Was macht das Theater, Philipp Adlung?

Fluid, Trans, Drag

Cripped Curricula

Es geht nur gemeinsam

Das Programm ARTplus

Von Kunqu-Oper bis Drohnenfeuerwerk

Ich sehe was, was du nicht siehst

Wir wollen alle sehen! Wege in die Darstellende Kunst für Menschen mit Behinderung

Den Stein zeigen

Heilbronn: Leon Engler gewinnt mit „Wo die Götter kauern wie Hunde“ den internationalen Dramenwettbewerb „Science & Theatre“ 2025

Theater Oberhausen: No King today

Studieren mit Behinderung – (k)ein Privileg

Start des Vorprogramms

Warum sollen Israelis nicht über Fußball sprechen?

Versuche einer thematischen Ordnung

Eine Reibung mit der Gegenwart

Unregelmäßigkeiten im Brandschutzsystem

Schauspiel Leipzig: Der Zollstock im Raum 

Not Just Any’s Body And Mind

Was macht das Theater, Daniel Schüßler?

Über Zeitenwenden hinaus

Wer liest noch Dramen? oder: Plädoyer für die Pause

„Das ist wirklich ein Hammerprojekt. Vielleicht ein bisschen abseitig, doch wenn sich der Richtige mit diesem nur Experten bekannten Alpinisten der Pyrenäen befasst, wird es schon ein Erfolg werden.“ Breitbeinig und ausschweifend erzählt die Darstellerin mit dem Schnurrbart im Gesicht von dem nächsten künstlerischen Projekt. Die Frauen in der Runde sind derweil zum Schweigen verdammt. Gleich zu Beginn von Emilienne Flagothiers Stück „Rage“ hatte das vierköpfige Frauenensemble angekündigt: „Wir spielen Szenen aus dem Alltag. Am Ende bekommen die Typen auf die Fresse.“ Und genau das passiert auf der Bühne in der Reithalle der Kaserne Basel. Der Schnauz wandert von Darstellerin zu Darstellerin und Frauen rächen sich an Männern, die nicht zuhören, den öffentlichen Raum für sich beanspruchen und beim abendlichen Kochen demonstrativ scheitern. Dabei wäre es so einfach. Mal zugeben, dass eine Frau sich auf einem Gebiet besser auskennt, dass kritisches Denken und Radikalität nicht nur vorbildlich, sondern auch attraktiv sein können und dass feministische Podcasts ihre Berechtigung haben. Die Nummernrevue des alltäglichen Sexismus der 1993 geborenen Belgierin und ihr grotesker Humor standen jeweils am Ende der beiden Tage des Schweizer Netzwerktreffens m2act x Helvetiarockt: Awareness, Agency and Accountability in Music and Performing Arts in der Kaserne Basel. Nicht das...

Migros-Kulturprozent m2act und Helvetiarockt luden am 16. und 17. Oktober 2025 nach Basel zu einem Schweizer Netzwerktreffen zu sexualisierter Gewalt in der Kulturszene ein

Prävention als Kultur

Gesellschaftlich und demokratisch fahrlässig

Tanz ist einfach überall

Kultur- und Musikmanagement mit Hürden

Challenge(d) Bodies

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Buckeln und Treten für die tote Liebe

Maxim Gorki Theater Berlin: Alles Schmus

Im Ozean aus Klang und Licht

Wille zum Glauben

Respekt und Vertrauen

Die Auslöschung der Menschheit ist ja auch für das Theater kein wirklich befriedigendes Szenario, da kann es noch so oft mit Katastrophen liebäugeln. Doch wenn schon, dann dionysisch. Und so könnte sich in Michelle Steinbecks Stück „Die beste aller Zeiten“ zumindest theatergeschichtlich ein Kreis schließen. Die Extinction Hedonists in „Die beste aller Zeiten“ werden von einem König angeführt, der ihnen das Ende als orgiastische Feier verspricht. Und da sie abgeschworen haben, Kinder zu zeugen, werden sie ihre eigene Voraussage mit einiger Sicherheit selbst erfüllen. Auf der Kleinen Bühne des Theater Basel hängt eine Projektionsfläche auf niedriger Höhe wie eine Hohlkehle, darüber läuft eine Leuchtschrift, die die nahe Zukunft ankündigt: die Atmosphäre hat sich verändert, die Luft ist dünner geworden, das bedingungslose Grundeinkommen bereits Realität (Bühne Jana Furrer). Die beste aller Zeiten ist das Ende, golden und ausschweifend, das Leben ist sich Religion genug. Elmira Bahrami steuert am Keyboard und an der Geige den Endzeitsoundtrack bei. Hinter der Leinwand halten sich die Extinction Hedonists an der Aufhängung fest wie an einer Ballettstange. Sie dehnen sich ein bisschen, auch moralisch und reden über ihre Schuldgefühle und inneren Krämpfe und die Erleichterung, nicht mehr ohnmächtig nichts Schlechtes tun zu können. Denn wenn sie...

