Hart, aber poetisch

Businessman des Living Theatre

Elf Buchsbäume à 50 Zentimeter, jeweils einen Fuß voneinander entfernt. Rechts ein Haus, links ein Haus, darin rechts die Tür, ein Fenster links. Reihen, Reihen, Reihen. Katastrophal, wenn da mal was durcheinandergerät. My home is my castle. Daher also diese Hecke, akkurat in Formation wie eine Armee. Gute Zäune machen gute Nachbarn. Diesen Satz von Robert Frost, Lieblingsfloskel Ariel Scharons zum Bau der israelischen Mauer, erklären auch die Protagonisten in Philipp Löhles neuestem Stück „Wir sind keine Barbaren!“ zum Maßstab. Einziger Rechenfehler: Der Zaun ist zu klein. So dass man eben doch sieht, was beim Nachbarn so vor sich und vor allem: ein und aus geht. Linda: „Die haben den reingelassen?“ Allgemeines Entsetzen. Paul deshalb zu Mario, im Sinne der Zauntheorie: „Guck mal.“ Gewichtige Pause. „Es gibt 500 Millionen Europäer und zwei Milliarden Afrikaner. In zehn Jahren“ – wieder Pause – „gibt es 700 Millionen Europäer und fünf Milliarden Afrikaner. Verstehst du?“ In der Schweiz wird derzeit viel über Zahlen geredet. Zahlen, die zu Zäunen werden. Zur Einwanderungsquote. Einen Tag nach Philipp Löhles Uraufführung am Konzert Theater Bern stimmten 50,3 Prozent der Schweizer für die Initiative „Gegen Masseneinwanderung“ der national-konservativen Schweizerischen Volkspartei (SVP). Ein Ergebnis, das viele überraschte – vor...

Konzert Theater Bern: „Wir sind keine Barbaren!“ (UA) von Ph. Löhle. Regie V. Hesse, Ausstattung E. Alessi; „Maria Stuart“ von F. Schiller. Regie St. Rottkamp, Bühne R. Schweer, Kostüme H. Kastler

Bern: Alles meins

Captain Hook fliegt ein

Theaterhaus Jena: Elfriede Jelinek spürt diese Leere – wir auch

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Dominique Horwitz?

Stiller Abbau?

Ruhrfestspiele Recklinghausen/Theater Münster: Ein Krieg führt immer zum nächsten

Black Box und White Cube

Transformation statt Revolte

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Mich würde dein Blick vom Inspizientenpult aus auf die Bühnenbilder von Martin Zehetgruber interessieren. Sie sind in ständiger Bewegung und sicher nicht selten verlangen dir manche Verwandlungen und Umbauten im Vorstellungsbetrieb einiges ab. Martin Zehetgruber ist jedenfalls keiner von diesen minimalistischen oder gefällig plakativen „Bühnenschmückern“. Er will immer viel. Er will immer groß. Hat damit aber auch immer etwas zu erzählen. Ist er in der Zusammenarbeit zu Kompromissen bereit? Zehetgruber? Kompromisse? Keine bis sehr selten. Wenn nicht schon bei der Bauprobe, spätestens dann bei der technischen Einrichtung bilden sich erste Schweißtropfen auf meiner Stirn. Und oft auch die ersten kritischen Anmerkungen und gedanklichen Verwünschungen. Diese natürlich auf der heiteren, kollegialen Schiene und im klaren Bewusstsein der absoluten Aussichtslosigkeit. Schließlich sind wir ja auch über das Theater hinaus befreundet. Wie muss ich sie mir vorstellen, diese Auseinandersetzung über die Machbarkeit? Na, ich hinterfrage schon mal, ob er nicht bereits an seinem Reißbrett darüber nachdenken könnte, wie unter den jeweiligen Gegebenheiten seine Ideen überhaupt realisierbar sind. Zum Beispiel, als er in Salzburg in der Saline auf der Pernerinsel für „König Ottokars Glück und Ende“ (Salzburg / Wien 2005 / s.S.136ff.)während laufender Vorstellung fünf Autos lautlos in Stellung bringen und hundert Podeste verbauen...

Ein Gespräch mit Klaus von Schwerin

Kompromisse? Keine.

