Was macht das Theater, Philipp Adlung?

Es war kurz vor Mitternacht, als die Entscheidung fiel: für „Staubfrau“ von Maria Milisavljević. Ausgezeichnet wurde die Autorin mit dem mit 15.000 Euro dotierten Mülheimer Dramatikpreis. Das Votum fiel mit 3:2 Stimmen durchaus knapp aus, die öffentliche Debatte der Jury war spannend und kontrovers in diesem Jubiläumsjahr der 50. Mülheimer Theatertage. Beinahe drei Stunden lang diskutierten die Kulturjournalistin Barbara Behrendt, der Dramaturg und designierte Intendant des Düsseldorfer Schauspielhauses Andreas Karlaganis, der Theaterkritiker Stephan Reuter, die Regisseurin Nora Schlocker und die Schauspielerin Valery Tscheplanowa. Wirklich einig wurden sie sich bis zum Ende nicht. Die einen plädierten für die „Staubfrau“ – für ein „brennendes Thema ¡(Karlaganis) und die „Bildhaftigkeit eines beeindruckenden poetischen Textes“ (Schlocker). Die anderen für Bonn Parks „They Them Okocha“ – für ein Stück über den Gegenwartsmenschen von einer „originären Theaterstimme“ (Behrendt), das „Denkräume erschaffe“ (Tschlepanowa). Stephan Reuter, der als Mitglied des Auswahlgremiums mit auf dem Podium der Mülheimer Stadthalle saß, und sich eigentlich für Lukas Rietzschels Doku-Fiktion aus Interviews über einen rechten Politiker („Das beispielhafte Leben des Samuel W.“) ausgesprochen hatte, wurde zum Zünglein an der Waage. Seine Stimme gab er letztlich Maria Milisavljević (und entschied damit ebenso wie die Zuschauer:innen über den mit 5.000 Euro dotierten Publikumspreis). Die...

Maria Milisavljević gewinnt den Mülheimer Dramatikpreis 2025 – bei der Jurydebatte der 50. Mülheimer Theatertage wurde vor allem über die Form der Stücke diskutiert.

Hart, aber poetisch

Der Clown in uns

Wach auf, Dornröschen!

Mehr als die Miete

Türen auf für alle!

Bühnen voller Männer

Von Kunqu-Oper bis Drohnenfeuerwerk

Aesthetics of Access

Figurentheater zwischen Tradition und Transformation

Heilbronn: Leon Engler gewinnt mit „Wo die Götter kauern wie Hunde“ den internationalen Dramenwettbewerb „Science & Theatre“ 2025

Theater Oberhausen: No King today

Studieren mit Behinderung – (k)ein Privileg

Start des Vorprogramms

Warum sollen Israelis nicht über Fußball sprechen?

Eine Reibung mit der Gegenwart

Unregelmäßigkeiten im Brandschutzsystem

Schauspiel Leipzig: Der Zollstock im Raum 

Was macht das Theater, Daniel Schüßler?

Über Zeitenwenden hinaus

Wer liest noch Dramen? oder: Plädoyer für die Pause

Gesellschaftlich und demokratisch fahrlässig

Tanz ist einfach überall

Zeichnungen halten das Gefühl besser fest

Challenge(d) Bodies

Lieber Tarig, wenn ich ins Theater gehe, habe ich oft das Gefühl, dass ich Kunst sehe, die sich nur um Form dreht oder, dass das, was auf der Bühne erzählt wird, nichts mit meinem Leben zu tun hat. Es sind mehr Thesen als ‚echtes‘ Leben… Ich selbst schreibe Theaterstücke, weil ich Menschen erreichen will. Sie zum Nachdenken bringen oder einfach auch nur zeigen möchte, dass sie mit ihren Sorgen oder in ihrer Lebenssituation nicht alleine sind. Ein Stück habe ich über eine Altenpflegerin geschrieben, weil meine Mutter Altenpflegerin ist und ich den Alltag von Altenpfleg*erinnen noch nie auf einer Bühne gesehen habe. Andere Stücke habe ich mit Jugendlichen entwickelt, damit deren Themen auf die Bühne kommen – und dadurch wahrnehmbar werden. Ich mache mir viele Gedanken darüber, wie Theater ein Ort sein kann, an dem wir uns verstanden und wahrgenommen fühlen, wir alle. Aber geht das überhaupt? Hast du jemals ein Theaterstück gesehen, bei dem du das Gefühl hattest, dass es dich zum Nachdenken gebracht hat oder dir das Gefühl gegeben hat, verstanden zu sein? Oder genereller gefragt, was muss Theater können, damit wir hingehen wollen und nicht lieber zuhause Netflix schauen? Liebe Grüße Maria ✪ ✪ ✪ Liebe Maria,...

