Totkürzungen drohen

Die Heterotopien erhalten

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Hamburger Marathon

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Der Materialergründer

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Kompositionsprinzip Collage

Angstlos! Heimatlos?

Elf Vorstellungen im Wettbewerb, vier im Begleitprogramm und diverse Zusatzveranstaltungen erwarteten das Publikum vor Ort und uns, eine Gruppe internationaler Fachbesucher*innen, die das gastgebende LGM, das Puppentheater Maribor, zu diesem nationalen Showcase mit integriertem Wettbewerb eingeladen hatte. Doch bei genauerem Hinsehen konnte man den Eindruck gewinnen, die beiden bekanntesten Puppentheater Sloweniens würden eine Art Zweikampf ausfechten: Sechs der elf Wettbewerbs-Inszenierungen kamen aus Ljubljana, vier aus Maribor. Dass man knapp an einem Duell zwischen dem Puppentheater Ljubljana und dem Puppentheater Maribor vorbeischrammte, lag an einer ebenfalls ins Programm gewählten slowenisch-kroatischen Koproduktion für junges Publikum, der Tragikkomödie „Nepozabek/Forget me not“ von Peter Kus. Nicht alle slowenischen Besucher*innen goutierten dieses programmatische Übergewicht der großen Puppentheater-Tanker. Die Kuratorin der Biennale, die Dramaturgin und Theaterwissenschaftlerin Nika Leskovšek, begründet in einem ausführlichen Vorwort zum Programmheft ihre Entscheidung mit großen qualitativen Unterschieden in den Arbeiten von Theaterinstitutionen und freien Gruppen Sloweniens. Das leuchtet mir nach dem als experimentell angekündigten „Bumm, krach, peng“ im Begleitprogramm fast ein. Dass dann aber eine aufwändige, viel Luft und durchaus künstlerische Sinnfragen produzierende Inszenierung wie „Das Frühlingsopfer“ vom Puppentheater Ljubljana Eingang in den Wettbewerb gefunden hat, verwundert doch einigermaßen. Doch das Puppentheater der slowenischen Hauptstadt kann auch anders. Wie anders, das war...

Einige Protagonist*innen des slowenischen Puppentheaters sind ja bereits seit längerem auch hierzulande unterwegs – dazu gehören das Lutkovno gledališce Ljubljana, das Lutkovno gledališce Maribor, die Formation „Moment“, die mit „Victoria 2.0“ nicht nur beim Schweizer Grünschnabel-Wettbewerb Furore machte, sondern auch bei der Imaginale in Stuttgart (vgl. S. 36), und natürlich Matija Solce, der kürzlich, beim Weitblick Festival in Braunschweig, auch solo wieder einmal Begeisterungsstürme ausgelöst hat. Dass das kleine Land mit seinen etwas mehr als zwei Millionen Einwohnern auf dem Gebiet des Puppentheaters aber noch weitaus mehr zu bieten hat – davon sollte die „10th Biennial of Puppetry Artists of Slovenia“ im September 2019 zeugen.

10. Biennale des slowenischen Puppentheaters

Showdown beim Showcase

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Es müssen Köpfe rollen

Was macht das Theater, Alexander Karschnia?

Fundament Das slowenische Theater war seit seinen Anfängen eine der Grundlagen für die Entwicklung der nationalen Identität. Darüber hinaus war es bis ins dritte Jahrtausend eng mit der Sprache und der heimischen Dramatik verbunden. Für den Durchschnittseuropäer ist Slowenien eine Art „Bonsai-Land“, denn es ist sowohl bevölkerungs- als auch flächenmäßig eines der kleinsten Länder Europas. Doch im Bereich der Darstellenden Künste weist es eine mit anderen europäischen Metropolen vergleichbare Vielfalt und Fülle auf. Natürlich ist Slowenisch als archaischste slawische Sprache, die sich unter anderem mit der seltenen grammatikalischen Dualform rühmt und nur von zwei Millionen Einwohner:innen gesprochen wird, ebenfalls eines der Hindernisse, dass das slowenische Theater über die Landesgrenzen hinaus (noch) nicht sichtbarer geworden ist. Bereits zur Zeit des jugoslawischen Staates galt das slowenische Theater als besonderes Phänomen, in dem große Durchbrüche geschahen. Zwei Beispiele sind besonders hervorzuheben. Ende der 1960er richtete sich die Generation der damals aufstrebenden Theatermacher:innen provokativ gegen die Strömung des literarischen Theaters und kündigte im Geiste der Artaud’schen Prinzipien die performative Wende an. Der Regisseur und Drama­tiker Dušan Jovanovic´ (1939–2020) been­dete 1969 das Neo-Avantgarde-­Happening „Pupilija, papa Pupilo pa Pupilcˇ ki“ (Pupilia, Papa Pupilo und die Pupilchen) mit der rituellen Schlachtung eines Huhns vor den Augen der...