Unterwegs mit den Formwandlern

Mit der Pfeilspitze ins Herz hinein

1998 sehe ich die Uraufführung von „Brecht.“ (s.S.84ff.) am Nationaltheater Mannheim. Hans Kresnik hat mich zur Premiere eingeladen und ich lerne Martin Zehetgruber kennen und merke gleich, die beiden sind nicht nur künstlerisch ein Team, sondern vor allem der Humor, die Lust an irdischen Genüssen, viel Temperament und ein gewisser Schalk verbinden sie in einer Art Komplizenschaft, die selten ist. Dem Duo trete ich gerne bei. Zehetgrubers Bühne ist bildstark, Kresniks Regie sowieso, und ich sehe, beide denken in Bildern. Unvergesslich der Schluss: Brechts Frauen zerstören mit Lust und Wut lebensgroße Brecht-Statuen. Lust und Wut verbindet die beiden Österreicher. Kresnik, eine Generation älter als sein Bühnenbildner, wird ihm an langen Kneipen-Abenden, auf gemeinsamen Reisen und bei den Kresnik-üblichen Vorbesprechungen vor den Proben von seiner ungeliebten Heimat erzählt haben. Ein Mann aus den Bergen zieht hinaus in die Welt, um unglaubliche Abenteuer zu erleben, ein sympathischer Sondergänger und Spinner, der am Ende seines Lebensweges in die Berge zu seiner Jugendliebe zurückkehrt. Als 2003 das Schauspiel Hannover in Zusammenarbeit mit den Salzburger Festspielen anfragt, ob der Choreograf und Regisseur Johann Kresnik Ibsens poetisches Weltmärchen „Peer Gynt“ (s.S.120f.) inszenieren will, sah die Dramaturgie des Hauses sicher Parallelen zwischen Ibsens Hauptfigur und Kresniks eigener...

Über das Team Kresnik / Zehetgruber

Mit Peer Gynt unterwegs nach Utopia

Bewegen, Zeichnen, Überzeichnen

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

Fassungslosigkeit und Hoffnung

„Ein großes Festival muss eine Dynamik entwickeln“

St. Pölten:: Peter-Turrini-Dramatiker*innenstipendium für Paula van Well

Langer Atem beim Netzwerken

Publikumserregung mit Extradimension

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Dramaturgie des Zweifels

Deutsches Nationaltheater Weimar: Drei Fiktionen für dreizehn Millionen Schicksale

Widerstand und Erinnerung 

Keine Rechnung ohne Restwert 

Weltall, Erde, Mensch

Neue Dramatik trifft Figurentheater

Dober Dan, Ljubljana

Hybridgemeinschaften?

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Ruhm den Kleinen!

Martin Zehetgruber lernte ich Mitte der 1990er Jahre im Deutschen Schauspielhaus Hamburg kennen. Er wurde mir als „d e r Z.“ vorgestellt. Schwarze ausgewaschene 501er-Jeans, spitze Boots, buschiger Schnauzbart, weiche Lederjacke, sehr guter Humor, intelligent und trinkfest. Es war eine besondere Begegnung, wir hatten sofort einen Draht zueinander und bis heute verbindet uns eine enge Freundschaft. Bei etwa 25 gemeinsamen Produktionen habe ich das Kostümbild entworfen. Wir haben in Wien am Burgtheater, im Residenztheater München, am Schauspielhaus und im Thalia Theater in Hamburg, De Nationale Opera en Ballet Amsterdam, Opera Liceu in Barcelona, La Monnaie in Brüssel, Opera Bastille in Paris, Opera Teatro Real in Madrid, Nationaltheater in Mannheim, Schauspiel Hannover, Staatstheater Stuttgart, Schauspiel Bonn und bei den Salzburger Festspielen für Schauspiel, Choreografisches Theater oder Opernproduktionen zusammengearbeitet und wirklich sehr viel Zeit miteinander verbracht: hauptsächlich im Theater, im Atelier, in Restaurants, in Bars, bei Endproben, gemeinsamen Urlauben. Martin Zehetgruber macht mit seinen Räumen immer eine künstlerische Ansage. Er vermeidet Requisiten und alles Unnötige. Keine Dekoration, kein Plüsch oder Nachbauten von real existierenden Räumen. Er will mit seinen Räumen in die Seelen der Figuren reisen. Ihn interessiert das Abgründige im Menschen. Er trifft mit seiner Raumsetzung immer den Kern der Geschichte,...