„Die beste aller Zeiten“ von Michelle Steinbeck (UA) – Regie Franz Broich, Bühne Jana Furrer, Kostüme Karoline Gundermann, Musik Elmira Bahrami

Theater Basel: Die Letzten werden die Nächsten sein

Sie haben an der Reform des schweizerischen Sexualstrafrechts mitgewirkt. Frau Lavoyer, seit 2024 heißt ein Nein beim Sex auch in der Schweiz Nein, warum hat das so lange gedauert? Agota Lavoyer: Nachdem die Debatte 2018 ins Rollen kam, ist die Reform für Schweizer Verhältnisse in einem Rekordtempo zustande gekommen. Die Schweiz ist viel konservativer, als viele denken. Historisch gesehen hängt die Schweiz mit gleichstellungspolitischen Fragen sehr hinterher, das beste Beispiel ist das Frauenstimmrecht, das erst 1971 eingeführt wurde, Vergewaltigung in der Ehe wird erst seit 1992 als Straftat anerkannt und galt bis 2004 als Bagatelldelikt! Wir waren sehr nervös, ob die Reform durchkommt. Wir konnten nicht die beste Version, das Zustimmungsprinzip „Erst Ja heißt Ja“ durchsetzen. Aber es war ein wichtiger Paradigmenwechsel. Allerdings zementiert das „Nein heißt Nein“, das wir nun seit Juli 2024 haben, das Bild, dass ein Körper für sexuelle Handlungen zur Verfügung steht, wenn die Person nicht explizit bekundet, dass sie das nicht will. Was begünstigt sexuelle Übergriffe? AL: Wir leben in einer sexistischen, frauenfeindlichen Gesellschaft, die immer noch auf patriarchalen Strukturen aufbaut. Sexualisierte Gewalt ist kein Fehler im System, sondern ein Merkmal des Patriarchats. Sie ist ein nützliches Instrument, um die bestehenden Machtverhältnisse aufrechtzuerhalten. Als Frau...

Agota Lavoyer – die Expertin, wenn es in der Schweiz um sexualisierte Gewalt geht – engagiert sich für Opferhilfe und Prävention. Im Gespräch mit Annette Hoffmann über ihre Arbeit und die Besonderheiten der Schweiz.

Sexualisierte Gewalt ist ein Merkmal des Patriarchats

Inszenierte Körper

Theater Ulm: Mit doppeltem Boden?

Das Kerngeschäft im Theater sind Feelings

ETA Hoffmann Theater Bamberg: Liftboys und Logbücher

Teufelsgeige

Filmstills

„Wir lassen uns nicht vereinzeln!“

Herman Melvilles Schreiber Bartleby hatte ein gutes Gespür. Seine abschlägige Antwort „I would prefer not to“ auf alle Zumutungen der Kanzleiarbeit hätte durchaus zukunftsweisend sein können. Wäre er nicht so radikal gewesen. Was bleibt den heutigen Büromenschen? Rädchen im Betriebsablauf, Kokettieren mit der Verweigerung, berufsbedingte Deformationen? Das Theater Basel jedenfalls geht kurz vor Saisonende nach draußen. Ziel ist die ehemalige Gemeindeverwaltung Birsfelden. Dass man auf dem Weg dahin an einem Beerdigungsinstitut vorbeikommt, sollte man nicht zu wörtlich nehmen. Nicht, dass Bürokratie noch nie getötet hätte, doch die Angestellten in Christoph Marthalers „Abteilung Leben“ dämmern vor sich hin, sie befinden sich in einer großen Warteschleife. Die verwaltungstechnischen Fragen über Leben und Tod werden hier schon lange nicht mehr gefällt. In drei Gruppen wird das Publikum durch die verlassenen Büros, den Wartebereich und den bereits vor Jahren in ihren Rondellen vertrockneten Pflanzen und dem Archiv durchgeschleust, um im Saal oben wiedervereint zu werden. Das braucht einiges an Timing. Es geht vorbei an Schreibtischen, auf denen nicht aufgelegte Telefonhörer ruhen, aus denen aberwitzige Servicegespräche zu hören sind: Sie sind ein neuer Kunde. Ich bin bereits Kunde. Ihr Name beginnt mit einem P, mit einem Ö. An Wänden mit interessanten Farbkonzepten, an denen das...

