Ruhrtriennale: „West Side Bowie“ ohne Story

Wie Theater sein Publikum bildet

Von Kulturerbe, Ikonen und Ressourcen

13. Juli bis 17. Juli 2026

Blitz, Donner, Antike

Schneisen in die Gegenwart schlagen

Wir gehen rein

Einführung in die szenische Robotik

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

„Alle meine Stücke sind Tragödien – sie werden nur komisch, weil sie unheimlich sind“, schrieb Ödön von Horváth 1932 in der berühmten „Gebrauchsanweisung“ zu seinen Volksstücken. Allerdings hat er kein einziges davon tatsächlich als Tragödie bezeichnet. Dachte man zumindest, bis bei einer Auktion in Berlin ein unbekanntes Stück von ihm auftauchte: „Niemand. Tragödie in sieben Bildern“. Der Titel ist schon allein deshalb passend, weil es so gut wie keine Hinweise auf die Existenz des Textes gab. Nach einem Stück, das keiner kennt, sucht auch: niemand! In der Versenkung verschwunden ist es schon kurz nach seiner Entstehung. Offenbar eine Art Kollateralschaden bei der Pleite des Verlages, dem Horváth den Text anvertraut hatte. Im März 2015 hat die Wienbibliothek das 95-seitige Typoskript ersteigert. Für 11 000 Euro. Ein Schnäppchenpreis für einen Sensationsfund. Bereits vollständig versammelt in „Niemand“ ist die Kleinbürgerklientel, die Horváths Theaterkosmos auch fürderhin bevölkern wird. Schauplatz der Handlung ist ein Mietshaus. In der späten Uraufführung – bald 80 Jahre nach dem Tod des Autors – steht es in Gestalt eines Stiegenhaus-Ungetüms auf der Bühne des Wiener Theaters in der Josefstadt, betongrau und nackt wie ein Rohbau. Im Grunde ist auch „Niemand“ nichts anderes als das: der Rohbau eines klassischen Horváth-Dramas....

Theater in der Josefstadt: „Niemand. Tragödie in sieben Bildern“ (UA) von Ödön von Horváth. Regie Herbert Föttinger, Bühnenbild Walter Vogelweider, Kostüme Birgit Hutter

Wien: Im Rohbau

Der Klebstoff von Benneckenstein

Mittwoch, 24. Juni 2026

Es geht um ein Theater neuen Typs

„Was uns alle bedroht, sind die Angriffe auf Pluralität“

Geplatzte Träume und umkämpfte Kompromisse

„Is my future all in the past?“

Auf neuen Wegen

Bregenzer Festspiele: Scherben ohne Schock

Am Ende wirbt Ortsgruppenleiter Otto Schiendick für moralischen Relativismus: „Und jetzt sind wir alle friedlich vereint im Tod. Die Schurken und die Guten und die, die keines von beidem waren. Wir sind jetzt alle gleich. Alle friedlich zur Ruhe gelegt, als Fußnote in den Geschichtsbüchern.“ Grelles Licht und schriller Sound stören diese Fantasie vom Tod als großen Gleichmacher. Dann das Schlussbild: Alle stehen in Schwimmwesten an der Rampe und schauen ins Publikum. Regisseur Janusz Kica baut für seine Uraufführung von Daniel Kehlmanns „Die Reise der Verlorenen“ am Theater in der Josefstadt ein Grande Finale. Da wird ausdrücklich aufs Symbol gebracht, was 110 Minuten lang Motor der Veranstaltung gewesen war: Dass da eine Parallele besteht, zwischen damals und heute, zwischen der MS St. Louis 1939 und den überfüllten Booten 2018, dass Einreisebeschränkungen, Asylbestimmungen und Seenotrettung über Leben oder Tod entscheiden. Der diesjährige Frank-Schirrmacher-Preisträger Kehlmann („für herausragende Leistungen zum Verständnis des Zeitgeschehens“) arrangiert für sein viertes Theaterstück ein Erzähldrama mit dialogischen Versatzstücken. Die Geschichte basiert auf dem Buch „Voyage of the Damned“ von Gordon Thomas und Max Morgan-Witts aus dem Jahr 1974, welches 1976 in der Regie von Stuart Rosenberg verfilmt wurde. Das Buch wiederum verhandelt die reale Geschichte des Passagierschiffes MS...

Theater in der Josefstadt: „Die Reise der Verlorenen“ (UA) von Daniel Kehlmann. Regie Janusz Kica, Bühne Walter Vogelweider, Kostüme Alfred Mayerhofer

Wien: Friedlich vereint im Tod

Landkulturperle im Odenwald

Sex als Krieg!