Slowenien, eines der kleinsten Länder Europas, hat eine lebendige und vielfältige Theaterszene. Neben den Zentren Ljubljana und Maribor gibt es eine Reihe von Stadttheatern, eine freie Szene aller Sparten und ungewöhnliche Performance-Experimente . Die bekannteste Regisseurin, Mateja Koležnik, arbeitet mittlerweile fast nur noch im Ausland, bleibt aber eine zentrale Figur in den aktuellen Entwicklungen.

Im Oktober ist Slowenien Gastland der Frankfurter Buchmesse. Aus diesem Anlass haben wir drei slowenische Autorinnen und Expertinnen eingeladen, ihr Theaterland vorzustellen. Was denkt die jüngere Generation? Welche maßgeblichen Inszenierungen gab es? Wie sieht es mit der slowenischen Dramatik aus? Folgend ein Überblicksartikel von Alja Predan, Petra Vidali über die Regiegeneration nach Mateja Koležnik und – exklusiv im TdZ-Online-Dossier Theater in Slowenien – Zala Dobovšek über neue postdramatische Texte.

Ein Überblick des Theaters in Slowenien heute

Vom toten Huhn bis zu den Millennials

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Gegen die Vereinzelung

Zehn mal zehn Prozent

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Theater ist überlebensnotwendig

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Sweet Dreams?

Mateja Koležniks letzte Premiere im slowenischen Theater fand am 15. September 2016 statt. Die jüngste Generation der heute anerkannten Regisseur:innen (Živa Bizovicar, Mojca Madon) hatte damals ihr Studium begonnen oder war noch nicht einmal so weit. Nina Rajic´ Kranjac und Žiga Divjak waren zu der Zeit dabei, ihr Debüt in einem institutionellen Theater zu geben. In kurzer Zeit eroberten sie verschiedene Arten öffentlicher Theaterinstitutionen und gewannen alle Preise bei den wichtigsten Festivals. Was verbindet ihre unterschiedlichen, jedoch ausgeprägten und konsequenten Regie-Poetiken mit denen anderer junger Regisseur:innen? Der einzige gemeinsame Nenner ist ein eklektischer, postdramatischer Ansatz. Doch es scheint ausgerechnet diese sehr allgemeine Einordnung zu sein, die sie später am meisten von Mateja Koležniks Einfluss entfernt. Mateja Koležnik sagt, der postdramatische Ansatz sei für sie nie relevant gewesen. Als Regisseurin zeichnet sie sich durch ihre Fähigkeit aus, den Originaltext und die inszenierungsbezogenen Absichten der Autor:innen nur minimal zu verändern. „Ich vermeide es, entweder zu arrogant oder zu bescheiden mit dem Text umzugehen, freue mich allerdings, wenn ich aus Worten, die älter, weiser und stärker sind als ich, etwas schaffe, das erneut erleuchtet. Vielleicht bin ich manchmal zu ängstlich, um meine Absichten zu Ende zu führen. Wenn ich es jedoch schaffe, alle...

