Auf Augenhöhe, von Anfang an

Gespräch mit der KI aus dem Internet

Die Grenzen zwischen Dokumentation und Fiktion verwischen

Was macht die Regie? Verzweifeln? 

Das Gym, die Bühne und ein Gebirge aus Bildern

Schlosstheater Moers: Einsamkeit ist keine Metapher

Theater als Denkmaschine 

Sicherheit und trotzdem Sorgen

Landestheater Tübingen: Kampf um die sterbende Demokratie

Theater Lüneburg: Erinnern muss wehtun

Theater Marie: Zwischen Verantwortung, Schein und Sein

Die Abwertung von Care-Themen ist misogyn

Dienstag, 10. März 2026

Das Hörspiel „Exzess – Eine Techno Oper“ vom rbb, geschrieben von TdZ-Kolumnist Noam Brusilovsky und komponiert von Tobias Purfürst, wurde in diesem Jahr mit dem Prix Italia in der Kategorie Musik ausgezeichnet, wie der SWR berichtet. Diese dokumentarisch-fiktionale Techno-Oper thematisiert die Clubkultur und den Tod im Exzess. Der Preis wurde am vergangenen Freitag in Turin überreicht. Das Hörspiel ist in der ARD Audiothek verfügbar. Die Jury lobte das Hörspiel als ein innovatives, mutiges und originelles Werk mit beeindruckendem Sounddesign und sieht darin die Entstehung eines neuen Genres. Die Macher nannten es eine Techno-Oper, die Jury beschreibt es jedoch als eine „Operamentary“. Das Programm zeichne sich durch eine meisterhafte Verbindung von provokantem, grenzüberschreitendem Storytelling, aktuellen Themen und neuartiger Musikkomposition aus. „Exzess“ biete einen exklusiven Einblick in die Clubszene, über die viele mehr erfahren möchten, sich aber vielleicht scheuen, tiefer einzutauchen. Die Techno-Oper öffne den Zugang zu einer alternativen Lebenswelt und wurde trotz eines kleinen Produktionsteams als besonders tiefgründig empfunden. Tabuthemen wie Drogenkonsum, Sexualität und alternative Lebensstile wurden ohne moralisierenden Zeigefinger behandelt. Stattdessen wurde eine tiefere Auseinandersetzung durch intensives Sounddesign und dramatische Musik ermöglicht, was das Stück laut Jury zu einem wahren Kunstwerk des Radios macht. Noam Brusilovsky ist Regisseur und Hörspielmacher,...

TdZ-Kolumnist Noam Brusilovsky erhält den Prix Italia für „Exzess – Eine Techno Oper“

Mir fließen die Tränen, während ich am Gate auf meinen Rückflug von Buenos Aires nach Frankfurt warte. Diese Szene kommt mir bekannt vor. Ich kenne sie schon aus meiner Kindheit: Meine Mutter weint am selben Flughafen, nachdem wir uns von der Familie verabschiedet haben, wissend, dass ein paar Jahre vergehen werden, bis wir uns alle wiedersehen werden. Ich sitze neben ihr und kann zwischen ihrem und meinem Trennungsschmerz gar nicht unterscheiden – ich bin mit der Sehnsucht nach einem Ort aufgewachsen, in dem ich nie gelebt habe. Vom Kinderbett im israelischen Haifa aus nahm mich meine Mutter mit ihren Gute-Nacht-Geschichten mit auf eine Reise in ihre magische Heimatstadt, die am Fuße der Anden liegt. Im jüdischen Friedhof von Mendoza liegen viele Tote und jede Nacht werden sie in den Geschichten meiner Mutter aufgezählt. Bis heute kenne ich jede einzelne Geschichte und alle Namen auswendig. Im Laufe der Jahre habe ich jegliches Heimatgefühl verloren. Seit zwölf Jahren lebe ich nicht mehr in Israel. Ich möchte dieses Land gern als mein Zuhause bezeichnen und kann es beim besten Willen leider nicht mehr tun. Was bedeutet „Heimat“ für Menschen, die seit Monaten evakuiert leben; für tausende von Eltern im Gazastreifen, die die Leichen...

Hier schreiben unsere Kolumnist:innen, die Regisseurin Marie Schleef, die Übersetzerin und Dramaturgin Iwona Nowacka und der Regisseur und Hörspielmacher Noam Brusilovsky, monatlich im Wechsel.

Heimat Wareniki

„Man kann die Demokratie auch aus Faulheit verlieren“

Eine neue Form des Lebens

Montag, 16. März 2026

Donnerstag, 26. März 2026

neues theater Halle: Partitur der agralen Enge

Sogar für Festivalpublikum

Die Dramaturgie der Gruppe drückt ins Stück

Montag, 30. März 2026

Überzeugungstäter im Mehrspartenbereich

Freitag, 27. Februar 2026

Montag, 23. März 2026

Huch, das Zimmer bewegt sich!