„Abteilung Leben“ – von Christoph Marthaler und Ensemble (UA) –  Regie Christoph Marthaler, Bühne Duri Bischoff, Kostüme Sara Kittelmann, Musik Martin Schütz

Theater Basel: Gesang auf die Vergeblichkeit

Inklusion versteht sich nicht von selbst

Reflexion fördern

Rückwärts durch die Zeit der Gegenwart

Solidarität und Glitzer

Nationaltheater Mannheim: Wettstreit der Wahrheiten

Wir sind Punks

Trans*respekt versus anti-trans Gewalt

Die Pflanze, die ich also bin

Living Beneath

Körperpolitik ohne Ende

Garage und Galaxie

Vorwort

Münchner Kammerspiele: Lokalgeschichte meets historische Schuld

Staatstheater Stuttgart: Einsame Menschen in den Datennetzen

Thalia Theater Hamburg: Im Blutmeer der Zukunft

„Ich lausche meinem Körper die choreografische Form ab“

Archipel der Kunst

So You Think You Can Turniertanz?

Körper und Körperlichkeit

Unsere Körper sind Text

Ride & Resistance

Die Hüfte ist das Zentrum

Es ist Weltfrauentag. Am 08. März protestieren in Basel unangemeldet gut hundert Menschen ganz allgemein gegen das Patriarchat, im Besonderen halten sie Plakate hoch, auf denen „Free Palastine“ und „Stop pinkwashing genocide“ steht. Ob auch jemand an die Vergewaltigungsopfer und die Geiseln der Hamas erinnert? In unmittelbarer Nähe der Straßenkreuzung, auf der sich die Demonstranten und die Polizei gegenüberstehen, hat Nairi Hadodos Theaterabend „Kim“ auf der Kleinen Bühne Premiere. Kim ist Kim Kardashian, selbsternannte Geschäftsfrau, Model und Instagrampersönlichkeit. Die Frau eine einzige Selbstermächtigung. Manche halten sie für eine hart arbeitende Unternehmerin, für eine liebevolle Mutter von vier Kindern, für eine Vorzeigefeministin. Selbst wenn, wie es im Stück heißen wird, seit zehn Jahren weltweit junge Frauen zum Schönheitschirurgen gehen mit dem Wunsch „I wanna look like Kim Kardashian“. Für andere ist sie einfach Trash. Glaubt man, sie in einer Schublade versorgt zu haben, postet sie Fotos von sich anlässlich einer bestandenen Uni-Prüfung oder wie sie während eines Besuchs in Armenien auf den Genozid aufmerksam macht. Auch ihre Vorfahren kamen in den Jahren 1915/16 um, andere konnten in die USA fliehen. Das Theater ist eine gute Übung, es sich nicht ganz so behaglich einzurichten in seinen Meinungen und die Widersprüche und die...

„Kim“ von und mit Nairi Hadodo – Textfassung Nairi Hadodo, Daniele Holtz, Bühne Tobias Stefan Maurer, Kostüme Nairi Hadodo

Theater Basel: Die Haut zu Markte tragen

Der kluge Mann baut vor

Nicht nur Gestell für Stimmbänder und Handgesten

Frau Sägesser, Sie leiten m2act, der Name klingt nach einer Anweisung zum Handeln. Was macht m2act? Saima Linnea Sägesser: Das Schweizer Förder- und Netzwerkprojekt m2act wurde vor fünf Jahren vom Migros-Kulturprozent initiiert als Reaktion auf die Bedürfnisse der Darstellenden Künste, es fehlte ein Förderinstrument für systemischen Wandel und Transformationsprozesse. Wir fördern Projekte, die sich mit einer fairen ­Praxis und nachhaltigen Strukturen im Kulturbereich auseinander­setzen, wie z. B. Vereinbarkeit von Familie und Beruf im Theater, Care in einem weiteren Sinn, ökologische Nachhaltigkeit, Diversität und Inklusion. Nicht zuletzt geht es um Fairpay, u. a. haben wir die Arbeit von t. Theaterschaffen Schweiz in der Weiterentwicklung der Richtlöhne und Richthonorare für die Freie Szene finanziell unterstützt. Es sind Themen aus der Szene, für die Szene und mit der Szene. Unser zweites Ziel ist zu vernetzen. Nur wenn vorhandenes Wissen allen zur Verfügung steht, kann sich etwas ändern. Seit 2020 veranstalten wir große Netzwerktreffen. Das Besondere ist, dass unsere Förderung auf ko-kreative Projekte fokussiert, das bedeutet, dass Kulturschaffende mit Akteur:innen aus anderen Bereichen wie Wissenschaft, Politik und Wirtschaft oder auch mit Organisationsent­wickler:innen und Diversitätsexpert:innen zusammenkommen und voneinander lernen. Sie haben das Netzwerktreffen zusammen mit Helvetiarockt organisiert, einem Verein, der sich für die Gleichstellung aller...