Nicht-Verstehen, Lügen und die Erfahrung des Publikums

Herkunftsgeschichten

Was macht das Theater, Fee Aviv Dubois?

Konstruierte Körper

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Buckeln und Treten für die tote Liebe

Maxim Gorki Theater Berlin: Alles Schmus

Im Ozean aus Klang und Licht

Wille zum Glauben

DGS auf der Bühne?!

Theater Ulm: Mit doppeltem Boden?

Das Kerngeschäft im Theater sind Feelings

Theater als hörender Ort

ETA Hoffmann Theater Bamberg: Liftboys und Logbücher

Teufelsgeige

„Wir lassen uns nicht vereinzeln!“

Inklusion versteht sich nicht von selbst

Reflexion fördern

Solidarität und Glitzer

Nationaltheater Mannheim: Wettstreit der Wahrheiten

Wir sind Punks

Living Beneath

Cottbus: Anica Happich und Timofej Kuljabin als neue Schauspieldoppelspitze am Staatstheater berufen Das <a href="https://tdz.de/spielort/5db1afe4-6aba-49b9-b295-e5d54512d107">Staatstheater Cottbus </a>hat <a href="https://tdz.de/person/9e6eedda-6bfd-4a18-9417-b9f1e71e5f88">Anica Happich</a> und <a href="https://tdz.de/person/7ba5ac38-a416-436a-ba6b-2eef5a475ba1">Timofej Kuljabin</a> als gleichberechtigte Doppelspitze der Schauspielsparte ab der Spielzeit 2026/27 berufen, wie aus einer Presseinformation des Hauses vom 18. Dezember 2025 hervorgeht. Die Berufung erfolgte der Mitteilung zufolge im Zuge des Intendanzwechsels 2026/27 von Hasko Weber zu Berthold Schneider durch den Stiftungsrat der Brandenburgischen Kulturstiftung Cottbus-Frankfurt (Oder). Beide bringen umfangreiche Erfahrungen an deutschsprachigen und internationalen Bühnen mit; programmatisch wollen sie den Blick verstärkt auf Mittel- und Osteuropa richten und die Region Lausitz künstlerisch in den Fokus rücken. Ergänzt wird die neue Schauspieldirektion durch ein Team um Dramaturgin Olga Fedianina, Johannes Lange für die Programmlinie „Spielstätte Stadt“ sowie Roman Dolzhanski für internationale Kooperationen. Kaiserslautern: Else-Lasker-Schüler-Dramatikpreis für Maria Milisavljević Die Autorin <a href="https://tdz.de/person/6b40e8c1-cc34-4810-a470-f31ef7c9a14e">Maria Milisavljević </a>erhält den Else-Lasker-Schüler-Dramatikpreis 2026, wie das Pfalztheater Kaiserslautern am 19. Dezember 2025 mitteilt. Der mit 10.000 Euro dotierte Preis wird im Auftrag des rheinland-pfälzischen Familien-, Frauen-, Kultur- und Integrationsministeriums sowie der Stiftung Rheinland-Pfalz für Kultur vergeben; die Jury (Esther Boldt, Meike Klingenberg, Franziska Schößler, Ulrich Khuon, Markus Dietze (Theater Koblenz) und Daniel Böhm (Pfalztheater Kaiserslautern, Vorsitz) begründet ihre Entscheidung: mit der „große[n] sprachliche[n] Präzision“ bei der Beschreibung der...