Dienstag, 03. März 2026

Für die gekürzte, geliebte Neue Dramatik 

Zwischen Offenheit und Angst ums nächste Engagement

Theater Bielefeld: Helden sind Monster

Der Faktor Zufall – Performances fernab von der Bühne

Brennende Herzen

„Angst ist in unserer Zeit allgegenwärtig“

Mittwoch, 18.03.2026

Tschechische Bilderlust beim Festival One Flew over the Puppetee´ s Nest

Rauf auf große Bühnen!

Schritt für Schritt

Der einsame Krieger

Mit Tanz und Schattenspiel für Freiräume im Freiheitsentzug

Mittwoch, 11. März 2026

Schauspiel Dortmund: Funkelnde Tränen

Montag, 23. Februar 2026

Montag, 09. März 2026

Staatstheater Saarbrücken: Nur weil einer nicht hinhört

Ein sächsischer Elisabethaner

Das Dunkel: Ein Gegenlicht

Theaterfamilie versus Familie

Theater Aachen: Zwei Stunden Zuhören

„Bei ihr war es schnell klar“

Freitag, 20. Februar 2026

Mittwoch, 18. Februar 2026

Kaleidoskop der Wunden

<a href="https://tdz.de/artikel/d6411d5e-4f82-484a-8b48-141053932fde">Zum Stückgespräch mit dem Autor</a> 1. Neulich ruft mich mein Freund David an und fragt mich, ob er sich meine Kippa leihen könnte. David ist Schauspieler. Er erzählt mir, dass er ein Casting für eine Fernsehserie hat. Er soll einen jüdischen Anwalt spielen und deshalb möchte er „richtig jüdisch aussehen“. Diese Kippa schenkte mir meine Mutter zur Bar Mizwa. Auf der Kippa ist mein Name mit hebräischen Buchstaben gestochen. Sie sieht so aus, als hätte man sie aus einem Theaterfundus geholt. Auf meinem Kopf sieht sie fast wie ein Stück Verkleidung aus. Und ich trage sie nur zu seltenen Anlässen, wenn ich sie tragen muss – wenn ich eine Synagoge zu den Hohen Feiertagen betrete oder wenn ich einen jüdischen Friedhof betrete. Ich habe keine Angst, mich als Jude in der Öffentlichkeit identifizieren zu lassen – habe bloß keinen Bock, ständig den Juden für die Goyim zu spielen. Ich sage David, er braucht sich doch keine Kippa auf den Kopf zu setzen, um jüdisch auszusehen, er sieht schon jüdisch genug aus. David ist ein ziemlich hübscher Kerl – er ist athletisch, hat schöne dunkle Locken und braune Augen. Seitdem ich ihn kenne, bewegt er sich in jüdischen Kreisen und kennt...

Fake Jews: Eine Autofiktion

Der Messingkauf im Curazän

Das deutsche Wort „Nachruf“ existiert in meiner Muttersprache nicht. Auf Hebräisch gibt es „Grabrede“ und „Traueranzeige“ – „Nachruf“ lässt sich aber nicht adäquat übersetzen. Was bedeutet es, einer geliebten Person nachzurufen? Geht es darum, die Biografie einer verstorbenen Person in der Öffentlichkeit zu würdigen, oder geht es darum, ihr wortwörtlich nachzurufen und vergeblich zu versuchen, sie nach ihrem Abgang verbal und laut wieder zu erreichen? Meine gute Freundin, die Künstlerin Aviva Ronnefeld, starb viel zu früh im Alter von 66 Jahren an einem schönen Sommertag im August. Vor einem Jahr erhielt sie die Diagnose Glioblastom. Als ich auf Wikipedia recherchierte, was das genau bedeutet, musste ich mit Erschrecken feststellen: Hirntumor, bei dem die Überlebenszeit bei wenigen Monaten bis zu einem Jahr liege. „Aviva“, habe ich sofort zu ihr gesagt, „du darfst nicht vor April sterben – Pessach sollen wir noch zusammen feiern!“ Auch, wenn wir es nicht wahrhaben wollten, wussten wir alle, die Aviva liebten, dass die Zeit mit ihr knapp ist. Von nun an galt es, ihr schöne Momente zu schenken, an die wir uns später selbst erinnern können, und alles von ihr festzuhalten, was noch festzuhalten war. Aviva war eine begabte Gärtnerin und sie nannte ihren Schrebergarten...

