Hart, aber poetisch

Businessman des Living Theatre

Staatstheater Augsburg: Die Vergartenzwergung des Bösen

Captain Hook fliegt ein

Theaterhaus Jena: Elfriede Jelinek spürt diese Leere – wir auch

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Dominique Horwitz?

Stiller Abbau?

Ruhrfestspiele Recklinghausen/Theater Münster: Ein Krieg führt immer zum nächsten

Black Box und White Cube

Transformation statt Revolte

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Keine Angst vor Trash und Chaos

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Unterwegs mit den Formwandlern

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

Fassungslosigkeit und Hoffnung

„Ein großes Festival muss eine Dynamik entwickeln“

St. Pölten:: Peter-Turrini-Dramatiker*innenstipendium für Paula van Well

Langer Atem beim Netzwerken

Publikumserregung mit Extradimension

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Der Abend im Theater Oberhausen beginnt vielversprechend: In fahlem Mondlicht, zwischen Farnen und Katzengras, spielt eine Band vor dem eisernen Vorhang. In bester „Hamburger Schule“-Manier – leicht unterspannt, aber mit klugen Texten – untermalen vier Musiker um den Sänger Tom Liwa den ­Einlass. „Heut scheint der Mond / über dem Sumpf / so mega blass / als wär’ er ein Fass / als wär’ er zu voll zu früh.“ Seltsam, dieser Mond, und seltsam, diese Atmosphäre: dunkel, aber wenig bedrohlich. Spannungsvoll, aber lässig. Eine Frau (Lise Wolle) und ein Mann (Clemens Dönicke) treten hinter Liwa auf und sprechen als Hauptmann Narraboth und als Page die ersten Zeilen des Abends. Ihre Zungen sind schwerfällig, ihre Kleidung ist abgeranzt, sie trinken Dosenbier. Sie sprechen über den Mond, der eigentlich eine Frau, eine Mondin sei, und über die Prinzessin Salome. Narraboth ist zutiefst von ihr fasziniert. Er gibt zu, es nicht lassen zu können, sie anzuschauen. Der männliche Blick auf eine junge Frau wird in Oberhausen also von einer Schauspielerin gelenkt. Eine Entscheidung mit viel ungenutztem Potenzial. Als sich der eiserne Vorhang hebt, werden noch mehr wild wuchernde Farne, eine morsche Holztreppe und ein verrosteter Caravan sichtbar: Salomes Königreich ist eine prollige Welt....

Theater Oberhausen: „Salome“ von Oscar Wilde. Regie Stef Lernous, Bühne Sven Van Kuijk, Kostüme Hsin-Hwuei Tseng

Oberhausen: Im Sumpf der Genderdebatte

Dramaturgie des Zweifels

Widerstand und Erinnerung 

Keine Rechnung ohne Restwert 

Weltall, Erde, Mensch

Hybridgemeinschaften?

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Ruhm den Kleinen!

Der Engel vieler Geschichten

Thüringer Befund

Etwas ganz Besonderes sollte es werden, das selbsternannte „beste Festival der Welt“. Besonders offen, besonders divers, besonders blendend. Die Favoriten, das traditionsreichste und größte Festival der freien Theaterszene Nordrhein-Westfalens, hat das Dortmunder Unionsviertel vom 23. September bis 2. Oktober draußen und drinnen bespielt – mit weit über 30 Veranstaltungen an acht verschiedenen Spielstätten. Der Künstlerische Leiter Holger Bergmann und sein Dramaturg Jörg Albrecht haben im Vergleich zur vorherigen Ausgabe fast...