Salzburger Festspiele: Die Überflugkraft des Unnützen

Theater des Ungehorsams

Salzburger Festspiele: Die Schlachthöfe der KI

Theater der Welt in Chemnitz: Den Affen spielen, den Menschen sezieren

Radikale Ästhetiken in Zeiten des Rechtsrucks

HAU Berlin: Das Abendmahl der Menschenfresserinnen

Ohne Not und Sachverstand

Die Absicht, eine Mauer zu bauen

Krieg &/vs. Kunst

„Es wird eine Kultur der Veteranen geben“

Freitag, 19. Juni 2026

Was macht das Theater, Daniel Morgenroth?

Festival d’Avignon: Das Böse als Barspektakel

Chemnitzer Stempel

Diversität als Festivaldramaturgie

Der Wald, der nicht vergisst

Haltepunkt – Bushaltestellen im Oderbruch

Wien ist für Thomas Vinterberg eine Stadt mit Suchtpotenzial. Seit er 2010 am Burgtheater „Das Begräbnis“ inszeniert hat (eine Fortsetzung seines Filmerfolgs „Das Fest“), reist er immer wieder gerne an. Im Programmheft zur Uraufführung von „Suff“ in den Kammerspielen des Theaters in der Josefstadt erklärt er nun, dass er jedes Mal, wenn er in Österreich arbeite, erstaunt sei, wie viel dort getrunken werde. Das ist durchaus anerkennend zu verstehen. „Suff“ – wie schon „Das Begräbnis“ und „Die Kommune“ gemeinsam geschrieben mit Vinterbergs inzwischen verstorbenem Drehbuchlehrer Mogens Rukov – ist ein recht ungeniertes Prosit auf den Alkoholkonsum. Zu erleben sind darin vier wohlhabende Wiener Witwen, die sich regelmäßig treffen – nicht zum Kaffeekränzchen, sondern um sich die Kante zu geben. Dabei bleibt das selbstzerstörerische Potenzial ihrer Wein- und Wodkaexzesse weitgehend überschaubar. Trinksucht erscheint hier eher als bewusstes Bekenntnis zum rauschhaften Leben, gesteigert noch durch die Einsicht, dass dieses Leben sich unübersehbar dem Ende zuneigt – weshalb sich die vier Damen wie die letzten Gäste am Kneipentresen verhalten: Kurz vor der Sperrstunde wird noch mal eine Runde Doppelter bestellt; und dann mit dem Glas in der Hand philosophiert, etwa wenn eine der Damen, Irma (Elfriede Schüsseleder), leicht lallend, aber mit der Grandezza...

Theater in der Josefstadt: „Suff“ (UA) von Thomas Vinterberg und Mogens Rukov. Regie Alexandra Liedtke, Bühne Raimund Orfeo Voigt, Kostüme Johanna Lakner

Wien: Wiener Witwen

„Keine Besserung, keine Verschlimmerung“, meint Winnie. Es ist ein weiterer Tag und die Frau versinkt immer mehr im Ehebett: Während im ersten Akt noch ihre Brüste, Schultern und Arme frei bleiben, schaut im zweiten Akt nur noch ihr Kopf heraus. Winnies Mann Willie haust hinter dem Bett. Manchmal hört man sein Schnäuzen, manchmal sagt er ein paar Sätze, meistens aber bleibt er stumm. „Das sind glückliche Tage, wenn es Geräusche gibt“, stellt seine überdreht monologisierende Frau fest, als er eine Art Grunzen von sich gibt. Dementsprechend wenig bewegt sich auf der Bühne, die dem Schlafzimmer einer bürgerlichen Altbauwohnung mit riesigen Flügeltüren nachempfunden ist (Bühne: Julia Schultheis). Lediglich Winnies Hände sind geschäftig, solange sie diese noch bewegen kann. Sie feilt sich die Nägel und sucht in den Tiefen ihrer Handtasche nach „Schätzen und Tröstungen“: Kosmetikartikel, Lupe, Revolver. Samuel Becketts Zweiakter „Glückliche Tage“ spielt eigentlich auf einem Erdhügel. Die Sonne knallt herunter, Winnies Gesicht und Schultern sind bereits verbrannt, nur ein kleiner Sonnenschirm schützt sie vor den gleißenden Strahlen. Auch in Dieter Dorns Inszenierung benutzt Winnie diesen Schutz vor der Sonne, der in einem Moment Feuer fängt. Bloß macht das Requisit im Doppelbett einer überdachten Wohnung nicht allzu viel Sinn. Der Regisseur...

