Hart, aber poetisch

Businessman des Living Theatre

Captain Hook fliegt ein

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Dominique Horwitz?

Bye-bye Frank Hoffmann! Bye-bye Franz Peschke!

Amüsieren Sie als bekennenden Ostler die Ost-West-Animositäten um die Berufung Christoph Heins ans Deutsche Theater? Ich finde das Ost-West-Gerede etwas bigott. Die Selbstverständlichkeit, mit der seit Jahren Provinzlösungen nach Berlin kommen und hier Theater übernehmen, die prominent waren, ist ein bisschen unangenehm. Was will jemand, den man in Wien [BE-Intendant Claus Peymann war 1986 –1999 Intendant des Wiener Burgtheaters] oder in Ulm [der DT-Intendant Wilms war 1991–1994 Intendant am Theater Ulm] nicht mehr haben will, ausgerechnet in Berlin? Ich habe ja nichts dagegen, jetzt ist das BE eine erfolgreiche Ku’damm-Komödie am Schiffbauerdamm, dagegen ist ja nichts zu sagen. Kulturpolitisch offensiv ist das nicht in einer Stadt, die tatsächlich brennt, und sie wird noch mehr brennen. Ich finde es gut, wenn diese Routine durchbrochen wird mit einem Intellektuellen aus dem Osten. Mich wundert ja, dass sich Christoph Hein das überhaupt zumutet am Deutschen Theater. Irritiert es Sie, dass diese Ost-West-Gereiztheiten wieder so deutlich werden, fünfzehn Jahre nach der Wiedervereinigung? Der Osten hat sich beleidigt eingebunkert. Jetzt haben alle schlechte Laune und heruntergezogene Mundwinkel. Demnächst haben wir dann noch eine Kanzlerin, die genauso aussieht wie der gesamte Osten. Für mich waren das bis 1989 gut trainierte amerikanische Streikbrecher. Die ostdeutsche Seele hat...

H. C. Andersens »Schneekönigin«, Claus Peymann, de Sade, heruntergezogene Mundwinkel, Gerhard Stadelmaier

Psychoanalytischer Pop | 2004

Stiller Abbau?

Ruhrfestspiele Recklinghausen/Theater Münster: Ein Krieg führt immer zum nächsten

Leere Bühnen  für volle Köpfe?

Transformation statt Revolte

Das Nest sauber halten

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Erst der Wald, dann der Boden

Mit der Pfeilspitze ins Herz hinein

Bewegen, Zeichnen, Überzeichnen

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

„Ein großes Festival muss eine Dynamik entwickeln“

St. Pölten:: Peter-Turrini-Dramatiker*innenstipendium für Paula van Well

Langer Atem beim Netzwerken

Publikumserregung mit Extradimension

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Dramaturgie des Zweifels

Deutsches Nationaltheater Weimar: Drei Fiktionen für dreizehn Millionen Schicksale

Weltall, Erde, Mensch

Neue Dramatik trifft Figurentheater

Dober Dan, Ljubljana

Hybridgemeinschaften?

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Lego meets Ikea

Als Ende 2017 bekannt wurde, das Theater Chur werde 2018 ein grosses Bertolt-Brecht-Jubiläum feiern, löste die Nachricht bei mir zweierlei aus: Kopfnicken und Kopfschütteln. Klar, zu Brecht hat die Kantonshauptstadt Graubündens ein geradezu beseeltes Verhältnis. Der Aufenthalt des deutschen Dramatikers Anfang 1948 in Chur; die Inszenierung und Uraufführung seiner eigens für hier geschriebenen «Antigone des Sophokles», noch dazu mit seiner Frau Helene Weigel in der Titelrolle; das während der Probenwochen entwickelte sogenannte Antigone-Modell – damals die vorsichtige Initialzündung für das europäische Nachkriegstheater, heute ein Meilenstein in der Theatergeschichte: so weit das Kopfnicken. Brecht und Chur - eine Amour fou. Aber ausgerechnet siebzig Jahre? Kopfschütteln also, es gibt üblichere Terminierungen. 1998 zum Beispiel, da wären fünfzig Jahre Churer «Antigone» und der hundertste Geburtstag Brechts aus Bündner Sicht glücklich zusammengetroffen. Wieso wären? Sind sie auch. Nur war das Stadttheater indisponiert. Im eigentlichen Sinne existierte es gar nicht, höchstens dem Namen nach. Denn schon 1992 war das Haus infolge eines kulturpolitischen Komplotts umgewandelt worden – von einer Spielstätte mit eigenem festen Ensemble in einen reinen Gastspielbetrieb. An ein vom Stadttheater initiiertes Fünfzig-Jahr-Jubiläum zu Ehren Brechts war damals nicht zu denken, zumal dem Haus jede Form von Eigenproduktion untersagt war. Die freie Churer Theaterszene...