Zusammen mit Helvetiarockt hat Migros-Kulturprozent m2act zum Schweizer Netzwerktreffen Awareness, Agency &amp; Accountability in die Basler Kaserne eingeladen. Neben dem Migros Museum für Gegenwartskunst in Zürich und dem Tanzfestival Steps gehört u. a. auch m2act zum Migros-Kulturprozent. Saima Linnea Sägesser sprach mit Annette Hoffmann über einen Wandel in der Kulturszene.

Themen aus der Szene mit der Szene

Von Sprachverbotsversuchen, Sprechermöglichungen und Körperwirklichkeiten

Die Arbeit der Frauen: Punch und Judy

Auf dem Gipfel der Verzweiflung

Tanzen zwischen künstlerischer Perfektion und Höchstleistungssport

Spielart-Festival München: „Sie sind gelaufen, damit ich gehen kann“

Ausgebeuteter Körper

Unidentical Dude

Oldenburgisches Staatstheater: Betont präzise und seelenlos

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

Bericht

double

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Musiktheater

Queeres Theater

Europa

Theater der Zeit

Politische Konfliktzonen

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Tanz

Performance

Kunstinsert

Debatte

Asien

Brandenburg

Neue Dramatik

Edition Bayerische Theaterakademie August Everding

Wissenschaft

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Kostüm und Bühne

Musik im Schauspiel

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Gespräch

Startseite

Magazin

Keynote von Agota Lavoyer zu „Rape Culture: Über eine Gesellschaft, die sexualisierte Gewalt verharmlost und normalisiert“

Lesung von Sonja Eismann (Missy Magazine) „Candy Girls. Sexismus in der Musikindustrie“

Empowerment Space beim Netzwerktreffen

Joscijka Abels‘ historischer Roman, setzt sich auf komplexe und tiefgründige Weise mit zentralen Fragen der menschlichen Existenz auseinander. Durch den Dialog der Romanfiguren enthüllt sich die performative Natur des Lebens, in der die Grenzen zwischen Realität und Inszenierung im „teatro mundi“ (Welttheater) verschwimmen. Die Reflexion über Kunst, Philosophie und Politik macht Abels Roman zu einer anspruchsvollen und lohnenden Lektüre.
Es ist im Jahre 1464, als Bernardo Rossellino, aus einer Zeitschleife zurückkehrend, sich in der Bibliothek seines von ihm erbauten Palazzo Piccolomini in Pienza wiederfindet. Wer er ist, weiß er nicht mehr. Und so beginnt für ihn die Suche nach seiner Identität. Wer war jener Gamberelli, von dem alle sprachen? Bernardo begegnet einer Abendgesellschaft, darunter Papst Pius II., vormals Eneas Silvio Piccolomini, dem Philosophen und Kleriker Cusanus, auch bekannt als Nikolaus von Kues, dem vielseitigen Architekten Leon Battista Alberti, seinem Tugendfreund Filarete und dem Mathematiker Paolo dal Pozzo Toscanelli. Sie versammeln sich jeden Abend um ein in der Mitte des Bibliotheksaales eingelassenes Spielfeld und widmen sich mit einer runden, ausgehöhlten Kugel dem Globusspiel. Es ist das Weisheitsspiel des Cusanus, in dem es gelingen soll, gleichsam durch einen Spiegel und im Rätselbild auf die Möglichkeiten in dieser Welt und in uns zu sehen. Was ist das Geheimnis des Enea Silvio Piccolomini? Warum hatte man die von Bernardo gebaute Erinnerungsarchitektur, das von diesem Papst gewünschte Memoriale an seinem Heimatort, so geändert? Wieso hatte sich über die cusanische Reform des julianischen Kalenders nicht nur ein Schleier, sondern der Mantel des Vergessens gelegt?
Die abendlichen Dialoge kreisen um nahezu alle Grundfragen, die aus der Renaissance überliefert sind. Die Runde öffnet sich den Quellen der griechisch-römischen Antike und reflektiert über die Beziehungen zwischen Architektur, Kunst und Wissenschaft, über die Wirklichkeit und Möglichkeit in der sichtbaren Malkunst, über den Ursprung der Welt, das Phänomen der Zeit und das Nebeneinander der Religionen.
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Kaleidoskop der Stimmen und Bilder

