Internationales Sommerfestival Kampnagel: Telling stories to survive 

Hart, aber poetisch

Quer zu Redeverboten

David ist eine stumme Rolle. Im Paratext des <a href="https://tdz.de/artikel/931d5ae7-5c13-448c-bd9f-7b6d3dfaf643">Stücks</a> steht: „In welchem Ausmaß David sich verhält (ob er sich überhaupt für uns erkennbar verhält), liegt im Ermessen der Inszenierung.“ Welcher Reiz liegt darin, die Gestaltung der zentralen Figur der Regie und dem Ensemble zu überlassen? Matthias van den Höfel: Ich glaube, was mich generell am Schreiben für die Bühne interessiert, ist, Herausforderungen zu stellen. Dilemmata aufzubauen, zu denen man sich irgendwie verhalten muss, die nicht eindeutig auflösbar sind, sondern zu denen man Positionen beziehen muss. Das ist auch in diesem Fall so. Bei der szenischen Lesung, die es von „Drinnen“ gab, wurde David nicht durch einen Menschen besetzt und auch in der Inszenierung in München wird er das wahrscheinlich nicht. Ich bin immer gespannt, welche Lösungen Leute finden. <a href="https://tdz.de/artikel/931d5ae7-5c13-448c-bd9f-7b6d3dfaf643">„Drinnen“</a> kommt in seiner Sprache nahezu alltäglich daher. Die Sprache soll bewusst „nicht groß, oft wie nebenbei“ sein. Welche Überlegungen haben den Klang des Textes geformt? MvdH: Theatertexte sind häufig voll von Figuren, die sehr offensiv für sich selbst eintreten und die alle Register der Sprache ziehen, um ihr Ziel zu erreichen. Mich interessiert in meinem Schreiben, welche Sprache Figuren zur Verfügung steht, welche Sprache sie sich erlauben, mit welcher Sprache sie...

Matthias van den Höfel über sein Stück „Drinnen“ und Sprache als Möglichkeitsraum im Gespräch mit Rebecca Preuß

Kleine Kosmen

Staatstheater Augsburg: Die Vergartenzwergung des Bösen

An der Grenze zum Leben

Theaterhaus Jena: Elfriede Jelinek spürt diese Leere – wir auch

Theater Oberhausen: Die Menschheits-Show wird abgesetzt

Tanzende Töne im Fächermeer

„Jemand musste Josef K. verleumdet haben, denn …“ Moment mal. Das haben wir doch schon unzählige Male gelesen, gehört und gesehen. „… denn ohne dass er etwas Böses getan hätte, wurde er eines Morgens verhaftet.“ Das große Kafka-Jahr – 100 Jahre sind seit dem Tod des Schriftstellers am 3. Juni 1924 vergangen – neigt sich dem Ende. Aus Franz Kafkas Romanfragment „Der Prozess“ extrahiert Oliver Frljić am Maxim Gorki Theater „Prozess“. Schlagartig erlischt das Licht. Laute Ballettmusik reißt das Publikum aus den letzten regen Gesprächen. Hastig, aber synchron tanzen und springen Yanina Cerón und Marc Benner, die sich später als Wächter zu erkennen geben, zu Tschaikowskys „Nussknacker“-Suite über die Bühne, werfen ihre Beine in die Luft, wirbeln umeinander. Dann rasen sie zum linken Bühnenrand und schieben auf einer Krankenliege Edgar Eckert, seit dieser Spielzeit neu im Gorki-Ensemble, ins Scheinwerferlicht. Es fühlt sich an, als passiere das alles auf einmal. Werkgetreu beginnt das Stück mit der Verhaftung Josef K.s (Edgar Eckert). Die beiden Wächter tragen die Uniform der Bedeutungslosigkeit: beige-braune Bundfaltenhosen, Hemden mit einem weiß-grau-schwarzen Farbverlauf und schwarze Korsette. Schwarze Hauben verbergen ihr Haar (Kostüme Jelena Miletić, Janja Valjarević). Der überrumpelte K. schreit seine Fragen nach der Berechtigung dieses Verfahrens hinaus....