Das Festival Favoriten in Dortmund gibt sich selbstbewusst und erweitert die Grenzen des Theatralen

Milchtüte trifft Shampoo

Festival im Aufwind

Das leidenschaftliche Theatertier

Bodyhorror/Tarantino

Bilder im Takt eines Textes

Auf Augenhöhe

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

»Die Oper ist nicht weniger sinnlich, sondern vielfältiger geworden«

Ästhetische Übereinstimmung, strukturelle Unterschiede

Risiko: Das Salz unseres Lebens

Freiheit des Theater-Erlebens

Berufsbild: Digitaldramaturg

„Den Lohnarbeitern erscheint ihre Arbeit auch nicht mehr als das, was sie ist“

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Die Rache der Königinnen

Wir gehen rein

Die Signatur unserer Zeit

Balkan Brass und Brüche

In Zeiten, in denen das Wort „Kreativwirtschaft“ kaum noch ein Unwort ist und Künstler vermehrt lernen (müssen), sich mit dem Druck des Markts zu arrangieren, ist das Stipendiatenprogramm flausen+ aus Oldenburg eine willkommene Abwechslung. Der Künstlerische Leiter Winfried Wrede hat an seinem freien theater wrede+ ein Konzept erschaffen, das es Theatermachern erlaubt, vier Wochen ohne Ergebnisdruck zu proben, zu forschen, den „Flausen im Kopf“ nachzugehen – und dafür gibt es Geld und freie Logis. Was von den Stipendiaten erwartet wird: auf der Suche zu sein, Neugierde, ein Streben nach Erkenntnis (selbst wenn die am Ende lautet, dass eine Idee auch scheitern kann). Eine Premiere zum Abschluss ist nicht verpflichtend. Am Ende der Stipendiumszeit steht ein sogenanntes Making OFF, das die Gruppen gestalten können, wie es ihnen beliebt. Seit einem ersten Versuch 2011 hat sich das Projekt stetig weiterentwickelt, sodass sich ab 2018 bereits fünf Häuser als Residenztheater an den flausen+ beteiligen werden. Neben dem theater wrede+ sind das der German Stage Service Marburg, das Theaterlabor Bielefeld, das Theater im Ballsaal Bonn sowie das Freie Werkstatt Theater Köln. Seit 2016 gibt es noch eine zweite Säule im Komplex flausen+: das flausen-Festival, bei dem die Künstler die Ergebnisse ihrer Residenzen gegenseitig begutachten...

Auf dem Kölner flausen-Kongress trafen sich Vertreter der freien Szene, um über künstlerische Innovation zu diskutieren

Flausen im Kopf

Sie leben noch (weiter)

Die Grenzen der Freiheit

Episteme, Ästhetiken und das Gedächtnis der Szenografie

Guten Appetit!

Vor Ort und exklusiv

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

In Mülheim an der Ruhr, gelegen im Zentrum des Ruhrgebiets, eingekesselt von Duisburg im Westen, Oberhausen im Norden und Essen im Osten, liegt eines der wichtigsten Produktionszentren für das freie Theater in Nordrhein- Westfalen: der legendäre Ringlokschuppen Ruhr – Partymeile, Veranstaltungshaus, Talentschmiede, Zentrum für widerständige Kunst – der nun 25 Jahre alt geworden ist. Einen beherzten Fußmarsch vom Stadtzentrum entfernt, etwas versteckt in einem malerischen Stadtpark, durch den hin und wieder von einer nahegelegenen Fabrik der Duft von frischem Waffelteig weht, liegt das unter Denkmalschutz stehende bogenförmige Gebäude, das um die vorletzte Jahrhundertwende als Depot für Dampflokomotiven erbaut wurde. Seit einem Vierteljahrhundert ist der Ringlokschuppen Ruhr nun ein Ort für Theater und Tanz, Kultur und Begegnung. Er bietet Künstlerinnen und Künstlern ein Forum und einen Produktionsort. Wie wichtig der liebevoll auch Schuppen genannte Ort für darstellende Kunst jenseits des Mainstreams geworden ist, insbesondere für den künstlerischen Nachwuchs, kann ich vielleicht am besten am eigenen Beispiel veranschaulichen. Denn hier kamen wir Erstsemester der Bochumer Theaterwissenschaft in den nuller Jahren zum ersten Mal mit unbekannten Theatersprachen in Kontakt, die uns maßlos überforderten und unsere Sichtweisen auf das Theater grundlegend erschütterten: René Pollesch, Gob Squad, Monster Truck, um nur einige zu nennen. Darüber...