Neue Schauspielleitung in Cottbus ++ Else-Lasker-Schüler-Dramatikpreis für Maria Milisavljević ++ GDBA und BFFS kündigen erneut Tarifvertrag NV Bühne ++ 100. Geburtstag von Tankred Dorst

Freitag, 19. Dezember 2025

Körperpolitik ohne Ende

Garage und Galaxie

Vorwort

Münchner Kammerspiele: Lokalgeschichte meets historische Schuld

Staatstheater Stuttgart: Einsame Menschen in den Datennetzen

Im romantischen Zauber von Harmonie und Schönheit des Balletts geht es bei höchsten technischen Ansprüchen nicht um das Individuum, sondern um das Loslassen des eigenen Ichs, das Aufgehen im Kollektiv. Für die ästhetische Ordnung und dramatische Struktur tritt meist eine Zuchtmeister:in an. Diese befremdliche Gestrigkeit ironisiert die wie immer erfreulich diverse und multilinguale Compagnie von Guy Weizman – mit sechs Tänzer:innen seines Groninger NITE- und vier Schauspieler:innen des Thalia-Ensembles – für die Uraufführung von „Hope“ in abgerissen-rosa Tutu-Outfits mit Zitaten formalisierter Bewegungen und ornamentaler Posen, trippeliger Schrittkombinationen sowie akkurat putziger Arrangements. Dagegen deuten die Ballerina-Darsteller:innen ihren Charakter mit einem jeweils eigenen Bewegungskanon an, outen sich so als Akteur:innen des zeitgenössischen Tanztheaters, das nicht von alleinbestimmenden Choreograf:innen, sondern meist mit dem Ensemble entwickelt wird. Wenn in solchen Kontexten nun doch mal die Hauptverantwortliche ihre Deutungshoheit herauskehrt und Szenen eigenmächtig ändert sowie einzelnen Tänzer:innen mit Soli mehr Aufmerksamkeit verspricht, grummelt Unmut, wächst sich zu Widerstand aus und wird zu einer zumindest schüchtern dahingestotterten „Meuterei“. Das zeigt „Hope“. Und ist damit mitten in aktuellen Debatten um Machtmissbrauch: Wann kippt Autorität ins Autoritäre? Zusätzlich flammt der Diskurs um den Inhalt der Choreografie auf. Bisher vermittelte sie wohl ein liebliches Hoffnungsleuchten, „shiny, positive bullshit”, wie...

„Hope“ mit Texten von Maria Milisavljević (UA) – Regie Guy Weizman, Choreografie Roni Haver, Bühne Ascon de Nijs, Kostüme Simon Carle & MAISON the FAUX, Komposition Camill Jammal

Thalia Theater Hamburg: Im Blutmeer der Zukunft

„Ich lausche meinem Körper die choreografische Form ab“

Archipel der Kunst

So You Think You Can Turniertanz?

Die Perspektive wechseln

Körper und Körperlichkeit

Die energetische Kraft des Lachens

Unsere Körper sind Text

Das tote Kind tanzt auf dem LED-Bildschirm

Ride & Resistance

Die Hüfte ist das Zentrum

Eine Klasse für sich

Der kluge Mann baut vor

Nicht nur Gestell für Stimmbänder und Handgesten

Alle Neune für was Neues

Von Sprachverbotsversuchen, Sprechermöglichungen und Körperwirklichkeiten

Die Arbeit der Frauen: Punch und Judy

Auf dem Gipfel der Verzweiflung

Tanzen zwischen künstlerischer Perfektion und Höchstleistungssport

Spielart-Festival München: „Sie sind gelaufen, damit ich gehen kann“

Ausgebeuteter Körper

Oldenburgisches Staatstheater: Betont präzise und seelenlos

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

Briefwechsel

double

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

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Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Musiktheater

Queeres Theater

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Theater der Zeit

Politische Konfliktzonen

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Was macht das Theater...?

Bayern

Tanz

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Kunstinsert

Debatte

Asien

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Neue Dramatik

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Das schaffen wir! Oder: Einer hat die Absicht eine Mauer zu bauen.

Auf ewig unser Gestern

Geschichten aus dem Bauwagen

Staubfrau

geRecht - Episode II: Fälle von Freiheit vor geRecht

Hope

SCHREI ES RAUS! - überleben

Unterscheidet euch! Ein Gesellschaftsspiel

ist von Beruf Theaterautorin und Übersetzerin. Sie ist Mutter eines Sohnes und verbringt ihre Freizeit am liebsten in der Natur. Ihre Hobbys sind Gitarre spielen, sich mit Freund*innen treffen, Kochen und Backen. Maria kommt aus dem Sauerland, hat aber in der Vergangenheit an vielen verschiedenen Orten gelebt. Momentan wohnt sie in Berlin. 2025 wurde sie für ihr Stück „Staubfrau“ mit dem Mülheimer Dramatikpreis ausgezeichnet.

