Was macht das Theater, Philipp Adlung?

Stück Labor 2024/25

Der Clown in uns

Wach auf, Dornröschen!

Brecht in Anekdoten

Montag, 09. Februar 2026

Staatstheater Mainz: Erkenntnis schadet nie

Was macht die Regie? Verzweifeln? 

Mehr als die Miete

Türen auf für alle!

Bühnen voller Männer

Von Kunqu-Oper bis Drohnenfeuerwerk

Aesthetics of Access

Figurentheater zwischen Tradition und Transformation

Heilbronn: Leon Engler gewinnt mit „Wo die Götter kauern wie Hunde“ den internationalen Dramenwettbewerb „Science & Theatre“ 2025

Nichts aufgeben

Start des Vorprogramms

Mittwoch, 18. Februar 2026

Warum sollen Israelis nicht über Fußball sprechen?

Eine Reibung mit der Gegenwart

Donnerstag, 29. Januar 2026

Das Hörspiel „Exzess – Eine Techno Oper“ vom rbb, geschrieben von TdZ-Kolumnist Noam Brusilovsky und komponiert von Tobias Purfürst, wurde in diesem Jahr mit dem Prix Italia in der Kategorie Musik ausgezeichnet, wie der SWR berichtet. Diese dokumentarisch-fiktionale Techno-Oper thematisiert die Clubkultur und den Tod im Exzess. Der Preis wurde am vergangenen Freitag in Turin überreicht. Das Hörspiel ist in der ARD Audiothek verfügbar. Die Jury lobte das Hörspiel als ein innovatives, mutiges und originelles Werk mit beeindruckendem Sounddesign und sieht darin die Entstehung eines neuen Genres. Die Macher nannten es eine Techno-Oper, die Jury beschreibt es jedoch als eine „Operamentary“. Das Programm zeichne sich durch eine meisterhafte Verbindung von provokantem, grenzüberschreitendem Storytelling, aktuellen Themen und neuartiger Musikkomposition aus. „Exzess“ biete einen exklusiven Einblick in die Clubszene, über die viele mehr erfahren möchten, sich aber vielleicht scheuen, tiefer einzutauchen. Die Techno-Oper öffne den Zugang zu einer alternativen Lebenswelt und wurde trotz eines kleinen Produktionsteams als besonders tiefgründig empfunden. Tabuthemen wie Drogenkonsum, Sexualität und alternative Lebensstile wurden ohne moralisierenden Zeigefinger behandelt. Stattdessen wurde eine tiefere Auseinandersetzung durch intensives Sounddesign und dramatische Musik ermöglicht, was das Stück laut Jury zu einem wahren Kunstwerk des Radios macht. Noam Brusilovsky ist Regisseur und Hörspielmacher,...

TdZ-Kolumnist Noam Brusilovsky erhält den Prix Italia für „Exzess – Eine Techno Oper“

Mir fließen die Tränen, während ich am Gate auf meinen Rückflug von Buenos Aires nach Frankfurt warte. Diese Szene kommt mir bekannt vor. Ich kenne sie schon aus meiner Kindheit: Meine Mutter weint am selben Flughafen, nachdem wir uns von der Familie verabschiedet haben, wissend, dass ein paar Jahre vergehen werden, bis wir uns alle wiedersehen werden. Ich sitze neben ihr und kann zwischen ihrem und meinem Trennungsschmerz gar nicht unterscheiden – ich bin mit der Sehnsucht nach einem Ort aufgewachsen, in dem ich nie gelebt habe. Vom Kinderbett im israelischen Haifa aus nahm mich meine Mutter mit ihren Gute-Nacht-Geschichten mit auf eine Reise in ihre magische Heimatstadt, die am Fuße der Anden liegt. Im jüdischen Friedhof von Mendoza liegen viele Tote und jede Nacht werden sie in den Geschichten meiner Mutter aufgezählt. Bis heute kenne ich jede einzelne Geschichte und alle Namen auswendig. Im Laufe der Jahre habe ich jegliches Heimatgefühl verloren. Seit zwölf Jahren lebe ich nicht mehr in Israel. Ich möchte dieses Land gern als mein Zuhause bezeichnen und kann es beim besten Willen leider nicht mehr tun. Was bedeutet „Heimat“ für Menschen, die seit Monaten evakuiert leben; für tausende von Eltern im Gazastreifen, die die Leichen...

Hier schreiben unsere Kolumnist:innen, die Regisseurin Marie Schleef, die Übersetzerin und Dramaturgin Iwona Nowacka und der Regisseur und Hörspielmacher Noam Brusilovsky, monatlich im Wechsel.