Das Unmögliche und das Abgründige

Der Engel vieler Geschichten

Thüringer Befund

Festival im Aufwind

Bodyhorror/Tarantino

Bilder im Takt eines Textes

Auf Augenhöhe

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

Ästhetische Übereinstimmung, strukturelle Unterschiede

Risiko: Das Salz unseres Lebens

Freiheit des Theater-Erlebens

Berufsbild: Digitaldramaturg

„Den Lohnarbeitern erscheint ihre Arbeit auch nicht mehr als das, was sie ist“

Zerbrochene Familiengeschichten

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Die Rache der Königinnen

Wir gehen rein

Die Signatur unserer Zeit

Balkan Brass und Brüche

Sie leben noch (weiter)

Die Grenzen der Freiheit

Guten Appetit!

Vor Ort und exklusiv

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Schauspiel Stuttgart: Überleben in der Karaokebar

Die Unsterblichkeit des Theaters

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Wenn die Unis Trauer tragen

Der Sprachspieler Schiller trotzt der Macht  

Ruhrfestspiele Recklinghausen/THE OFFICE performing arts + film: Humor und Hoffnung in einer zerfallenden Welt

Warum wir Festivals brauchen

Sie kürzen, wir glänzen

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Feminismus neu ausrichten

Das große Plus an Menschlichkeit

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Auftritt

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

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Schauspiel

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Was macht das Theater...?

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Kostümbildnerin, freischaffend international tätig. Seit 2013 hat sie die Professur für Kostümbild an der Hochschule Hannover inne.

„Brecht.“ 1998, Nationaltheater Mannheim, Regie: Johann Kresnik, Kostüme: Heide Kastler

König Ottokars Glück und Ende von Franz Grillparzer, 2005, Koproduktion Salzburger Festspiele / Burgtheater Wien, Regie: Martin Kušej, Kostüme: Heide Kastler

Der Weibsteufel von Karl Schönherr, 2008, Akademietheater Wien, Regie: Martin Kušej, Kostüme: Heide Kastler, Mitarbeit Bühnenbild: Stefanie Wagner

Denken wir heute an „Zirkus“, so tauchen in unseren Köpfen gemeinhin Bilder von Artistik- und Tierdressurnummern in der Manege eines Zirkuszeltes auf. Historische Quellen, die in Archiven und Bibliotheken schlummern, zeichnen jedoch ein überraschend anderes Bild der Zirkuskunst um 1900. Die in diesem Buch versammelten Fotografien, Auszüge aus Briefwechseln, Patentschriften, Presseberichte, Bauzeichnungen und vieles mehr, bieten tiefe Einblicke in die Zirkuskultur Berlins um 1900. Sichtbare Spuren der einst erfolgreichen Zirkusgesellschaften mit ihren pompösen Gebäuden mitten im Stadtzentrum finden sich heute hingegen kaum mehr. Anhand von historischen Quellen lässt das Buch Aufführungspraxis, Architekturen, Herausforderungen und Erfolge von Zirkussen, Künstler:innen und Techniker:innen auf eindrückliche Weise zutage treten.
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Eine kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../api/files/f3468a94-12c9-4680-9280-ee99ad88c389/Zirkuskunst_in_Berlin_OA.pdf" target="_blank">PDF-Download (52 MB) </a>
ISBN 978-3-95749-565-5 (Open Access)  DOI: <a title="https://doi.org/10.35287/9783957495020" href="https://doi.org/10.35287/9783957495020" data-outlook-id="c180ea25-f06b-4836-a7c2-fc4b1261b69b">10.35287/9783957495655</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Einblicke in eine vergessene Praxis

Zirkuskunst in Berlin um 1900

Die Juni-Ausgabe 2025 von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Heimat(en)“ und beleuchtet, wie Kunst und Theater Zugehörigkeit, Identität und Gemeinschaft neu verhandeln. Essays, Interviews und Berichte von Autor:innen wie Dinçer Güçyeter, Luise Voigt und Elisabeth Maier zeigen, wie vielfältig und umstritten der Heimatbegriff heute ist – von postmigrantischen Perspektiven über ostdeutsche Lebensgeschichten bis zu kulinarisch-politischen Performances.
Auf dem Titel: Sandra Hüller und Tom Schneider ­haben am neuen theater in Halle/Saale MarDis „Penthesile:a:s“ (<a href="https://tdz.de/artikel/3856c3b5-e854-4769-8eef-1533bb028485">der Stückabdruck</a>) inszeniert. Im Interview dazu betonen sie die gemeinsame Theaterarbeit, das Ensemble­schaffen – weit weg vom filmbranchenüblichen Starmodellieren eines Wunders. Ist Sandra Hüller trotzdem.
 