Mein Nachruf auf Aviva Ronnefeld

 Bühnen Bern: Männerfantasien zerbersten lassen

„Lieber Noam, ich war auf der Webseite vom Theater und konnte deinen Premierentermin auf dem Spielplan nicht mehr finden. Was ist los? Findet die Premiere noch statt?“ Diese und ähnliche Nachrichten erreichen mich seit ein paar Wochen ständig. Kurz vor der Spielzeitpause treffe ich mich bereits mit meiner Agentin, und wir überlegen, wie ich dem Theater mitteilen soll, dass ich derzeit nicht arbeiten kann und die Premiere vorerst ausfallen muss. Ich verabrede mich mit dem Dramaturgen, der die Produktion hätte betreuen sollen. Auf dem Fahrrad bereite ich mich auf das Gespräch vor und lasse alle möglichen Szenarien durch meinen Kopf gehen. Wir setzen uns auf den Platz vor dem Theater, und ich lasse die Bombe platzen. Der Dramaturg versucht, einige konstruktive Vorschläge zu machen, bietet an, bestimmte Aufgaben zu übernehmen oder andere Personen zu engagieren, die mich bei der Arbeit unterstützen könnten. Doch ich weiß, all das übersteigt gerade meine Kapazitäten. Momentan schaffe ich es nicht und bin selbst von mir enttäuscht. „Nein, es tut mir leid“, sage ich entschieden. „Wir müssen die Produktion verschieben.“ Das Jahr 2024 kann ich nur als beschissen bezeichnen. Nach einer Reihe katastrophaler Ereignisse in meinem Leben fand ich mich in einer schweren depressiven Phase,...

Hier schreiben unsere Kolumnist:innen, die Übersetzerin und Dramaturgin Iwona Nowacka, der Regisseur und Hörspielmacher Noam Brusilovsky, monatlich im Wechsel und ihnen folgend die Schriftstellerin Terézia Mora und Anna Bertram

Krankheitsbedingt verschoben

Die zweite Raumzeitmaterialisierung

<a href="https://tdz.de/artikel/c5e10c07-22f7-4e66-b8c4-f96d1956a0ab">Zum ganzen Stück</a> Wichtiger Hinweis / Erratum In der Printausgabe von TdZ 3/26 ist versehentlich eine Fassung von Noam Brusilovskys Stück „Fake Jews. Eine Autofiktion“ abgedruckt worden, die in der Form nicht für die Veröffentlichung bestimmt war. Wir entschuldigen uns bei Autor und Leserschaft, bedauern diesen Fehler und verweisen auf die gültige Stückfassung in den digitalen Angeboten von TdZ, wie sie von Carstensen &amp; Oegel International mit den Bühnenrechten vertreten und in der April-Ausgabe abgedruckt wird. Hast du denn jemals einen Fake Jew persönlich kennengelernt? Noam Brusilovsky: Es gibt viele Leute, bei denen ich das ahne. Wenn Leute anfangen, von einem jüdischen Familienanteil zu erzählen, und das habe ich schon öfter erlebt, stelle ich das immer infrage. Es ist immer eine Vermutung und es passiert mir sehr oft, dass ich denke, etwas stimmt nicht in den Erzählungen, die ich mitbekomme. Und da ist es immer ein Anteil der Familie, der vorgebracht wird. Wenn jemand sagt, meine Eltern sind jüdisch und ich bin eigentlich jüdisch aufgewachsen, aber ich hatte keine Ahnung davon, das geht ja gar nicht. Also es muss immer jemand in der Familie sein, wo sie nicht genau wissen, in welchem Zusammenhang das wieder neu entdeckt steht. Und es...

Noam Brusilovsky über sein Stück „Fake Jews“ im Gespräch mit Thomas Irmer

Das Wohnzimmer als großes Theater

Wer setzt den perfekten Haken?

Geisterstück

Die Zwischenmomente erwischen

Was macht das Theater, Martin Heckmanns?

Das globale Upcycling-Prinzip

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Stück

Neubau & Sanierung

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

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Politische Konfliktzonen

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Was macht das Theater...?

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Eine runde Sache

Fake Jews

geboren 1989 in Haifa, deutsch-israelischer Dramatiker, Regisseur und Hörspielautor, lebt in Berlin.

