schauspiel Graz: „Faust :: Mein Brustkorb : Mein Helm“ (ÖEA) von Werner Schwab. Regie Claudia Bauer, Bühne Patricia Talacko, Kostüme Dirk Thiele

Graz: Nonsens eines kalten Herrn

Residenztheater München: Oh, wie schön ist Paraguay

Ein Licht nicht von dieser Welt

Das sowjetische Theater ist dem Anspruch, dem Großen Roten Oktober ein ehrendes Andenken zu bewahren, verschiedentlich nachgekommen: War die russische Avantgarde in den zwanziger Jahren des vergangenen Jahrhunderts mit Massenspektakeln und Reenactments noch ernsthaft auf der Suche nach einer adäquaten Form, wurde später die Revue als geeignet für dieses Anliegen befunden – frei von Widersprüchen, volksnah und doch staatstragend. Das postkommunistische Russland unter Wladimir Putin betont gerne seine lange christlichorthodoxe...

Das Pussy Riot Theatre als Agitprop im Geiste der Revolution

Wir existieren

Kim de l’Horizon – Michelle Steinbeck – Pablo Jakob Montefusco – Alexander Stutz

Es war ein langjähriges Projekt, das im Sommer 2017 in Tel Aviv seinen Abschluss fand. „Cohn Bucky Levy – Der Verlust“ hieß die internationale Koproduktion zwischen Theater&amp;Philharmonie Thüringen unter dem (inzwischen ehemaligen) Schauspieldirektor Bernhard Stengele, dem Jaffa Theatre in Tel Aviv und dem Qarar House for Music, Theatre and Arts in Tel Aviv. Die mehrsprachige Stückentwicklung setzte sich mit der lokalen Historie einer jüdischen Altenburger Familie auseinander und öffnete dabei das Thema für einen internationalen Diskurs über Ausgrenzung und Vertreibung heute. Ausschlaggebend für diesen Brückenschlag war dabei die Zusammensetzung des Ensembles: Den Schauspielern aus Altenburg gehörten unter anderen eine Türkin und ein Rumäne an, das Ensemble aus Tel Aviv setzte sich aus Hebräern und Arabern zusammen. So entstand eine einzigartige Diversität an nationalen, kulturellen und religiösen Zugehörigkeiten der Darsteller, die gemeinsam an der jüdischen Familiengeschichte arbeiteten. Darüber hinaus nahmen die Schauspieler die Historie zum Anlass, um über persönliche Erfahrungen von Diskriminierung, Ausgrenzung, Migration und Flucht zu sprechen. In Altenburg waren die Vorstellungen an den Originalschauplätzen, einem ehemaligen Ladengeschäft und dem Wohnhaus der Familie Levy, ein Erfolg: Zwölf ausverkaufte Vorstellungen wurden vom 20. Mai bis 2. Juni gespielt. Zur Uraufführung kamen zwanzig Nachfahren der vertriebenen Familien Cohn, Bucky und Levy aus...

Theater&Philharmonie Thüringen gastiert mit einem Stück über die Judenverfolgung in Tel Aviv und gerät mitten hinein in die Konflikte

Fluchtgeschichten und Kulturzensur

Kann man nach 25 Jahren immer noch gern in ein Theater gehen, das man ein halbes Berufsleben lang als Pflichtzuschauerin, als Kritikerin, begleitet hat? An dem man fast keinen Premierenabend versäumt hat und über dessen Selbstverständnis man mit jeder Inszenierung von Neuem nachdenken musste, um zu einer Beurteilung zu kommen? Oder ist dieses Theater, das 25 Jahre lang vom selben Intendanten nach immer denselben Prinzipien geleitet wurde, nicht doch etwas langweilig geworden? Hat es sich klammheimlich in einen öden Ort verwandelt, der dringend einmal umgekrempelt und von Grund auf neu erfunden werden müsste? Um Himmels willen, bloß das nicht! In Zeiten, in denen Theater zunehmend dazu übergehen, sich selbst abzuschaffen, weil ihre Betreiber es spannender finden, statt literarischer Texte die banalen Befindlichkeiten von Selbstdarstellern zu inszenieren, und dazu neigen, alles, was denen gerade durch die Rübe rumpelt, für genial zu halten, sollte man froh sein, dass es hier diese kleine, nach außen unscheinbare Zuflucht gibt. Eine Zuflucht für all diejenigen, die ihr Vergnügen darin finden, einen Abend lang mit Dingen zum Nachdenken, Mitfühlen, Aufregen, Lachen oder auch Zweifeln konfrontiert zu werden. Mit Inszenierungen, in denen Charme, Poesie und Metaphysik keine Fremdwörter sind. Sie liefern das Baumaterial für Gegenwelten, die es...

Das kleine theater Kammerspiele Landshut wird 25 Jahre alt

Schaulust

Es ist 7.30 Uhr im Quartier. Junge Dämonen schlittern in den glitzernden Passagen über Ornamente, die in spiegelglatten Marmor eingelassen sind, verstecken sich in Wasserspielen oder Werbesäulen, rappeln an den noch geschlossenen Ladentüren, die Lüftung rauscht, und die Bepflanzung wedelt. Die Kunden hingegen haben sehr schlecht geschlafen. Sie träumten einen teuren Schlaf, in einem Doppelzimmer zu 280 Euro pro Nacht und pro Kopf, und ließen ihr Leben wie ein schlechtes Hotel über sich ergehen, weil sie wussten, dass sie bald wieder abreisen würden. Indes verräumt man andernorts demokratische Strukturen, dass es nur so knirscht. Es gibt dort außer Kunden keine Leute mehr. Die Welt ist denen ein Hotel, die es sich leisten können, sich um den Ort nicht mehr zu sorgen. Und solange sie sich diese Räume leisten können, brennt noch Licht. Doch rundherum herrscht Dunkelheit. Bald kommt der Tag der Abreise und dann das Jüngste Gericht. Das ist der Preis der Angst – und jede Angst hat ihren Preis, in einem modernen, urbanen und interessanten Mix aus Shopping, Gastronomie, Entertainment und Hotel. Der Gnostiker hingegen checkt nur ein, um auszuchecken. Er ist gegen seinen Willen hier, aufgrund eines folgenreichen Missgeschicks, dem sich gleichfalls die Erschaffung der ganzen Welt verdankt....

Reisebüro Rinck: Grandhotel Gnosis

Tdz on Tour

„Queer sein bedeutet für mich, das Leben zu genießen. Und es anderen möglich zu machen, es genießen zu können.“

Dorotty Szalma, Sie stehen über eine langfristige Dreiländerkooperation auch im Kontakt mit polnischen Kollegen in Jelenia Góra. In Polen hat es ja 2015 mit dem Sieg der PiS-Partei sozusagen eine Vorwegnahme des sächsischen AfD-Ergebnisses bei der Bundestagswahl gegeben. Seither zeichnet sich im Nachbarland eine repressive nationalistische Kulturpolitik ab. Spüren Sie davon schon etwas? Bis die Wellen bis zu uns schlagen, dauert es noch ein bisschen. De facto spüren wir bis jetzt noch nichts, Zensur und Einschränkungen der künstlerischen Freiheit sind noch nicht zu uns durchgedrungen. Umso wichtiger erscheint mir die Fortsetzung der Zusammenarbeit mit unseren Nachbarn. Im Wahlkreis Görlitz ist die AfD mit 32,9 Prozent der Zweitstimmen die meistgewählte Partei geworden. Deutete sich dieses Ergebnis im Verhalten des Publikums an? Ich persönlich habe es nicht zu spüren bekommen, was nicht viel besagt. Ich meine, dass wir uns nicht selbst belügen und denken sollten, wenn eher intelligente und gebildete Leute ins Theater gehen, würden die nicht gleichzeitig AfD wählen. Ich bin persönlich geschockt, weil ich nicht verstehen kann, dass Wut und Unzufriedenheit Menschen dazu bringen können, nicht mehr zuzuhören, nicht mehr zu argumentieren und stattdessen zuzumachen. Wir haben etwas erlaubt, was nicht hätte erlaubt werden dürfen, nicht aus demokratischen Gründen, sondern...