Oder Herr Peymann überbringt einen Kuss

Brecht und Chur – Eine amour fou

Ruhm den Kleinen!

Thüringer Befund

Festival im Aufwind

Bodyhorror/Tarantino

Bilder im Takt eines Textes

Auf Augenhöhe

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

Ästhetische Übereinstimmung, strukturelle Unterschiede

sogar theater Zürich: Easy said, but schwer getan

Risiko: Das Salz unseres Lebens

Freiheit des Theater-Erlebens

Berufsbild: Digitaldramaturg

Belgrad: Nikita Milivojević nicht als künstlerischer Leiter von BITEF verlängert

Zerbrochene Familiengeschichten

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Die Rache der Königinnen

Wir gehen rein

Die Signatur unserer Zeit

Balkan Brass und Brüche

Die Grenzen der Freiheit

Stück Labor 2023/24

Guten Appetit!

Vor Ort und exklusiv

München: Auswahl für Radikal jung Festival

Mit nachhaltiger Kunst  die Menschen berühren

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Schauspiel Stuttgart: Überleben in der Karaokebar

Die Unsterblichkeit des Theaters

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Was macht das Theater, Alexander Scheer?

Wenn die Unis Trauer tragen

Warum wir Festivals brauchen

Wenn er nach vierzig Jahren wieder in Stuttgart inszeniert, geht das nicht ohne Begleittheater. Claus Peymann schimpft über eine „menschenfeindliche Stadt“ und nennt das Verkehrssprojekt Stuttgart 21 eine „Zumutung“. Sodass sich Grünen-Ministerpräsident Winfried Kretschmann angesprochen fühlt und zürnend kontert, der Bahnhofsneubau sei doch per Volksentscheid beschlossen. Auch hier: große Gereiztheit überall. Peymann und Stuttgart – das ist eine lange Geschichte. 1974 wurde er hier Schauspieldirektor, einen 1977 im Theater ausgehängten Spendenaufruf für die Zahnbehandlung der in Stuttgart-Stammheim inhaftierten RAF-Mitglieder nahm die Landesregierung dann zum Anlass, den unliebsamen Peymann 1979 loszuwerden. Der damalige Ministerpräsident Hans Filbinger, dessen Vergangenheit als NS-Marinerichter aufgedeckt wurde, trat 1978 zurück. Schnee von gestern? Vielleicht. Aber das alles schwingt mit, wenn Peymann nach seinem Abschied vom Berliner Ensemble als König ohne Land nach Stuttgart zurückkehrt – just mit „König Lear“, dem Shakespeare-Drama über einen vertriebenen Herrscher. Ein Coup. Hinzu kommt, dass da eine erstaunlich rüstige Altherren-Gang aus Ex-Stuttgarter Weggefährten antritt: Regisseur Peymann (80), Burgschauspieler Martin Schwab (80) und Bühnenbildner Karl-Ernst Herrmann (81). Was herauskommt: Theater aus einer anderen Zeit. Das in der Gegenwart unter Armin Petras längst postdramatisch gewiefte Stuttgarter Publikum sieht bald, dass Peymann auf szeneübliche Must-haves wie Video, Textumbauten oder genderkorrigierte Frau in der Titelrolle...