Heimat Wareniki

Schauspiel Leipzig: Der Zollstock im Raum 

Donnerstag, 12. Februar 2026

Mainfranken Theater Würzburg: Vereint in Einsamkeit

Gesellschaftlich und demokratisch fahrlässig

Tanz ist einfach überall

Schauspiel Leipzig: All Too Well (80 Minute Theatre Version)

Zeichnungen halten das Gefühl besser fest

Was macht das Theater, Fee Aviv Dubois?

Kassandras Hoffnung

Konstruierte Körper

Klavier im Fluss

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Buckeln und Treten für die tote Liebe

Maxim Gorki Theater Berlin: Alles Schmus

Nationaltheater Mannheim: Gefangen in den Illusionen der KI 

Wille zum Glauben

Was macht das Theater, Guido Lambrecht?

Mittwoch, 04. Februar 2026

Working Class Heroes vorm Bullseye

Erzgebirgischen Theater- und Orchester Annaberg-Buchholz: Für eine Handvoll Mark (DDR)

Licht im Herzen der Finsternis

DGS auf der Bühne?!

Das Kerngeschäft im Theater sind Feelings

Theater als hörender Ort

ETA Hoffmann Theater Bamberg: Liftboys und Logbücher

Zimmertheater Tübingen: Zukunftsängste in der Geisterbahn

Das Ende des „Safe Space“

„Wir lassen uns nicht vereinzeln!“

Wir sind Punks

„Rasenmäherpolitik“ bedroht Kultur und Gesellschaft in Baden-Württemberg

Dienstag, 10. Februar 2026

Staatstheater Stuttgart: Einsame Menschen in den Datennetzen

Thalia Theater Hamburg: Im Blutmeer der Zukunft

Freitag, 20. Februar 2026

„Ich lausche meinem Körper die choreografische Form ab“

<a href="https://tdz.de/artikel/d6411d5e-4f82-484a-8b48-141053932fde">Zum Stückgespräch mit dem Autor</a> 1. Publikumslicht bleibt an; kein Cue! Neulich ruft mich mein Freund David an und fragt mich, ob er sich meine Kippa leihen könnte. David ist Schauspieler. Er erzählt mir, dass er ein Casting für eine Fernsehserie hat. Er soll einen jüdischen Anwalt spielen und deshalb möchte er „richtig jüdisch aussehen“. (Holt eine Kippa aus seiner Hosentasche heraus) Diese Kippa schenkte mir meine Mutter zur Bar Mizwa. Auf der Kippa ist mein Name mit hebräischen Buchstaben gestochen (zeigt sie dem Publikum, setzt sie sich auf den Kopf). Sie sieht so aus, als hätte man sie aus einem Theaterfundus geholt. Auf meinem Kopf sieht sie fast wie ein Stück Verkleidung aus. Und ich trage sie nur zu seltenen Anlässen, wenn ich sie tragen muss – wenn ich eine Synagoge zu den Hohen Feiertagen betrete, oder wenn ich einen jüdischen Friedhof betrete. Ich habe keine Angst, mich als Jude in der Öffentlichkeit identifizieren zu lassen – habe bloß keinen Bock, ständig den Juden für die Goyim zu spielen. Ich sage David, er braucht sich doch keine Kippa auf den Kopf zu setzen, um jüdisch auszusehen, er sieht schon jüdisch genug aus. David ist ein ziemlich hübscher Kerl...

Fake Jews: Eine Autofiktion

So You Think You Can Turniertanz?

Die Perspektive wechseln

Das deutsche Wort „Nachruf“ existiert in meiner Muttersprache nicht. Auf Hebräisch gibt es „Grabrede“ und „Traueranzeige“ – „Nachruf“ lässt sich aber nicht adäquat übersetzen. Was bedeutet es, einer geliebten Person nachzurufen? Geht es darum, die Biografie einer verstorbenen Person in der Öffentlichkeit zu würdigen, oder geht es darum, ihr wortwörtlich nachzurufen und vergeblich zu versuchen, sie nach ihrem Abgang verbal und laut wieder zu erreichen? Meine gute Freundin, die Künstlerin Aviva Ronnefeld, starb viel zu früh im Alter von 66 Jahren an einem schönen Sommertag im August. Vor einem Jahr erhielt sie die Diagnose Glioblastom. Als ich auf Wikipedia recherchierte, was das genau bedeutet, musste ich mit Erschrecken feststellen: Hirntumor, bei dem die Überlebenszeit bei wenigen Monaten bis zu einem Jahr liege. „Aviva“, habe ich sofort zu ihr gesagt, „du darfst nicht vor April sterben – Pessach sollen wir noch zusammen feiern!“ Auch, wenn wir es nicht wahrhaben wollten, wussten wir alle, die Aviva liebten, dass die Zeit mit ihr knapp ist. Von nun an galt es, ihr schöne Momente zu schenken, an die wir uns später selbst erinnern können, und alles von ihr festzuhalten, was noch festzuhalten war. Aviva war eine begabte Gärtnerin und sie nannte ihren Schrebergarten...