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Sandra Hüller und Tom Schneider

Geste des Kollektiven

Seit bald 20 Jahren produziert die aus Zypern stammende und in Düsseldorf beheimatete Choreografin Alexandra Waierstall international. Das Buch „And here we meet: Choreography at the edge of time“ bietet erstmals einen umfassenden Einblick in ihr Schaffen. Großformatige Fotostrecken und pointierte Textbeiträge erschließen ihr Werk. Mit Beiträgen von Roberto Fratini, Monica Gillette, Emily Markert, João da Silva, Melanie Suchy und Paraskevi Tektonidou.
Alexandra Waierstalls Arbeiten beeindrucken durch ihre direkte physische Bildsprache, die radikale Präsenz der Tänzer:innen. Sie basieren auf der vitalen zwischenmenschlichen Aushandlung komplexer Beziehungen, die sich in choreografischen Konstellationen, Bildern und Transformationen entfalten. Choreografie wird so zum Mittel der Ermächtigung in der Verkörperung sozialer Verantwortung und zum Ausgangspunkt für Formen von Gemeinschaftlichkeit.
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Alexandra Waierstall

And here we meet: Choreography at the edge of time

Das Arbeitsbuch widmet sich dem Intendanten und Regisseur Peter Carp. Als Schauspieldirektor in Luzern (2004–2007), als Intendant des Theater Oberhausen (2008–2017) und seit 2017 als Intendant des Theater Freiburg entwickelte er ein Theaterkonzept immer stärker aus, welches auf konsequente Internationalisierung setzte, auf ein Theater als „Weltempfänger“. Kennzeichnend für seine Arbeit war eine ausgeprägte Entdeckerlust, wie er sich generell als Förderer verstand (Simon Stone, Ewelina Marciniak, Amir Reza Koohestani, Yair Sherman, Herbert Fritsch). Das reich illustrierte Arbeitsbuch gibt Auskunft zu verschiedenen Aspekten der Arbeit des Regisseurs und Intendanten Peter Carp und versammelt Zeugnisse seiner Weggefährten.
 
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Weltempfänger in Luzern, Oberhausen und in Freiburg

Peter Carp

Wir machen Theater, jedes Jahr im Sommer. Das gilt für die Burgfestspiele Jagsthausen seit 1950. Als einziges Theater im deutschsprachigen Raum wird hier seit 75 Jahren mit Goethes „Götz von Berlichingen“ Theater an seinem Originalschauplatz gespielt. Mittlerweile sind die Burgfestspiele aber viel mehr als nur „Götz“: Musicals, Kinderstücke, Schauspiele und Musiktheater im weiteren Sinne gehören zum Repertoire. Das Buch bietet Rück-, Ein- und Ausblicke. Es beleuchtet die ersten 50 Jahre im Schnelldurchlauf und konzentriert sich im Schwerpunkt auf die letzten 25 Jahre. Die vier Intendant:innen Jan Aust, Heinz Kreidl, Axel Schneider und Eva Hosemann (seit 2019) haben diese Zeit geprägt. Ihnen werden einzelne Kapitel gewidmet.
Interviews und Anekdoten beschreiben das bekannte Freilichttheater aus einer Vielzahl von Perspektiven. Auf der Bühne und hinter der Bühne sehen wir einen Organismus im ständigen Wandel. Neben einer faszinierenden Bildauswahl informiert dieser Jubiläumsband mit spannenden Inhalten rund um die Burgfestspiele sowie Zahlen und Fakten zu den Produktionen. Es ist ein Jubiläumsbuch der besonderen Art und unternimmt eine Zeitreise durch 75 Jahre Theatergeschichte.
 
