Internationales Sommerfestival Kampnagel: Telling stories to survive 

Hart, aber poetisch

Businessman des Living Theatre

Staatstheater Augsburg: Die Vergartenzwergung des Bösen

Captain Hook fliegt ein

Theaterhaus Jena: Elfriede Jelinek spürt diese Leere – wir auch

Tanzende Töne im Fächermeer

Ambige Körper, klare Message?

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Dominique Horwitz?

Ruhrfestspiele Recklinghausen/Theater Münster: Ein Krieg führt immer zum nächsten

Black Box und White Cube

Gemeinsam verletzbar sein und Sprache suchen

Transformation statt Revolte

Keine Angst vor Trash und Chaos

Theaterkollektiv Pièrre.Vers: Gegen die Gleichgültigkeit

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Unterwegs mit den Formwandlern

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

Fassungslosigkeit und Hoffnung

„Ein großes Festival muss eine Dynamik entwickeln“

St. Pölten:: Peter-Turrini-Dramatiker*innenstipendium für Paula van Well

Deutsche Oper Berlin: Offene Räume

Langer Atem beim Netzwerken

Mit zwei Wassereimern läuft ein Mann durch die Stadt. Mitten in der Nacht steigt er in die Linie 5, um an den Stadtrand zu fahren, Da gießt er einen Baum. Er sei „einer, der glaubt, dass er mit zwei Eimern die Welt retten könne“, sagt sein Arbeitskollege Albert. Eine Welt, die nicht nur wegen des Klimawandels aus den Fugen geraten ist. In solch unsicheren Zeiten arbeitet Luc Teichmann als Versicherer. In ihrem Monodrama „Eschenliebe“ erzählt die Dramatikerin Theresia Walser nicht nur die Geschichte eines Menschen, der eins werden will mit der Natur. Mit ihrer Sprachkunst erschafft sie das Porträt eines Mannes, der dem Gefängnis seiner Büros entflieht. Dabei entfaltet sie einen Humor, der ansteckt. Die Regisseurin und Dramaturgin Tina Brüggemann fördert in ihrer Inszenierung am Theater der Stadt Aalen die erotische Komponente des Textes zu Tage. Auf diesen Spagat lässt sich der Schauspieler Philipp Dürschmied mit enormer Kraft ein. Dass seine Figur mehr ist als der frustrierte Sachbearbeiter, der gefangen ist auf seinem Bürostuhl, das spürt man schnell. Mit leiser Stimme flirtet er mit seinem Baum, den er liebevoll „Ash“ nennt. Das ist die englische Übersetzung für Esche – das Wort hat aber eine doppelte Bedeutung und steht auch für...

„Eschenliebe“ von Theresia Walser – Regie und Bühne Tina Brüggemann, Kostüme Stephanie Krey

Theater der Stadt Aalen: Komödienkunst wie ein Windhauch in den Wipfeln

Dramaturgie des Zweifels

Widerstand und Erinnerung 

Keine Rechnung ohne Restwert 

Weltall, Erde, Mensch

Hybridgemeinschaften?

Ein Gespräch mit Theresia Walser

Es gibt immer wieder Sätze, die an mir hängen bleiben

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Weltentwürfe: Modulare Schauplätze

Ruhm den Kleinen!