„Prozess“ von Franz Kafka – Regie Oliver Frljić, Bühne Igor Pauška, Kostüme Jelena Miletić, Janja Valjarević, Choreografie Evelin Facchini

Maxim Gorki Theater: Justitia und das Staatsballett

Ambige Körper, klare Message?

Was macht das Theater, Dominique Horwitz?

Black Box und White Cube

Gemeinsam verletzbar sein und Sprache suchen

Theater Thikwa Berlin: Dinner-Theater mal anders

Plant die AfD eine ethnische Säuberung?

„Ich bin nur durch die Welt gerannt“

Keine Angst vor Trash und Chaos

Theaterkollektiv Pièrre.Vers: Gegen die Gleichgültigkeit

„There is no Planet B“, predigt Fridays for Future seit 2018. Wenn wir als Menschheit überleben wollen, müssen wir sorgsam mit unserem Planeten umgehen, Weitsicht beweisen, nachhaltig denken. Aber ist das so? Die Erdlinge haben die Erde in eine nahezu unbewohnbare Wüste aus Plastikmüll verwandelt. In ihrem Blut fließt Mikroplastik. Die Plastifizierung droht, allmählich die gesamte Bevölkerung auszulöschen. Letzter Ausweg: Flucht nach oben. Die Box-Bühne im Deutschen Theater wird von einem Gitter aus LED-Stäben umspannt. Die drei Erdlinge Leon Rüttinger, Svenja Liesau und Peter René Lüdicke finden sich im sinnbildlichen Herz des Algorithmus wieder. Sie tragen Raumanzüge, Schläuche um die Taille, daran befestigt sind Sender. Ihnen gemein ist ein Ziel: Teil der multiplanetaren Gesellschaft werden, die die sogenannten Protagonisten auf dem Mars gegründet haben. Daria von Loewenich verleiht dem Algorithmus, der über die Eignung der Erdlinge für die Marskolonie entscheidet, eine Stimme und einen Charakter. Später sogar einen Körper und ein haptisches Herz, an dem sich die Erdlinge laben. Alles sehr grotesk. Im Fragenhagel des Algorithmus stürzen die Erdlinge zwischen den rot leuchtenden Stäben von Seite zu Seite. Sie krallen sich an ihnen fest, als könnten sie dieser ungreifbaren Macht so näherkommen. Aufeinander treffen ein doktorierter Besserwisser, eine vermögende Influencerin,...

„Herz aus Polyester“ von Sarah Calörtscher – Regie Daniel Foerster, Ausstattung Robert Sievert, Musik Jan Preißler

Deutsches Theater Berlin: Ein Plädoyer für den Stillstand

Rudolstadt: Schiller-Theater Rudolstadt nach achtjähriger Sanierung wiedereröffnet

Was macht das Theater, Daniel Schüßler?

Über Zeitenwenden hinaus

Unterwegs mit den Formwandlern

Wer liest noch Dramen? oder: Plädoyer für die Pause

Fassungslosigkeit und Hoffnung

„Ein großes Festival muss eine Dynamik entwickeln“

Deutsche Oper Berlin: Offene Räume

Seine Arbeit war autobiografisch

Dramaturgie des Zweifels

Widerstand und Erinnerung 

Identitätskämpfe im Grenzgebiet

Keine Rechnung ohne Restwert 

Weltall, Erde, Mensch

Von gelenkten und ungelenken Diskursformaten

Im Ozean aus Klang und Licht

„Die Vielfalt ist das Herz der Freien Szene“

Weltentwürfe: Modulare Schauplätze

Der Engel vieler Geschichten

Grenzmauern und Schützengräben

Kunstfest Weimar: Geschichten vom Faschismus-Schock

Bühnen Bern: Verstörende Wortströme der Suchenden

Wo Masturbation auf Donauwalzer trifft

Theater an der Ruhr Mülheim: KI auf Körpersuche

Salzburger Festspiele: Die große Verblendung

Das leidenschaftliche Theatertier

»Die Oper ist nicht weniger sinnlich, sondern vielfältiger geworden«

Veropern

Was macht das Theater, Yvonne Griesel?