Der Ringlokschuppen Ruhr in Mülheim – ein Zentrum für zeitgenössisches Theater, Performance und Tanz – feiert sein 25-jähriges Bestehen

Depot für widerständige Kunst

Als sich der eiserne Vorhang im Schauspiel Dortmund hebt, gibt er die Sicht auf eine düstere Welt frei. Zu sehen ist ein Gebäude, ähnlich einer trutzigen Burg, das auf der Drehscheibe steht und hoch in den Bühnenraum hineinragt, rechts und links gesäumt von verdorrten Bäumen. Auf den ersten Blick ist klar: Hier wird eine Welt gezeigt, in der niemals die Sonne scheint. „Der Schrei“ von Edvard Munch trifft Lord Voldemort. Das Publikum kann in das Gemäuer hineinsehen, in Kreuzgang, Schlafraum, Dusche. Nach und nach wird dieser Ort vom Dortmunder Ensemble gefüllt, das in dieser Arbeit von zehn Schauspielschülerinnen und Schauspielschülern aus dem zweiten Jahrgang der Folkwang-Universität unterstützt wird. Sie erscheinen im Nebel auf dem Dach dieses unheimlichen Internats, marschieren im monotonen Gleichschritt durch seine Gänge, treiben den einen, der anders ist, vor sich her. Gekleidet sind sie in Uniformen, offensichtlich von „Moden“ aus der NS-Zeit inspiriert. Annika Lu Hermann, verantwortlich für die Realisierung der Kostüme und die Kostümmalerei, hat unglaubliche Arbeit geleistet: Durch die Massivität der Kleidung nehmen die Darstellenden physisch sehr viel Raum ein, und gleichzeitig wirken sie durch die rohen Pinselstriche auf dem Stoff dem Verschwinden nahe. Es ist kaum möglich, im Ensemble ein bekanntes Gesicht auszumachen, denn...

Theater Dortmund: „Das Internat“ (UA) von Ersan Mondtag. Regie und Ausstattung Ersan Mondtag

Dortmund: Haus des Horrors

Die Unsterblichkeit des Theaters

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Wenn die Unis Trauer tragen

Der Sprachspieler Schiller trotzt der Macht  

Ruhrfestspiele Recklinghausen/THE OFFICE performing arts + film: Humor und Hoffnung in einer zerfallenden Welt

Warum wir Festivals brauchen

Sie kürzen, wir glänzen

Der Schriftsteller George Orwell hat vor nun fast siebzig Jahren dafür gesorgt, dass die Jahreszahl 1984 mit dystopischer Düsternis gleichgesetzt wird. 2005 erschien ein weiterer Roman, der sich mit diesem Jahr auseinandersetzt: „GB 84“ von David Peace. Auch er beschreibt eine Welt voll Ungerechtigkeit, Korruption und Gewalt – allerdings nicht vorausahnend wie Orwell, sondern retrospektiv über die Bergarbeiterstreiks in Großbritannien vom März 1984 bis März 1985. Krimi und Geschichtsbuch in einem schildert er akribisch die Chronologie der Ereignisse dieses Arbeitskampfes, auch mit Blick auf die Einzelschicksale der Menschen. Intendant Peter Carp nahm sich in seiner letzten Spielzeit am Theater Oberhausen den Roman als Vorlage, um sich vom Ruhrgebiet in Richtung Breisgau zu verabschieden, wo er das Theater Freiburg übernehmen wird. Schließlich hat auch der „Pott“ eine Geschichte von Kohle und deren Abbau zu erzählen. Die Inszenierung setzt ein am Vorabend des Streiks: Die Regierung um Premierministerin Margaret Thatcher verwirft den britischen Glaubenssatz, dass Großbritannien stets in der Lage sein sollte, sich mit Kohle selbst zu versorgen. Zechen sollen wegrationalisiert werden, die Wende zu reiner Profitabilität wird eingeläutet. Dass diese Politik auf erbitterten Widerstand stoßen würde, ahnte die amtierende Regierung im Voraus, legte rechtzeitig Vorräte in Kohle und Öl an und...