Der Engel vieler Geschichten

Thüringer Befund

Salzburger Festspiele: Die große Verblendung

Festival im Aufwind

Das leidenschaftliche Theatertier

Bilder im Takt eines Textes

Auf Augenhöhe

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

»Die Oper ist nicht weniger sinnlich, sondern vielfältiger geworden«

Ästhetische Übereinstimmung, strukturelle Unterschiede

Risiko: Das Salz unseres Lebens

Freiheit des Theater-Erlebens

Dürfte ich mir in meinem Leben etwas wünschen, würde ich am liebsten einmal in der Woche mit ­Peter Carp beim Essen zusammensitzen. Obwohl er der Intendant eines Dreispartenhauses ist, strahlt er alles andere als die übliche Betriebsamkeitshektik aus. Er verbreitet eine Unaufgeregtheit, in der man sich mit ihm im Gespräch im schönsten Sinne verlieren kann. Vielleicht liegt das auch daran, dass er ein Segler ist. Ich stelle ihn mir oft in einem Segelboot vor. Ohne eine gewisse Ruhe wäre man auf dem Meer verloren. Peter Carp ist ein zuhörender Erzähler. Je öfter ich ihn inzwischen getroffen habe, desto mehr habe ich das Gefühl, dass Erzählen und Segeln in irgendeiner Weise eine Gemeinsamkeit besitzen. Im besten Fall wünschen wir uns auch in Gesprächen eine Art Wind, der uns in Häfen treibt, von denen wir bisher noch nichts wussten. Obwohl die Theaterwelt so überschaubar ist, dass sich die meisten ab einem bestimmten Alter schon einmal über den Weg gelaufen sind, bin ich Peter Carp erst spät begegnet. Mehr oder weniger erst vor der eigenen Haustür in Freiburg, wo er seit 2017 Intendant ist und 2025 leider aufhören wird. Er und sein Team haben dieses Haus nicht nur bestens durch die Coronalähmung geschifft,...

Eleganz der Verletzlichkeit

Berufsbild: Digitaldramaturg

„Den Lohnarbeitern erscheint ihre Arbeit auch nicht mehr als das, was sie ist“

Am Puls der Welt: Verarbeitetes Erbe

Gestalten in der Welt: Erweiterte Körperlichkeit

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Die Rache der Königinnen

Balkan Brass und Brüche

Sie leben noch (weiter)

Als ich Burkhard C. Kosminski 2006 mein erstes Stück für Mannheim gegeben habe, hätte ich mir nicht denken können, dass es das erste von insgesamt acht Stücken ist, die ich in den nächsten zwölf Jahren noch für Mannheim schreiben würde. Ich hätte mir das schlichtweg nicht vorstellen können. Zwölf Jahre sind ein ziemlicher Brocken Zeit und acht Stücke ein Haufen Arbeit. Denke ich an diese Zusammenarbeit zurück, kommt mir vor allem ein wiederkehrender Satz von Burkhard C. Kosminski in den Sinn. Oft, wenn ich ihm von einer neuen Stückidee erzähle, fragt er, noch bevor ich zu Ende komme: »Ja und, wo ist der Konflikt?« Er sagt fast schon so mechanisch und gebetsmühlenhaft »Ja und, wo ist er Konflikt?«, dass ich jedes Mal eine Wut kriege und denke, wieso hört dieser Idiot nicht bis zum Ende zu. Da sind viele verschiedene Konflikte, da ist nicht nur ein Konflikt! Schließlich gehöre ich nicht zu den Dramatikerinnen, die vorher auf dem Reißbrett von A nach B säuberlich ihre Katastrophen planen. Im Gegenteil, es kann durchaus passieren, dass meine Figuren gegen gewisse Absichten und Ideen während der Arbeit am Stück meutern und sie gnadenlos über den Haufen werfen. In gewisser Weise fühle ich mich...

Der Konflikt mit dem Konflikt

Episteme, Ästhetiken und das Gedächtnis der Szenografie

Guten Appetit!

Vor Ort und exklusiv

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Die Unsterblichkeit des Theaters

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Wenn die Unis Trauer tragen

Der Sprachspieler Schiller trotzt der Macht  

Ruhrfestspiele Recklinghausen/THE OFFICE performing arts + film: Humor und Hoffnung in einer zerfallenden Welt

Warum wir Festivals brauchen

Gesamtkunstwerk Wilson

Sie kürzen, wir glänzen

Ballhaus Ost: Ein Trumm kommt selten allein

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Räume für die Zukunft

Feminismus neu ausrichten

Zirkus

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Die Empörten

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Konstanz am Meer. Ein Himmelstheater

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Kängurus am Pool

geboren 1967 in Friedrichshafen, war Schauspielerin, bevor 1996 ihr erstes Stück »Das Restpaar« entstand. 1998 von Theater heute zur besten Nachwuchsautorin, 1999 zur besten Autorin gewählt, wurde sie mehrfach ausgezeichnet, u. a. mit der Fördergabe des Schiller-Gedächtnispreises des Landes Baden-Württemberg, dem Übersetzungspreis sowie dem Stücke-Förderpreis des Goethe-Instituts. In der Spielzeit 2013/14 war sie Hausautorin am Nationaltheater Mannheim.