Flute den Diskurs mit Shit

Swoosh Lieu – vom Kollektiv zum Netzwerk

„Den Lohnarbeitern erscheint ihre Arbeit auch nicht mehr als das, was sie ist“

Am Puls der Welt: Verarbeitetes Erbe

Vertonen

Gestalten in der Welt: Erweiterte Körperlichkeit

Das Spiel mit Algorithmen stellt sich sogar dem Tod

Für ein Theater apparativer Dämonenbeschwörung

Balkan Brass und Brüche

Sie leben noch (weiter)

Geht es schon los? Das Licht im Studio der Schaubühne am Lehniner Platz ist noch an, als lynn t musiol mit einem Mikrofon in der Hand die Bühne betritt. Das Setting ist schlicht: Auf einem metallenen Boden stehen graue Wände und deuten ein Haus an. Zwei silberne Stühle am rechten und linken Bühnenrand; ein Fenster, das Rollo geschlossen (Bühne Ulla Willis). lynn beginnt zu erzählen, als solle eine Umbesetzung angekündigt oder eine Triggerwarnung ausgesprochen werden. Doch das Stück hat bereits begonnen, die Grenzen zwischen Performance und Realität sind fließend. lynn ist nicht-binär und lebt in einem weiblichen Körper. Die Performance beginnt mit lynns Eierstöcken. lynn erzählt: „Nach dem Eisprung geht es heiter weiter: Da weinen meine Eierstöcke. Also so richtige Klage. Aber die weinen nicht, weil ich nicht schwanger geworden bin, sondern darüber, dass Gott so straight ist und mir diese Eierstöcke, ja, anvertraut hat?“ Wir befinden uns irgendwo zwischen einem intimen Gespräch unter Freund:innen und einem Stand-up-Auftritt in einem kleinen Comedy-Club. Teils noch verhaltenes, teils herzliches Lachen aus dem Publikum erreicht die ebenerdige Studiobühne unmittelbar. Der erste Bruch, direkt durch die vierte Wand. „Hä? Das kann doch nicht wahr sein. Das ist grad nicht so funny. Stopp mal hier....

„BUCCI × ꒰(･ ‿ ･)꒱ × Paranoia“ von lynn t musiol und Marcus Peter Tesch – Text und Performance lynn t musiol und Marcus Peter Tesch, Bühne Ulla Willis, Kostüme Marc Freitag

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Episteme, Ästhetiken und das Gedächtnis der Szenografie

Guten Appetit!

Die Rückkehr der großen Geschichten

Der Sprachspieler Schiller trotzt der Macht  

Ruhrfestspiele Recklinghausen/THE OFFICE performing arts + film: Humor und Hoffnung in einer zerfallenden Welt

Gesamtkunstwerk Wilson

Sie kürzen, wir glänzen

Den ganzen Abend über herrscht nicht ein Mal Stille. Ein leises Rauschen durchzieht den Raum wie ein Tinnitus, wenn das übrige Ensemble schweigt, und Regina (Annette Paulmann) allein mit ihren Gedanken zurückbleibt. Schweigen spielt eine besondere Rolle in Reginas Leben. Seit 35 Jahren pflegt sie ihren behinderten Sohn David. Der ist stumm, seine Figur ohne Bühnenanweisungen geschrieben. Was David fühlt und wie er sich verhält, interpretiert, wer mit ihm interagiert. Regisseurin Marion Hélène Weber hat die Rolle nicht besetzt. Um David dreht sich der gesamte Abend, doch er selbst ist nie das Subjekt. „Regina, achte mal auf dich“, sagen ihre Freundinnen. „Aber bitte nicht nur und bitte nicht zu viel“, hört Regina es nachhallen. Wie bereitet man der oft übersehenen Care-Arbeit von Angehörigen eine Bühne? Matthias van den Höfel hat eine Antwort auf diese Frage gefunden und die gesuchte Bühne ganz wörtlich genommen. Verdientermaßen wurde „Drinnen“ 2023 mit dem Münchner Förderpreis für junge Dramatik ausgezeichnet und nun im Werkraum der Münchner Kammerspiele uraufgeführt. Zwischen Liebe, Verantwortungsbewusstsein und Selbstaufopferung schwinden allmählich Reginas Kräfte. Über Jahre hinweg hat sie sich drinnen einen sicheren Raum geschaffen. Drinnen, das ist nicht allein ihre Wohnung, in der ein großer ovaler Esstisch mit lachsfarbenem Plüschbezug auf...