Julianische Tage im Schatten der Piazza

Welttheater – Haus der Kulturen der Welt Berlin

Theatermusik

Mit zahlreichen Beispielen und Tipps wird in diesem Band das Entstehen gemeinsam improvisierter Szenen erläutert. Wie beginnen wir Szenen? Wie führen wir sie fort? Und wie beenden wir sie? Wie schaffen wir eine stabile Plattform? Und wie improvisieren wir ohne Plattformen? Wie erschaffen wir kraftvolle szenische Konflikte und wie spielt man intime Szenen? Wie unterstützen wir unsere Partner auf der Bühne und aus dem Off? Wie entsteht Komik und wie erschaffen wir berührende Szenen?
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Die Magie der Szene

Improvisationstheater (Bd. 3)

Künstlerbuch mit ca. 50 Zeichnungen, Skizzen und Malereien
Ca. 50 Gedichte in Originalsprache (Englisch) und deutscher Übersetzung
Das letzte von Sieczkarek maßgeblich betreute Projekt – intim, authentisch, einzigartig
 
„Highland Child“ vereint Bildkunst und Lyrik von Mark Sieczkarek in einem eigenständigen Künstlerbuch: Zeichnungen, kleine Malereien und Collagen begegnen 48 englischsprachigen Gedichten, deren deutsche Übertragungen jedem Exemplar als Einleger beiliegen. Als Tänzer des Tanztheaters Wuppertal Pina Bausch in den 80er Jahren (u. a. „Viktor“, „Ahnen“, „Kontakthof“, „Das Frühlingsopfer“, „Nelken“) und seit 1988 mit über 50 eigenen Produktionen als Tänzer und Choreograph, entfaltet er in diesem Band ein sehr persönliches Universum – Menschen aus seiner nächsten Umgebung, Begegnungen aus der internationalen Tanzszene, Erinnerungen und Gedankenskizzen.
Die Arbeiten in Farbe und Schwarz-Weiß zeigen seine poetische Spannung zwischen Bewegung und Bild. Entstanden ist ein sorgfältig gestaltetes und liebevoll illustriertes Hardcover, das die künstlerische Handschrift Sieczkareks in ihrer Vielschichtigkeit sichtbar macht – ein in seiner Interdisziplinarität beeindruckender Künstler, der über Tanz, Kostüm und Bühnenbild wirkte und sich ebenso hingebungsvoll Zeichnungen, Film und Dichtung widmete.
 
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Art and poetry by Mark Sieczkarek

Highland Child

Die 52. Ausgabe von double. Magazin für Puppen-, Figuren- und Objekttheater widmet sich der Figut des Caspar als Superhelden, Spaßmachern und Systemsprenger. Kann die Figur überhaupt im Heute bestehen, ohne ihre anarchische Energie zu verlieren?
Im Zentrum stehen die lustigen Figuren des europäischen Puppenspiels in all ihren Ambivalenzen und Transformationen. Fachbeiträge reflektieren kulturelle Erbe-Diskurse, Genderaspekte und die künstlerisch-ästhetische Entwicklung der komischen Handpuppe vom Kasper bis Punch als Spiegel gesellschaftlicher Herausforderungen und Widerstände. Internationale Festivalberichte, Interviews und Analysen nehmen die Vernetzung der Szene genauso in den Blick wie aktuelle Initiativen zur Unesco-Nominierung.