Simon Stephens BIRDLAND (DSE) Regie: Burkhard C. Kosminski, Bühne: Florian Etti, Kostüm: Ute Lindenberg, Musik: Hans Platzgumer, Video: Sebastian Pircher, Dramaturgie: Carolin Losch, mit: David Müller (Paul), Barıs Tangobay (Johnny), Ragna Pitoll (Annalisa), Carmen Witt (Marnie), Almut Henkel (Lucy), Anke Schubert (Madeline, Sophie), Katharina Hauter (Jenny), Klaus Rodewald (David), Julius Forster (Louis), Michael Fuchs (Luc), Jacques Malan (Marc), Sven Prietz (Martin), Sabine Fürst (Claudie), Anne-Marie Lux (Nicola), Boris Koneczny (Alistair), Stefan Reck (Richer), Matthias Thömmes (Evans)

Obwohl immer wieder beschrieben und prognostiziert wird, dass sich politische Bewegungen weitgehend in die digitalen Medien verlagern, sind die Erwartungen an politisches Theater und Aktionskunst eher noch gestiegen: Theater soll die gesellschaftliche Wirklichkeit nicht nur widerspiegeln oder kritisieren, sondern direkt in die Wirklichkeit intervenieren. Die Grenze zwischen Kunst und Aktivismus wird durchlässiger, woraus sich für das Theater gesteigerte Wirkungsansprüche ergeben. Das Buch fragt nach den Formen und Traditionen einer solchen intervenierenden Theaterpraxis – und danach, was man sich von ihr erhoffen darf. Es geht um ein Theater, das an der Grenze zur direkten Aktion operiert, ohne die Brechungen, Umwege und Indirektheiten theatraler Aufführungen ganz hinter sich lassen zu können.
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Interventionen politischen Theaters

Die Juni-Ausgabe 2025 von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Heimat(en)“ und beleuchtet, wie Kunst und Theater Zugehörigkeit, Identität und Gemeinschaft neu verhandeln. Essays, Interviews und Berichte von Autor:innen wie Dinçer Güçyeter, Luise Voigt und Elisabeth Maier zeigen, wie vielfältig und umstritten der Heimatbegriff heute ist – von postmigrantischen Perspektiven über ostdeutsche Lebensgeschichten bis zu kulinarisch-politischen Performances.
Auf dem Titel: Sandra Hüller und Tom Schneider ­haben am neuen theater in Halle/Saale MarDis „Penthesile:a:s“ (<a href="https://tdz.de/artikel/3856c3b5-e854-4769-8eef-1533bb028485">der Stückabdruck</a>) inszeniert. Im Interview dazu betonen sie die gemeinsame Theaterarbeit, das Ensemble­schaffen – weit weg vom filmbranchenüblichen Starmodellieren eines Wunders. Ist Sandra Hüller trotzdem.
 
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Sandra Hüller und Tom Schneider

Geste des Kollektiven

Seit bald 20 Jahren produziert die aus Zypern stammende und in Düsseldorf beheimatete Choreografin Alexandra Waierstall international. Das Buch „And here we meet: Choreography at the edge of time“ bietet erstmals einen umfassenden Einblick in ihr Schaffen. Großformatige Fotostrecken und pointierte Textbeiträge erschließen ihr Werk. Mit Beiträgen von Roberto Fratini, Monica Gillette, Emily Markert, João da Silva, Melanie Suchy und Paraskevi Tektonidou.
Alexandra Waierstalls Arbeiten beeindrucken durch ihre direkte physische Bildsprache, die radikale Präsenz der Tänzer:innen. Sie basieren auf der vitalen zwischenmenschlichen Aushandlung komplexer Beziehungen, die sich in choreografischen Konstellationen, Bildern und Transformationen entfalten. Choreografie wird so zum Mittel der Ermächtigung in der Verkörperung sozialer Verantwortung und zum Ausgangspunkt für Formen von Gemeinschaftlichkeit.
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Alexandra Waierstall

And here we meet: Choreography at the edge of time

Szenografie ist Teil jeder Theaterproduktion: als ­Doing Scenography (Entwerfen von Bühne, Kostüm, Maske, Licht, Video) und als Scenography in Performance. Auch jenseits (gebauter) Bühnen tritt sie heute vielgestaltig auf: das Spektrum reicht von ­Environmental Scenography und urbaner Intervention über inszenierte Räume in Ausstellungen / Museen bis hin zu Szenografien medialer Räume. Inwiefern sie – dergestalt ‚extended‘ und mit ‚weltentwerfendem‘ Potenzial – je als Teildisziplin oder eigenständige Kunst aufzufassen ist, diskutieren die Scenography&amp;Performance Design Studies. In der deutschsprachigen Theaterwissenschaft blieb Szenografie-Forschung bisher eher außen vor.
Das Buch schafft wichtige Anschlüsse: gefragt wird nach Epistemologien ästhetischer Praktiken, weitere Aspekte sind Digitalität, Eco-Design und die soziale Dimension szenografischen Gestaltens.
 