Theater Oberhausen: „GB 84“ von David Peace. Regie Peter Carp, Bühne Manuela Freigang und Natascha Nouak, Kostüme Gabriele Rupprecht

Oberhausen: United we stand, divided we fall

Ballhaus Ost: Ein Trumm kommt selten allein

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Räume für die Zukunft

Feminismus neu ausrichten

Eines Tages wird die Katastrophe über uns hereinbrechen. Und sie wird gnadenlos, biblisch, apokalyptisch sein. Feuerbälle werden auf uns niederprasseln, niemanden verschonen. Nur jene Anständigen und Rechtschaffenen, die von einem Engel auserwählt werden: Sie werden in letzter Sekunde gerettet. Davon ist die Erzählerin Baganja (Jaëla Carlina Probst) im Stück „Umständliche Rettung“ bedingungslos überzeugt. Mit der Muttermilch hat sie diese Ansicht aufgesogen — hat doch ihre Mutter das Erbe des väterlichen, millionenschweren Unternehmens „Sahur Industry“ ausgeschlagen, um nicht im kapitalistischen Sumpf der fiktiven Stadt Sodiriya unterzugehen. „Scharfsinnig“ nennt Baganja diese vorausschauende Entscheidung ihrer Mutter, die lieber eine zufriedene Hure war, als sich vom stinkenden Moloch verpesten zu lassen. Baganja tritt in ihre Fußstapfen, stets wachsam, damit sie den Engel, der selbstverständlich sie selbst zur Rettung auswählen wird, nicht verpasst. Die Autorin Martina Clavadetscher gewann mit ihrem Stück „Umständliche Rettung“ 2016 die 4. Essener Autorentage „Stück auf“. Nun wurde ihr dichtes und einfallsreiches Werk in der Casa in Essen uraufgeführt. In ihrem Theatertext wechseln sich schnelle, zackige Dialoge und innere Monologe ab. Ihre Sprache ist heutig und direkt, doch immer wieder ergeben sich kleine, poetische Momente. Den größten Redeanteil hat die Figur der Baganja, die als außenstehende Erzählerin und innerer Motor der...

Schauspiel Essen: „Umständliche Rettung“ (UA) von Martina Clavadetscher. Regie Thomas Ladwig, Ausstattung Martina Stoian

Essen: Recht auf Rettung?

Das große Plus an Menschlichkeit

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freie Autorin und Theaterwissenschaftlerin, Dortmund.

Ein theoretisch fundierter, basisdemokratisch entwickelter, knallbunter Theaterabend – „Ourstory“ von KGI.

Obwohl immer wieder beschrieben und prognostiziert wird, dass sich politische Bewegungen weitgehend in die digitalen Medien verlagern, sind die Erwartungen an politisches Theater und Aktionskunst eher noch gestiegen: Theater soll die gesellschaftliche Wirklichkeit nicht nur widerspiegeln oder kritisieren, sondern direkt in die Wirklichkeit intervenieren. Die Grenze zwischen Kunst und Aktivismus wird durchlässiger, woraus sich für das Theater gesteigerte Wirkungsansprüche ergeben. Das Buch fragt nach den Formen und Traditionen einer solchen intervenierenden Theaterpraxis – und danach, was man sich von ihr erhoffen darf. Es geht um ein Theater, das an der Grenze zur direkten Aktion operiert, ohne die Brechungen, Umwege und Indirektheiten theatraler Aufführungen ganz hinter sich lassen zu können.
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Interventionen politischen Theaters

Die Juni-Ausgabe 2025 von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Heimat(en)“ und beleuchtet, wie Kunst und Theater Zugehörigkeit, Identität und Gemeinschaft neu verhandeln. Essays, Interviews und Berichte von Autor:innen wie Dinçer Güçyeter, Luise Voigt und Elisabeth Maier zeigen, wie vielfältig und umstritten der Heimatbegriff heute ist – von postmigrantischen Perspektiven über ostdeutsche Lebensgeschichten bis zu kulinarisch-politischen Performances.
Auf dem Titel: Sandra Hüller und Tom Schneider ­haben am neuen theater in Halle/Saale MarDis „Penthesile:a:s“ (<a href="https://tdz.de/artikel/3856c3b5-e854-4769-8eef-1533bb028485">der Stückabdruck</a>) inszeniert. Im Interview dazu betonen sie die gemeinsame Theaterarbeit, das Ensemble­schaffen – weit weg vom filmbranchenüblichen Starmodellieren eines Wunders. Ist Sandra Hüller trotzdem.
 