Was macht das Theater, Dorotty Szalma?

Gastspiel der Geister

Den Tanz der Welt zur Ruhe bringen

Wenn in der Geschichte nicht so viel Wahnsinn am Werk wäre, bräuchten wir das Theater nicht. Jedenfalls nicht dieses Thalheimer-Reese-Nunes-Theater, wo es stockdunkel bliebe, wenn nicht wenigstens der Mond die Szene beschiene. An Licht herrscht Mangel in allem Überfluss. Denn alles Licht ist dem Dunkel abgetrotzt. In der Mitte der Nacht entfaltet das Licht seine stärkste Kraft, heißt es bei Rembrandt, und da klingt es noch optimistisch. Um den Wahnsinn, das Dunkel des gelebten Augenblicks und jenes mühsam durchdringende Licht geht es in den ersten drei Inszenierungen der Nach-Peymann-Ära am Berliner Ensemble. Licht ist Leben, gewiss, aber es gibt Tausende Arten, eine Sache zu beleuchten. Von Camus’ Caligula bis Brechts Richter Azdak sehen wir lauter Grenzgänger jenes Zwielichts, in dem die Gespenster wohnen. Zweifellos, es herrscht ein neuer Geist an diesem Hause, ein radikaler, ein abgründiger. Forcierte Ästhetik gegen klare inhaltliche Botschaften! Den neuen Hausherren mangelt es an einem gewiss nicht: an Skepsis gegenüber dem berufsmäßigen Optimismus des traditionellen Brecht-Theaters. Oder wie Thalheimers Dramaturg Bernd Stegemann mit Heiner Müller sagt: Brecht fortsetzen kann man nur gegen Brecht. Ist dies die Stunde der Dialektiker? Thalheimer scheint eher ein letzter Ritter der Romantik, wie er da nach der Vorstellung von „Der kaukasische...

Am Berliner Ensemble werden unter dem neuen Intendanten Oliver Reese die lichtlosen Gefilde erkundet, in denen sich der Wahnsinn vor der Vernunft verbirgt

Ich will den Mond!

Wende und Wandel

Alexander Eisenach, in „Die Entführung Europas oder Der seltsame Fall vom Verschwinden einer Zukunft“ geht es im Stile einer Hardboiled-Kriminalgeschichte um einen Privatdetektiv namens Max Messer auf der Suche nach der verschwundenen Frau eines Syndikatsbosses. Woher kam diese Idee? Der Ausgangsgedanke war, sich mit dem Kosmos Heiner Müller zu befassen. Und Max Messer ist ein Pseudonym von Müller, unter dem er das Kriminalhörspiel „Der Tod ist kein Geschäft“ veröffentlichte. Das war, wie gesagt, der Ausgangspunkt. Mir war aber klar, dass ich nicht einfach mit Texten von Müller würde arbeiten können. Das hat mit Müllers Sprache zu tun. Das ist eine Sprache, die heute fremd ist, eine sehr metaphorische, wuchtige Sprache, die fast unzeitgemäß ist. Ich wollte eher den Ideen Müllers folgen, seinen Gedanken zu Europa, der Utopie nachgehen. Das waren meine theoretischen Überlegungen, die sich dann mit meinen formalen Überlegungen einer Kriminalgeschichte trafen. Ich arbeite gerne mit Genres. Und Müller hatte ja selbst dieses Kriminalhörspiel geschrieben, das dem verpflichtet ist, einem Genre, dessen Gestalten mit den Werken von beispielsweise Raymond Chandler, man denke an Philip Marlowe, abrufbar sind. Die Bilder stellen sich schnell ein: Los Angeles, korrupte Polizisten, dunkle Gestalten. Heiner Müllers Texte sind in Form von Zitaten...

Alexander Eisenach über sein Stück „Die Entführung Europas oder Der seltsame Fall vom Verschwinden einer Zukunft“ im Gespräch mit Jakob Hayner

Europa kann nur als Kriminalgeschichte erzählt werden

Eine Fundgrube

Holzmarkt Berlin: Die Utopie vorurteilsfreier KI

„Die Szene ist uns wohl bekannt: Leute sind versammelt, und jemand erzählt ihnen etwas.“ Ein junger Mann steigt entschlossen auf seinen Stuhl, sechs weitere Personen folgen. „Italiener von Fiume!“, rufen sie mit Emphase in den Saal. „In der verrückten Welt / gibt es heute / ein Zeichen der Freiheit / eine reine Sache: / Fiume!“ Wer das nicht erkenne, dem sei die Zukunft nicht sicher. Wer nicht mit uns sei, sei unser Gegner. Um mich herum werden Fäuste gereckt, auf den Stühlen biegen sich Arme zum Gruß der Faschisten. „Wie wollen Sie sich verhalten?“, flüstert mir eine Stimme ins Ohr. „Einspruch erheben? Stören? Unterbrechen?“ In der Performance „Rausch und Zorn“ des Radiokollektivs Ligna ist man permanent mit solchen Fragen konfrontiert. Denn mit den Leuten, die hier versammelt sind, meinte die freundliche Stimme aus dem Kopfhörer in ihrem Eingangszitat von Jean-Luc Nancy exakt uns. Von der ersten Minute an werden die Zuschauer im Künstlerhaus Mousonturm zu Protagonisten. Schauspieler gibt es nicht. Es gibt nur uns, die wir, per Audiospur geleitet, auf Stühle klettern, Reden schwingen, Arme und Fäuste recken, im ständigen Clinch mit unserem eigenen Unbehagen. „Studien zum autoritären Charakter“ lautet der Untertitel dieser Performance. Untersuchungsgegenstand ist die Herrschaftsform des Faschismus,...

Das Radiokollektiv Ligna untersucht in „Rausch und Zorn“ das Erstarken des Faschismus

Fiume oder Tod!

Wiener Festwochen: Der Haimon in uns

Eine besonders anregende, aber auch besonders verbindliche Atmosphäre ist spürbar, wenn sich Akteure des Kinder- und Jugendtheaters treffen. Vielleicht liegt das an der Nähe zu unverkrampften Kindern oder eben auch an der damit verbundenen besonderen Verantwortung gegenüber dem formbaren Nachwuchs. Man trifft sich in dieser Sparte jedenfalls auffallend intensiver als bei den „Großen“, wo Eitelkeiten eher eine Rolle spielen. Ebenfalls fällt auf, dass der Osten ohne Separationsabsichten hier eigene Akzente setzt. Nicht von ungefähr, denn man kann der DDR viel Übles nachsagen, aber nicht eine Vernachlässigung der heranwachsenden Theaterbesucher. 38 freie und staatliche Bühnen haben sich zum Arbeitskreis Ost der Kinder- und Jugendtheater zusammengeschlossen. Und der veranstaltete nach 2014 und 2015 am vorletzten Septemberwochenende sein drittes Festival unter dem Titel „Wildwechsel“. Gastgeber war das Theater Junge Generation (tjg) Dresden, das seit Dezember des Vorjahres in seinem neuen Domizil im alten Kraftwerk Mitte eine besondere Anziehungskraft ausübt. Ein solches Treffen dient selbstredend dem Austausch, ja auch dem Wettbewerb von Inszenierungen, aber ebenso strategischen Werkstattgesprächen. Sieben Inszenierungen hatte die Jury aus vierzig Bewerbungen ausgewählt, und es war nicht alles Wild, was da über die drei Bühnen des tjg wechselte. Einen starken Eindruck indes hinterließ das Magdeburger Puppenspiel mit „M – Eine Stadt...