 
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Perspektiven der Szenografie und Performance Design Studies

Bühne

Weltempfänger in Luzern, Oberhausen und in Freiburg

Peter Carp

Schauspiel am Nationaltheater Mannheim 2006 – 2018

Zwölf Jahre Autorentheater

Wir machen Theater, jedes Jahr im Sommer. Das gilt für die Burgfestspiele Jagsthausen seit 1950. Als einziges Theater im deutschsprachigen Raum wird hier seit 75 Jahren mit Goethes „Götz von Berlichingen“ Theater an seinem Originalschauplatz gespielt. Mittlerweile sind die Burgfestspiele aber viel mehr als nur „Götz“: Musicals, Kinderstücke, Schauspiele und Musiktheater im weiteren Sinne gehören zum Repertoire. Das Buch bietet Rück-, Ein- und Ausblicke. Es beleuchtet die ersten 50 Jahre im Schnelldurchlauf und konzentriert sich im Schwerpunkt auf die letzten 25 Jahre. Die vier Intendant:innen Jan Aust, Heinz Kreidl, Axel Schneider und Eva Hosemann (seit 2019) haben diese Zeit geprägt. Ihnen werden einzelne Kapitel gewidmet.
Interviews und Anekdoten beschreiben das bekannte Freilichttheater aus einer Vielzahl von Perspektiven. Auf der Bühne und hinter der Bühne sehen wir einen Organismus im ständigen Wandel. Neben einer faszinierenden Bildauswahl informiert dieser Jubiläumsband mit spannenden Inhalten rund um die Burgfestspiele sowie Zahlen und Fakten zu den Produktionen. Es ist ein Jubiläumsbuch der besonderen Art und unternimmt eine Zeitreise durch 75 Jahre Theatergeschichte.
 
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75 Jahre Burgfestspiele Jagsthausen

WIR MACHEN THEATER ... jedes Jahr im Sommer

Das Arbeitsbuch von Theater der Zeit im Juli 2025 widmet sich der zeitgenössischen Schweizer Theaterszene. Es begreift sie als eine Art Landschaft, die es bereist und deren Diversität, Mehrsprachigkeit und Komplexität es aus verschiedenen Perspektiven beschreibt.
Der Fokus liegt auf der Schweiz als mehrsprachigem Theaterort, wo verschiedenste Theater- Ästhetiken, Traditionen und Strukturen auf kleinstem Raum aufeinandertreffen oder nebeneinander bestehen. Welche Entwicklungen zeichnen sich ab im zeitgenössischen Schauspiel, in der Performance, im Theater der Schweiz? Inwiefern bildet die Schweizer Theaterszene die europäische Theaterszene im Kleinen ab? Wie gelingt der mehrsprachige Dialog? Welche Beziehungen bestehen zu den Kulturräumen der Nachbarländer Frankreich, Italien, Deutschland, Österreich und Liechtenstein?
Neben Essays, Berichten und Dialogen kommen auch genuin künstlerische Positionen zu Wort: aus allen Landesteilen, sowohl innerhalb als auch fernab der Metropolen.
Mit freundlicher Unterstützung der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia sowie der Ernst Göhner Stiftung und der Oertli Stiftung.
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landscapes des zeitgenössischen theaters

diversité suisse

Wie werden dekoloniale Ästhetiken in der zeitgenössischen Gegenwartsdramatik produziert? Was kennzeichnet dekoloniale Ästhetiken im Theater? Mit einem dramaturgischen Blick und einer theatertextuellen Analyse von Stücken international renommierter afro-diasporischer Künstler:innen wie Dieudonné Niangouna, Aristide Tarnagda, Hakim Bah, Marie N´Diaye u.a. argumentiert die Theaterwissenschaftlerin Grit Köppen, dass dekoloniale Ästhetiken im Theater als breites Spektrum künstlerischer Strategien zu denken sind. Diese bewegen sich aktuell zwischen einer Ästhetik des Aufruhrs gegen postkoloniale Realitäten und einer Ästhetik der Transgression.
 
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Dekoloniale Ästhetiken im zeitgenössischen Theater

Neuerscheinungen im Verlag