Moritz Kienemann in „Fake Jews“ von Noam Brusilovsky. Regie Noam Brusilovsky, Bühne und Kostüme Julia Plickat am Deutschen Theater Berlin

Noam Brusilovsky, geboren 1989 in Haifa, Israel

Das Märzheft 2026 von „Theater der Zeit“ widmet sich dem Schwerpunkt „Bühnenmütter und Mütternarrative“ und fragt, wie sich künstlerische Arbeit und Fürsorge heute vereinbaren lassen. Interviews, Essays und Erfahrungsberichte – unter anderem von Jorinde Dröse, Carola von Seckendorff, Elisabeth Köstner und zu den Arbeiten und u. a. Pina Bergemann – beleuchten strukturelle Hürden, Initiativen wie den Verein Bühnenmütter e. V. und das Projekt Culture.Care sowie aktuelle Mutter-Stoffe auf deutschsprachigen Bühnen.
Der Stückabdruck diesmal: Noam Brusilovskys „Fake Jews“, uraufgeführt am Deutschen Theater Berlin.
Außerdem: Berichte zur neuen Intendanz am Schauspiel Leipzig, zum  Festival Premières am Le Maillon in Straßbourg, ein Inszenierungsbericht von der „Möwe“ gleich zweimal in Norddeutschland sowie, wie immer: das Kunstinsert (diesmal zu den Stadtraum-Pionier:innen Angie Hiesl/Roland Kaiser) Kolumnen und Buchrezensionen.
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Bühnenmütter und Mütternarrative

Mit Humor ist es so eine Sache, auch im Theater. Es gibt ihn, aber er ist schwer zu greifen, und noch schwerer ist es, darüber zu diskutieren, ohne dabei den Humor zu verlieren. Als TdZ den Regisseur Antú Romero Nunes nach seiner Premiere von Shakespeares „Was ihr wollt“ am Berliner Ensemble (auf dem Titel) deswegen anriefen, schien er gleichsam auf eine solche Gelegenheit gewartet zu haben. Nunes, Absolvent der Berliner Hochschule für Theaterkunst Ernst Busch als Regisseur, ist in mehreren Kulturen zu Hause und kann deshalb von innen und außen auf das Thema Humor im deutschen Theater schauen. Das Gespräch war nach dem Interview lange noch nicht beendet und ging immer weiter. Wie auch das über die sogenannte Wertigkeit von Komödien, die als relevante Problemstücke wie Dietmar Jacobs’ „Extrawurst“ großes Publikum ins Theater ziehen. Seine fein gebauten Stücke sind Blockbuster des Theaters und deshalb nicht so leicht einzuordnen. Lachen ist Selbstklärung.
Daneben bietet das Januar-Heft einen Ausblick auf Theater der Welt in Chemnitz 2026, einen Bericht vom Festival Science and Theatre in Heilbronn (mit starkem Fokus auf KI, XR und digitale Ästhetiken) sowie einen Blick auf den Neustart des ETA Hoffmann Theaters Bamberg unter John von Düffel.
Und wie immer: einen Stückabdruck (diesmal die Fassung von Ruth Maria Thomas’ „Die schönste Version“ aus Cottbus), neuen Kolumnist*innen und einer neuen Ausgabe der Serie zu Grenzphänomenen von Theater und Sport.
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Humor auf der Bühne

Checklisten, Best-Practice-Beispiele und konkrete Methoden für kulturelle Teilhabe und Mehrsprachigkeit
Community-Booster: durch kollaborative Netzwerke diversitätsbewusstes Kinder- und Jugendtheaterarbeit positionieren
Teilhabe und Mehrsprachigkeit als ästhetisches Potenzial im Theater für junges Publikum begreifen. Begegnungsraum für junge Menschen mit unterschiedlichen gesellschaftlichen Privilegierungs- und Marginalisierungserfahrungen sein. Neues proletarisches Theater mit jungen Menschen machen. Bewusst Intersektionalität mitdenken und gleichberechtigt Theater schaffen. Sich selbst sowie die eigenen Arbeitsstrukturen machtkritisch befragen und geduldig in Bewegung bringen.
Was wie eine Utopie klingt, ist im Programm „Perspektiv:Wechsel“ der ASSITEJ seit 2022 vielerorts passiert. Und wird auch darüber hinaus in den Darstellenden Künsten für und von jungen Menschen immer öfter praktiziert. Welche (un-)sichtbaren Hürden müssen dabei überwunden werden? Wie können konkrete Schritte geplant und umgesetzt werden? Und warum überhaupt Perspektivwechsel? Dieses „winterheft“ versammelt Praxisberichte in Form von Texten, Videos und Audioformaten, vielstimmige Argumentationen, machtkritische Positionen und Plädoyers dafür nicht mehr allein zu träumen, sondern sich zu verbünden.
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Perspektiv:Wechsel