Das Kinder- und Jugendtheaterfestival Wildwechsel in Dresden diskutiert, wie sich gesellschaftliche Veränderungen auch für ein junges Publikum aufbereiten lassen

Überall Panik?

Bunte Stofffetzen, Plastiktüten und Zivilisationsmüll sind das Zuhause von Krüppel-Billy. So nennen ihn jedenfalls die Menschen in der verschlafenen Gemeinschaft auf den Aran-Inseln vor der irischen Küste. Meik van Severen verblüfft mit seiner Interpretation der Hauptrolle in Martin McDonaghs „Der Krüppel von Inishmaan“. Der junge Mann, der bei seinen ältlichen Tanten lebt, ist kein Häufchen Elend, mit dem man Mitleid haben sollte. Er ist der einzig normale Mensch in dem Dorf gescheiterter Existenzen. Einer, der seine Wünsche lebt. Für den extrem beweglichen 25-Jährigen, der unter anderem bei Hermann Schmidt-Rahmer an der Berliner Universität der Künste (UdK) Schauspiel studiert hat, war es die spannende Frage, wie er den behinderten jungen Mann physisch zeigen soll. „Ein Krüppel im Rollator“ wäre für ihn und Regisseur Nikolai Sykosch nicht infrage gekommen. Das hätte aus seiner Sicht den Blick auf das Wesen der Figur versperrt, die im Stück als Einzige für einen positiven Lebensentwurf steht. Billy will zum Film nach Hollywood. Mit gekrümmten Händen und lahmen Beinen schleppt sich van Severen über die Bühne. Und doch lässt er die Träume seiner Figur fliegen. Pechschwarze Tiefenschichten von Mc-Donaghs Sprache erfasst der Wortspieler wunderbar. Auch wenn in der deutschen Übersetzung manches vom irischen Witz verloren gehe, das...

Der Karlsruher Schauspieler Meik van Severen schafft es, mit Stärken und Schwächen seiner Figuren zu jonglieren

Einer, der Träume fliegen lässt

Fair bezahlt und arbeitslos?

Was macht das Theater, Bernhard Stengele?

Jetzt geh ich in den Birkenwald, denn meine Pillen wirken bald.“ Dieser Ausspruch Martin Kippenbergers könnte für das zweite Bild in Maxim Didenkos „Tschapajew und Pustota“, einem Jahrhunderttrip durch die russische Geschichte, als Vorlage gedient haben. Drei Männer in hellen Gewändern laufen in Zeitlupe um in der Bühnenmitte gestapelte Neonröhren, dahinter befinden sich Baumstümpfe, hell bemalt. Ein Lagerfeuer im Birkenwald im Stile der Minimal Art, umgeben von einem nach vorne geöffneten gelben Raum, der sich beim zweiten Hinsehen als Weichzelle erweist, wie sie in psychiatrischen Einrichtungen Verwendung findet. Eine vierte Person, verborgen unter einer buddhistischen Maske, folgt den anderen. Diese haben sich ordentlich was eingeschmissen und verlieren sich in drogeninduzierten Gesprächen. Es beginnt mit der Suche nach dem ewigen Kick. Doch schnell verfangen sich die drei in den Untiefen neuzeitlicher Mystik, in Dostojewski’scher Manier geht es um Religion, Erlösung, aber auch Stalin, den Gulag. Die eigene Psychologie wird mit dem Vokabular eines Militärputsches erkundet, der Feind ist der „innere Bulle“. Der Philosoph Immanuel Kant nannte das Gewissen den inneren Gerichtshof, Friedrich Nietzsche sah darin – ähnlich wie der Begründer der Psychoanalyse Sigmund Freud – vor allem internalisierte Schuld, zur Neurose gesteigerte Schwäche, die moralische Fixierung gesellschaftlicher Zwänge im Über-Ich, von...

Maxim Didenkos „Tschapajew und Pustota“ beim Kunstfest Weimar ist ein psychedelischer Trip durch hundert Jahre russischer Geschichte

Putsch in der Plastikwelt

Meldungen

Luzern: Siegerprojekt für das Neue Luzerner Theater gekürt

wann, wenn nicht jetzt?

Theater schlägt Netflix

Théâtre Vidy-Lausanne: Diversity sells  

Personen Mc Keenly Canetti Spider Rix Kellner Lester Rieger Leo Sternberg Sara Sternberg Leutnant Brandon Captain 1. Kunde 2. Kunde Butler Dan Ein Mann Eine Prostituierte Ein Heiserer Edna Brandon 1. Besucher 2. Besucher Bloomfield Reporter Polizist Ein Sekretär 1. Wärter 2. Wärter Falscher Polizist Sergeant Stimme im Telefon I. Club. Kellner Das Gedeck. Canetti Keine Suppe. Kellner Sehr wohl, mein Herr. Canetti Sorgen Sie dafür, daß wir nicht mehr gestört werden. Kellner Jawohl. Kellner ab. Canetti Die Zentrale hat beschlossen, daß du die Filiale in Las Vegas übernimmst. Spider Was ist mit Rieger? Canetti Um Rieger kümmern wir uns, du brauchst dich nur auf seinen Stuhl zu setzen. Seine Beisetzung findet morgen nachmittag statt, auf dem katholischen Friedhof in Las Vegas. Du mußt dich erkundigen wann. Es wäre gut, wenn du dich dort sehen lassen würdest. Den Palmwedel liefert das Blumenhaus Daisy, unser Haus, in dein Apartment im Savannah. Du wohnst im Savannah, bis die Mordkommission Riegers Villa freigibt, sein Sommerhaus und seine Jagdhütte. Die Untersuchung wird in drei Tagen abgeschlossen sein. Der Polizeichef von Las Vegas wird sich an unsere Abmachungen halten, er weiß, auf welcher Seite sein Toast gebuttert ist. Das Ermittlungsergebnis ist Selbstmord. Wie spät ist...

Hörspiel von Max Messer (eigtl. Heiner Müller)

Der Tod ist kein Geschäft

Was macht das Theater, Yana Salakhova?

Die wirkende Erinnerung

Hinter einer Schranktür, zwischen unübersichtlich drapierten Silberfolien, liegt ein üppig tätowierter Mann. An seiner glatten Kopfhaut kleben Kabelenden, den nackten Körper umwogt eine milchig weiße Flüssigkeit. Sein Name ist Ottfried G., erklärt die Reiseleiterin dem Publikum. Er habe als Baggerfahrer bei Grabungsarbeiten am Gelände des Stadtentwicklungsprojekts Seestadt Aspern im Osten der Stadt Wien den Nabel der Welt entdeckt. Und weil der Nabel milchig weiß aussieht, wie Pudding, sofort davon gekostet. Die immersive Busreise „Tour de Nombril“ führt vom zentralen Stephansplatz in den 22. Wiener Gemeindebezirk. Stephanie Winter und die von ihr gegründete Produktionsplattform Salon Hybrid haben für ihr neuestes Projekt insgesamt fünf Stationen ausstattungstechnisch formalisiert. Frau Weiß stellt sich als Historikerin vor, trägt insgesamt aber Schwarz, der Mann neben ihr, in Weiß, wird Herr Hoffmann genannt. Gemeinsam halten sie in der Virgilkapelle, fast 13 Meter unter dem Stephansplatz, einen Einführungsvortrag. Die Insignien der Wissenschaftlichkeit, weiße Mäntel und Mikroskope, ungewisse Substanzen und übermäßige Bedrohungslagen, spielen eine wiederkehrende Rolle in den Projekten von Salon Hybrid. Seit 2009 wurden unter diesem Label in wechselnder Besetzung Objekte, Filme, performative Installationen sowie eine Publikation produziert. Die für Publikum in leer stehende Räume oder Privatwohnungen gebauten Parallelwelten, große Flächen und subtile Details, kennzeichnet ein Hang zum...