Der Auftritt der jüngsten Regiegeneration in Slowenien

Mateja Koležniks „Kinder“

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Die präzise Komposition dieser Inszenierung ist bestechend: ein Theaterabend in zwei Hälften, die sich perfekt ineinander fügen wie komplementäre Teile eines Puzzles. Erzählt wird Sophokles‘ antike Tragödie „Antigone“, angereichert mit Material einer Adaption des Stoffes durch den slowenischen Philosophen Slavoj Žižek. Das Grundprinzip ihrer Inszenierung, erklärt Regisseurin Mateja Koležnik (eine Landsfrau Žižeks) im Programmheft, sei das filmbekannte von „Schuss und Gegenschuss“. Dabei geht es um zweierlei inhaltliche Perspektiven, ebenso wie, ganz konkret, um entgegengesetzte Blickrichtungen. Schauplatz dieser „Antigone“ ist ein moderner Bunker (Bühne: Christian Schmidt). Sirenen heulen, schwerbewaffnete Militärs hasten vorbei. In der ersten Hälfte blickt das Publikum in einen Durchgangsraum, von dem Metalltüren in verschiedene Nebenzimmer abgehen. Auf einer warnt ein Schild von Radioaktivität. Eine andere führt in einen Konferenzsaal, in dem sich die Führungselite Thebens versammelt. Wird die Tür geöffnet, weil jemand ein- oder heraustritt, bekommt man einen winzigen Einblick. Auch einzelne Satzfetzen dessen, was drinnen verhandelt wird, schnappt man auf. Die meiste Zeit aber ist nur hör- und sichtbar, was sich vor verschlossener Türe abspielt. In der zweiten Hälfte dann die andere Perspektive: Jetzt schauen wir in den holzverkleideten Saal, eine Art Panic Room, in dem Kreon, der neue starke Mann von Theben, seine Minister und Mitstreiter...

„Antigone“ von Sophokles und unter Verwendung von „Die drei Leben der Antigone“ von Slavoj Žižek – Regie Mateja Koležnik, Bühne Christian Schmidt, Kostüme Ana Savić Gecan, Musik Bert Wrede

Residenztheater München: Schuss / Gegenschuss

Warum ist Frank Castorf der Regisseur, der in den letzten zwanzig Jahren die einflussreichsten Spuren im Theaterschaffen der Länder des ehemaligen Jugoslawiens hinterlassen hat? Dafür gibt es viele Gründe. Regisseure, Dramaturgen, Bühnenbildner und nicht zuletzt das Publikum lernten seine Inszenierungen relativ unsystematisch kennen. Erkennbar ist das unproportionale Verhältnis zwischen der Zahl der Gastspiele der Berliner Volksbühne und deren immenser Wichtigkeit. Die Einflüsse von Castorfs Poetik sind in den Werken von Generationen von Künstlern zu finden, die sich nach dem Zerfall des einst großen Landes herausbildeten, das mit seiner blockfreien Politik und dem dritten Weg, der unorthodoxen kommunistischen Ideologie, einen Leuchtturm für den gesamten Ostblock darstellte. Paradoxerweise wurden Castorfs Inszenierungen am häufigsten in Bosnien und Herzegowina sowie in Serbien gezeigt, öfters als in Kroatien und Slowenien, wo wiederum seine Poetik stärkere Spuren hinterließ und zahlreiche Anhänger hat. Die professionelle slowenische und kroatische Theaterelite sah seine Arbeiten regelmäßig bei den Wiener Festwochen. Auf dem einst von Mira Trailovic´ und Jovan C´irilov gegründeten, berühmten Belgrader BITEF-Festival wurde 1996 die Inszenierung „Pension Schöller: Die Schlacht“ gezeigt, die auch den ersten Preis gewann, im Jahre 2011 war hier „Nach Moskau! Nach Moskau!“ (nach Tschechows Drama „Drei Schwestern“ und seiner Erzählung „Die Bauern“) zu sehen. Auf...

Frank Castorf und das (post)jugoslawische Theater

Roter Pilot

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Festival der Besessenen

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Inklusive Ansätze erproben!

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Mit dem Theater die Welt verändern

Guilt-Trip durchs Vogtland

Was ist Theater?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Als Jernj Lorenci am Slowenischen Nationaltheater Ljubljana (SNG Drama Ljubljana), das zentrale Schauspielhaus in Slowenien, 2016 das Theaterstück „König Ubu“ nach den Prinzipien des Devised Theaters inszenierte, löste das in der slowenischen Kulturwelt heftige Reaktionen auf mehreren Ebenen aus. Diese sogenannte Revolution war nicht nur auf das methodologische Prinzip des Devised Theaters, sondern auch auf den Ort der Aufführung zurückzuführen. Es handelte sich nämlich um das allererste Beispiel für ein Devised Theater auf der großen Bühne des slowenischen Nationaltheaters. Ganz gleich, welche positiven oder negativen Reaktionen das Projekt bei der Fachöffentlichkeit und dem Publikum hervorrief, galt dies durchaus als bedeutende politische Geste und Wende des aktuellen Theaterrepertoires. Im Falle von „König Ubu“ kam es zu Meinungsverschiedenheiten, ob es sich dabei um ein Experiment handele oder nicht. Die Antwort ist zweigeteilt. Einerseits ging es bei der Aufführung eindeutig um die radikale Umwandlung eines kanonischen Textes. Sie wurde durch improvisierte Einlagen, politische Unkorrektheiten, erzählerische Aktualisierungen und performative Interaktionen ergänzt. All dies geschah mit einer solchen Intensität und Prinzipientreue, wie man sie bisher auf der großen Bühne des SNG Drama Ljubljana noch nie zu sehen bekam. In diesem Sinne könnte man die Inszenierung als experimentell bezeichnen, nicht zuletzt auch in Hinblick auf...