Spielerische Übungen und künstlerische Experimente für Stimme und Sprechen
94 große Karten und Begleitheft
Ein Kartenset für alle, die Lust haben, gemeinsam die eigene Stimme zu erkunden. 94 Karten in fünf Bereichen laden zu einem spielerischen und vielfältigen Umgang mit Stimme im Theater ein. Übungen, Spiele, Experimente und Wissenskarten fördern künstlerisches Ausprobieren und bewusstes Wahrnehmen. Dafür kommen Perspektiven aus der Stimm- und Sprechbildung, der Theaterpädagogik sowie den Künsten zusammen. Für mutige Stimmen in Theater und Performance, in Bildung, Schule und im Alltag. 
38 Karten üben + wahrnehmen – geben Übungen zu allen Aspekten der Sprechstimme an die Hand – zusammen oder allein.
28 Karten spielen + experimentieren – sind von künstlerischen Beispielen inspiriert und laden ein, gemeinsam Theater und Performancekunst zu machen.
11 Karten Wissen – vermitteln Grundlagenwissen zur Stimme und räumen mit Missverständnissen auf.
6 Karten Material – stellen Gestaltungsmittel und nützliche Begriffe zur Verfügung.
3 Karten Formen – ergänzen eure künstlerischen Experimente.
8 Karten Miteinander – unterstützen eure Zusammenarbeit und regen zum Austausch an.
Konzipiert und geschrieben von Marit Fiedler, Caroline Intrup, Isabelle Zinsmaier, Matthias Dreyer.
Entstanden im Projekt „Fokus Stimme“, Studiengang Lehramt Theater, Hochschule für Musik und Theater Rostock mit freundlicher Unterstützung durch die Stiftung Innovation in der Hochschullehre.
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<a href="../../api/files/4a2c9dd6-094e-4968-9919-3ce1f582de2a/psst-Begleitheft.pdf">Begleitheft herunterladen</a>

PSST! Mit Stimme Theater machen

Puppen- und Figurentheater

Die Februar-Ausgabe von Theater der Zeit rückt das Theater in der Ukraine ins Zentrum – als Kunstform im Ausnahmezustand, die zugleich Verteidigung, Selbstbehauptung und Zukunftsentwurf einer von Krieg belagerten Gesellschaft ist. Das kulturelle Leben ist, eines der perversen Kriegsziele Russlands, nicht zum Erliegen gekommen, während der Krieg – zumindest seit der Totalinvasion – diesen Februar ins fünfte Jahr geht. Der Schwerpunkt des Heftes fragt, welche Rolle internationale Kooperation wirklich spielt – und wo sie bislang ausbleibt. Reportage, Essay und Gespräch zeichnen eine Landschaft, in der Luftalarm, Drohnen und Frontberichte den Alltag markieren, während Projekte wie das Ukrainomania-Vorhaben des Wiener Volkstheaters und des Nationaltheaters Maria Zankovetska in Lviv exemplarisch zeigen, wie gemeinsame künstlerische Arbeit neue Räume für Erinnerung und Solidarität eröffnet.​
Flankiert wird der Schwerpunkt von Beiträgen, die andere Bruchstellen der Gegenwart vermessen: ein Bericht über die „Rasenmäherpolitik“ in Baden-Württemberg analysiert, wie Kulturkürzungen ganze Szenen in Stuttgart und Karlsruhe strukturell gefährden, während ein Essay zu René Pollesch die Frage stellt, wie sich kollektive Unbehaustheit und Theaterästhetik nach seinem Tod weiterschreiben lassen.  Mit dem Fokus auf neue Schweizer Dramatik im Rahmen vom Abdruck der im Schweizer „Stück Labor 2024/25 entstandenen Stücke, öffnet die Ausgabe zugleich einen Laborraum für Texte, die Übergangsrituale, Jugendkulturen und postkoloniale Verwerfungen erkunden. Guido Lambrecht, der mit der Monumentalperformance von „Serotonin“​ am Hans Otto Theater Potsdam gerade zum Theatertreffen eingeladen wurde, beantwortet die Frage: „Was macht das Theater?“ Und wie immer: Kolumnen, Kritiken und das Kunstinsert, dieses Mal mit der neuen permanenten Lichtinstallation von James Turrel: „Beyond Horizons“, in Oelsnitz/Erzgebirge.
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Theater in der Ukraine

Palucca (1902–1993) wollte nicht hübsch und lieblich tanzen und war noch keinesfalls berühmt, als sie im Alter von 23 Jahren eine private Tanzschule gründete. In diesem Band kommen Menschen zu Wort, die eine Beziehung zu Palucca, zur Palucca Schule (gegründet 1925, heute Hochschule), Mut im Kopf und Mumm in den Knochen haben. Sie taten und tun das vorzugsweise in Projekten, mit denen Menschen im und mit Tanz zu Veränderungen angestiftet und befähigt werden, gesellschaftliche Missstände mit Leib und Seele anzugehen. Das erfordert ziemlich viel Mut.
Für den Soziologen Dirk Baecker ist Mut ein Kalkül. Für Palucca war Mut eine Voraussetzung für Kunst. Studierende des 2. und 3. Studienjahres Bachelor Tanz der Palucca Hochschule für Tanz Dresden verraten, wie sich Mut einstellen kann, selbst wenn sie Angst haben. Das könnte man sich glatt zu Herzen nehmen, und dann ist Mut zu haben vielleicht gar keine Kunst?
 