Das Kollektiv Salon Hybrid experimentiert mit einer Wissenschaftsästhetik – ohne Ausflüchte, ohne Hinterbühne

Akupunktur des Publikums

Vorhang runter, Zelt weg

2005 gründete der Dramatiker Bernhard Studlar gemeinsam mit Regisseur Hans Escher das interkulturelle Autorentheaterprojekt Wiener Wortstätten. Dieses widmet sich in verschiedenen Formaten der Vernetzung zwischen österreichischen und internationalen Autoren, deren Muttersprache nicht Deutsch ist, die aber auf Deutsch schreiben. Die Wiener Wortstätten verstehen sich als Plattform und Forschungslabor, als Vermittler zwischen Theaterbetrieb und Schreibtisch. Nun kämpft das renommierte Autorentheaterprojekt ums Überleben. Herr Studlar, der Antrag der Wiener Wortstätten auf Konzeptförderung wurde im März dieses Jahres vom Kulturamt der Stadt Wien abgelehnt. Wissen Sie, warum? Leider nein, zumindest nicht genau. Wir hatten im Herbst 2016 mit der zuständigen Jury ein ausführliches Hearing, in dem wir unser Vierjahreskonzept vorgestellt haben, haben aber danach bis zum heutigen Tag nichts mehr von ihnen gehört. Die Nachricht, dass wir keine Konzeptförderung erhalten, hat uns sehr unerwartet getroffen. Ein offener Brief wurde auch von prominenten Unterstützern der Wiener Wortstätten wie Elfriede Jelinek, Ulrich Seidl oder Martin Kušej unterschrieben. Hat dieser Aufruf etwas in Ihrem Sinn bewirkt? Ja, absolut. Erstens hat uns die prominente und breite Unterstützung sehr gefreut, weil sie zeigt, dass unsere Arbeit von vielen Menschen im deutschsprachigen Theaterraum und darüber hinaus geschätzt wird. Zweitens hat uns dieser Brief die Tür zu weiteren Gesprächen mit...

Erst streicht die Stadt dem Autorentheaterprojekt Wiener Wortstätten die Förderung – dann droht ein EU-Projekt zu platzen. Mitgründer Bernhard Studlar im Gespräch

Zum Leben zu wenig, zum Sterben zu viel

Meine Wohnung in Moskau ist eine sowjetische Zeitkapsel. Hier hängt noch ein Lenin-Abzeichen an der Wand, gleich neben dem Fernseher und einer dieser riesigen Hi-Fi-Anlagen, die wie ein Plastikberg aussehen: ein Altar der neunziger Jahre. Die Badewanne leckt, und die Heizung wird erst im Dezember vom zentralen Heizwerk in Betrieb genommen. Der Blick aus dem Fenster könnte zu dieser Welt von damals kaum ein größerer Kontrast sein: Ich lebe an den Patriarchenteichen, in einer der gentrifiziertesten Gegenden Moskaus. Hier begann Bulgakows Teufel aus „Meister und Margarita“ seinen melancholischen Besuch in der damals sozialistischen Stadt. „Aber haben sich die Menschen auch innerlich verändert?“, fragte er rhetorisch bei seiner Begegnung mit den Neuen Menschen des sowjetischen Regimes. Heute gehören die postsowjetischen Kontraste der neunziger Jahre der Vergangenheit an. Es gibt in diesem Viertel keine Pelzmäntel, keinen Wodka in der Metro, keine Obdachlosen, keine Streunerkatzen – alles glänzt wie die Straßen, die jede Nacht aufwendig von Zisternenautos mit weißrussischen Kennzeichen gespült werden. Startups, Givenchy und ein nuanciert deregulierter Taximarkt – alle sichtbaren Zeichen sowjetischer und früher postsowjetischer Ökonomie sind beseitigt. Doch ausgerechnet die Theaterwelt erwies sich als eine für die neoliberale Politik und Vetternwirtschaft schwer zu knackende Nuss. Moskau hat heute an die...

Das russische Theater im Räderwerk der Macht – eine Reportage aus Moskau

Russland, was willst du von mir?

Während der Finanzkrise begab es sich in Griechenland, dass spielende Kinder in einer Ruine ein großes Bündel Geldscheine fanden. Was taten sie? Natürlich, sie zerrissen die Scheine. Mit Gespür für die Symbolik der Szene kann man darin einen Akt der Entfetischisierung sehen; daher wurde sie zur Grundidee der Adaption des Romans „Cosmopolis“ von Don DeLillo – der letzten Inszenierung von Johan Simons während seiner Intendanz der Ruhrtriennale. Bettina Pommer hat einen Teil der gigantischen Bochumer Jahrhunderthalle in einen Spielplatz verwandelt – die Zuschauertribüne steht im Querschiff. Die vier Schauspieler tragen kurze Hosen, sie wippen oder buddeln in der Sandkiste. Denn Eric Packer, DeLillos Protagonist, tut als Spekulant im Endeffekt nichts anderes als jene unschuldigen griechischen Kinder: Er fetischisiert das Geld nicht, sondern, im Gegenteil, er vernichtet es – egal, ob es sich um das „alte Geld“ seiner Frau oder um das durch Spekulationen erworbene „neue Geld“ handelt: Am Schluss ist nichts übrig. Die weiße Stretchlimousine, mit welcher der Romanheld sich durch New York kutschieren lässt, verliert sich als Modellauto in der Weite der Bühne, ein Symbol der Einsamkeit und der Resignation. Johan Simons berichtet, er habe den Roman, den sein Dramaturg Koen Tachelet ihm vorschlug, nicht geliebt. Zu kalt, zu...

Zum Abschluss der Ruhrtriennale unter der Leitung von Johan Simons

Cosmopolis zwischen Rhein und Ruhr

„Musik ist für mich wie das Atmen“

Programmieren auf der Probe?

Wladimir Putin – eine Figur von Dostojewski?

Deutsches Theater Berlin: Moral und Ästhetik in Zeiten des Kriegs

Ismael Ivo, Sie haben Anfang des Jahres die Intendanz des Balé da Cidade de São Paulo im Theatro Municipal übernommen. Das ist die größte Tanzkompanie Lateinamerikas in einem der eindrucksvollsten und wichtigsten Theater des Landes. Berufen hat Sie der Bürgermeister João Doria Júnior, ein Sozialdemokrat, der sein Amt am 1. Januar 2017 angetreten hat. Diese zügige Entscheidung ist Ausdruck für einen Politikwechsel in Brasilien, der auch die Kultur betrifft. Die Menschen in Brasilien sind konfrontiert mit einem Netzwerk der Korruption von unvorstellbarem Ausmaß. Die Präsidentin Dilma Rousseff ist ihres Amtes enthoben worden, gegen ihren Nachfolger Michel Temer ermittelt die Staatsanwaltschaft. Auch die Leitungsebenen in den Kulturinstitutionen sind von diesem Korruptionsskandal betroffen. Wie beschreiben Sie Ihre Berufung zum neuen Intendanten in Bezug auf diese gewaltige politische Herausforderung? Ich möchte mich auf die amerikanische Schriftstellerin Toni Morrison beziehen, die sagt, dass in schwierigen Umbruchszeiten die Künstler in den Vordergrund treten, wenn es darum geht, eine Perspektive für die Zukunft zu entwickeln. Ich war gerade dabei, eine Intendanz an der Göteborger Oper zu übernehmen, als ich die Einladung von Bürgermeister João Doria Júnior und dem Kultursekretär André Sturm aus São Paulo erhielt. Ich habe mich für diese Position am Opernhaus von São Paulo...