Mein Nachruf auf Aviva Ronnefeld

Die energetische Kraft des Lachens

„Lieber Noam, ich war auf der Webseite vom Theater und konnte deinen Premierentermin auf dem Spielplan nicht mehr finden. Was ist los? Findet die Premiere noch statt?“ Diese und ähnliche Nachrichten erreichen mich seit ein paar Wochen ständig. Kurz vor der Spielzeitpause treffe ich mich bereits mit meiner Agentin, und wir überlegen, wie ich dem Theater mitteilen soll, dass ich derzeit nicht arbeiten kann und die Premiere vorerst ausfallen muss. Ich verabrede mich mit dem Dramaturgen, der die Produktion hätte betreuen sollen. Auf dem Fahrrad bereite ich mich auf das Gespräch vor und lasse alle möglichen Szenarien durch meinen Kopf gehen. Wir setzen uns auf den Platz vor dem Theater, und ich lasse die Bombe platzen. Der Dramaturg versucht, einige konstruktive Vorschläge zu machen, bietet an, bestimmte Aufgaben zu übernehmen oder andere Personen zu engagieren, die mich bei der Arbeit unterstützen könnten. Doch ich weiß, all das übersteigt gerade meine Kapazitäten. Momentan schaffe ich es nicht und bin selbst von mir enttäuscht. „Nein, es tut mir leid“, sage ich entschieden. „Wir müssen die Produktion verschieben.“ Das Jahr 2024 kann ich nur als beschissen bezeichnen. Nach einer Reihe katastrophaler Ereignisse in meinem Leben fand ich mich in einer schweren depressiven Phase,...

Hier schreiben unsere Kolumnist:innen, die Übersetzerin und Dramaturgin Iwona Nowacka, der Regisseur und Hörspielmacher Noam Brusilovsky, monatlich im Wechsel und ihnen folgend die Schriftstellerin Terézia Mora und Anna Bertram

Krankheitsbedingt verschoben

Das tote Kind tanzt auf dem LED-Bildschirm

<a href="https://tdz.de/artikel/c5e10c07-22f7-4e66-b8c4-f96d1956a0ab">Zum ganzen Stück</a> Hast du denn jemals einen Fake Jew persönlich kennengelernt? Noam Brusilovsky: Es gibt viele Leute, bei denen ich das ahne. Wenn Leute anfangen, von einem jüdischen Familienanteil zu erzählen, und das habe ich schon öfter erlebt, stelle ich das immer infrage. Es ist immer eine Vermutung und es passiert mir sehr oft, dass ich denke, etwas stimmt nicht in den Erzählungen, die ich mitbekomme. Und da ist es immer ein Anteil der Familie, der vorgebracht wird. Wenn jemand sagt, meine Eltern sind jüdisch und ich bin eigentlich jüdisch aufgewachsen, aber ich hatte keine Ahnung davon, das geht ja gar nicht. Also es muss immer jemand in der Familie sein, wo sie nicht genau wissen, in welchem Zusammenhang das wieder neu entdeckt steht. Und es gibt auch viele Menschen, die auf andere Weise Nähe zum Jüdischsein leben. Z. B. eine gute Freundin von mir, die nicht jüdisch ist und nicht jüdisch geboren wurde, aber eine unglaubliche Nähe zum Judentum hatte und so ganz viele jüdische Feiertage gefeiert hat, ohne sich konvertieren zu lassen. Sie hatte aber nie behauptet, sie wäre Jüdin. Das gibt es auch mit dem Buddhismus, wo man sich eine Religion aus dem Fernen Osten holt....