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75 Jahre Burgfestspiele Jagsthausen

WIR MACHEN THEATER ... jedes Jahr im Sommer

Die 51. Ausgabe von „double“ mit dem Schwerpunkt „Zum Verhältnis von Puppe und Text“ beleuchtet auf vielfältige Weise die komplexe und sich wandelnde Beziehung zwischen dem geschriebenen Wort und der performativen Kraft des Figurentheaters. Das Heft untersucht historische Entwicklungen, gegenwärtige Tendenzen und zukünftige Perspektiven dieser spannungsreichen Interaktion. Es kommen sowohl Theoretikerinnen als auch Praktikerinnen zu Wort, die ihre Erfahrungen und Überlegungen zu diesem zentralen Aspekt des Puppen-, Figuren- und Objekttheaters teilen.
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Zum Verhältnis von Puppe und Text

Worte formen

Das Arbeitsbuch von Theater der Zeit im Juli 2025 widmet sich der zeitgenössischen Schweizer Theaterszene. Es begreift sie als eine Art Landschaft, die es bereist und deren Diversität, Mehrsprachigkeit und Komplexität es aus verschiedenen Perspektiven beschreibt.
Der Fokus liegt auf der Schweiz als mehrsprachigem Theaterort, wo verschiedenste Theater- Ästhetiken, Traditionen und Strukturen auf kleinstem Raum aufeinandertreffen oder nebeneinander bestehen. Welche Entwicklungen zeichnen sich ab im zeitgenössischen Schauspiel, in der Performance, im Theater der Schweiz? Inwiefern bildet die Schweizer Theaterszene die europäische Theaterszene im Kleinen ab? Wie gelingt der mehrsprachige Dialog? Welche Beziehungen bestehen zu den Kulturräumen der Nachbarländer Frankreich, Italien, Deutschland, Österreich und Liechtenstein?
Neben Essays, Berichten und Dialogen kommen auch genuin künstlerische Positionen zu Wort: aus allen Landesteilen, sowohl innerhalb als auch fernab der Metropolen.
Mit freundlicher Unterstützung der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia sowie der Ernst Göhner Stiftung und der Oertli Stiftung.
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landscapes des zeitgenössischen theaters

diversité suisse

Das internationale figuren.theater.festival in Erlangen, Nürnberg, Fürth und Schwabach gehört zu den renommiertesten Festivals des Genres und ist bekannt für das große ästhetische Spektrum seines Programms. Gegründet 1979, entwickelte es sich rasch zu einer erstklassigen Adresse für Künstler:innen und Veranstalter:innen, ebenso zu einem internationalen wie regionalen Publikumsmagneten. Es spiegelt mit seinen Stammkompagnien, seinen performativen Experimenten, gewagten Präsentationsformaten und oft folgenreichen Begegnungen nicht nur die jeweils aktuellen Bewegungen der Szene, sondern schrieb sich auch selbst in deren Geschichte ein.
Was es bedeuten kann, wenn ein Festival bereit ist, ein Genre immer wieder neu zu (er)finden, wenn Kuratieren auch als kritische Förderung verstanden, Studierenden regelmäßig eine Plattform geboten und eine Region vom Festivalfieber erfasst wird – das beleuchten Beiträge von zahlreichen Beteiligten vor, auf und hinter den Festivalbühnen.
 
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Erlangen Nürnberg Fürth Schwabach

Offen! Das internationale figuren.theater.festival

Gisela Höhne und das Theater RambaZamba

Auftreten und leuchten

Wie werden dekoloniale Ästhetiken in der zeitgenössischen Gegenwartsdramatik produziert? Was kennzeichnet dekoloniale Ästhetiken im Theater? Mit einem dramaturgischen Blick und einer theatertextuellen Analyse von Stücken international renommierter afro-diasporischer Künstler:innen wie Dieudonné Niangouna, Aristide Tarnagda, Hakim Bah, Marie N´Diaye u.a. argumentiert die Theaterwissenschaftlerin Grit Köppen, dass dekoloniale Ästhetiken im Theater als breites Spektrum künstlerischer Strategien zu denken sind. Diese bewegen sich aktuell zwischen einer Ästhetik des Aufruhrs gegen postkoloniale Realitäten und einer Ästhetik der Transgression.
 