Der Tänzer, Choreograf und Intendant des Balé da Cidade de São Paulo Ismael Ivo über die Herausforderungen für eine neue brasilianische Tanzkunst in einer zerrissenen Stadt im Gespräch

Kannibale des Opernhauses

Theater Bremen: Ästhetisches Manifest des Miteinanders 

Joan kann sich nirgendwo verstecken. Der leere Raum, den die Ausstatterin Rebekka Zimlich aus drei schiefergrauen Wänden erschaffen hat, bietet ihr keinerlei Schutz. Also drückt sich das Mädchen im lachsfarbenen Shirt an eine der Wände, möglichst weit weg von der einen Tür, durch die Harper den Raum betritt. Joan weiß nicht, was sie von ihrer Tante zu erwarten hat, und das macht ihr Angst. Dabei beginnt das Gespräch zwischen ihnen ganz harmlos. Harper erinnert sie nur daran, dass es schon sehr spät und die Zeit gekommen sei, endlich schlafen zu gehen. Aber Joan kann nicht schlafen. Das, was sie gerade draußen vor dem Haus beobachtet hat, lässt ihr keine Ruhe. Ihr Onkel hat anscheinend mehrere Menschen, die in einem Lkw gebracht wurden, geschlagen und misshandelt. Doch das kommt erst nach und nach heraus. Mit ihren Offenbarungen bringt sie Harper aus dem Konzept. Sie hat zwar für alles, was Joan gesehen hat, Erklärungen. Nur klingen die immer absurder. Das Mädchen aber will ihrer Tante glauben und bietet ihr schließlich sogar an, die Spuren der Gewalt zu tilgen. Vieles bleibt im Dunkeln in der ersten Szene von Caryl Churchills „In weiter Ferne“. Dem Publikum geht es ebenso wie Joan. Ihm fehlt der...

Theater Paderborn: „In weiter Ferne“ von Caryl Churchill. Regie Robert Teufel, Ausstattung Rebekka Zimlich

Paderborn: Dreimal Tod

Glanz oder Harnisch: Das Laboratorium

Die Erde ist eine Scheibe. Schräg steht sie auf der Bühne des Basler Theaters, wobei der Neigungswinkel veränderlich ist. Im Extremfall stellt sich dieses Riesenfrisbee auf zur Steilwand. Dabei dreht es sich fortwährend um die eigene Achse. Immerzu. Immerzu! Wieder einmal hat Regisseur Ulrich Rasche, der auch sein eigener Bühnenbildner ist, seine Akteure in Dauerbewegung versetzt. In „Dantons Tod“ am Schauspiel Frankfurt ließ er sie über rotierende Walzen laufen. Bei seinem München-Debüt am Residenztheater marschierten Schillers Räuber auf gigantischen Förderbändern. Die Inszenierung wurde zum diesjährigen Theatertreffen eingeladen, konnte dort aber nicht gezeigt werden, weil sich – außer der durchs Castorf-Finale blockierten Volksbühne – kein Berliner Theater fand, das die kolossale Kulisse technisch hätte bewältigen können. Die Basler Weltscheibe ist weniger wuchtig, keineswegs aber weniger eindrücklich – ein ebenso düsteres wie zwingendes Sinnbild für eine sich sinnfrei drehende Welt, bevölkert von einer auf der Stelle tretenden Menschheit. Woyzeck ist eine prekäre Existenz, ein einfacher Soldat, der sich mit Nebenjobs über Wasser hält und zum Mörder seiner Geliebten wird, als die mit einem feschen Tambourmajor durchbrennt. Büchners Stückfragment wird daher gern als erstes Sozialdrama der Theatergeschichte bezeichnet. Das stimmt – und greift doch zu kurz. Büchner war zwar ein politischer Kopf und...

Theater Basel: „Woyzeck“ von Georg Büchner. Regie und Bühne Ulrich Rasche, Kostüme Sara Schwartz

Basel: Die unendlich einsamen Weiten

Die Erfindung des Theaters aus dem Geist der Malerei

Ursina Lardi, Milo Rau, Sie haben an der Berliner Schaubühne das Stück „Lenin“ zur Aufführung gebracht. Was hat Sie zum Thema der Oktoberrevolution und des berühmten Theoretikers und Anführers der Bolschewiki gebracht? Milo Rau: Das Interesse an dem Thema begleitet mich seit meiner Jugend. Mein Vater war Trotzkist, er gab mir schon sehr früh Bücher über Trotzki, Lenin und die Oktoberrevolution zu lesen. Aber auch über Stalin und den Übergang in die Bürokratie, der das Ende der Revolution bedeutete. Das hat mich immer sehr interessiert. Als der 100. Jahrestag der Oktoberrevolution näher rückte, vor ungefähr zwei Jahren, als wir an „Mitleid. Die Geschichte des Maschinengewehrs“ arbeiteten, sagten Ursina Lardi und ich – zunächst im Scherz –, dass wir doch ein Stück über die Revolution machen sollten, in dem sie Lenin spielt. Dann wurde es vor einigen Monaten ernst, und wir begannen gemeinsam mit einem Spezialisten, dem Ensemble und den Dramaturgen mit den Recherchen, von der Vorgeschichte der Revolution über das Jahr 1917 bis zum Bürgerkrieg. Wir merkten dann, dass wir für die Umsetzung einen begrenzten Ort mit einem beschränkten Figurenpersonal und einer bestimmten Atmosphäre brauchen würden. Ursina Lardi: Schnell kamen wir darauf, das Stück in den letzten Monaten von Lenins...

Die Schauspielerin Ursina Lardi und der Regisseur Milo Rau über ihr Stück „Lenin“, das Jahr 1917 und den Sturm auf den Berliner Reichstag im Gespräch mit Jakob Hayner

Die erstarrte Revolution

Der Verrofonspieler Philipp Marguerre schreitet über die Bühne zu einem Kleiderkoffer, aus dem er einzelne Kostüme hinter den Vorhang reicht. Zurück an seinem Instrument, bringt er vorsichtig Glas und Wasser zum Klingen. Der Vorhang hebt sich, und ein versprengter Chor kommt zum Vorschein. Das Bühnenbild gleicht der grüngrauen Tristesse einsamer Bahnhöfe. So beginnt die Inszenierung von Ödön von Horváths „Kasimir und Karoline“ in der Regie von Enrico Lübbe am Schauspiel Leipzig zum 85. Jubiläum der Uraufführung, die ebenfalls in Leipzig stattfand. Bei Horváth spielt sich das dramatische Volksstück zwischen Kasimir und Karoline noch auf dem Oktoberfest ab, welches als Spektakel mittelständischer Vergnügung die Protagonisten auseinanderzerrt. In fragmentierten Begegnungen durchleben die beiden ihre Trennung, ihre Entzweiung spiegelt sich auch in den Handlungssträngen: Kasimir stellt Karoline noch eine Weile eifersüchtig nach, bis er von dem halbkriminellen Paar Merkl Franz und Erna in illegale Umtriebe gelockt wird. Karoline wiederum lässt sich vom zwielichtigen Zuschneider Schürzinger bezirzen, bändelt in Hoffnung auf eine bessere Stellung mit den Altherren Speer und Rauch an, durchwandert Abnormitätenschau und Hippodrom samt Pferderitt. Am Ende finden sich die Figuren in einer neuen Ordnung wieder: Kasimir geht mit Erna, Karoline mit Schürzinger. Dabei kommt es nicht zum Happy End, lediglich zu...