„Drinnen“ von Matthias van den Höfel – Regie Marion Hélène Weber, Bühne Julia Bahn, Kostüme Sarah Meischein, Sounddesign und Chorgestaltung Calixto María Schmutter

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Ballhaus Ost: Ein Trumm kommt selten allein

Räume für die Zukunft

Staatstheater Kassel: Die Liebe in Zeiten des Postkolonialismus

Vom Hinterhof zur Holzinger-Performance

Landestheater Linz: Vor mir stehen sechs Millionen Ankläger

Die Gewalt geht vom Volke aus

Kein Leuchten, ein Glühen

Zirkus

Thüringen

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Neubau & Sanierung

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Was macht das Theater...?

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geboren 2002 in Bad Hersfeld, studiert Journalistik und Politikwissenschaft in Passau. Hospitierte am Maxim Gorki Theater in der Kommunikation und am Staatstheater Kassel in der Dramaturgie. Seit 2024 schreibt sie für Theater der Zeit.

Foto By Siebbi - Twinkle Twinkle (15.11.2018), CC BY-SA 3.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=74942010

Joscijka Abels‘ historischer Roman, setzt sich auf komplexe und tiefgründige Weise mit zentralen Fragen der menschlichen Existenz auseinander. Durch den Dialog der Romanfiguren enthüllt sich die performative Natur des Lebens, in der die Grenzen zwischen Realität und Inszenierung im „teatro mundi“ (Welttheater) verschwimmen. Die Reflexion über Kunst, Philosophie und Politik macht Abels Roman zu einer anspruchsvollen und lohnenden Lektüre.
Es ist im Jahre 1464, als Bernardo Rossellino, aus einer Zeitschleife zurückkehrend, sich in der Bibliothek seines von ihm erbauten Palazzo Piccolomini in Pienza wiederfindet. Wer er ist, weiß er nicht mehr. Und so beginnt für ihn die Suche nach seiner Identität. Wer war jener Gamberelli, von dem alle sprachen? Bernardo begegnet einer Abendgesellschaft, darunter Papst Pius II., vormals Eneas Silvio Piccolomini, dem Philosophen und Kleriker Cusanus, auch bekannt als Nikolaus von Kues, dem vielseitigen Architekten Leon Battista Alberti, seinem Tugendfreund Filarete und dem Mathematiker Paolo dal Pozzo Toscanelli. Sie versammeln sich jeden Abend um ein in der Mitte des Bibliotheksaales eingelassenes Spielfeld und widmen sich mit einer runden, ausgehöhlten Kugel dem Globusspiel. Es ist das Weisheitsspiel des Cusanus, in dem es gelingen soll, gleichsam durch einen Spiegel und im Rätselbild auf die Möglichkeiten in dieser Welt und in uns zu sehen. Was ist das Geheimnis des Enea Silvio Piccolomini? Warum hatte man die von Bernardo gebaute Erinnerungsarchitektur, das von diesem Papst gewünschte Memoriale an seinem Heimatort, so geändert? Wieso hatte sich über die cusanische Reform des julianischen Kalenders nicht nur ein Schleier, sondern der Mantel des Vergessens gelegt?
Die abendlichen Dialoge kreisen um nahezu alle Grundfragen, die aus der Renaissance überliefert sind. Die Runde öffnet sich den Quellen der griechisch-römischen Antike und reflektiert über die Beziehungen zwischen Architektur, Kunst und Wissenschaft, über die Wirklichkeit und Möglichkeit in der sichtbaren Malkunst, über den Ursprung der Welt, das Phänomen der Zeit und das Nebeneinander der Religionen.
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Kaleidoskop der Stimmen und Bilder