Wie das Devised Theater die Position der Dramatik im slowenischen Theater veränderte

Viel Potenzial, wenig Raum

Zwischen Illusion und Ideologie

Vollkommen nackt betritt Marko Mandić die leere Bühne des slowenischen Nationaltheaters in Ljubljana. Sechs Techniker kippen ein Podest und den darauf stehenden Mandic´. Damit kippen sie das Podest zu einer Ausstellungswand und den Schauspieler in den Abend hinein. Was folgt, ist die zweistündige Solo-Performance „MandićCircus“ in der Regie von Bojan Jablanovec. Mandić, in Slowenien ein Star, rezitiert aus Texten der Stücke, die er in seiner seit zwanzig Jahren äußerst erfolgreichen Karriere gespielt hat. Er wird zum Wolf, zum gefallenen Engel, zur unglücklichen Frau. Die Wechsel vollzieht er schnell, routiniert und zeigt dabei sein exzellentes schauspielerisches Können. Er jagt durch die Texte in der Reihenfolge, in der er die Rollen in den jeweiligen Inszenierungen gespielt hat. Dabei ist der Text für die Performance so klug zusammengestellt, dass er auf einer Metaebene zu einer Abhandlung über Schauspielkunst, über Kunst als solche und über Mandic selbst wird. Eine Schleife zieht er, als er aus „Viva Mandić“, einer Solo-Performance über seinen beruflichen Erfolg aus dem Jahr 2009, zitiert. Auf der Ausstellungswand als Leinwand hinter ihm laufen im Video die Titel der zitierten Texte (Video Matej Stupica, Stella Ivšek, Jure Lavrin) zu einem bassigen White-Noise (Musik Samo Kutin), beginnend im Jahr 1995 mit „The Indian...

Der Performance-Showcase in Ljubljana zeigt verschiedene Varianten eines Begriffs

Körper auf der Bühne

Der Kultur-Kahlschlag droht

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Slowenien, eines der kleinsten Länder Europas, hat eine lebendige und vielfältige Theaterszene, neben den Zentren Ljubljana und Maribor gibt es ein System von Stadttheatern. Die bekannteste Regisseurin, Mateja Koležnik, arbeitet mittlerweile fast nur noch im Ausland.
Im Oktober 2023 ist Slowenien Gastland der Frankfurter Buchmesse. Aus diesem Anlass haben wir drei slowenische Autorinnen und Expertinnen eingeladen, ihr Theaterland vorzustellen. Was denkt die jüngere Generation? Welche maßgeblichen Inszenierungen gab es? Wie sieht es mit der slowenischen Dramatik aus?

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„Rose Bernd“ von Gerhart Hauptmann, Regie Mateja Koležnik, Slovensko ljudsko gledališce Celje 2015/16. Ensemble: Liza Marijina, Barbara Medvešcek, Tanja Potocnik, Manca Ogorevc, Pia Zemljic, Damjan M. Trbovc, David Ceh

Performance im Weltraum: „Gravitacija Nic Noordung“ (Gravitation Null Biomechanik Noordung – Abschiedsprozess). Inszenierung der Attraktion Dragan Živadinov, Sternenstadt Moskau, 17.8.1999