Noam Brusilovsky über sein Stück „Fake Jews“ im Gespräch mit Thomas Irmer

Das Wohnzimmer als großes Theater

Ride & Resistance

Die Hüfte ist das Zentrum

Eine Klasse für sich

Alle Neune für was Neues

Die Arbeit der Frauen: Punch und Judy

Alleinerziehende am Abend

Oldenburgisches Staatstheater: Betont präzise und seelenlos

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Stück

Neubau & Sanierung

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

double

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Musiktheater

Queeres Theater

Europa

Theater der Zeit

Politische Konfliktzonen

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Tanz

Performance

Kunstinsert

Kolumne

Debatte

Asien

Brandenburg

Neue Dramatik

Edition Bayerische Theaterakademie August Everding

Wissenschaft

Hessen

Berlin

Post-Ost(deutsch)

Dramaturgie

Afrika

Ukraine

Open Access

International

Körperlichkeit

Praxiswissen

Digitales Theater

Kinder- & Jugendtheater

Akteur:innen

Dramatik

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Puppen-, Figuren- & Objekttheater

Regie

Theaterkritiken

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Festivals

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Freie Szene

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Stücke

Bühne & Film

Kostüm und Bühne

Musik im Schauspiel

Stück Labor – Neue Schweizer Dramatik

Auszeichnung

Kulturkürzungen

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Mitläufer

Eine runde Sache

Fake Jews

geboren 1989 in Haifa, deutsch-israelischer Dramatiker, Regisseur und Hörspielautor, lebt in Berlin.

Moritz Kienemann in „Fake Jews“ von Noam Brusilovsky. Regie Noam Brusilovsky, Bühne und Kostüme Julia Plickat am Deutschen Theater Berlin

Noam Brusilovsky, geboren 1989 in Haifa, Israel

Mit Humor ist es so eine Sache, auch im Theater. Es gibt ihn, aber er ist schwer zu greifen, und noch schwerer ist es, darüber zu diskutieren, ohne dabei den Humor zu verlieren. Als TdZ den Regisseur Antú Romero Nunes nach seiner Premiere von Shakespeares „Was ihr wollt“ am Berliner Ensemble (auf dem Titel) deswegen anriefen, schien er gleichsam auf eine solche Gelegenheit gewartet zu haben. Nunes, Absolvent der Berliner Hochschule für Theaterkunst Ernst Busch als Regisseur, ist in mehreren Kulturen zu Hause und kann deshalb von innen und außen auf das Thema Humor im deutschen Theater schauen. Das Gespräch war nach dem Interview lange noch nicht beendet und ging immer weiter. Wie auch das über die sogenannte Wertigkeit von Komödien, die als relevante Problemstücke wie Dietmar Jacobs’ „Extrawurst“ großes Publikum ins Theater ziehen. Seine fein gebauten Stücke sind Blockbuster des Theaters und deshalb nicht so leicht einzuordnen. Lachen ist Selbstklärung.
Daneben bietet das Januar-Heft einen Ausblick auf Theater der Welt in Chemnitz 2026, einen Bericht vom Festival Science and Theatre in Heilbronn (mit starkem Fokus auf KI, XR und digitale Ästhetiken) sowie einen Blick auf den Neustart des ETA Hoffmann Theaters Bamberg unter John von Düffel.
Und wie immer: einen Stückabdruck (diesmal die Fassung von Ruth Maria Thomas’ „Die schönste Version“ aus Cottbus), neuen Kolumnist*innen und einer neuen Ausgabe der Serie zu Grenzphänomenen von Theater und Sport.
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Humor auf der Bühne

Künstlerbuch mit ca. 50 Zeichnungen, Skizzen und Malereien
Ca. 50 Gedichte in Originalsprache (Englisch) und deutscher Übersetzung
Das letzte von Sieczkarek maßgeblich betreute Projekt – intim, authentisch, einzigartig
 
„Highland Child“ vereint Bildkunst und Lyrik von Mark Sieczkarek in einem eigenständigen Künstlerbuch: Zeichnungen, kleine Malereien und Collagen begegnen 48 englischsprachigen Gedichten, deren deutsche Übertragungen jedem Exemplar als Einleger beiliegen. Als Tänzer des Tanztheaters Wuppertal Pina Bausch in den 80er Jahren (u. a. „Viktor“, „Ahnen“, „Kontakthof“, „Das Frühlingsopfer“, „Nelken“) und seit 1988 mit über 50 eigenen Produktionen als Tänzer und Choreograph, entfaltet er in diesem Band ein sehr persönliches Universum – Menschen aus seiner nächsten Umgebung, Begegnungen aus der internationalen Tanzszene, Erinnerungen und Gedankenskizzen.
Die Arbeiten in Farbe und Schwarz-Weiß zeigen seine poetische Spannung zwischen Bewegung und Bild. Entstanden ist ein sorgfältig gestaltetes und liebevoll illustriertes Hardcover, das die künstlerische Handschrift Sieczkareks in ihrer Vielschichtigkeit sichtbar macht – ein in seiner Interdisziplinarität beeindruckender Künstler, der über Tanz, Kostüm und Bühnenbild wirkte und sich ebenso hingebungsvoll Zeichnungen, Film und Dichtung widmete.
 