Anica Happich, Künstlerische Leitung vom PHOENIX Theaterfestival und den Plattenstufen-Festspielen in Erfurt

Eine Compagnie tanzt sich durch Probenkrisen, Machtkämpfe und Weltuntergangsbilder auf der Suche nach einer Hoffnung, die handlungsfähig macht: „Hope“ von Guy Weizman mit Texten von Maria Milisavljević am Thalia Theater Hamburg.

Mit Humor ist es so eine Sache, auch im Theater. Es gibt ihn, aber er ist schwer zu greifen, und noch schwerer ist es, darüber zu diskutieren, ohne dabei den Humor zu verlieren. Als TdZ den Regisseur Antú Romero Nunes nach seiner Premiere von Shakespeares „Was ihr wollt“ am Berliner Ensemble (auf dem Titel) deswegen anriefen, schien er gleichsam auf eine solche Gelegenheit gewartet zu haben. Nunes, Absolvent der Berliner Hochschule für Theaterkunst Ernst Busch als Regisseur, ist in mehreren Kulturen zu Hause und kann deshalb von innen und außen auf das Thema Humor im deutschen Theater schauen. Das Gespräch war nach dem Interview lange noch nicht beendet und ging immer weiter. Wie auch das über die sogenannte Wertigkeit von Komödien, die als relevante Problemstücke wie Dietmar Jacobs’ „Extrawurst“ großes Publikum ins Theater ziehen. Seine fein gebauten Stücke sind Blockbuster des Theaters und deshalb nicht so leicht einzuordnen. Lachen ist Selbstklärung.
Daneben bietet das Januar-Heft einen Ausblick auf Theater der Welt in Chemnitz 2026, einen Bericht vom Festival Science and Theatre in Heilbronn (mit starkem Fokus auf KI, XR und digitale Ästhetiken) sowie einen Blick auf den Neustart des ETA Hoffmann Theaters Bamberg unter John von Düffel.
Und wie immer: einen Stückabdruck (diesmal die Fassung von Ruth Maria Thomas’„Die schönste Version“ aus Cottbus), neuen Kolumnist*innen und einer neuen Ausgabe der Serie zu Grenzphänomenen von Theater und Sport.
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Humor auf der Bühne

Mit zahlreichen Beispielen und Tipps wird in diesem Band das Entstehen gemeinsam improvisierter Szenen erläutert. Wie beginnen wir Szenen? Wie führen wir sie fort? Und wie beenden wir sie? Wie schaffen wir eine stabile Plattform? Und wie improvisieren wir ohne Plattformen? Wie erschaffen wir kraftvolle szenische Konflikte und wie spielt man intime Szenen? Wie unterstützen wir unsere Partner auf der Bühne und aus dem Off? Wie entsteht Komik und wie erschaffen wir berührende Szenen?
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Die Magie der Szene

Improvisationstheater (Bd. 3)

Künstlerbuch mit ca. 50 Zeichnungen, Skizzen und Malereien
Ca. 50 Gedichte in Originalsprache (Englisch) und deutscher Übersetzung
Das letzte von Sieczkarek maßgeblich betreute Projekt – intim, authentisch, einzigartig
 
„Highland Child“ vereint Bildkunst und Lyrik von Mark Sieczkarek in einem eigenständigen Künstlerbuch: Zeichnungen, kleine Malereien und Collagen begegnen 48 englischsprachigen Gedichten, deren deutsche Übertragungen jedem Exemplar als Einleger beiliegen. Als Tänzer des Tanztheaters Wuppertal Pina Bausch in den 80er Jahren (u. a. „Viktor“, „Ahnen“, „Kontakthof“, „Das Frühlingsopfer“, „Nelken“) und seit 1988 mit über 50 eigenen Produktionen als Tänzer und Choreograph, entfaltet er in diesem Band ein sehr persönliches Universum – Menschen aus seiner nächsten Umgebung, Begegnungen aus der internationalen Tanzszene, Erinnerungen und Gedankenskizzen.
Die Arbeiten in Farbe und Schwarz-Weiß zeigen seine poetische Spannung zwischen Bewegung und Bild. Entstanden ist ein sorgfältig gestaltetes und liebevoll illustriertes Hardcover, das die künstlerische Handschrift Sieczkareks in ihrer Vielschichtigkeit sichtbar macht – ein in seiner Interdisziplinarität beeindruckender Künstler, der über Tanz, Kostüm und Bühnenbild wirkte und sich ebenso hingebungsvoll Zeichnungen, Film und Dichtung widmete.
 