Kasper und Co. in schwierigen Zeiten

Superheld, Spaßmacher, Systemsprenger

Die erste große Gesamtschau
Vier Jahrzehnte Tanz, über 50 Produktionen
Aufwendige Gestaltung im Großformat mit über 100 Abbildungen
„Open the curtains. Zum Werk von Mark Sieczkarek“ lädt als Journal zu einer Erkundungsreise in das facettenreich inspirierende Schaffen des Choreografen und Künstlers Mark Sieczkarek (10. 9. 1962 bis 8. 9. 2025) ein. In Schottland geboren, kam er über Pina Bausch nach Wuppertal und folgte dann bald seinem eigenen künstlerischen Weg. Anlass für das Journal war die Ausstellung „paths through my garden – Kunst von Mark Sieczkarek“ vom 9. bis 26. Oktober 2025 im Schauspielhaus/ Pina Bausch Zentrum under construction in Wuppertal. Bis zu seinem Tod hat der Künstler die Werkschau mit vorbereitet. Im Journal finden fotografische Aufnahmen seiner Choreografien, Bühnenbilder und Kostüme ihren Raum, die in über 50 Produktionen in vier Jahrzehnten entstanden sind, ebenso wie Verweise auf seine Filme und Skizzen, Zeichnungen und Bilder. Ergänzt werden die Zeugnisse seiner vielfältigen künstlerischen Aktivität durch Stimmen und Betrachtungen mehrerer künstlerischer Weggefährt:innen.
In „Highland Child“ beendet Mark Sieczkarek sein letztes Gedicht „The end“ mit der Zeile „Open the curtains“. Zeitgleich zum Journal erscheint dieser Band als 2025 zusammengeführte Sammlung eigener Bilder und Gedichte. Sieczkareks letztes Lebensjahr war geprägt von den Herausforderungen der Krankheit ALS. Journal und Künstlerbuch laden nun als posthume Würdigung in Mark Sieczkareks sanftes und zugewandtes, irritierendes und rebellisches Universum ein.
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Zum Werk von Mark Sieczkarek

Open the curtains

Palucca (1902–1993) wollte nicht hübsch und lieblich tanzen und war noch keinesfalls berühmt, als sie im Alter von 23 Jahren eine private Tanzschule gründete. In diesem Band kommen Menschen zu Wort, die eine Beziehung zu Palucca, zur Palucca Schule (gegründet 1925, heute Hochschule), Mut im Kopf und Mumm in den Knochen haben. Sie taten und tun das vorzugsweise in Projekten, mit denen Menschen im und mit Tanz zu Veränderungen angestiftet und befähigt werden, gesellschaftliche Missstände mit Leib und Seele anzugehen. Das erfordert ziemlich viel Mut.
Für den Soziologen Dirk Baecker ist Mut ein Kalkül. Für Palucca war Mut eine Voraussetzung für Kunst. Studierende des 2. und 3. Studienjahres Bachelor Tanz der Palucca Hochschule für Tanz Dresden verraten, wie sich Mut einstellen kann, selbst wenn sie Angst haben. Das könnte man sich glatt zu Herzen nehmen, und dann ist Mut zu haben vielleicht gar keine Kunst?
 
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Faszination und Verantwortung

Mut Palucca

Der menschliche Körper ist Gegenstand, Medium und Instrument der Künste! Über und durch den Körper wird dargestellt, wird Geschlecht zugeschrieben, wird ein- und ausgeschlossen, werden künstlerische Formen ebenso wie institutionelles Selbstverständnis geprägt. Die kritische Reflexion von Körperlichkeit war immer auch Anlass zum Umdenken in den Künsten. Im Mai 2024 luden vier Münchner Institutionen zum gemeinsamen Respekttag ein, um Fragen der Repräsentation, Gewaltprävention und Antidiskriminierung mit Fokus auf der Körperlichkeit zu diskutieren: die Bayerische Theaterakademie August Everding (Gastgeberin), die Akademie der Bildenden Künste München, die Hochschule für Fernsehen und Film München und die Hochschule für Musik und Theater München. Der hochschulübergreifende Aktionstag nahm in Vorträgen, Workshops, Diskursformaten und künstlerischen Beiträgen das Spannungsfeld des herausgeforderten und herausfordernden Körpers in der zeitgenössischen Kunst in den Fokus.
Die Publikation ist nicht nur eine Dokumentation und Rückschau auf diesen Respekttag 2024, sondern eine Sammlung von wissenschaftlichen und künstlerischen Perspektiven zu den zentralen Themen des Aktionstages.
Mit Beiträgen von Magz Barrawasser, Franzy Deutscher, Lann Hornscheidt, Nele Jahnke, Jayrôme C. Robinet, Jenny Schrödl u. v. m.
 