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Faszination und Verantwortung

Mut Palucca

Der menschliche Körper ist Gegenstand, Medium und Instrument der Künste! Über und durch den Körper wird dargestellt, wird Geschlecht zugeschrieben, wird ein- und ausgeschlossen, werden künstlerische Formen ebenso wie institutionelles Selbstverständnis geprägt. Die kritische Reflexion von Körperlichkeit war immer auch Anlass zum Umdenken in den Künsten. Im Mai 2024 luden vier Münchner Institutionen zum gemeinsamen Respekttag ein, um Fragen der Repräsentation, Gewaltprävention und Antidiskriminierung mit Fokus auf der Körperlichkeit zu diskutieren: die Bayerische Theaterakademie August Everding (Gastgeberin), die Akademie der Bildenden Künste München, die Hochschule für Fernsehen und Film München und die Hochschule für Musik und Theater München. Der hochschulübergreifende Aktionstag nahm in Vorträgen, Workshops, Diskursformaten und künstlerischen Beiträgen das Spannungsfeld des herausgeforderten und herausfordernden Körpers in der zeitgenössischen Kunst in den Fokus.
Die Publikation ist nicht nur eine Dokumentation und Rückschau auf diesen Respekttag 2024, sondern eine Sammlung von wissenschaftlichen und künstlerischen Perspektiven zu den zentralen Themen des Aktionstages.
Mit Beiträgen von Magz Barrawasser, Franzy Deutscher, Lann Hornscheidt, Nele Jahnke, Jayrôme C. Robinet, Jenny Schrödl u. v. m.
 
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Herausfordernde und herausgeforderte Körper in der zeitgenössischen Kunst

„Challenge(d) Bodies“

Amerikanisches Theater

Nach dem Tod von Heiner Müller am 30. Dezember 1995 entstand das erste TdZ-Arbeitsbuch mit dem Titel „Kalkfell“. Es folgten ein zweiter „Kalkfell“-Band und viele Einzelstudien und Aufsatzbände in der TdZ-Recherchen-Reihe sowie in der Zeitschrift immer mal wieder Texte aus Müllers Nachlass, die im Entstehen der Werkausgabe bei Suhrkamp entdeckt wurden. Dazu opulente Bände zu Müllers eigener Inszenierungsarbeit und B. K. Trage­lehns Müller-Inszenierungen. Die Biografie Heiner Müllers war indes bisher kein ausgeprägtes Feld bei Theater der Zeit. Im hier aus Anlass des kleinen Gedenkjubiläums zusammengestellten Schwerpunkt finden Sie neben den Beiträgen von Kristin Schulz und Wolfgang Storch die Erinnerungen von Hans-Jochen Vogel an seinen Cousin Heiner. Die Lebenswege gingen schnell weit auseinander – Müller verließ schon jung den erzgebirgischen Herkunftsraum und ging nach Berlin, ­Vogel blieb in der Gegend und wurde Studentenpfarrer in Karl-Marx-Stadt beziehungsweise Chemnitz. Verbunden blieben sie durch das Interesse aneinander – und deshalb ist Vogels (online vollständig zu lesendes) Memoir ein erhellendes Stück Müller-­Literatur heute.
Mit Tilda Swinton kommt man in die verschiedensten Bereiche von Film und Theater, so wie das Kunstinsert an ihre Zusammenarbeit mit Derek Jarman und Pedro Almodóvar erinnert. Ihre Zeit mit Christoph Schlingensief ist legendär und nebenbei war bei der Arbeit an diesem Beitrag auch noch von ihrer Rückkehr auf die Bühne zu erfahren. 1982 schrieb der Regisseur Manfred Karge sein erstes Stück, „Jacke wie Hose“, über eine Frau, die in der Weltwirtschaftskrise von 1929 die Stelle ihres verstorbenen Mannes annimmt und fortan, heute würde man sagen, als ‚männlich gelesen‘ weiterleben muss. 1987 spielte Swinton am Londoner Royal Court Theatre die englische Erstaufführung – und 2026 wird sie diese „Man to Man“-Szenen wieder am Royal Court spielen, mit einem geplanten Gastspiel im Berliner Ensemble.
Ein kuratiertes Insert befasst mit Machtmissbrauch in den Darstellenden Künsten – das Netzwerktreffen von Helvetiarockt und m2act.
Über gleich zwei Neustarts berichtet das Heft, in Hamburg und in Freiburg, genauso wie über Festivalberichte. Weiterhin, wie immer: der Stückabdruck (diesmal von Gerhild Steinbuch) unsere Kolumnen.
 