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Art and poetry by Mark Sieczkarek

Highland Child

Checklisten, Best-Practice-Beispiele und konkrete Methoden für kulturelle Teilhabe und Mehrsprachigkeit
Community-Booster: durch kollaborative Netzwerke diversitätsbewusstes Kinder- und Jugendtheaterarbeit positionieren
Teilhabe und Mehrsprachigkeit als ästhetisches Potenzial im Theater für junges Publikum begreifen. Begegnungsraum für junge Menschen mit unterschiedlichen gesellschaftlichen Privilegierungs- und Marginalisierungserfahrungen sein. Neues proletarisches Theater mit jungen Menschen machen. Bewusst Intersektionalität mitdenken und gleichberechtigt Theater schaffen. Sich selbst sowie die eigenen Arbeitsstrukturen machtkritisch befragen und geduldig in Bewegung bringen.
Was wie eine Utopie klingt, ist im Programm „Perspektiv:Wechsel“ der ASSITEJ seit 2022 vielerorts passiert. Und wird auch darüber hinaus in den Darstellenden Künsten für und von jungen Menschen immer öfter praktiziert. Welche (un-)sichtbaren Hürden müssen dabei überwunden werden? Wie können konkrete Schritte geplant und umgesetzt werden? Und warum überhaupt Perspektivwechsel? Dieses „winterheft“ versammelt Praxisberichte in Form von Texten, Videos und Audioformaten, vielstimmige Argumentationen, machtkritische Positionen und Plädoyers dafür nicht mehr allein zu träumen, sondern sich zu verbünden.
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Perspektiv:Wechsel

Die 52. Ausgabe von double. Magazin für Puppen-, Figuren- und Objekttheater widmet sich der Figut des Caspar als Superhelden, Spaßmachern und Systemsprenger. Kann die Figur überhaupt im Heute bestehen, ohne ihre anarchische Energie zu verlieren?
Im Zentrum stehen die lustigen Figuren des europäischen Puppenspiels in all ihren Ambivalenzen und Transformationen. Fachbeiträge reflektieren kulturelle Erbe-Diskurse, Genderaspekte und die künstlerisch-ästhetische Entwicklung der komischen Handpuppe vom Kasper bis Punch als Spiegel gesellschaftlicher Herausforderungen und Widerstände. Internationale Festivalberichte, Interviews und Analysen nehmen die Vernetzung der Szene genauso in den Blick wie aktuelle Initiativen zur Unesco-Nominierung.

Kasper und Co. in schwierigen Zeiten

Superheld, Spaßmacher, Systemsprenger

Die erste große Gesamtschau
Vier Jahrzehnte Tanz, über 50 Produktionen
Aufwendige Gestaltung im Großformat mit über 100 Abbildungen
„Open the curtains. Zum Werk von Mark Sieczkarek“ lädt als Journal zu einer Erkundungsreise in das facettenreich inspirierende Schaffen des Choreografen und Künstlers Mark Sieczkarek (10. 9. 1962 bis 8. 9. 2025) ein. In Schottland geboren, kam er über Pina Bausch nach Wuppertal und folgte dann bald seinem eigenen künstlerischen Weg. Anlass für das Journal war die Ausstellung „paths through my garden – Kunst von Mark Sieczkarek“ vom 9. bis 26. Oktober 2025 im Schauspielhaus/ Pina Bausch Zentrum under construction in Wuppertal. Bis zu seinem Tod hat der Künstler die Werkschau mit vorbereitet. Im Journal finden fotografische Aufnahmen seiner Choreografien, Bühnenbilder und Kostüme ihren Raum, die in über 50 Produktionen in vier Jahrzehnten entstanden sind, ebenso wie Verweise auf seine Filme und Skizzen, Zeichnungen und Bilder. Ergänzt werden die Zeugnisse seiner vielfältigen künstlerischen Aktivität durch Stimmen und Betrachtungen mehrerer künstlerischer Weggefährt:innen.
In „Highland Child“ beendet Mark Sieczkarek sein letztes Gedicht „The end“ mit der Zeile „Open the curtains“. Zeitgleich zum Journal erscheint dieser Band als 2025 zusammengeführte Sammlung eigener Bilder und Gedichte. Sieczkareks letztes Lebensjahr war geprägt von den Herausforderungen der Krankheit ALS. Journal und Künstlerbuch laden nun als posthume Würdigung in Mark Sieczkareks sanftes und zugewandtes, irritierendes und rebellisches Universum ein.
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Zum Werk von Mark Sieczkarek