Julianische Tage im Schatten der Piazza

Obwohl immer wieder beschrieben und prognostiziert wird, dass sich politische Bewegungen weitgehend in die digitalen Medien verlagern, sind die Erwartungen an politisches Theater und Aktionskunst eher noch gestiegen: Theater soll die gesellschaftliche Wirklichkeit nicht nur widerspiegeln oder kritisieren, sondern direkt in die Wirklichkeit intervenieren. Die Grenze zwischen Kunst und Aktivismus wird durchlässiger, woraus sich für das Theater gesteigerte Wirkungsansprüche ergeben. Das Buch fragt nach den Formen und Traditionen einer solchen intervenierenden Theaterpraxis – und danach, was man sich von ihr erhoffen darf. Es geht um ein Theater, das an der Grenze zur direkten Aktion operiert, ohne die Brechungen, Umwege und Indirektheiten theatraler Aufführungen ganz hinter sich lassen zu können.
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Interventionen politischen Theaters

Mit zahlreichen Beispielen und Tipps wird in diesem Band das Entstehen gemeinsam improvisierter Szenen erläutert. Wie beginnen wir Szenen? Wie führen wir sie fort? Und wie beenden wir sie? Wie schaffen wir eine stabile Plattform? Und wie improvisieren wir ohne Plattformen? Wie erschaffen wir kraftvolle szenische Konflikte und wie spielt man intime Szenen? Wie unterstützen wir unsere Partner auf der Bühne und aus dem Off? Wie entsteht Komik und wie erschaffen wir berührende Szenen?

Die Magie der Szene

Improvisationstheater (Bd. 3)

Szenografie ist Teil jeder Theaterproduktion: als ­Doing Scenography (Entwerfen von Bühne, Kostüm, Maske, Licht, Video) und als Scenography in Performance. Auch jenseits (gebauter) Bühnen tritt sie heute vielgestaltig auf: das Spektrum reicht von ­Environmental Scenography und urbaner Intervention über inszenierte Räume in Ausstellungen / Museen bis hin zu Szenografien medialer Räume. Inwiefern sie – dergestalt ‚extended‘ und mit ‚weltentwerfendem‘ Potenzial – je als Teildisziplin oder eigenständige Kunst aufzufassen ist, diskutieren die Scenography&amp;Performance Design Studies. In der deutschsprachigen Theaterwissenschaft blieb Szenografie-Forschung bisher eher außen vor.
Das Buch schafft wichtige Anschlüsse: gefragt wird nach Epistemologien ästhetischer Praktiken, weitere Aspekte sind Digitalität, Eco-Design und die soziale Dimension szenografischen Gestaltens.
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Perspektiven der Szenografie und Performance Design Studies

Bühne

Der menschliche Körper ist Gegenstand, Medium und Instrument der Künste! Über und durch den Körper wird dargestellt, wird Geschlecht zugeschrieben, wird ein- und ausgeschlossen, werden künstlerische Formen ebenso wie institutionelles Selbstverständnis geprägt. Die kritische Reflexion von Körperlichkeit war immer auch Anlass zum Umdenken in den Künsten. Im Mai 2024 luden vier Münchner Institutionen zum gemeinsamen Respekttag ein, um Fragen der Repräsentation, Gewaltprävention und Antidiskriminierung mit Fokus auf der Körperlichkeit zu diskutieren: die Bayerische Theaterakademie August Everding (Gastgeberin), die Akademie der Bildenden Künste München, die Hochschule für Fernsehen und Film München und die Hochschule für Musik und Theater München. Der hochschulübergreifende Aktionstag nahm in Vorträgen, Workshops, Diskursformaten und künstlerischen Beiträgen das Spannungsfeld des herausgeforderten und herausfordernden Körpers in der zeitgenössischen Kunst in den Fokus.
Die Publikation ist nicht nur eine Dokumentation und Rückschau auf diesen Respekttag 2024, sondern eine Sammlung von wissenschaftlichen und künstlerischen Perspektiven zu den zentralen Themen des Aktionstages.
Mit Beiträgen von Magz Barrawasser, Franzy Deutscher, Lann Hornscheidt, Nele Jahnke, Jayrôme C. Robinet, Jenny Schrödl u. v. m.