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Sandra Hüller und Tom Schneider

Geste des Kollektiven

Lukas Bärfuss

Freude verdoppelt sich, wenn man sie teilt – Geld nicht.

Martin Linzer Theaterpreis 2017

Schauspiel Leipzig

Seit bald 20 Jahren produziert die aus Zypern stammende und in Düsseldorf beheimatete Choreografin Alexandra Waierstall international. Das Buch „And here we meet: Choreography at the edge of time“ bietet erstmals einen umfassenden Einblick in ihr Schaffen. Großformatige Fotostrecken und pointierte Textbeiträge erschließen ihr Werk. Mit Beiträgen von Roberto Fratini, Monica Gillette, Emily Markert, João da Silva, Melanie Suchy und Paraskevi Tektonidou.
Alexandra Waierstalls Arbeiten beeindrucken durch ihre direkte physische Bildsprache, die radikale Präsenz der Tänzer:innen. Sie basieren auf der vitalen zwischenmenschlichen Aushandlung komplexer Beziehungen, die sich in choreografischen Konstellationen, Bildern und Transformationen entfalten. Choreografie wird so zum Mittel der Ermächtigung in der Verkörperung sozialer Verantwortung und zum Ausgangspunkt für Formen von Gemeinschaftlichkeit.
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Alexandra Waierstall

And here we meet: Choreography at the edge of time

Szenografie ist Teil jeder Theaterproduktion: als ­Doing Scenography (Entwerfen von Bühne, Kostüm, Maske, Licht, Video) und als Scenography in Performance. Auch jenseits (gebauter) Bühnen tritt sie heute vielgestaltig auf: das Spektrum reicht von ­Environmental Scenography und urbaner Intervention über inszenierte Räume in Ausstellungen / Museen bis hin zu Szenografien medialer Räume. Inwiefern sie – dergestalt ‚extended‘ und mit ‚weltentwerfendem‘ Potenzial – je als Teildisziplin oder eigenständige Kunst aufzufassen ist, diskutieren die Scenography&amp;Performance Design Studies. In der deutschsprachigen Theaterwissenschaft blieb Szenografie-Forschung bisher eher außen vor.
Das Buch schafft wichtige Anschlüsse: gefragt wird nach Epistemologien ästhetischer Praktiken, weitere Aspekte sind Digitalität, Eco-Design und die soziale Dimension szenografischen Gestaltens.
 
 
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Perspektiven der Szenografie und Performance Design Studies

Bühne

Das Arbeitsbuch widmet sich dem Intendanten und Regisseur Peter Carp. Als Schauspieldirektor in Luzern (2004–2007), als Intendant des Theater Oberhausen (2008–2017) und seit 2017 als Intendant des Theater Freiburg entwickelte er ein Theaterkonzept immer stärker aus, welches auf konsequente Internationalisierung setzte, auf ein Theater als „Weltempfänger“. Kennzeichnend für seine Arbeit war eine ausgeprägte Entdeckerlust, wie er sich generell als Förderer verstand (Simon Stone, Ewelina Marciniak, Amir Reza Koohestani, Yair Sherman, Herbert Fritsch). Das reich illustrierte Arbeitsbuch gibt Auskunft zu verschiedenen Aspekten der Arbeit des Regisseurs und Intendanten Peter Carp und versammelt Zeugnisse seiner Weggefährten.
 