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Art and poetry by Mark Sieczkarek

Highland Child

Checklisten, Best-Practice-Beispiele und konkrete Methoden für kulturelle Teilhabe und Mehrsprachigkeit
Community-Booster: durch kollaborative Netzwerke diversitätsbewusstes Kinder- und Jugendtheaterarbeit positionieren
Teilhabe und Mehrsprachigkeit als ästhetisches Potenzial im Theater für junges Publikum begreifen. Begegnungsraum für junge Menschen mit unterschiedlichen gesellschaftlichen Privilegierungs- und Marginalisierungserfahrungen sein. Neues proletarisches Theater mit jungen Menschen machen. Bewusst Intersektionalität mitdenken und gleichberechtigt Theater schaffen. Sich selbst sowie die eigenen Arbeitsstrukturen machtkritisch befragen und geduldig in Bewegung bringen.
Was wie eine Utopie klingt, ist im Programm „Perspektiv:Wechsel“ der ASSITEJ seit 2022 vielerorts passiert. Und wird auch darüber hinaus in den Darstellenden Künsten für und von jungen Menschen immer öfter praktiziert. Welche (un-)sichtbaren Hürden müssen dabei überwunden werden? Wie können konkrete Schritte geplant und umgesetzt werden? Und warum überhaupt Perspektivwechsel? Dieses „winterheft“ versammelt Praxisberichte in Form von Texten, Videos und Audioformaten, vielstimmige Argumentationen, machtkritische Positionen und Plädoyers dafür nicht mehr allein zu träumen, sondern sich zu verbünden.
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Perspektiv:Wechsel

Die 52. Ausgabe von double. Magazin für Puppen-, Figuren- und Objekttheater widmet sich der Figut des Caspar als Superhelden, Spaßmachern und Systemsprenger. Kann die Figur überhaupt im Heute bestehen, ohne ihre anarchische Energie zu verlieren?
Im Zentrum stehen die lustigen Figuren des europäischen Puppenspiels in all ihren Ambivalenzen und Transformationen. Fachbeiträge reflektieren kulturelle Erbe-Diskurse, Genderaspekte und die künstlerisch-ästhetische Entwicklung der komischen Handpuppe vom Kasper bis Punch als Spiegel gesellschaftlicher Herausforderungen und Widerstände. Internationale Festivalberichte, Interviews und Analysen nehmen die Vernetzung der Szene genauso in den Blick wie aktuelle Initiativen zur Unesco-Nominierung.

Kasper und Co. in schwierigen Zeiten

Superheld, Spaßmacher, Systemsprenger

Puppen- und Figurentheater

Die erste große Gesamtschau
Vier Jahrzehnte Tanz, über 50 Produktionen
Aufwendige Gestaltung im Großformat mit über 100 Abbildungen
„Open the curtains. Zum Werk von Mark Sieczkarek“ lädt als Journal zu einer Erkundungsreise in das facettenreich inspirierende Schaffen des Choreografen und Künstlers Mark Sieczkarek (10. 9. 1962 bis 8. 9. 2025) ein. In Schottland geboren, kam er über Pina Bausch nach Wuppertal und folgte dann bald seinem eigenen künstlerischen Weg. Anlass für das Journal war die Ausstellung „paths through my garden – Kunst von Mark Sieczkarek“ vom 9. bis 26. Oktober 2025 im Schauspielhaus/ Pina Bausch Zentrum under construction in Wuppertal. Bis zu seinem Tod hat der Künstler die Werkschau mit vorbereitet. Im Journal finden fotografische Aufnahmen seiner Choreografien, Bühnenbilder und Kostüme ihren Raum, die in über 50 Produktionen in vier Jahrzehnten entstanden sind, ebenso wie Verweise auf seine Filme und Skizzen, Zeichnungen und Bilder. Ergänzt werden die Zeugnisse seiner vielfältigen künstlerischen Aktivität durch Stimmen und Betrachtungen mehrerer künstlerischer Weggefährt:innen.
In „Highland Child“ beendet Mark Sieczkarek sein letztes Gedicht „The end“ mit der Zeile „Open the curtains“. Zeitgleich zum Journal erscheint dieser Band als 2025 zusammengeführte Sammlung eigener Bilder und Gedichte. Sieczkareks letztes Lebensjahr war geprägt von den Herausforderungen der Krankheit ALS. Journal und Künstlerbuch laden nun als posthume Würdigung in Mark Sieczkareks sanftes und zugewandtes, irritierendes und rebellisches Universum ein.
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Zum Werk von Mark Sieczkarek