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Herausfordernde und herausgeforderte Körper in der zeitgenössischen Kunst

„Challenge(d) Bodies“

Nach dem Tod von Heiner Müller am 30. Dezember 1995 entstand das erste TdZ-Arbeitsbuch mit dem Titel „Kalkfell“. Es folgten ein zweiter „Kalkfell“-Band und viele Einzelstudien und Aufsatzbände in der TdZ-Recherchen-Reihe sowie in der Zeitschrift immer mal wieder Texte aus Müllers Nachlass, die im Entstehen der Werkausgabe bei Suhrkamp entdeckt wurden. Dazu opulente Bände zu Müllers eigener Inszenierungsarbeit und B. K. Trage­lehns Müller-Inszenierungen. Die Biografie Heiner Müllers war indes bisher kein ausgeprägtes Feld bei Theater der Zeit. Im hier aus Anlass des kleinen Gedenkjubiläums zusammengestellten Schwerpunkt finden Sie neben den Beiträgen von Kristin Schulz und Wolfgang Storch die Erinnerungen von Hans-Jochen Vogel an seinen Cousin Heiner. Die Lebenswege gingen schnell weit auseinander – Müller verließ schon jung den erzgebirgischen Herkunftsraum und ging nach Berlin, ­Vogel blieb in der Gegend und wurde Studentenpfarrer in Karl-Marx-Stadt beziehungsweise Chemnitz. Verbunden blieben sie durch das Interesse aneinander – und deshalb ist Vogels (online vollständig zu lesendes) Memoir ein erhellendes Stück Müller-­Literatur heute.
Mit Tilda Swinton kommt man in die verschiedensten Bereiche von Film und Theater, so wie das Kunstinsert an ihre Zusammenarbeit mit Derek Jarman und Pedro Almodóvar erinnert. Ihre Zeit mit Christoph Schlingensief ist legendär und nebenbei war bei der Arbeit an diesem Beitrag auch noch von ihrer Rückkehr auf die Bühne zu erfahren. 1982 schrieb der Regisseur Manfred Karge sein erstes Stück, „Jacke wie Hose“, über eine Frau, die in der Weltwirtschaftskrise von 1929 die Stelle ihres verstorbenen Mannes annimmt und fortan, heute würde man sagen, als ‚männlich gelesen‘ weiterleben muss. 1987 spielte Swinton am Londoner Royal Court Theatre die englische Erstaufführung – und 2026 wird sie diese „Man to Man“-Szenen wieder am Royal Court spielen, mit einem geplanten Gastspiel im Berliner Ensemble.
Ein kuratiertes Insert befasst mit Machtmissbrauch in den Darstellenden Künsten – das Netzwerktreffen von Helvetiarockt und m2act.
Über gleich zwei Neustarts berichtet das Heft, in Hamburg und in Freiburg, genauso wie über Festivalberichte. Weiterhin, wie immer: der Stückabdruck (diesmal von Gerhild Steinbuch) unsere Kolumnen.
 
 
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Zwischen Bühne und Film

Tilda Swinton

Opulent bebilderte Buchausgabe, die die musiktheattrale Installation visuell und textlich dokumentiert
Künstlerisches Mahnmal über Krieg, Zerstörung und menschliche Resilienz
Die mit dem OPUS KLASSIK 2025 ausgezeichnete musiktheatrale Installation des Mozartfests Würzburg setzte sich künstlerisch mit der Bombardierung Würzburgs am 16. März 1945 auseinander. 80 Jahre nach der Zerstörung der Barockstadt verschmolzen Lyrik von u. a. Paul Celan und Bertolt Brecht, Zeitzeugenberichte und Musikwerke aus vier Jahrhunderten zu einem sinnlichen Klangerlebnis, das historische Narben ertastet und Brücken zur Gegenwart schlägt. 
Im historischen Mutterhaus der Erlöserschwestern, wo 500 Menschen die Bombennacht im Luftschutzkeller überlebten, entstand eine immersive Theaterform, die Erinnerungskultur neu denkt. Werke von Mozart, Mahler, Schumann und Copland trafen auf zeitgenössische Interpretation und machten Kriegstraumatisierung unmittelbar erfahrbar. Die visuelle Gestaltung mit eindrucksvollen Fotos dokumentiert die Installation sowie ihre Genese und ermöglicht es, das Konzert anhand des Buches wieder nachzuempfinden. Ein künstlerisches Mahnmal, das zum Gedenken und Nachdenken anregt.
„Hell ist die Nacht“ ist eine Produktion vom Mozartfest Würzburg. Regie Max Koch, Dramaturgie Tamara Yasmin Quick, Musikalische Leitung Ulrich Cornelius Maier
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Eine Dokumentation