 
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Zwischen Bühne und Film

Tilda Swinton

Im Jahr 2025 feiert das Rheinische Landestheater sein einhundertjähriges Bestehen – und 25 Jahre den festen Ort mit bespielten Bühnen in der Oberstraße. Gemeinsam mit verschiedenen Wegbegleiter:innen und (Theater-)Expert:innen blickt das Haus auf ein Jahrhundert Theater in Neuss, Nordrhein-Westfalen und entfernteren Orten zurück; die Doppelfunktion als Haus mit einem festen Ensemble in einer rheinischen Großstadt, das zusätzlich als Landestheater mit seinem Programm (auch über die Landesgrenzen Nordrhein-Westfalens hinaus) Kultur in die Fläche und Orte ohne eigene Theaterbetriebe bringt, ist als spannende Institution eine nähere Betrachtung wert. Gleichzeitig bietet das Jubiläum bei aller Nostalgie auch genügend Anlass, um zusammen so manchen Ausblick in die Zukunft zu werfen – voller Vorfreude auf Alles, was kommt!
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Ein Jahrhundert Rheinisches Landestheater Neuss

Blick zurück nach vorn

Opulent bebilderte Buchausgabe, die die musiktheattrale Installation visuell und textlich dokumentiert
Künstlerisches Mahnmal über Krieg, Zerstörung und menschliche Resilienz
Die mit dem OPUS KLASSIK 2025 ausgezeichnete musiktheatrale Installation des Mozartfests Würzburg setzte sich künstlerisch mit der Bombardierung Würzburgs am 16. März 1945 auseinander. 80 Jahre nach der Zerstörung der Barockstadt verschmolzen Lyrik von u. a. Paul Celan und Bertolt Brecht, Zeitzeugenberichte und Musikwerke aus vier Jahrhunderten zu einem sinnlichen Klangerlebnis, das historische Narben ertastet und Brücken zur Gegenwart schlägt. 
Im historischen Mutterhaus der Erlöserschwestern, wo 500 Menschen die Bombennacht im Luftschutzkeller überlebten, entstand eine immersive Theaterform, die Erinnerungskultur neu denkt. Werke von Mozart, Mahler, Schumann und Copland trafen auf zeitgenössische Interpretation und machten Kriegstraumatisierung unmittelbar erfahrbar. Die visuelle Gestaltung mit eindrucksvollen Fotos dokumentiert die Installation sowie ihre Genese und ermöglicht es, das Konzert anhand des Buches wieder nachzuempfinden. Ein künstlerisches Mahnmal, das zum Gedenken und Nachdenken anregt.
„Hell ist die Nacht“ ist eine Produktion vom Mozartfest Würzburg. Regie Max Koch, Dramaturgie Tamara Yasmin Quick, Musikalische Leitung Ulrich Cornelius Maier
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Eine Dokumentation

Hell ist die Nacht

Games, Übungen, Show- und Langformate sind in Form einer umfassenden Liste im vierten Band der Reihe Improvisationstheater enthalten. Darunter Games für jeden Zweck: Theater-Workshops, Shows und Gruppen-Warm-Ups. Sie sind nach ­ Kategorien ­ unterteilt: Körperliche, verbale, erzählerische, szenische Games. Außerdem enthalten sindzahlreiche musikalische Formate und anspruchsvolle Langformen sowie einige Klassiker als auch Inspirationen für Schauspieltrainings und Impro-Shows.
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Games und Formate. Ein Nachschlagewerk

Improvisationstheater (Bd. 4)

25 Jahre Förderung neuer schweizer Dramatik
Der DRAMENPROZESSOR gehört seit 25 Jahren zu den wichtigsten Förderprogrammen für zeitgenössische Dramatik in der Schweiz. Über 60 Autor*innen haben hier unter professioneller Begleitung innovative Theatertexte entwickelt – von den großen Fragen der Gegenwart bis zum gesellschaftlichen Wandel im Theaterbetrieb. Im jetzt vorliegenden Buch beleuchten Anna Bertram, Nathalie Eckstein und Lina Wölfel die Geschichte und die Transformation dieser einzigartigen Institution. Das Porträt stellt den DRAMENPROZESSOR als Werkstatt für Gegenwartsdramatik und als Ort für politisch-ästhetisches Umdenken vor – weit über die Grenzen klassischer Theaterarbeit hinaus.
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25 Jahre Gegenwart schreiben