„Extima: Fertile Soil“

Die „bunte Esse“, ein Wahrzeichen von Chemnitz

Kampnagel – Deutschlands größte freie Spiel- und Produktionsstätte mit multifunktionalem Bühnenkomplex, feiert vierzigsten Geburtstag. Die Geschichte der Hamburger Kulturfabrik vom Fabrik-Underdog zum Staatstheater ist ein sich fortschreibendes Kapitel deutscher und europäischer Kulturgeschichte. In den völlig unheiligen Hallen Kampnagels kristallisiert sich, wie sich Theaterkultur in Bezug auf Spielformen, politische Anliegen, institutionelles Handeln sowie Internationalität verändert hat. Das Buch „40 Jahre Widerspruch“ beschreibt, bewertet und befragt die Geschichte, Gegenwart und Zukunft des Hauses sowie der Spiel- und Produktionspraxis. In fünf Kapiteln, die seinen inhaltlichen Schwerpunkten folgen, präsentiert sich Kampnagel als das Zentrum eingreifenden Denkens und Handelns: solidarisch, nachhaltig, avantgardistisch. 
Mit Beiträgen u. a. von Benjamin Foerster-Baldenius, Nikolaus Müller-Schöll, Sibylle Peters, Anne Lacaton und Jean-Philippe Vassal,  Alok, God’s Entertainment, Ibrahim Arslan, Carina Book und Sophia Hussain, Ewelina Benbenek sowie Holger Bergmann.
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Workbook zum Jubiläum

Kampnagel Hamburg. 40 Jahre Widerspruch

Auf dem Titel und im Kunstinsert: Gisèle Vienne. Die französisch-österreichische Choreografin hat in den letzten 20 Jahren ein „Ensemble“ von lebensgroßen Puppen­ zusammengestellt, die immer wieder in ­ihren Arbeiten zwischen Tanz, Performance, Fotoporträts der offenbar misshandelten Figuren und auch Film anzutreffen sind. Jetzt gibt es in Berlin erstmals eine große Retrospektive dieser ungewöhnlichen Künstlerin – alles im Beitrag von Theresa Schütz auf den Seiten 26 bis 31.
Ensemble heute ist das Thema des Schwerpunkts in diesem Heft. Brechts Berliner Ensemble wurde vor 75 Jahren gegründet. Der derzeitige Intendant Oliver Reese spricht im Interview über seine „Ensemble-Euphorie“, die aufrechtzuerhalten ihm nicht immer leichtfällt, auch wenn er für ein Foto auf das Dach des Hauses mit dem legendären, von Peter Palitzsch entworfenen und noch immer in die Nacht leuchtenden Signet gestiegen ist. Indes gibt es auch ganz andere Ensemble-Modelle, die auf der umfassenden Idee für eine Theatergemeinschaft basieren. Die transnationale KULA Compagnie, das Theaterhaus Jena und das seit über 40 Jahren auf der Schwäbischen Alb bestehende Theater Lindenhof in Melchingen, porträtiert von der Baden-Württemberg-TdZ-­Redakteurin Elisabeth Maier.
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Gisèle Vienne Unheimliche Collagen

Ensemblekultur heute

Das sommerheft 2024 von ixypsilonzett. darstellende künste &amp; junges publikum widmet sich dem Thema Theatervermittlung als Vermittlungskunst: Die Beiträge aus Praxis, Wissenschaft und Diskurs spannen dabei beispielhaft einen breiten Bogen in die verschiedenen Arbeitsfelder der Theatervermittlung. Partizipative Inszenierungen und Spielclubs, Workshops, freie Projekte, fachlicher Austausch: Hier überall findet täglich Vermittlungskunst statt und wird mit den Mitteln der Performance, des Schauspiels, Musiktheaters, des Tanzes sowie interdisziplinär gestaltet. Für alle Autor:innen verbindend sind die Fragen: Wie lässt sich die ästhetische Praxis bzw. das spezifisch künstlerische Handeln in den unterschiedlichen theatervermittelnden Formaten beschreiben? Was braucht Theatervermittlung, um im besten Fall Vermittlungskunst zu sein?
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Vermittlungskunst

Vor genau 20 Jahren wurde double gegründet und unsere Leser*innen halten gerade die 50. Ausgabe in der Hand. Dieses Doppeljubiläum war für uns Anlass, den Blick zurück nach vorne zu richten und das Heftthema ‚Reenactment‘ mit der Heftgründung in Verbindung zu bringen. Haben Sie es erkannt? Das Cover greift das Titelbild des allerersten Heftes auf, und auch einige mit ‚Reenact!‘ gekennzeichnete Beiträge spinnen Themen von double 1 weiter fort. Neben aktuellen Berichten nehmen wir uns die Zeit, um unsere Reise zu reflektieren.
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Reenactment im Figurentheater