„Glückliche Tage/Herzliches Beileid“ von Samuel Beckett und Georges Feydeau – Regie Dieter Dorn, Bühnenbild Julia Schultheis, Kostüme Monika Staykova, Licht Manfred Grohs 

Theater in der Josefstadt Wien: Unter einer Decke mit Beckett und Feydeau 

Fragile Normalität

Ruhrtriennale: Brustmassage über Gräbern

Theater der Welt & Humboldt-Forum: Schnaps aus Peking, Schrott aus Chemnitz

Dienstag, 23. Juni 2026

Schauspiel Frankfurt: Kanonenfutter, sprich!

Hacken für das Theater

Die Schreie der Opfer in den Kriegen der Welt

Milliardenprojekt mit ungewisser Zukunft

Lausitz Festival: Pathos-Supernova im Hangar

Programmgestaltung im Ausnahmezustand – eine Bestandsaufnahme

Ins Offene der Möglichkeiten

Zwischen Gegenwartsdrang und Festivalmüdigkeit

„Wir bauen an einem Ort der Demokratie“

In unsicheren Zeiten

Jenseits des Schubladendenkens

Bayreuther Festspiele: Friedensboten als Taubenplage

Zirkus

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Buchrezensionen

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Eines langen Tages Reise in die Nacht

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Butterbrot

Altweiberfrühling

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Einmal noch

Sugar - Manche mögen's heiß

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Gespenster

Souvenir

Die Judith von Shimoda

Halpern und Johnson

Ein Klotz am Bein

Sein oder Nichtsein

Ohio - Wieso?!

Moser

John Gabriel Borkmann

Der Gast

Das weite Land

Jedem das Seine

Buddenbrooks

Theater in der Josefstadt

Das Theater in der Josefstadt im 8. Wiener Gemeindebezirk, Josefstadt, ist das älteste bestehende Theater Wiens. Es wird mit Zuschüssen der öffentlichen Hand von einem privaten Rechtsträger geführt.

Theater der Zeit 9/2026

Anika Pages als Frau, die auf die immer gleichen Stereotype und Rollenbilder innerhalb ihrer Ehe zurückgeworfen wird. 

Die Mobilität von Tanz- und Theaterproduktionen wächst: Festivals und Häuser zeigen vermehrt Gastspiele und entwickeln transnationale Koproduktionen. Zugleich wird diese Praxis kritisch hinterfragt. Seit der Covid-19-Pandemie haben hybride Formate zugenommen, Aufführungen verlagerten sich auf den Bildschirm, und neue Strategien entstanden, die ohne Live-Publikum vor Ort funktionieren. Auch im Hinblick auf Klimagerechtigkeit stellt sich die Frage nach verantwortungsvollen Zirkulationsformen. Behinderte Theater- und Tanzschaffende haben schon längst Erfahrungen mit erschwerter Mobilität gemacht und daraus eigene Ästhetiken und Arbeitsweisen entwickelt. Ihre Erfahrungen wurden in den bisherigen Debatten jedoch kaum mitgedacht. Der Sammelband erweitert die Diskussion um Im/Mobilität in den Darstellenden Künsten um eine Disability-Perspektive und versammelt künstlerische Beiträge, Essays und wissenschaftliche Analysen. Auditive Formate, Videos und Zusammenfassungen in Leichter Sprache eröffnen barrierearme Zugänge für ein breiteres Publikum.Der Band erscheint zugleich als MIMOS – Schweizer Jahrbuch Darstellende Künste Nr. 87–2026, herausgegeben von der Schweizerischen Gesellschaft für Theaterkultur (SGTK) mit Unterstützung der Schweizerischen Akademie der Geistes- und Sozialwissenschaften (SAGW). Ein Teil der Auflage enthält eine französischsprachige Broschüre mit Abstracts der Beiträge.

Zugänglichkeit und Verantwortung in den performativen Künsten

Im/Mobile Möglichkeiten

Einzigartige Primärquellen aus einem weitgehend undbekannten Kapitel der DDR-Ballettgeschichte
Erscheint zum 80. Jubiläum der Zeitschrift Theater der Zeit
DDR-Ballett, ostdeutsche Tanzgeschichte und selten aufgeführte Choreografien zwischen 1975 und der späten „Nachwendezeit“: Dieser Band versammelt erstmals wegweisende Rezensionen, Essays und Augenzeugenberichte aus dem Deutschen Tanzarchiv Köln, der seit 1946 bestehenden Zeitschrift Theater der Zeit und aus Tageszeitungen. Ein erfahrener Tanzredakteur, Dietmar Fritzsche, und sein damals junger, heute renommierter Autor, Volkmar Draeger, führen kenntnisreich durch vergessene Bühnenmomente – von Uraufführungen u. a. in Berlin, Dresden, Leipzig bis zu neu inszenierten Werken aus den, wie es offiziell hieß, „befreundeten sozialistischen Ländern“.
Kompakt, fundiert und spannend zeichnet das Buch die Entwicklung des DDR-Balletts nach, beleuchtet künstlerische Höhepunkte, politische Tendenzen, ästhetische Irrwege. Damit bildet das Buch ein unverzichtbares Nachschlagewerk für Tanzwissenschaft, Kulturgeschichte und alle, die ostdeutsche Bühne, Tanzkritik und Ballettgeschichte erkunden möchten.
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Tanz in der DDR von 1975 bis 1997