Open the curtains

Die Februar-Ausgabe von Theater der Zeit rückt das Theater in der Ukraine ins Zentrum – als Kunstform im Ausnahmezustand, die zugleich Verteidigung, Selbstbehauptung und Zukunftsentwurf einer von Krieg belagerten Gesellschaft ist. Das kulturelle Leben ist, eines der perversen Kriegsziele Russlands, nicht zum Erliegen gekommen, während der Krieg – zumindest seit der Totalinvasion – diesen Februar ins fünfte Jahr geht. Der Schwerpunkt des Heftes fragt, welche Rolle internationale Kooperation wirklich spielt – und wo sie bislang ausbleibt. Reportage, Essay und Gespräch zeichnen eine Landschaft, in der Luftalarm, Drohnen und Frontberichte den Alltag markieren, während Projekte wie das Ukrainomania-Vorhaben des Wiener Volkstheaters und des Nationaltheaters Maria Zankovetska in Lviv exemplarisch zeigen, wie gemeinsame künstlerische Arbeit neue Räume für Erinnerung und Solidarität eröffnet.​
Flankiert wird der Schwerpunkt von Beiträgen, die andere Bruchstellen der Gegenwart vermessen: ein Bericht über die „Rasenmäherpolitik“ in Baden-Württemberg analysiert, wie Kulturkürzungen ganze Szenen in Stuttgart und Karlsruhe strukturell gefährden, während ein Essay zu René Pollesch die Frage stellt, wie sich kollektive Unbehaustheit und Theaterästhetik nach seinem Tod weiterschreiben lassen.  Mit dem Fokus auf neue Schweizer Dramatik im Rahmen vom Abdruck der im Schweizer „Stück Labor 2024/25 entstandenen Stücke, öffnet die Ausgabe zugleich einen Laborraum für Texte, die Übergangsrituale, Jugendkulturen und postkoloniale Verwerfungen erkunden. Guido Lambrecht, der mit der Monumentalperformance von „Serotonin“​ am Hans Otto Theater Potsdam gerade zum Theatertreffen eingeladen wurde, beantwortet die Frage: „Was macht das Theater?“ Und wie immer: Kolumnen, Kritiken und das Kunstinsert, dieses Mal mit der neuen permanenten Lichtinstallation von James Turrel: „Beyond Horizons“, in Oelsnitz/Erzgebirge.
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Theater in der Ukraine

Palucca (1902–1993) wollte nicht hübsch und lieblich tanzen und war noch keinesfalls berühmt, als sie im Alter von 23 Jahren eine private Tanzschule gründete. In diesem Band kommen Menschen zu Wort, die eine Beziehung zu Palucca, zur Palucca Schule (gegründet 1925, heute Hochschule), Mut im Kopf und Mumm in den Knochen haben. Sie taten und tun das vorzugsweise in Projekten, mit denen Menschen im und mit Tanz zu Veränderungen angestiftet und befähigt werden, gesellschaftliche Missstände mit Leib und Seele anzugehen. Das erfordert ziemlich viel Mut.
Für den Soziologen Dirk Baecker ist Mut ein Kalkül. Für Palucca war Mut eine Voraussetzung für Kunst. Studierende des 2. und 3. Studienjahres Bachelor Tanz der Palucca Hochschule für Tanz Dresden verraten, wie sich Mut einstellen kann, selbst wenn sie Angst haben. Das könnte man sich glatt zu Herzen nehmen, und dann ist Mut zu haben vielleicht gar keine Kunst?
 