Same, same but different

Die 24. Ausgabe der Anthologie SCÈNE widmet sich Fragen von Geschlechtskonstruktion und genderbasierter, struktureller Gewalt. Acht Texte von Autor*innen aus Frankreich, Belgien, der Schweiz und Québec machen das Private zum Politischen – oft aus einer queeren Perspektive. Vom experimentellen Prosastück zur (nicht nur sprachlichen) Zurichtung weiblich gelesener Körper über lesbische Science-Fiction-Szenarien bis hin zu feministischen Überschreibungen klassischer Theatertexte ist dabei sowohl thematisch als auch formal große Vielfalt geboten. Gemeinsam ist allen Stücken ihr intersektionaler Ansatz: Soziale, ökologische, antikapitalistische und sexuelle Revolutionen werden zusammengedacht und auf die Bühne gebracht – mal agitatorisch-sprachspielerisch, mal performativ versponnen und mal mit fein-ironischem Humor.
 
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Neue französischsprachige Theaterstücke

Das Theaterlabor Bielefeld, gegründet 1983 von Siegmar Schröder gemeinsam mit Studierenden, ist ein prägnantes Beispiel für die Entwicklungen, die seit den 1980ern zu einer Modernisierung des deutschen Theaters und in Folge zur Konstituierung des Freien Theaters als „Zweiter Säule“ der Theaterlandschaft führen sollten.
Ein Ensemble, das kollektiv und egalitär die ­Gegenstände und Themen seiner künstlerischen Arbeit selbst bestimmte, sich permanent bei den großen, beispielgebenden Künstler*innen des „anderen Theaters“ in Europa aus- und weiterbildete, das zu internationalen Festivals eingeladen wurde und schon früh auch selbst Festivals und Koproduktionsbeziehungen in Europa und bis nach Nordamerika entwickelte und schließlich eine Institution bildete, die Bestand hat und inzwischen von einer nachgewachsenen Generation übernommen wurde.
Die Entwicklung dieser Theaterkunst aus der Kraft der Selbstermächtigung wird von Siegmar Schröder und Henning Fülle in Berichten und Interviews, Gesprächen und Erinnerungen nachgezeichnet und in den Kontext der künstlerischen und institutionellen Aufbrüche der westdeutschen Thea­terlandschaft seit den 1970er Jahren eingebettet.
Mit Interviews und Texten von Eugenio Barba, Yoshi Oida, Leo Bassi, Margarete Pikes, Horacio Czertok, Nullo Facchini, Robert Jakobson, u.v.m.
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Reisen in internationale Theaterwelten

 Wir haben es einfach gemacht!

Figurentheater und Geschlecht

Puppe*

Am 5. November heißt es in den USA: Trump oder Harris. Eine Schicksals- und Zukunftswahl für die ganze Welt. In der Theaterwelt sind die USA, ab Mitte des 20. Jahrhunderts wichtiger Impulsgeber für das europäische Theater, längst nicht mehr führend und selbst die immer kreative New Yorker Avantgarde ist für die deutsche Szene kein Magnet mehr, während der Broadway brummt nach Corona und Krise. Trotzdem lohnt ein Blick in die schwächer gewordenen Wechselbeziehungen. Die amerikanische Theaterkünstlerin und Dramaturgin Theresa Buchheister stellt das aufregende New Yorker Performanceduo Peter Mills Weiss und Julia Mounsey vor, Robert Wilson erklärt, warum er mit „Moby Dick“ ein Schlüsselwerk der amerikanischen Kultur inszeniert, und TdZ-Redakteur Stefan Keim spricht mit Noah Haidle, dem aktuell präsentesten amerikanischen Dramatiker auf deutschen Bühnen. Enjoy the show!
Zum Amerika-Schwerpunkt gehören außerdem die Doppelbesprechung der Adaptionen von Ottessa Moshfeghs Roman „Mein Jahr der Ruhe und Entspannung“ in München und Graz sowie der Vorabdruck zu Judith Malinas <a href="https://tdz.de/shop/produkt/daa87cc5-7f2f-4604-8790-e380631debe0">„The Piscator Notebook“</a>, das erstmals auf Deutsch erscheint und somit auch an die früher einmal sehr engen Wechselbeziehungen zwischen amerikanischem und deutschem Theater erinnern soll. Vielleicht wird es ja auch wieder anders?
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Amerikanisches Theater

Neuerscheinungen im Verlag