Herausfordernde und herausgeforderte Körper in der zeitgenössischen Kunst

„Challenge(d) Bodies“

In der Spielzeit 2025/2026 feiert das Theater der Stadt Aalen zwei Jubiläen: Vor 35 Jahren wurde in der größten Stadt des Ostalbkreises ein Theater gegründet, das vor fünf Jahren in die deutlich größere und mit zahlreichen Architekturpreisen ausgezeichnete Spielstätte im KulturBahnhof (KUBAA) zog. Anknüpfend an die Publikation „Klein und kraftvoll. 20 Jahre Theater der Stadt Aalen“, beleuchtet die neue Jubiläumsschrift die letzten 15 Jahre. In diesen standen neben zahlreichen, auf Aalens Partnerstädte abgestimmten Uraufführungen, vor allem spartenübergreifende Arbeiten mit Artistik, Tanz und Videoprojektionen im Mittelpunkt. Weiterhin prägten das Haus der Ausbau der Sparte Junges Theater, ebenso wie der Umzug in den KulturBahnhof. In „Strahlkraft und Neugier“ geben Mitarbeitende und wegbegleitende Personen Einblick in diese Entwicklungen.

Neue Akzente im Kulturbahnhof (KUBAA) durch das Theater der Stadt Aalen

Strahlkraft und Neugier

Amerikanisches Theater

Das Arbeitsbuch von Theater der Zeit im Juli 2025 widmet sich der zeitgenössischen Schweizer Theaterszene. Es begreift sie als eine Art Landschaft, die es bereist und deren Diversität, Mehrsprachigkeit und Komplexität es aus verschiedenen Perspektiven beschreibt.
Der Fokus liegt auf der Schweiz als mehrsprachigem Theaterort, wo verschiedenste Theater- Ästhetiken, Traditionen und Strukturen auf kleinstem Raum aufeinandertreffen oder nebeneinander bestehen. Welche Entwicklungen zeichnen sich ab im zeitgenössischen Schauspiel, in der Performance, im Theater der Schweiz? Inwiefern bildet die Schweizer Theaterszene die europäische Theaterszene im Kleinen ab? Wie gelingt der mehrsprachige Dialog? Welche Beziehungen bestehen zu den Kulturräumen der Nachbarländer Frankreich, Italien, Deutschland, Österreich und Liechtenstein?
Neben Essays, Berichten und Dialogen kommen auch genuin künstlerische Positionen zu Wort: aus allen Landesteilen, sowohl innerhalb als auch fernab der Metropolen.
Mit freundlicher Unterstützung der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia sowie der Ernst Göhner Stiftung und der Oertli Stiftung.
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landscapes des zeitgenössischen theaters

diversité suisse

Buchpremiere am 17. Oktober im Roten Salon der Volksbühne, Berlin (<a href="https://www.volksbuehne.berlin/de/events/parole-textbuch-lektionen-8-neue-dramatik">Details</a>)
Neue Theatertexte verstehen und schreiben: Der nächste Band aus der erfolgreichen „Lektionen“-Reihe ist ein unverzichtbarer Leitfaden für alle, die sich mit zeitgenössischer Dramatik auseinandersetzen. Expert:innen aus Literatur- und Theaterwissenschaft sowie der Schreibpraxis beleuchten praxisnah, analytisch und didaktisch zentrale Aspekte und Herausforderungen moderner Dramatik.
Wie hat sich die dramatische Sprache nach der Postdramatik verändert? Welche Rolle spielen Musikalität, Körperlichkeit und Mehrsprachigkeit? Wie lassen sich Texte interpretieren, die Genregrenzen bewusst überschreiten? Der Band bietet nicht nur theoretische Grundlagen, sondern auch praktische Einblicke in das Schreiben, Übersetzen und Inszenieren neuer Theatertexte. Eine Übersicht zu Ausbildungsmöglichkeiten und Publikationsadressen rundet diese bisher einmalige Zusammenschau zur Gegenwartsdramatik ab.
Mit Beiträgen von Adrienn Bazsó, Anton Bröll, Paul Brodowsky, Edith Draxl, Anne Fleig, Pola Groß, Tina Hartmann, Fabian Hinrichs, Maria Kuberg, Felix Lempp, Ilja Mirsky, Ramona Mosse, Clemens Özelt, Artur Pełka, Kathrin Röggla, Hannah von Sass, Martin Jörg Schäfer, Martin Schneider, Nele Stuhler, Irina Sulaver und Giulia Weis.