Hell ist die Nacht

Neue Theatertexte verstehen und schreiben: Der nächste Band aus der erfolgreichen „Lektionen“-Reihe ist ein unverzichtbarer Leitfaden für alle, die sich mit zeitgenössischer Dramatik auseinandersetzen. Expert:innen aus Literatur- und Theaterwissenschaft sowie der Schreibpraxis beleuchten praxisnah, analytisch und didaktisch zentrale Aspekte und Herausforderungen moderner Dramatik.
Wie hat sich die dramatische Sprache nach der Postdramatik verändert? Welche Rolle spielen Musikalität, Körperlichkeit und Mehrsprachigkeit? Wie lassen sich Texte interpretieren, die Genregrenzen bewusst überschreiten? Der Band bietet nicht nur theoretische Grundlagen, sondern auch praktische Einblicke in das Schreiben, Übersetzen und Inszenieren neuer Theatertexte. Eine Übersicht zu Ausbildungsmöglichkeiten und Publikationsadressen rundet diese bisher einmalige Zusammenschau zur Gegenwartsdramatik ab.
Mit Beiträgen von Adrienn Bazsó, Anton Bröll, Paul Brodowsky, Edith Draxl, Anne Fleig, Pola Groß, Tina Hartmann, Fabian Hinrichs, Maria Kuberg, Felix Lempp, Ilja Mirsky, Ramona Mosse, Clemens Özelt, Artur Pełka, Kathrin Röggla, Hannah von Sass, Martin Jörg Schäfer, Martin Schneider, Nele Stuhler, Irina Sulaver und Giulia Weis.
 
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„Ist’s vorüber, lacht man drüber“ – Ute Nyssens Verlegergeschichte eröffnet faszinierende Einblicke in die geistigen Grundlagen heutiger Theaterprogramme und beleuchtet das Schicksal neuer Bühnenstücke. Die Autorin schildert den Weg einer kleinen, aber engagierten Gemeinschaft von Bühnenverleger:innen, die diese Werke entdecken und in der deutschsprachigen Theaterwelt fördern.
Nach einer prägenden Zeit in einem Buchverlag entschied sich Ute Nyssen endgültig für den Beruf der Bühnenverlegerin. Gemeinsam mit ihrem Lebenspartner, dem Verlagslektor Jürgen Bansemer (1933–2006), verwirklichte sie 1981 ihren Traum von Selbstständigkeit und gründete den Ute Nyssen &amp; J. Bansemer Theaterverlag. Der Verlag etablierte sich rasch als bedeutender Akteur in der deutschsprachigen Theaterlandschaft.
Mit großer Authentizität und Leidenschaft erzählt Nyssen von ihrer Liebe zu Literatur, Sprache und Theater, von der Entdeckung und Förderung herausragender Dramatiker:innen wie Elfriede Jelinek, Tankred Dorst, Thomas Jonigk und Heinar Kipphardt. Ebenso schildert sie die Herausforderungen im Umgang mit Autorenrechten, Übersetzungen und Bühnenproduktionen sowie die besonderen Anforderungen, die sich aus der Arbeit als Medienagentur seit den späten 1980er-Jahren ergaben.
Ute Nyssen möchte mit ihrer Verlegergeschichte den Geist und die Aufbruchsstimmung der 1968er Jahre weitertragen und die heutige Generation zu Mut, Kreativität und unternehmerischem Denken inspirieren. Dieses Buch ist ein unverzichtbarer Begleiter für alle Theater- und Literaturbegeisterten, die tiefere Einblicke in die Mechanismen des deutschsprachigen Sprechtheaters gewinnen möchten.
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Ist’s vorüber, lacht man drüber

Klaus Zehelein hat das neue deutschsprachige Musiktheater entscheidend geprägt. Seine Arbeit als Dramaturg und Intendant kann mit Blick auf die Erfindung und Ausgestaltung einer Oper für den modernen Menschen als modellhaft gelten. Fernab von Vorstellungen eines auf „Aktualisierung“ zielenden Regietheaters gewinnen Zeheleins Ideen eines heutigen Musiktheaters durch die intensive Auseinandersetzung mit der Geschichte der Werke zukunftsträchtige Brisanz. Die Autobiographie folgt den Stationen seines Wirkens – von den Anfängen in Kiel und Oldenburg hin zu den Zeiten des Aufbruchs in Frankfurt und Stuttgart bis zu seiner Tätigkeit als Präsident der Bayerischen Theaterakademie und des Deutschen Bühnenvereins. Sie zeigt, was Musiktheater sein kann: ein Ort unerhörter Augenblicke, die die Gegenwart neu entdecken lassen.
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Autobiographie

Unerhörte Augenblicke

Neuerscheinungen im Verlag