Schauspiel Leipzig: „Kasimir und Karoline“ von Ödön von Horváth. Regie Enrico Lübbe, Bühne Hugo Gretler, Kostüme Bianca Deigner

Leipzig: Vorhölle Bahnhofshalle

Bezahlt wird man für das, was man nicht schreibt, erinnerte mich Mark Lammert vor dem Sommer. Er hat recht, sage ich nach dem Sommer, ich habe jede Menge nicht geschrieben. Dies jetzt in einer Kolumne nachzuholen ist natürlich ein Ding der Unmöglichkeit, ich weiß zudem, kaum würde ich etwas doch schreiben, würde ich sofort nach seinem Aktualitätswert gefragt. Zum Beispiel, was der Aktualitätswert der Unheimlichkeit sei, die meinem letzten Stück zugrunde liegt. „Ja, wo liegt die Gegenwart hier begraben?“, antworte ich auch schon brav. „Erzählen Sie mir etwas über die besonders gegenwärtigen Ängste Ihrer Figuren!“, kommt allerdings gleich danach, und: „Was unterscheidet sie von anderen Zeiten?“ Ständig klauben Kritiker die Gegenwärtigkeiten aus den Stücken, führen Aktualisierungsprüfungen durch, und ebenso ständig bleibe ich folgsam auf dieser Spur, denn Inszenierungen, so viel weiß man, verhalten sich stets zu ihrer Zeit, ja, müssen sich zu ihr verhalten, und dieses Verhältnis muss danach überprüft werden. Und ja, was sind das auch für Zeiten, in denen wir leben! Es liegt vermutlich nicht an der Theaterkritik, dass sie sich mit dieser Perspektive mehr einer Katastrophendramaturgie zuwendet als unserer vermeintlichen Gegenwart, sondern an ebendieser Gegenwart. Mit Herausforderungen spart sie wahrlich nicht. Vielleicht aber ist es auch der...

Auf der Wiederholungsspur

Farce und Tragödie

Was macht das Theater, Chiaki Soma?

Das Essener Grillo-Theater befindet sich im Zentrum der Stadt und damit auf einer Achse, an der sich die sozialen Verhältnisse scheiden: Im Süden wohnt das (eher wohlhabende) Bürgertum, und im Norden wohnen die Arbeiter und Prekären. Die A 40 teilt die beiden Hälften, die kaum je zueinanderfinden – es sei denn, tatsächlich, im Theater. Es wurde von dem Architekten Heinrich Seeling entworfen und 1892 – dank einer Stiftung des Unternehmers Friedrich Grillo – eröffnet. Nach Augsburg ist es das zweitälteste nichtfeudale Theater Deutschlands, ursprünglich ein Privattheater, die öffentliche Hand beteiligte sich erst später. Zuvor noch musste, nach dem Tod Grillos, Friedrich Alfred Krupp einspringen, der selbst nie ins Theater ging. Dass aber die Arbeiter aus dem Essener Norden das Haus zwecks ihrer moralischen Erbauung eifrig besuchten, darauf legten diese Mäzene durchaus Wert. Etwa die Hälfte des Zuschauerraums (natürlich die hintere) war für Proletarier reserviert; in den Foyers allerdings durften Bürgertum und Arbeiter einander nicht begegnen. Man kann das noch auf den schönen Fotografien aus den fünfziger Jahren sehen, die anlässlich des Jubiläums in den Foyers und im Treppenhaus hängen: Herren im Smoking sind ganz unter sich. Christian Tombeil, der Intendant des heutigen Schauspiels Essen, dessen Hauptspielstätte das Grillo-Theater bildet, hat...

Das Grillo-Theater in Essen wird 125 Jahre alt und feiert sich als Begegnungsort von Bürgertum und Arbeiterklasse

Wo die Herrin sich um die Dienstmagd dreht

Serie: Blickwechsel #03

Volkstheater Wien: Oh mein Gott. Es ist komisch 

Der Anti-Katastrophenfilm

Ein Mann in allen Medien

Berlin: Kim de l’Horizon erhält den Hermann-Sudermann-Preis 

Was macht das Theater, Christiane Schneider?

All die schönen Menschen

Hessisches Landestheater Marburg: Ein Computerspiel auf der Bühne

„Es geht um magische Momente“

I do you!

Im deutschen Theaterbetrieb geben zweifelsohne die großen Spielstätten den Ton an. München, Hamburg, Berlin. Und im erweiterten Kreis des Sprachraums nicht zu vergessen Wien und vielleicht noch Zürich. Diese Häuser verfügen über reichlich Kapazitäten. Wer da nicht mithalten kann, muss durch Innovation überzeugen – kein leichtes Unterfangen für die Off-Szene, die kreativ sein muss, ohne über die dafür nötigen Ressourcen zu verfügen. Dass sich die hehre Herausforderung trotzdem meistern lässt, zeigte just das Mannheimer Festival Wunder der Prärie. Da die Diskussion über die Spaltung der Gesellschaft mehr und mehr die Politik bestimmt, fragen verschiedene Inszenierungen nach der Entstehung von Gruppendynamiken und sozialen Praktiken. Detailreich und präzise lotet Andreas Liebmann in seiner Ein-Mann-Show „Wir – ein Solo“ die psychologischen Prozesse um Kollektivierung und Individuierung aus, indem er vor den Augen der Zuschauer ein fiktives Ensemble dirigiert. Nicht sichtbare Akteure sollen mal ein Hund, mal eine Maschine sein, manche sollen nach vorne stürmen und ein lautes „Ja“ oder „Nein“ rufen. Sukzessive wird dabei deutlich: Jede Gemeinschaft braucht einen Widerpart. Die Ingroup setzt das Vorhandensein einer Outgroup voraus. „Immer an den Unterschieden arbeiten“, auch wenn diese bloß imaginiert sind, lautet das zwiespältige Credo von Liebmanns multipler Kunstfigur, die anschaulich gängige Ausgrenzungsmuster und deren...

Das Festival Wunder der Prärie in Mannheim zeigt die geballte Innovationskraft der Off-Szene

Mein Feindbild und ich

Leonhard-Frank-Stipendium zur Förderung zeitgenössischer Dramatik geht an Elisabeth Pape

Als am 15. Juni 1907 die 256 Delegierten aus 42 Ländern auf der zweiten internationalen Friedenskonferenz in Den Haag mit blank gewichsten Stiefeln über die weißen Marmorböden des Friedenspalasts klackerten, ahnten wohl selbst diese Männer nicht, dass sieben Jahre und 13 Tage später der Thronfolger der ungarisch-österreichischen Monarchie Franz Ferdinand mit einem Neun-Millimeter-Projektil im Hals tot in einem Auto in Sarajevo liegen würde. Ein Ereignis, das kurz darauf den Ersten Weltkrieg auslöste – doch noch redete man in Den Haag über den Frieden. Die Gespräche fanden im Rittersaal des Palasts statt, in einer Stadt, die einst Jagdsitz der niederländischen Könige gewesen war. Im Rittersaal der Burg in Worms mag Jahrhunderte zuvor ein ähnlicher Scheinfriede in der Luft gelegen haben. Burgunderkönig Gunther (Nils Thorben Bartling) hat sich erwartungsvoll schon mal den schwarzen Lederhandschuh übergestreift, der ihn als Schützen für ein kommendes Bogenschießen ausweist, und auch die anderen Mitglieder seines Hofstaats sehen in ihren Trachten, Gamsbarthüten und Militarywesten aus, als ginge es gleich los. Blöderweise ist Sonntag und die Jagd damit verboten. Was also tun? „Erzähl uns was. Der Tag wird sonst zu lang“, fordert Gunther seinen Staatschef Hagen Tronje auf. Eine, wie sich bald herausstellt, recht unheilvolle Idee. Hagen Tronje (Enrico...

Neues Theater: „Die Nibelungen“ von Friedrich Hebbel. Regie Matthias Brenner, Ausstattung Nicolaus-Johannes Heyse

Halle: Krieg und Frieden

(Fast) alles neu bei Theater der Zeit

Leidenschaftlich zeitgenössisch

Was macht das Theater, Johanna M. Keller?