Die andere Seite

Nino Haratischwili: Fürchtet den Frieden

Die Maiausgabe von „Theater der Zeit“ widmet sich im Schwerpunkt dem Thema Teamintendanzen und fragt, wie kollektive Leitungsmodelle Theaterarbeit, Machtverteilung und Verantwortung verändern. In Interviews und Porträts kommen u. a. Thomas Bockelmann, das Leitungsteam des Nationaltheaters Weimar sowie Inka Neubert und Pascal Wieandt vom Theaterhaus G7 Mannheim zu Wort – was sind die Vorteile einer Teamintendanz? Welche Konflikte gibt es? Ist eine geteilte Intendanz wirklich Machtverteilung oder schafft sie neue Abhängigkeiten? Ergänzt wird der Schwerpunkt durch ein Gespräch mit Schauspielerinnen des Theaters Magdeburg über Probenprozesse in der Teamintendanz, das einen konkreten Blick aus der Ensembleperspektive bietet.
Ergänzt durch Beiträge zu den großen Theaterfestivals im Sommer: die Mülheimer Theatertage, das Theatertreffen, das Schweizer Theatertrffen und: Florentina Holzinger über ihren Auftritt bei der Biennale in Venedig!
Drüber hinaus erinnert die Ausgabe an Peter Zadek und Konstanze Lauterbach und würdigt den verstorbenen Autor und Regisseur Alexander Kluge. Wie immer: Stückabdruck (diesmal Robert Seethalers „Vernissage“), eine Kolumne von Max Glauner und eine Buchkritik zur ersten Biografie von Judith Malina.
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Schwerpunkt Teamintendanzen

Florentina Holzinger in Venedig

Das Juni-Heft von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Horror, das Unheimliche auf der Bühne“ und verbindet ästhetische, kulturpolitische und traumagesellschaftliche Perspektiven. Essays von Joseph Pearson und Hannah von Sass, Stefan Keim und Horrorspezialist Jörg Buttgereit untersuchen das Unheimliche in Schauspiel und Musiktheater – das auch bei den Bayerischen Theatertagen in Form von Stephen Kings „The Shining“ als Oper in Regensburg wieder auftaucht.
Das Magazin verhandelt zudem aktuelle Konflikte um Theaterbauten und Kulturpolitik – exemplarisch am Chemnitzer Schauspielhaus.
Das Stück im Juniheft: Kevin Rittbergers „Wunde Stadt“ verhandelt das Attentat von Magdeburg, flankiert von einem Stückgespräch.
Kolumnen von Mateja Meded („Habitus-Passing“) und Lina Wölfel („Wir gehen nicht rein“) reflektieren Klassenverhältnisse, Diversität und Auswahlmacht im Theaterbetrieb, während Berichte von Festivals und Ausstellungen (u. a. Heidelberger Stückemarkt, Bayerische Theatertage, Bühnenbildklasse Düsseldorf, Brecht-Journal) den Blick auf internationale Szenen und Theatergeschichte erweitern.
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Wie gewinnt ein Textvortrag, obwohl er aus wiederholbaren Zeichen besteht, Bühnenpräsenz? Was kann die heutige Sprechausbildung im Schauspielstudium leisten, um die Studierenden darin zu unterstützen?
Helmut Becker geht diesen zentralen Fragen in seiner Dissertation nach. Basierend auf aktuellen Leiblichkeitskonzepten und einem phänomenologisch orientierten Textbegriff analysiert Becker Möglichkeiten der Texterschließung und Textgestaltung an klassischen Werken von Euripides, Shakespeare, Schiller, Kleist, Kafka, Mann, Camus sowie zeitgenössischen Autoren wie Heißenbüttel, Brinkmann und Gernhardt.
Durch die gezielte Schulung von Atemqualitäten und deren Anwendung am Text entsteht ein neues, tiefgehendes Verständnis von Leiblichkeit. Das Buch zeigt, wie ein solches Leibbewusstsein die Lust am Text, an kraftvoller Bühnenpräsenz und authentischer Textperformanz nachhaltig fördert – und richtet sich an Schauspielstudierende, Bühnenprofis sowie alle, die sich für lebendige Textpräsentation, Stimmtraining und performative Literaturvermittlung begeistern.
Mit zahlreichen Hörbeispielen als Audiofiles begleitend zum Lesen.

Die Leiblichkeit der Texte

Theater in der Josefstadt

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