Klaus Zehelein hat das neue deutschsprachige Musiktheater entscheidend geprägt. Seine Arbeit als Dramaturg und Intendant kann mit Blick auf die Erfindung und Ausgestaltung einer Oper für den modernen Menschen als modellhaft gelten. Fernab von Vorstellungen eines auf „Aktualisierung“ zielenden Regietheaters gewinnen Zeheleins Ideen eines heutigen Musiktheaters durch die intensive Auseinandersetzung mit der Geschichte der Werke zukunftsträchtige Brisanz. Die Autobiographie folgt den Stationen seines Wirkens – von den Anfängen in Kiel und Oldenburg hin zu den Zeiten des Aufbruchs in Frankfurt und Stuttgart bis zu seiner Tätigkeit als Präsident der Bayerischen Theaterakademie und des Deutschen Bühnenvereins. Sie zeigt, was Musiktheater sein kann: ein Ort unerhörter Augenblicke, die die Gegenwart neu entdecken lassen.
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Autobiographie

Unerhörte Augenblicke

Essays und Berichte beleuchten die Spannweite zeitgenössischer Oper zwischen innovativer Werkschöpfung, szenischen Experimenten und erzählorientierter Rückbesinnung: Egbert Tholl skizziert die Oper als „Labor der Gegenwart“ mit Beispielen von AR-„Parsifal“ bis Florentina Holzingers „Sancta“ an der Staatsoper Stuttgart, während Stefan Keim die Rückkehr großer Geschichten in den USA und Großbritannien nachzeichnet – von Jake Heggies „Dead Man Walking“ bis Missy Mazzolis „The Listeners“ und Charlotte Brays „American Mother“. Ulrike Hartung porträtiert die freie Kompanie Novoflot als utopisch-resonantes Gegenmodell zum Repertoirebetrieb, und Lara Wenzel berichtet über das Aufbruchs-Festival der freien Musiktheaterszene in Leipzig. Ein zentrales Stück dieser Ausgabe ist Jenny Erpenbecks Libretto „Rummelplatz“ (nach Werner Bräunig), das im Abdruck den thematischen Faden durchzieht.
Im Gespräch erinnert Musikerin Anna Calvi an Robert Wilsons musikalisches Theater; weitere Akzente setzen ein Porträt von Marie Zielcke, ein Interview mit Thomas Krüger zur „Politik im Freien Theater“, sowie Friedrich Dieckmanns Essay zu Adolf Dresen. Der Report-Teil umfasst u. a. die Ruhrtriennale (Ivo van Hoves „Songdrama“) und das Kunstfest Weimar; die Laudatio zum Martin-Linzer-Theaterpreis würdigt das Theater Magdeburg. Dazu: gesammelte Kurzkritiken, Kolumnen und ein Vorabdruck aus Klaus Zeheleins „Musiktheater für unsere Zeit“.
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Neues Musiktheater