Open the curtains

Palucca (1902–1993) wollte nicht hübsch und lieblich tanzen und war noch keinesfalls berühmt, als sie im Alter von 23 Jahren eine private Tanzschule gründete. In diesem Band kommen Menschen zu Wort, die eine Beziehung zu Palucca, zur Palucca Schule (gegründet 1925, heute Hochschule), Mut im Kopf und Mumm in den Knochen haben. Sie taten und tun das vorzugsweise in Projekten, mit denen Menschen im und mit Tanz zu Veränderungen angestiftet und befähigt werden, gesellschaftliche Missstände mit Leib und Seele anzugehen. Das erfordert ziemlich viel Mut.
Für den Soziologen Dirk Baecker ist Mut ein Kalkül. Für Palucca war Mut eine Voraussetzung für Kunst. Studierende des 2. und 3. Studienjahres Bachelor Tanz der Palucca Hochschule für Tanz Dresden verraten, wie sich Mut einstellen kann, selbst wenn sie Angst haben. Das könnte man sich glatt zu Herzen nehmen, und dann ist Mut zu haben vielleicht gar keine Kunst?
 
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Faszination und Verantwortung

Mut Palucca

Der menschliche Körper ist Gegenstand, Medium und Instrument der Künste! Über und durch den Körper wird dargestellt, wird Geschlecht zugeschrieben, wird ein- und ausgeschlossen, werden künstlerische Formen ebenso wie institutionelles Selbstverständnis geprägt. Die kritische Reflexion von Körperlichkeit war immer auch Anlass zum Umdenken in den Künsten. Im Mai 2024 luden vier Münchner Institutionen zum gemeinsamen Respekttag ein, um Fragen der Repräsentation, Gewaltprävention und Antidiskriminierung mit Fokus auf der Körperlichkeit zu diskutieren: die Bayerische Theaterakademie August Everding (Gastgeberin), die Akademie der Bildenden Künste München, die Hochschule für Fernsehen und Film München und die Hochschule für Musik und Theater München. Der hochschulübergreifende Aktionstag nahm in Vorträgen, Workshops, Diskursformaten und künstlerischen Beiträgen das Spannungsfeld des herausgeforderten und herausfordernden Körpers in der zeitgenössischen Kunst in den Fokus.
Die Publikation ist nicht nur eine Dokumentation und Rückschau auf diesen Respekttag 2024, sondern eine Sammlung von wissenschaftlichen und künstlerischen Perspektiven zu den zentralen Themen des Aktionstages.
Mit Beiträgen von Magz Barrawasser, Franzy Deutscher, Lann Hornscheidt, Nele Jahnke, Jayrôme C. Robinet, Jenny Schrödl u. v. m.
 
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Herausfordernde und herausgeforderte Körper in der zeitgenössischen Kunst