Schauspiel Stuttgart: „König Lear“ von William Shakespeare. Regie Claus Peymann, Bühne Karl-Ernst Herrmann, Kostüme Margit Koppendorfer

Stuttgart: Narrenlieder und immer noch Sturm

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Kampf im Käfig

Feminismus neu ausrichten

Zug: Sélection fürs Schweizer Theatertreffen bekanntgegeben 

Das große Plus an Menschlichkeit

Zirkus

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ixypsilonzett

Zwischen «Höhenfeuer» und «Welt in Chur»

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RUHRFESTSPIELE RECKLINGHAUSEN 01.05. BIS 11.06.2006

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Frühlings Erwachen

König Lear

Trilogie der schönen Ferienzeit

Dantons Tod

Die Nashörner

Die Unschuldigen, ich und die Unbekannte am Rand der Landstraße

Freedom and Democracy: I Hate You. Shoot/ Get Treasure/ Repeat

Richard II

Minetti

Theaterregisseur, 1999 bis 2017 Intendant des Berliner Ensembles.

Volker Spengler und Birgit Minichmayr mit dem Kopf von Herbert Fritsch in »Meine Schneekönigin« (2004)

Dieses Buch beschreibt erstmals die wechselvolle Geschichte des Schauspielhauses Chemnitz in einer transdisziplinären Betrachtung von Architektur und theater-künstlerischer Praxis. Es verfolgt gleichermaßen die Entwurfsprozesse wie die Aufführungsweisen der letzten fünfzig Jahre. Neben Darstellungen der verschiedenen Spielorte und der Architektur von Rudolf Weißer werden die Raumaneignungen befragt in Gesprächen mit Theaterleuten wie Hartwig Albiro, Hasko Weber, Carsten Knödler, Gundula Hoffmann und Raj Ullrich. Weitere Theaterkonzepte erklärt Stefan Schmidtke im Kontext der Kulturhauptstadt Europas 2025.
Vor dem Hintergrund der aktuellen Interimssituation von Schauspiel und Figurentheater („Spinnbau“) wird mit der Publikation zugleich die Bedeutung und Perspektive des Theaters als vielschichtiger Kulturort für die Stadt aufgezeigt.
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ISBN 978-3-95749-567-9 (Open Access)  DOI: <a title="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" href="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" data-outlook-id="e526c996-5be6-478d-a074-ff6f174f4806">10.35287/9783957495679</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a title="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" data-outlook-id="b6230f1d-8c98-42e4-bb03-0a4b291c320e">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Zwischen Zeiten und Räumen

Schauspielhaus Chemnitz

Denken wir heute an „Zirkus“, so tauchen in unseren Köpfen gemeinhin Bilder von Artistik- und Tierdressurnummern in der Manege eines Zirkuszeltes auf. Historische Quellen, die in Archiven und Bibliotheken schlummern, zeichnen jedoch ein überraschend anderes Bild der Zirkuskunst um 1900. Die in diesem Buch versammelten Fotografien, Auszüge aus Briefwechseln, Patentschriften, Presseberichte, Bauzeichnungen und vieles mehr, bieten tiefe Einblicke in die Zirkuskultur Berlins um 1900. Sichtbare Spuren der einst erfolgreichen Zirkusgesellschaften mit ihren pompösen Gebäuden mitten im Stadtzentrum finden sich heute hingegen kaum mehr. Anhand von historischen Quellen lässt das Buch Aufführungspraxis, Architekturen, Herausforderungen und Erfolge von Zirkussen, Künstler:innen und Techniker:innen auf eindrückliche Weise zutage treten.
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Eine kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../api/files/f3468a94-12c9-4680-9280-ee99ad88c389/Zirkuskunst_in_Berlin_OA.pdf" target="_blank">PDF-Download (52 MB) </a>
ISBN 978-3-95749-565-5 (Open Access)  DOI: <a title="https://doi.org/10.35287/9783957495020" href="https://doi.org/10.35287/9783957495020" data-outlook-id="c180ea25-f06b-4836-a7c2-fc4b1261b69b">10.35287/9783957495655</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Einblicke in eine vergessene Praxis