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Faszination und Verantwortung

Mut Palucca

Der menschliche Körper ist Gegenstand, Medium und Instrument der Künste! Über und durch den Körper wird dargestellt, wird Geschlecht zugeschrieben, wird ein- und ausgeschlossen, werden künstlerische Formen ebenso wie institutionelles Selbstverständnis geprägt. Die kritische Reflexion von Körperlichkeit war immer auch Anlass zum Umdenken in den Künsten. Im Mai 2024 luden vier Münchner Institutionen zum gemeinsamen Respekttag ein, um Fragen der Repräsentation, Gewaltprävention und Antidiskriminierung mit Fokus auf der Körperlichkeit zu diskutieren: die Bayerische Theaterakademie August Everding (Gastgeberin), die Akademie der Bildenden Künste München, die Hochschule für Fernsehen und Film München und die Hochschule für Musik und Theater München. Der hochschulübergreifende Aktionstag nahm in Vorträgen, Workshops, Diskursformaten und künstlerischen Beiträgen das Spannungsfeld des herausgeforderten und herausfordernden Körpers in der zeitgenössischen Kunst in den Fokus.
Die Publikation ist nicht nur eine Dokumentation und Rückschau auf diesen Respekttag 2024, sondern eine Sammlung von wissenschaftlichen und künstlerischen Perspektiven zu den zentralen Themen des Aktionstages.
Mit Beiträgen von Magz Barrawasser, Franzy Deutscher, Lann Hornscheidt, Nele Jahnke, Jayrôme C. Robinet, Jenny Schrödl u. v. m.
 
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Herausfordernde und herausgeforderte Körper in der zeitgenössischen Kunst

„Challenge(d) Bodies“

Amerikanisches Theater

Nach dem Tod von Heiner Müller am 30. Dezember 1995 entstand das erste TdZ-Arbeitsbuch mit dem Titel „Kalkfell“. Es folgten ein zweiter „Kalkfell“-Band und viele Einzelstudien und Aufsatzbände in der TdZ-Recherchen-Reihe sowie in der Zeitschrift immer mal wieder Texte aus Müllers Nachlass, die im Entstehen der Werkausgabe bei Suhrkamp entdeckt wurden. Dazu opulente Bände zu Müllers eigener Inszenierungsarbeit und B. K. Trage­lehns Müller-Inszenierungen. Die Biografie Heiner Müllers war indes bisher kein ausgeprägtes Feld bei Theater der Zeit. Im hier aus Anlass des kleinen Gedenkjubiläums zusammengestellten Schwerpunkt finden Sie neben den Beiträgen von Kristin Schulz und Wolfgang Storch die Erinnerungen von Hans-Jochen Vogel an seinen Cousin Heiner. Die Lebenswege gingen schnell weit auseinander – Müller verließ schon jung den erzgebirgischen Herkunftsraum und ging nach Berlin, ­Vogel blieb in der Gegend und wurde Studentenpfarrer in Karl-Marx-Stadt beziehungsweise Chemnitz. Verbunden blieben sie durch das Interesse aneinander – und deshalb ist Vogels (online vollständig zu lesendes) Memoir ein erhellendes Stück Müller-­Literatur heute.
Mit Tilda Swinton kommt man in die verschiedensten Bereiche von Film und Theater, so wie das Kunstinsert an ihre Zusammenarbeit mit Derek Jarman und Pedro Almodóvar erinnert. Ihre Zeit mit Christoph Schlingensief ist legendär und nebenbei war bei der Arbeit an diesem Beitrag auch noch von ihrer Rückkehr auf die Bühne zu erfahren. 1982 schrieb der Regisseur Manfred Karge sein erstes Stück, „Jacke wie Hose“, über eine Frau, die in der Weltwirtschaftskrise von 1929 die Stelle ihres verstorbenen Mannes annimmt und fortan, heute würde man sagen, als ‚männlich gelesen‘ weiterleben muss. 1987 spielte Swinton am Londoner Royal Court Theatre die englische Erstaufführung – und 2026 wird sie diese „Man to Man“-Szenen wieder am Royal Court spielen, mit einem geplanten Gastspiel im Berliner Ensemble.
Ein kuratiertes Insert befasst mit Machtmissbrauch in den Darstellenden Künsten – das Netzwerktreffen von Helvetiarockt und m2act.
Über gleich zwei Neustarts berichtet das Heft, in Hamburg und in Freiburg, genauso wie über Festivalberichte. Weiterhin, wie immer: der Stückabdruck (diesmal von Gerhild Steinbuch) unsere Kolumnen.
 