Buchpremiere am 12. November 2025 um 19 Uhr, Einar &amp; Bert Theaterbuchhandlung Berlin
Der Maler und Bühnenbildner Gero Troike geht spazieren und schaut sich um. Das ist alles: Augen auf und durch – die Stunde, den Tag. Die unmittelbare alltägliche Nähe als aufregender Kosmos, als unglaubliches Abenteuerfeld … Hans-Dieter Schütt hat die radikal naiven Weg- und Welt-Beobachtungen Troikes, die in ihrer Unverblümtheit an Robert Walser erinnern, mit autobiographischen Texten des Theatermannes verknüpft. Es fügt sich mit Porträts des Fotografen Manfred Haupthoff – Troike im Atelier – zu einem so sperrigen wie warmherzigen (Lebens-)Künstlerbuch.
„Ein wundersamer Band. Derart erpicht auf Kreuz und Quer. Eines Lebens Lauf, aber den beileibe nicht landläufig protokolliert.“ So schreibt Schütt im Vorwort. Fotos und Malerei. Bilder und Buchstaben. Die Zeiten im Buch springen, die Gedanken springen mit – nichts möge da zur falschen Ruhe kommen. Seine Texte schreibt Troike mit einer alten Schreibmaschine. Sie ist die alte Welt: Sie klappert hinterher, und der Autor ist wie der vergebliche Glückssucher, der Lotto-Verlierer: Er vertippt sich regelmäßig. Und tippt doch weiter. Troikes Manuskripte: Pflege und Schutz des individuellen Fehlers als trotziger Selbstwert in einer nervös hastenden Gesellschaft.

In unmittelbarer Nähe

Gero Troike

Theaterarbeit umfasst mehr als nur ästhetische Erfahrungen – wird sie doch von körperlichen, sozialen und politischen Praktiken geprägt. Im Gegenwartstheater der Freien Szene führt die Aufmerksamkeit für die Produktionsweisen hinter der Bühne zur Enthierarchisierung primär künstlerischer Gesichtspunkte.
Dieses Buch diskutiert das wissenschaftliche Handwerkszeug zu dieser Bedeutungsverschiebung und eröffnet neue Perspektiven auf die netzwerkartigen und losen Arbeitsweisen des Gegenwartstheaters: Wie beeinflussen kulturpolitische und theaterwissenschaftliche Erwartungen die Freie Theaterarbeit? Welche Rolle spielen unsichtbare Praktiken wie die Care-Arbeit? Ausgangspunkt der Studie sind das 11. „Politik im Freien Theater“-Festival 2022 sowie die Theater-/Arbeit der Gruppen She She Pop, The Agency und Swoosh Lieu.
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Eine kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../api/files/7c3f3abd-4e21-4dc9-87bd-14ad33ff534b/TdZ_RE175_ Theaterarbeit_OA.pdf" target="_blank" rel="noopener">PDF-Download (8 MB)</a>
ISBN 978-3-95749-604-1 (Open Access)  DOI: <a href="https://tdz.de/shop/produkt/theaterarbeit"><span style="font-family: 'Calibri',sans-serif; mso-ascii-theme-font: minor-latin; mso-hansi-theme-font: minor-latin; mso-bidi-font-family: 'Times New Roman'; mso-bidi-theme-font: minor-bidi; font-style: normal;">10.35287/9783957496041</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Praktiken der Freien Szene

Theaterarbeit

Buchpremiere am 8.10. um 19 Uhr, Einar &amp; Bert Theaterbuchhandlung, Berlin
In der digitalen Welt des 21. Jahrhunderts verändert sich das Theater radikal: Neue Formsprachen gehen nicht vom klassischen Text oder seiner Dekonstruktion aus, sondern nutzen vielfältige Medien, innovative Technologien und interdisziplinäre Ansätze, um ganze Welten zu entwerfen. Die wegweisenden Inszenierungen von Susanne Kennedy, Lucia Bihler und Florentina Holzinger stehen exemplarisch für diesen formalen Wandel, der seit den 2010er-Jahren in den Darstellenden Künsten sichtbar wird.
Dieses Buch untersucht anhand fundierter theoretischer Reflexion und ausführlicher Interviews die formalen Strategien der drei Künstlerinnen und ihrer Teams. Dabei zeigt es auf, wie sie die Ästhetik des postdramatischen Theaters ins 21. Jahrhundert überführen und eine zeitgemäße Bühnensprache entwickeln. Die Autorin analysiert, wie diese innovativen Produktionen Kommunikationsweisen, Wahrnehmungsmuster und emotionale Dynamiken des Web 2.0 in komplexe „Ultrawelten“ übersetzen – Theaterwelten, die am Puls der Zeit entstehen und die Gegenwart herausfordern.
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Radikale Formsprachen in den Inszenierungen von Susanne Kennedy, Lucia Bihler und Florentina Holzinger

Ultrawelten

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