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Dekoloniale Ästhetiken im zeitgenössischen Theater

Das Thema Nachhaltigkeit hat Theater der Zeit schon öfter beschäftigt. Im Arbeitsbuch „Transformers – Digitalität Inklusion Nachhaltigkeit“ aus dem Jahr 2021 wird erstmals ein Nachhaltigkeitsmanagement am Theater vorgestellt, damals an der Oper in Göteborg. Inzwischen gibt es das Phänomen in wachsender Zahl im gesamten deutschsprachigen Theater. TdZ-Redakteurin Elisabeth Maier porträtiert Anna Haas, die am Staatstheater Karlsruhe diesen Aufgabenbereich übernommen hat – Teil des umfangreichen Schwerpunkts zum Thema, dazu auch das Kunstinsert von Daniel Kötter und seinem Feld des Extraktivismus.
Auch den Neustart am Rheinischen Landestheater Neuss könnte man noch dem Thema zuordnen, denn die Intendantin Marie Johannsen hat das Foyer zu einem öffentlichen Raum zur Stadt hin gemacht – nachhaltige Nutzung von Theaterräumen.
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Nachhaltigkeit

Ja, es gibt sie wirklich, diese kleine, eher den schwäbischen Spaßmachern zuzurechnende Firma in Stuttgart, die mit dem Titel eines Artikels in der FAZ Sweat- und T-Shirts bedruckt. „In der Oper gewesen, gekotzt“, überschrieb Simon Strauß seinen Kommentar zu den angeblich katastrophen­artigen Notarzteinsätzen während der Auf­führung von Florentina Holzingers „Sancta“ an der Stuttgarter Oper. Baden-Württemberg-Redakteurin Elisabeth Maier schaut noch einmal auf die Geschichte von Paul Hindemiths Oper „Sancta“ in Stuttgart – während man mit Florentina Holzinger auf dem Cover dieser Ausgabe natürlich auch sagen muss: Danke, Kafka! Du hast uns nicht nur Geschichten vergeblicher Sinnsuche, sondern auch ein griffiges Modell der Theaterkurzkritik hinterlassen.
Als der Schauspieler Manuel Harder, Ensemblemitglied am Deutschen Theater Berlin, aus Chile, dem Land seiner Geburt, wieder nach Hause kam, bemerkte er mit Blick auf die Theatermacher dort: „Man muss schon dafür sterben wollen, um in Chile Theater zu machen. Es ist unglaublich – und mit hier gar nicht zu vergleichen.“ Beim Festival Teatro a Mil in Santiago hatte ihn besonders die Eröffnungsrede des Autors und Regisseurs Guillermo Calderón begeistert, in der er Theater als Ausdruck der politischen und sozialen Kämpfe unserer Zeit nannte. Und dennoch bei der Kunst blieb.
Ab dieser Ausgabe gibt es eine neue Kolumne, in der Online-Redakteurin Lina Wölfel nur scheinbar periphere Phänomene der Theaterwelt untersucht. Chris Isaaks Song „Wicked Game“, das erste Thema, in das sie vertiefend hineingeht, hat eine schon lange Appropriations­karriere hinter sich, die wohl 1990 mit David Lynchs „Wild at Heart“ begann. Man lese, höre und staune!
Mitten in der Arbeit an diesem Heft erfuhren wir am 7. März vom Tod des Schauspielers und Regisseurs Wolfgang Engel, der in den 1980er Jahren in Dresden mit großen, sensationellen Inszenierungen auf sich aufmerksam machte und von 1995 bis 2008 Intendant des Schauspiel Leipzig war. Ein Nachruf folgt im nächsten Heft.
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Performing Power

Florentina Holzinger

Die erste Anthologie des 2011 in Köln gegründeten africologneFESTIVAL gibt einen Einblick in die Vielfalt der Stimmen, Perspektiven, Themen und Ästhetiken zeitgenössischer Dramatik aus Benin, Burkina Faso, DR Kongo, Guinea, Republik Kongo, Senegal und Uganda. Die neun erstmals in deutscher Übersetzung publizierten Texte reichen von der Tragödie über die Satire, von der dramatischen Poesie bis hin zum Neo-Western. Post- oder neo-koloniale Themen sind ebenso präsent wie persönliche Reflexionen über gesellschaftspolitische Verankerungen. Viele Autor:innen hinterfragen dabei auch die Geschichte und Politik ihrer Heimatländer.  Ergänzt werden die Stücke u.a. durch ein Vorwort zur zeitgenössischen Dramatik in afrikanischen Gesellschaften und einem Essay zu ihrer Übersetzbarkeit bzw. Transformation.
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Zeitgenössische Theatertexte aus afrikanischen Ländern und der afrikanischen Diaspora

SPUREN

Neuerscheinungen im Verlag