Aalto-Musiktheater Essen: Der Mensch ist gar nicht gut 

Neue Perspektiven auf etwas sehr Bekanntes

Skizzen und Bühne von Ezio Toffolutti zu Heiner Müllers „Zement“ in der Regie von Dimiter Gotscheff

Systemcheck

Der erste Eindruck hat die Wucht eines Schlags: Dieses Grau! Was ist das? Der trockene Schlamm von gestern, der Zementstaub von heute oder bereits die Patina von morgen? Gewiss ist es die bleierne Farbe des Todes von gestern, heute und morgen zugleich: die Gewalt der Geschichte, die sich in heroischen Momenten für eine Revolution hält. Alles wird neu?! Als Dimiter Gotscheff im Mai 2013 am Münchner Residenztheater Heiner Müllers „Zement“ inszenierte (es wurde seine letzte Inszenierung, er starb im Herbst desselben Jahres), holte er sich als Bühnen- und Kostümbildner Ezio Toffolutti dazu, einen alten Bekannten aus Benno-Besson-Zeiten. Toffolutti, 1944 in Venedig geboren, wo er heute wieder lebt, kam Anfang der siebziger Jahre nach Ostberlin an Bessons Volksbühne, wo dieser gerade mit seinen Spektakeln für Furore sorgte. 1973 war der letzte liberale Moment der DDR-Geschichte, man feierte die 10. Weltfestspiele der Jugend und gab sich weltoffen. Tatsächlich ging die von Künstlern als bleiern empfundene Ulbricht-Zeit mit dessen Tod zum Höhepunkt der wilden Party tatsächlich zu Ende. Was für ein Symbol! Ein Moment lang herrschte wieder Hoffnung, wollte man an die Utopie vom Sozialismus mit menschlichem Antlitz in der DDR glauben. Auch Toffolutti wollte das. Er war Mitte zwanzig und Kommunist, das...

Wie der Maler, Bühnen- und Kostümbildner Ezio Toffolutti zu Heiner Müllers „Zement“ Bilder der Revolution und der begrabenen Träume geschaffen hat

Blutspur der Geschichte

Sich der Gewalt zuneigen

Ein Ensemble als Band

Kommt man durch die Portalöffnung des Sockelgeschosses in das mit grünem Stuckmarmor ausgeschlagene Vestibül, fällt einem nur eine Veränderung auf: die Porträtbüste des Erbauers dieses ersten freistehenden Opernhauses der Theatergeschichte, Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff, ist verschwunden. Sein vierter Nachfolger, Richard Paulick, der Architekt des Wiederaufbaus der fünfziger Jahre, hatte sie an den Scheitelpunkt des Parkettumgangs gestellt, wer mag sie an sich genommen haben? War es der Architekt der Fundamentalerneuerung dieses 275 Jahre alten Baus, der Stuttgarter HG (Hans Günter) Merz, dessen besondere Befähigung für das schwierige „Bauen im Denkmal“ sich in Berlin vor 16 Jahren bei der Sanierung der Alten Nationalgalerie gezeigt hatte? Oder ist die Büste an Daniel Barenboim gekommen, dem es gelang, dem alten Zuschauerraum durch Klaus Wowereit eine fünf Meter hohe und 3000 Kubikmeter umfassende Deckenanhebung aufzuerlegen, die den Nachhall auf 1,6 Sekunden vergrößern sollte? In der ersten Fassung der Wettbewerbsausschreibung von 2008 war es hinter vorgehaltener Hand auf die Vernichtung der Paulick’schen Innenarchitektur angelegt gewesen, die, wie das Ganze des Hauses, als ein theaterarchitektonisches Gesamtkunstwerk von exemplarischer Bedeutung unter striktem Denkmalschutz stand. Jörg Haspel und Frank Schmitz haben die Gründe dafür im Juli 2008 in einem TdZ-Sonderheft „Sanieren oder demolieren? Berlins Opernalternative“ dargelegt, das mit seinen...

Berlin hat sein zentrales Opernhaus wieder

Die neue Lindenoper

November 2017

Premieren

Bei der Berliner Premiere von „67/871“ im Theater unterm Dach war eine Gruppe von „Blokadisti“ anwesend, ältere Damen und Herren jenseits der achtzig Jahre in Sonntagskleidung. Sie haben die 871 Tage währende Blockade Leningrads während des Zweiten Weltkriegs als Kinder erlebt und sind als Überlebende auch im Ausland lange schon organisiert. Was dieser Verein jenseits seiner betagten Mitglieder darstellt, ist kaum zu ermessen. Ihr Kindheitstrauma, die von der Deutschen Wehrmacht für eine Millionenstadt kalkulierte Hungerhölle, ist eines der brutalsten Kriegsverbrechen des 20. Jahrhunderts. In Deutschland ist das trotz fortwährender Aufarbeitungskultur in der Breite zu wenig bekannt. In Russland dagegen rangiert die heldenhafte Verteidigung Leningrads gleich neben dem den Krieg wendenden Sieg in Stalingrad. Für die Berliner Blokadisti ist ein deutschrussisches Theaterprojekt zu diesem Thema vielleicht auch deshalb eine Herausforderung, weil sie sich kaum darauf einstellen können, was ihr deutscher Sitznachbar weiß oder empfindet. Sind die seinerzeit dokumentierten Fälle von Kannibalismus Schmach des Heldentums oder Pein der Überlebenden und gleichsam Schmälerung der Schuld im Land der Nachkommen der Wehrmachtssoldaten? Wie groß ist das Gewicht von einzelnen Augenzeugen im Verhältnis zur Darstellung des Ganzen? Militärisch, menschlich – und im Theater? Am Ende dankt ein Vertreter der Blokadisti wie für eine ehrenvolle Feierstunde...

Das Stück „67/871“ vom Sankt Petersburger Teatr Pokoleniy über die Leningrader Blockade

Die vergessene Hungerhölle

Berliner Ensemble: Unmittelbare Trägerschaft des Landes Berlin angestrebt

Das russische Revolutionsjubiläum steht vor der Tür, und die 68er-Bewegung feiert bald ihren runden Geburtstag. Doch die Feierstimmung innerhalb linker Kreise ist angesichts der nationalistischen und rechtspopulistischen Rollbacks getrübt. Das Buch „Beziehungsweise Revolution“ der Autorin und Künstlerin Bini Adamczak steckt voller Ansätze, wie die aktuelle Schockstarre zu lockern wäre. Anstatt als Reaktion auf die Wahlen der angry white men kurzerhand die alten Haupt- und Nebenwidersprüche hervorzuzaubern, schlägt Adamczak vor, kommunistische Anliegen mit den Interventionen der 68er, der LGBT-Bewegung sowie Queer- und poststrukturalistischer Theorie zu verbinden. Wenn es dabei auch um die Rekonstruktion eines „kommunistischen Begehrens“ geht, bewegt sie sich näher am Pop als am Populismus. Bini Adamczak, deren Buch „Kommunismus“ (Unrast 2004) in der dieses Jahr erschienenen englischen Übersetzung einen regelrechten Shitstorm auf Breitbart und Co. hervorrief, widmet sich in „Beziehungsweise Revolution“ einer Relektüre der Russischen Revolution sowie der 68er-Bewegung. Wie in ihren beiden vorangegangenen Büchern geht es auch hier um die Untersuchung politischer Affekte zwischen kommunistischer Trauerarbeit und der Hoffnung auf solidarischere Beziehungsweisen. Spielerisch unterläuft Adamczak dabei die allzu einfachen Lesarten der Oktoberrevolution, der Revolutionswelle von ’68 und von Revolutionen überhaupt. Hinter dem geglätteten Bild des entscheidenden Moments und der Fixierung auf einzelne Akteurinnen und Akteure, hinter dem männlich...

Bini Adamczak: Beziehungsweise Revolution. 1917, 1968 und kommende. edition suhrkamp, Berlin 2017, 320 S., 18 EUR.