 
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Zwischen Bühne und Film

Tilda Swinton

Im Jahr 2025 feiert das Rheinische Landestheater sein einhundertjähriges Bestehen – und 25 Jahre den festen Ort mit bespielten Bühnen in der Oberstraße. Gemeinsam mit verschiedenen Wegbegleiter:innen und (Theater-)Expert:innen blickt das Haus auf ein Jahrhundert Theater in Neuss, Nordrhein-Westfalen und entfernteren Orten zurück; die Doppelfunktion als Haus mit einem festen Ensemble in einer rheinischen Großstadt, das zusätzlich als Landestheater mit seinem Programm (auch über die Landesgrenzen Nordrhein-Westfalens hinaus) Kultur in die Fläche und Orte ohne eigene Theaterbetriebe bringt, ist als spannende Institution eine nähere Betrachtung wert. Gleichzeitig bietet das Jubiläum bei aller Nostalgie auch genügend Anlass, um zusammen so manchen Ausblick in die Zukunft zu werfen – voller Vorfreude auf Alles, was kommt!
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Ein Jahrhundert Rheinisches Landestheater Neuss

Blick zurück nach vorn

Opulent bebilderte Buchausgabe, die die musiktheattrale Installation visuell und textlich dokumentiert
Künstlerisches Mahnmal über Krieg, Zerstörung und menschliche Resilienz
Die mit dem OPUS KLASSIK 2025 ausgezeichnete musiktheatrale Installation des Mozartfests Würzburg setzte sich künstlerisch mit der Bombardierung Würzburgs am 16. März 1945 auseinander. 80 Jahre nach der Zerstörung der Barockstadt verschmolzen Lyrik von u. a. Paul Celan und Bertolt Brecht, Zeitzeugenberichte und Musikwerke aus vier Jahrhunderten zu einem sinnlichen Klangerlebnis, das historische Narben ertastet und Brücken zur Gegenwart schlägt. 
Im historischen Mutterhaus der Erlöserschwestern, wo 500 Menschen die Bombennacht im Luftschutzkeller überlebten, entstand eine immersive Theaterform, die Erinnerungskultur neu denkt. Werke von Mozart, Mahler, Schumann und Copland trafen auf zeitgenössische Interpretation und machten Kriegstraumatisierung unmittelbar erfahrbar. Die visuelle Gestaltung mit eindrucksvollen Fotos dokumentiert die Installation sowie ihre Genese und ermöglicht es, das Konzert anhand des Buches wieder nachzuempfinden. Ein künstlerisches Mahnmal, das zum Gedenken und Nachdenken anregt.
„Hell ist die Nacht“ ist eine Produktion vom Mozartfest Würzburg. Regie Max Koch, Dramaturgie Tamara Yasmin Quick, Musikalische Leitung Ulrich Cornelius Maier
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Eine Dokumentation

Hell ist die Nacht

„Ist’s vorüber, lacht man drüber“ – Ute Nyssens Verlegergeschichte eröffnet faszinierende Einblicke in die geistigen Grundlagen heutiger Theaterprogramme und beleuchtet das Schicksal neuer Bühnenstücke. Die Autorin schildert den Weg einer kleinen, aber engagierten Gemeinschaft von Bühnenverleger:innen, die diese Werke entdecken und in der deutschsprachigen Theaterwelt fördern.
Nach einer prägenden Zeit in einem Buchverlag entschied sich Ute Nyssen endgültig für den Beruf der Bühnenverlegerin. Gemeinsam mit ihrem Lebenspartner, dem Verlagslektor Jürgen Bansemer (1933–2006), verwirklichte sie 1981 ihren Traum von Selbstständigkeit und gründete den Ute Nyssen &amp; J. Bansemer Theaterverlag. Der Verlag etablierte sich rasch als bedeutender Akteur in der deutschsprachigen Theaterlandschaft.
Mit großer Authentizität und Leidenschaft erzählt Nyssen von ihrer Liebe zu Literatur, Sprache und Theater, von der Entdeckung und Förderung herausragender Dramatiker:innen wie Elfriede Jelinek, Tankred Dorst, Thomas Jonigk und Heinar Kipphardt. Ebenso schildert sie die Herausforderungen im Umgang mit Autorenrechten, Übersetzungen und Bühnenproduktionen sowie die besonderen Anforderungen, die sich aus der Arbeit als Medienagentur seit den späten 1980er-Jahren ergaben.
Ute Nyssen möchte mit ihrer Verlegergeschichte den Geist und die Aufbruchsstimmung der 1968er Jahre weitertragen und die heutige Generation zu Mut, Kreativität und unternehmerischem Denken inspirieren. Dieses Buch ist ein unverzichtbarer Begleiter für alle Theater- und Literaturbegeisterten, die tiefere Einblicke in die Mechanismen des deutschsprachigen Sprechtheaters gewinnen möchten.
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Ist’s vorüber, lacht man drüber

Krankheitsbedingt verschoben

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