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Weltempfänger in Luzern, Oberhausen und in Freiburg

Peter Carp

Wir machen Theater, jedes Jahr im Sommer. Das gilt für die Burgfestspiele Jagsthausen seit 1950. Als einziges Theater im deutschsprachigen Raum wird hier seit 75 Jahren mit Goethes „Götz von Berlichingen“ Theater an seinem Originalschauplatz gespielt. Mittlerweile sind die Burgfestspiele aber viel mehr als nur „Götz“: Musicals, Kinderstücke, Schauspiele und Musiktheater im weiteren Sinne gehören zum Repertoire. Das Buch bietet Rück-, Ein- und Ausblicke. Es beleuchtet die ersten 50 Jahre im Schnelldurchlauf und konzentriert sich im Schwerpunkt auf die letzten 25 Jahre. Die vier Intendant:innen Jan Aust, Heinz Kreidl, Axel Schneider und Eva Hosemann (seit 2019) haben diese Zeit geprägt. Ihnen werden einzelne Kapitel gewidmet.
Interviews und Anekdoten beschreiben das bekannte Freilichttheater aus einer Vielzahl von Perspektiven. Auf der Bühne und hinter der Bühne sehen wir einen Organismus im ständigen Wandel. Neben einer faszinierenden Bildauswahl informiert dieser Jubiläumsband mit spannenden Inhalten rund um die Burgfestspiele sowie Zahlen und Fakten zu den Produktionen. Es ist ein Jubiläumsbuch der besonderen Art und unternimmt eine Zeitreise durch 75 Jahre Theatergeschichte.
 
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75 Jahre Burgfestspiele Jagsthausen

WIR MACHEN THEATER ... jedes Jahr im Sommer

Das Arbeitsbuch von Theater der Zeit im Juli 2025 widmet sich der zeitgenössischen Schweizer Theaterszene. Es begreift sie als eine Art Landschaft, die es bereist und deren Diversität, Mehrsprachigkeit und Komplexität es aus verschiedenen Perspektiven beschreibt.
Der Fokus liegt auf der Schweiz als mehrsprachigem Theaterort, wo verschiedenste Theater- Ästhetiken, Traditionen und Strukturen auf kleinstem Raum aufeinandertreffen oder nebeneinander bestehen. Welche Entwicklungen zeichnen sich ab im zeitgenössischen Schauspiel, in der Performance, im Theater der Schweiz? Inwiefern bildet die Schweizer Theaterszene die europäische Theaterszene im Kleinen ab? Wie gelingt der mehrsprachige Dialog? Welche Beziehungen bestehen zu den Kulturräumen der Nachbarländer Frankreich, Italien, Deutschland, Österreich und Liechtenstein?
Neben Essays, Berichten und Dialogen kommen auch genuin künstlerische Positionen zu Wort: aus allen Landesteilen, sowohl innerhalb als auch fernab der Metropolen.
Mit freundlicher Unterstützung der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia sowie der Ernst Göhner Stiftung und der Oertli Stiftung.
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landscapes des zeitgenössischen theaters

diversité suisse

Shermin Langhoff über die Dialektik der Migration

Dickicht der Städte

Das internationale figuren.theater.festival in Erlangen, Nürnberg, Fürth und Schwabach gehört zu den renommiertesten Festivals des Genres und ist bekannt für das große ästhetische Spektrum seines Programms. Gegründet 1979, entwickelte es sich rasch zu einer erstklassigen Adresse für Künstler:innen und Veranstalter:innen, ebenso zu einem internationalen wie regionalen Publikumsmagneten. Es spiegelt mit seinen Stammkompagnien, seinen performativen Experimenten, gewagten Präsentationsformaten und oft folgenreichen Begegnungen nicht nur die jeweils aktuellen Bewegungen der Szene, sondern schrieb sich auch selbst in deren Geschichte ein.
Was es bedeuten kann, wenn ein Festival bereit ist, ein Genre immer wieder neu zu (er)finden, wenn Kuratieren auch als kritische Förderung verstanden, Studierenden regelmäßig eine Plattform geboten und eine Region vom Festivalfieber erfasst wird – das beleuchten Beiträge von zahlreichen Beteiligten vor, auf und hinter den Festivalbühnen.
 
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Erlangen Nürnberg Fürth Schwabach

Offen! Das internationale figuren.theater.festival

Lisa Kerlin