„Challenge(d) Bodies“

Nach dem Tod von Heiner Müller am 30. Dezember 1995 entstand das erste TdZ-Arbeitsbuch mit dem Titel „Kalkfell“. Es folgten ein zweiter „Kalkfell“-Band und viele Einzelstudien und Aufsatzbände in der TdZ-Recherchen-Reihe sowie in der Zeitschrift immer mal wieder Texte aus Müllers Nachlass, die im Entstehen der Werkausgabe bei Suhrkamp entdeckt wurden. Dazu opulente Bände zu Müllers eigener Inszenierungsarbeit und B. K. Trage­lehns Müller-Inszenierungen. Die Biografie Heiner Müllers war indes bisher kein ausgeprägtes Feld bei Theater der Zeit. Im hier aus Anlass des kleinen Gedenkjubiläums zusammengestellten Schwerpunkt finden Sie neben den Beiträgen von Kristin Schulz und Wolfgang Storch die Erinnerungen von Hans-Jochen Vogel an seinen Cousin Heiner. Die Lebenswege gingen schnell weit auseinander – Müller verließ schon jung den erzgebirgischen Herkunftsraum und ging nach Berlin, ­Vogel blieb in der Gegend und wurde Studentenpfarrer in Karl-Marx-Stadt beziehungsweise Chemnitz. Verbunden blieben sie durch das Interesse aneinander – und deshalb ist Vogels (online vollständig zu lesendes) Memoir ein erhellendes Stück Müller-­Literatur heute.
Mit Tilda Swinton kommt man in die verschiedensten Bereiche von Film und Theater, so wie das Kunstinsert an ihre Zusammenarbeit mit Derek Jarman und Pedro Almodóvar erinnert. Ihre Zeit mit Christoph Schlingensief ist legendär und nebenbei war bei der Arbeit an diesem Beitrag auch noch von ihrer Rückkehr auf die Bühne zu erfahren. 1982 schrieb der Regisseur Manfred Karge sein erstes Stück, „Jacke wie Hose“, über eine Frau, die in der Weltwirtschaftskrise von 1929 die Stelle ihres verstorbenen Mannes annimmt und fortan, heute würde man sagen, als ‚männlich gelesen‘ weiterleben muss. 1987 spielte Swinton am Londoner Royal Court Theatre die englische Erstaufführung – und 2026 wird sie diese „Man to Man“-Szenen wieder am Royal Court spielen, mit einem geplanten Gastspiel im Berliner Ensemble.
Ein kuratiertes Insert befasst mit Machtmissbrauch in den Darstellenden Künsten – das Netzwerktreffen von Helvetiarockt und m2act.
Über gleich zwei Neustarts berichtet das Heft, in Hamburg und in Freiburg, genauso wie über Festivalberichte. Weiterhin, wie immer: der Stückabdruck (diesmal von Gerhild Steinbuch) unsere Kolumnen.
 
 
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Zwischen Bühne und Film

Tilda Swinton

Im Jahr 2025 feiert das Rheinische Landestheater sein einhundertjähriges Bestehen – und 25 Jahre den festen Ort mit bespielten Bühnen in der Oberstraße. Gemeinsam mit verschiedenen Wegbegleiter:innen und (Theater-)Expert:innen blickt das Haus auf ein Jahrhundert Theater in Neuss, Nordrhein-Westfalen und entfernteren Orten zurück; die Doppelfunktion als Haus mit einem festen Ensemble in einer rheinischen Großstadt, das zusätzlich als Landestheater mit seinem Programm (auch über die Landesgrenzen Nordrhein-Westfalens hinaus) Kultur in die Fläche und Orte ohne eigene Theaterbetriebe bringt, ist als spannende Institution eine nähere Betrachtung wert. Gleichzeitig bietet das Jubiläum bei aller Nostalgie auch genügend Anlass, um zusammen so manchen Ausblick in die Zukunft zu werfen – voller Vorfreude auf Alles, was kommt!
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Ein Jahrhundert Rheinisches Landestheater Neuss

Blick zurück nach vorn

Opulent bebilderte Buchausgabe, die die musiktheattrale Installation visuell und textlich dokumentiert
Künstlerisches Mahnmal über Krieg, Zerstörung und menschliche Resilienz
Die mit dem OPUS KLASSIK 2025 ausgezeichnete musiktheatrale Installation des Mozartfests Würzburg setzte sich künstlerisch mit der Bombardierung Würzburgs am 16. März 1945 auseinander. 80 Jahre nach der Zerstörung der Barockstadt verschmolzen Lyrik von u. a. Paul Celan und Bertolt Brecht, Zeitzeugenberichte und Musikwerke aus vier Jahrhunderten zu einem sinnlichen Klangerlebnis, das historische Narben ertastet und Brücken zur Gegenwart schlägt. 
Im historischen Mutterhaus der Erlöserschwestern, wo 500 Menschen die Bombennacht im Luftschutzkeller überlebten, entstand eine immersive Theaterform, die Erinnerungskultur neu denkt. Werke von Mozart, Mahler, Schumann und Copland trafen auf zeitgenössische Interpretation und machten Kriegstraumatisierung unmittelbar erfahrbar. Die visuelle Gestaltung mit eindrucksvollen Fotos dokumentiert die Installation sowie ihre Genese und ermöglicht es, das Konzert anhand des Buches wieder nachzuempfinden. Ein künstlerisches Mahnmal, das zum Gedenken und Nachdenken anregt.
„Hell ist die Nacht“ ist eine Produktion vom Mozartfest Würzburg. Regie Max Koch, Dramaturgie Tamara Yasmin Quick, Musikalische Leitung Ulrich Cornelius Maier
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Eine Dokumentation

Hell ist die Nacht

Hart, aber poetisch

Neuerscheinungen im Verlag