Zirkuskunst in Berlin um 1900

Die Juni-Ausgabe 2025 von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Heimat(en)“ und beleuchtet, wie Kunst und Theater Zugehörigkeit, Identität und Gemeinschaft neu verhandeln. Essays, Interviews und Berichte von Autor:innen wie Dinçer Güçyeter, Luise Voigt und Elisabeth Maier zeigen, wie vielfältig und umstritten der Heimatbegriff heute ist – von postmigrantischen Perspektiven über ostdeutsche Lebensgeschichten bis zu kulinarisch-politischen Performances.
Auf dem Titel: Sandra Hüller und Tom Schneider ­haben am neuen theater in Halle/Saale MarDis „Penthesile:a:s“ (<a href="https://tdz.de/artikel/3856c3b5-e854-4769-8eef-1533bb028485">der Stückabdruck</a>) inszeniert. Im Interview dazu betonen sie die gemeinsame Theaterarbeit, das Ensemble­schaffen – weit weg vom filmbranchenüblichen Starmodellieren eines Wunders. Ist Sandra Hüller trotzdem.
 
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Sandra Hüller und Tom Schneider

Geste des Kollektiven

Das Arbeitsbuch widmet sich dem Intendanten und Regisseur Peter Carp. Als Schauspieldirektor in Luzern (2004–2007), als Intendant des Theater Oberhausen (2008–2017) und seit 2017 als Intendant des Theater Freiburg entwickelte er ein Theaterkonzept immer stärker aus, welches auf konsequente Internationalisierung setzte, auf ein Theater als „Weltempfänger“. Kennzeichnend für seine Arbeit war eine ausgeprägte Entdeckerlust, wie er sich generell als Förderer verstand (Simon Stone, Ewelina Marciniak, Amir Reza Koohestani, Yair Sherman, Herbert Fritsch). Das reich illustrierte Arbeitsbuch gibt Auskunft zu verschiedenen Aspekten der Arbeit des Regisseurs und Intendanten Peter Carp und versammelt Zeugnisse seiner Weggefährten.
 
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Weltempfänger in Luzern, Oberhausen und in Freiburg

Peter Carp

Wir machen Theater, jedes Jahr im Sommer. Das gilt für die Burgfestspiele Jagsthausen seit 1950. Als einziges Theater im deutschsprachigen Raum wird hier seit 75 Jahren mit Goethes „Götz von Berlichingen“ Theater an seinem Originalschauplatz gespielt. Mittlerweile sind die Burgfestspiele aber viel mehr als nur „Götz“: Musicals, Kinderstücke, Schauspiele und Musiktheater im weiteren Sinne gehören zum Repertoire. Das Buch bietet Rück-, Ein- und Ausblicke. Es beleuchtet die ersten 50 Jahre im Schnelldurchlauf und konzentriert sich im Schwerpunkt auf die letzten 25 Jahre. Die vier Intendant:innen Jan Aust, Heinz Kreidl, Axel Schneider und Eva Hosemann (seit 2019) haben diese Zeit geprägt. Ihnen werden einzelne Kapitel gewidmet.
Interviews und Anekdoten beschreiben das bekannte Freilichttheater aus einer Vielzahl von Perspektiven. Auf der Bühne und hinter der Bühne sehen wir einen Organismus im ständigen Wandel. Neben einer faszinierenden Bildauswahl informiert dieser Jubiläumsband mit spannenden Inhalten rund um die Burgfestspiele sowie Zahlen und Fakten zu den Produktionen. Es ist ein Jubiläumsbuch der besonderen Art und unternimmt eine Zeitreise durch 75 Jahre Theatergeschichte.
 