Rekonstruktion revolutionärer Begehren

Die Geschwister Ines und Mayo haben ein richtig gutes Leben: Sie müssen nicht arbeiten, weil ihre Eltern ihnen Geld zustecken. Deshalb können sie den ganzen Tag in einem Café, dem Palace de la République, rumsitzen und philosophische Phrasendrescherei betreiben. Sie haben zu allem eine Meinung, sprechen über Politik genauso interessiert wie über vorzüglichen Kaffee und stehen auf den Hipster-Bohemian-Look, bei dem einfach gar nichts zusammenpasst (Kostüme Svenja Gassen) und bei dem Mann sich auch gern mal einen Karl-Marx-Bart frisiert – um auszudrücken, dass er alles gelesen und total verstanden hat. Sie reden sich blitzschnell in Rage und versöhnen sich wieder. Diese Streitmomente sind die Highlights ihres trostlosen Lebens, welches sich zwischen dem Bistro an der Ecke und der gemeinsamen Wohnung ohne Schlafzimmer und ohne Türen abspielt (Bühne Maximilian Siebenhaar). In stetiger Sehnsucht nach aufregenden Abenteuern lernen sie Thomas kennen und laden ihn prompt ein, in die geschwisterliche Wohnung einzuziehen. Zusammen fühlen sie sich wie Jules, Jim und Catherine und lassen auch sonst keine Gelegenheit aus, ihre überromantisierte Affinität zu allem, was französisch ist, kundzutun. Die von Regisseur und Autor Jan Koslowski stark überzeichneten Figuren wirken ohnehin, als wären sie direkt aus einem Cinéma-du-look-Film entsprungen. Ihre überdramatischen Gesten verhalten sich...

Theater Magdeburg: „Hello. It’s me Democracy“ (UA) von Jan Koslowski. Regie Jan Koslowski, Bühne Maximilian Siebenhaar, Kostüme Svenja Gassen

Magdeburg: Die Theorie frisst ihre Kinder

Die eigene Dringlichkeit

Landschaft und Erhabenheit

Neue Dramatik, alte Geschichten, neue Welten

Bildet Allianzen!

Im Hintergrund ein leuchtendes Postkartenmotiv: Seen und Bäume, eine Idylle. So vermarktet sich die Uckermark gern touristisch. Im Vordergrund der Schlamm, den die Zeit hinterlassen hat, inzwischen betonfest. Das Dorf Fürstenfelde ist schon bei Tage nicht schön, wie dann erst bei Nacht? Es ist die Nacht vor jenem Fest, zu dem niemand der Beteiligten etwas Genaues sagen kann. Aber das Annenfest wurde immer schon gefeiert, warum also damit aufhören? Das ist die Szenerie von Saša Stanišics Roman „Vor dem Fest“. Der Blick des 1978 in Bosnien-Herzegowina geborenen Autors, der mit 14 Jahren ins Nachwende-Deutschland kam, gleitet wie im Segelflug über die gängigen Ost-West-Ressentiments hinweg, ist voller Neugierde auf jene Geschichten, die die Provinz nicht gern preisgibt. Ein nächtlicher Reigen der Erinnerung. Gestern und Heute verschwimmen in jener unbestimmten Sehnsucht, die das Leben vorantreibt. Wohin? Ins Morgen oder ins Gestern, in den Tag oder die Nacht? Hier ist es immer beides zugleich: eine taghelle Gespenstergeschichte, ein hochvitaler Totentanz. Martin Nimz beweist in seiner Inszenierung viel Sinn für das Unterschwellige, das Unausgesprochene. Es ist ein Tableau aus lauter Andeutungen geworden, zwischen denen die Regie ein zartes Band fortgesetzt scheuer Annäherung knüpft, aus dem der Abend seine Poesie bezieht. Nähe und Fremdheit zugleich,...

Mecklenburgisches Staatstheater: „Vor dem Fest“ (UA) nach dem Roman von Saša Stanišic. Regie Martin Nimz, Bühne Sebastian Hannak, Kostüme Jutta Kreischer

Schwerin: Tod und Auferstehung

Was kann man tun, damit sich ein ohnehin mäßiges Stück am Ende doch noch gut verkaufen lässt? Am besten, man bläst es auf wie einen Luftballon, der in der vermaledeiten deutschsprachigen Erstaufführung von Pablo Manzis „Wo die Barbaren leben“ ungewollt zu einer Metapher für eine leere Konzeption wird. Zur Aufhübschung soll auch der exotische Spielort beitragen. Denn für das Stück, das dem Titel nach von Kulturlosen und verrohten Wilden erzählt, hat sich das Heidelberger Stadttheater das Tropenhaus des Botanischen Gartens auf dem Universitätsgelände ausgesucht. Barbaren und Dschungel passen eben wie die Faust aufs Auge. Man muss nicht einmal um die Ecke denken, um diese banale Idee zu verstehen. Aber Spaß beiseite. Eigentlich geht es in dem Drama, das bereits im Rahmen des iberoamerikanischen Theaterfestivals „¡Adelante!“ im Frühjahr vom chilenischen Theaterkollektiv Bonobo in der Stadt am Neckar realisiert wurde, um existenzielle Fragen: Wer sind wir und wer die anderen? Wie bilden sich diskursiv Stereotypen des Fremden heraus? Was macht den Feind zum Feind? Auf welche Weise konstituiert sich Identität durch Abgrenzung? Im Zentrum des Textes stehen drei Cousins, die sich nach langer Zeit wieder begegnen. Die Familienzusammenkunft bleibt derweil alles andere als nett. Denn als einer der drei gesteht, am Mord...

Theater Heidelberg: „Wo die Barbaren leben“ (DSE) von Pablo Manzi. Regie und Kostüme Luise Voigt, Bühne Peer Rudolph

Heidelberg: Nationalismus mit Urwaldfeeling

Das Cartoonartige ausloten

Erweiterung des Menschlichen

Ich gehe Tag und Nacht und weiß nicht, wohin

Unsichtbares Komitee: Jetzt. Edition Nautilus Hamburg, 2017, 128 S., 14 EUR.

Die kommende Revolution

Solche Träume haben Folgen

Rufer in der Wüste

Theater im Karton 

Was macht das Theater, Tuğsal Moğul?

Zwischen zwei Realitäten

2017 hat man sich an einiges zu erinnern, und wie immer vergisst man vieles dabei. Vor fünfhundert Jahren hat Martin Luther symbolträchtig seine Thesen buchstäblich an die Tür der Wittenberger Schlosskirche gehämmert; vor fünfzig Jahren starb nicht nur Che Guevara, sondern es trug sich auch eine der wohl entscheidendsten Episoden der Chinesischen Kulturrevolution zu, die Kommune von Schanghai – eine einzigartige Allianz zwischen Arbeitern und der revolutionären Bewegung der Roten Garden, die ein blutiges Ende nahm, und vor einhundert Jahren fand die Russische Revolution statt. Sosehr das Jubiläum der Reformation Anlass zu zahlreichen Festivitäten bot, so selten spielen bei diesen die politischen Komplikationen der Reformation – man denke etwa an Luthers spätere Verdammung der revolutionären Bauernbewegung – eine Rolle; wird überhaupt der Schanghaier Kommune gedacht, so zumeist nur als eines weiteren und weit entfernten dunklen Kapitels der Chinesischen Kulturrevolution, über die das Urteil letztlich immer schon gesprochen ist. Wie steht es aber um das Jubiläum der Russischen Revolution? Zahlreiche Bücher sind erschienen, ihre Verläufe sind wohl bekannt, und noch mehr gilt das für ihre politischen, sozialen und ökonomischen Probleme und geschichtlichen Auswirkungen. Obgleich heute seltener Vergleiche zwischen Stalin und Hitler angeführt werden, um jede Reflexion auf das Jahr 1917 und...

Die rote Revolution

Neuerscheinungen im Verlag