Theater zwischen Krieg und Exil

Kinder ins Spiel bringen – double 53 widmet sich dem Puppen-, Figuren- und Objekttheater für junges Publikum. Der genauere Blick zeigt: In einer offensiven Neuentdeckung des kindlichen Publikums und einem klaren Bekenntnis zu Kindern als kompetenten Zuschauer*innen liegt künstlerisches Entwicklungspotenzial für das Puppen- und Figurentheater.
Gerd Taube eröffnet den Thementeil mit einer kritischen Bestandsaufnahme des historischen Erbes und des heutigen Selbstverständnisses des Puppentheaters zwischen Kindertheater und zeitgenössischer Kunstform. Dramaturginnen aus Chemnitz, Dresden, Bautzen und Gelsenkirchen berichten über Produktionsbedingungen in der kleinsten Sparte des Stadttheaterbetriebs. Sibylle Peters, Ellinor Lidén und weitere Autorinnen beleuchten Forschungstheater, Publikumsforschung und Figurentheaterpädagogik.​
Dazu: Festivalberichte aus Polen, Prag und Braunschweig, ein Essay zur William-Kentridge-Ausstellung in der Dresdner Puppentheatersammlung sowie ein Rückblick auf zwei Jahre Vernetzungsarbeit im Bündnis KompleXX Figurentheater. Im Schweizer Fenster: Porträt der scheidenden Leiterin des Figurentheaters Winterthur und ein Gespräch über Inklusion am Theater Stadelhofen
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Puppentheater für junges Publikum

Kinder ins Spiel bringen 

Die Aprilausgabe widmet ihren Schwerpunkt dem Gefängnistheater — einer Theaterform, die weit über Resozialisierungsmaßnahmen hinausgeht. Im Mittelpunkt steht das Berliner Projekt aufBruch, das seit 1997 in Haftanstalten öffentlich zugängliches Theater produziert, zuletzt Becketts „Warten auf Godot“ in der JVA Plötzensee. Weitere Beiträge beleuchten Gefängnistheater in Baden-Württemberg, Frankreich sowie im Film.
Zum 90. Geburtstag des Regisseurs und Dichters B. K. Tragelehn erscheinen zwei Porträts — über sein Lebenswerk zwischen Brecht und Heiner Müller sowie sein umfangreiches Shakespeare-Übersetzungswerk. Außerdem: Eva Mattes kommt mit ihrer dritten Zusammenarbeit mit Roberto Ciulli am Theater an der Ruhr ans Theater zurück. Die Fotografin Luna Zscharnt stellt in einem Kunstinsert ihre Bühnenfotografie vor.
Im Magazinteil analysiert Michael Helbing die Theaterpolitik der AfD Sachsen-Anhalt, Lina Wölfel kommentiert das Klassiker-Mashup-Poptheater in ihrer Kolumne. Außerdem: Fabienne Dürs neues Stück „Geisterstück“, ein Bericht über Dokumentartheater am Schauspiel Köln sowie ein Film-Essay über Einar Schleef.
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Gefängnistheater

Fortschreibung von Brechts „Messingkauf“ für die Gegenwart
Konkrete Impulse für heutige Theaterarbeit
Wie sieht ein Theater aus, das die lokalen und globalen Beziehungen aller Lebewesen wirklich ernst nimmt? Der Messingkauf im Curazän knüpft an Bertolt Brechts fragmentarischen Klassiker Der Messingkauf an und fragt nach der gesellschaftlichen Rolle des Theaters in dunklen Zeiten. Das Curazän – eine imaginierte Gegenwartsepoche der „cura“, der Sorge gegenüber und von allen Lebensformen – bildet dabei den gedanklichen Rahmen für eine neue Theaterpraxis jenseits des Anthropozäns.  
Gemeinsam mit Theatermacher:innen, Philosoph:innen, Jurist:innen, Journalist:innen und Aktivist:innen entwickeln Teresa Kovacs und Kevin Rittberger neue Perspektiven für ein regeneratives Theater, das ökologische Krisen ebenso denken kann wie den Aufstieg des Faschismus. Polyloge und Prosastücke bilden eine praxisnahe Theatertheorie für das 21. Jahrhundert – zwischen ökologischer Neuverortung und dem Mut zu radikalen Neuanfängen.
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Krankheitsbedingt verschoben

Mein Nachruf auf Aviva Ronnefeld

Heimat Wareniki

Neuerscheinungen im Verlag