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75 Jahre Burgfestspiele Jagsthausen

WIR MACHEN THEATER ... jedes Jahr im Sommer

Die 51. Ausgabe von „double“ mit dem Schwerpunkt „Zum Verhältnis von Puppe und Text“ beleuchtet auf vielfältige Weise die komplexe und sich wandelnde Beziehung zwischen dem geschriebenen Wort und der performativen Kraft des Figurentheaters. Das Heft untersucht historische Entwicklungen, gegenwärtige Tendenzen und zukünftige Perspektiven dieser spannungsreichen Interaktion. Es kommen sowohl Theoretikerinnen als auch Praktikerinnen zu Wort, die ihre Erfahrungen und Überlegungen zu diesem zentralen Aspekt des Puppen-, Figuren- und Objekttheaters teilen.
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Zum Verhältnis von Puppe und Text

Worte formen

Das internationale figuren.theater.festival in Erlangen, Nürnberg, Fürth und Schwabach gehört zu den renommiertesten Festivals des Genres und ist bekannt für das große ästhetische Spektrum seines Programms. Gegründet 1979, entwickelte es sich rasch zu einer erstklassigen Adresse für Künstler:innen und Veranstalter:innen, ebenso zu einem internationalen wie regionalen Publikumsmagneten. Es spiegelt mit seinen Stammkompagnien, seinen performativen Experimenten, gewagten Präsentationsformaten und oft folgenreichen Begegnungen nicht nur die jeweils aktuellen Bewegungen der Szene, sondern schrieb sich auch selbst in deren Geschichte ein.
Was es bedeuten kann, wenn ein Festival bereit ist, ein Genre immer wieder neu zu (er)finden, wenn Kuratieren auch als kritische Förderung verstanden, Studierenden regelmäßig eine Plattform geboten und eine Region vom Festivalfieber erfasst wird – das beleuchten Beiträge von zahlreichen Beteiligten vor, auf und hinter den Festivalbühnen.
 
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Erlangen Nürnberg Fürth Schwabach

Offen! Das internationale figuren.theater.festival

Wie werden dekoloniale Ästhetiken in der zeitgenössischen Gegenwartsdramatik produziert? Was kennzeichnet dekoloniale Ästhetiken im Theater? Mit einem dramaturgischen Blick und einer theatertextuellen Analyse von Stücken international renommierter afro-diasporischer Künstler:innen wie Dieudonné Niangouna, Aristide Tarnagda, Hakim Bah, Marie N´Diaye u.a. argumentiert die Theaterwissenschaftlerin Grit Köppen, dass dekoloniale Ästhetiken im Theater als breites Spektrum künstlerischer Strategien zu denken sind. Diese bewegen sich aktuell zwischen einer Ästhetik des Aufruhrs gegen postkoloniale Realitäten und einer Ästhetik der Transgression.
 
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Dekoloniale Ästhetiken im zeitgenössischen Theater

Das Thema Nachhaltigkeit hat Theater der Zeit schon öfter beschäftigt. Im Arbeitsbuch „Transformers – Digitalität Inklusion Nachhaltigkeit“ aus dem Jahr 2021 wird erstmals ein Nachhaltigkeitsmanagement am Theater vorgestellt, damals an der Oper in Göteborg. Inzwischen gibt es das Phänomen in wachsender Zahl im gesamten deutschsprachigen Theater. TdZ-Redakteurin Elisabeth Maier porträtiert Anna Haas, die am Staatstheater Karlsruhe diesen Aufgabenbereich übernommen hat – Teil des umfangreichen Schwerpunkts zum Thema, dazu auch das Kunstinsert von Daniel Kötter und seinem Feld des Extraktivismus.
Auch den Neustart am Rheinischen Landestheater Neuss könnte man noch dem Thema zuordnen, denn die Intendantin Marie Johannsen hat das Foyer zu einem öffentlichen Raum zur Stadt hin gemacht – nachhaltige Nutzung von Theaterräumen.
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Nachhaltigkeit

Neuerscheinungen im Verlag