Totkürzungen drohen

Die Heterotopien erhalten

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Zwischen den Wohnbauten und Platanen der Forest Houses in der South Bronx wirkt Thomas Hirschhorns „Gramsci Monument“ wie eingebettet in das Leben der Bewohner der Siedlung und ihrer Besucher, manifestiert aber zugleich auch den Bruch mit ihnen. Das Werk des 56-jährigen Schweizer Künstlers entstand speziell für diesen Ort und wurde mit Hilfe von bezahlten lokalen Arbeitskräften errichtet. Gleichzeitig jedoch blieb es Idee, distanziert von seinem Umfeld, ein schwebendfließendes Element des Hirschhorn’ schen Geists. Ich nehme die Linie 5 Richtung Nord- Manhattan in die Bronx, laufe an Bodegas und anderen Läden vorbei bis zur East 163rd Street und bin mir nicht sicher, wie ich diesen inhärenten Widerspruch zwischen von hier und nicht von hier auflösen soll. Knapp 3400 Menschen wohnen in den Forest Houses, überwiegend Afroamerikaner und Hispanics, die meisten von ihnen in Armut. Für die Dauer des Projekts, ab dem Bau des Monuments im Juni bis zu seinem Abriss am 15. September, leben Hirschhorn und der Berliner Philosoph und Dramatiker Marcus Steinweg bei ihnen. Trotz des gewählten Standorts mitten im Elend ist das Monument definitiv kein soziales Projekt. Von Wind und Sonne verwittert steht es da, auf wackeligen Holzplatten, und erinnert an ein rasch zusammengezimmertes Schiff, das im Hof zwischen...

Das „Gramsci Monument“ von Thomas Hirschhorn und Marcus Steinweg durchbricht in einem Brennpunkt von New York die kapitalgelenkte Realität

Gramsci sprengen in der South Bronx

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Hamburger Marathon

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Das Beste, was ich je gefühlt habe, war immer auf dem Heimweg nach einer Vorstellung in der Volksbühne. Einfach das Beste. Ich habe im Herbst 2010 etwas von Pollesch gesehen, wahrscheinlich „Ein Chor irrt sich gewaltig“, und danach fühlte ich mich einfach großartig, so voller Leben. Ich hatte die fantastischen Partys und Festivals der 90er Jahre verpasst – ich hörte nur davon, recherchierte darüber in Archiven. Schlingensief, wie er ins Mikro­fon brüllt. Bert Neumanns „Neustadt“. Vielleicht waren das die besten Jahre. Es fühlt sich in Berlin immer so an, als wären die besten Jahre die Jahre gewesen, kurz bevor man angekommen war. Immer noch, das Beste, was ich je gefühlt habe, war auf dem Heimweg nach einer Vorstellung in der Volksbühne. Ich habe seit 2002 ab und zu in Berlin gelebt, immer mal wieder für ein Jahr. Als ich im September 2022 wieder zurückkehrte, wollte ich vor allem zur Volks­bühne. Als ich die Rosa-Luxemburg-Straße hinauffuhr, sah ich die „WIR ­LEBEN“-Plakate und ich fühlte einen Schauer von Leben. Aber fast alles, was ich dort in der Saison 2022/23 sah, fühlte sich alt an. Die Schauspieler:innen schleppten sich durch Routinen; selbst Produktionen junger Künstler:innen wirkten energielos. Es war, als ob...

Matt Cornish, US-amerikanischer Theaterwissenschaftler und Dramaturg

Nach dem Scheiterhaufen

Der Materialergründer

Während des Spektakels der Olympischen Sommerspiele 2012 in London war die Wooster Group bei der Royal Shakespeare Company (RSC) zu Gast. Englands Meisterensemble des klassischen Theaters hatte die berüchtigten „Klassikzertrümmerer“ aus Amerika zu einer Koproduktion eingeladen. Die gemeinsame Wahl fiel auf das bekanntermaßen schwierige Stück „Troilus und Cressida“, das sich eingezwängt zwischen den Tragödien und den Historiendramen im „First Folio“ befindet und doch auch zu den Komödien gehört. Angeführt von Mark Ravenhill, übernahmen die Engländer die Rolle der Griechen, dieser ungehobelten Schläger, die fern der Heimat nichts zu verlieren hatten. Die Amerikaner, unter ihrer Generaldirektorin Elizabeth LeCompte, spielten die Trojaner: tragische, edle Liebhaber, die ihre Festungstürme ebenso zotig wie ritterlich verteidigten. Das groteske Drama setzte einen spannenden Kontrapunkt gegen das grandios nationalistische Abfeiern der Olympischen Spiele. Doch die englische Kritik konnte mit der kruden Kollision der Stile in „Cry, Trojans!“ wenig anfangen. Ihnen blieb die Wooster Group ein Rätsel: Verkleidet in Indianerkostüme, hielten die Schauspieler Lacrosseschläger in den Händen, trugen labbrige Plastikabdrücke griechischer Statuen auf dem Rücken und quetschten die Sprache Shakespeares durch ein Medley von Akzenten. Nun sind Wooster-Group-Stücke fast immer „in process“; LeCompte arbeitet oft noch lange nach der Premiere weiter an ihren Produktionen. Und so hat sich...

Warum sich die bei der Sommerolympiade in London gezeigte Produktion „Cry, Trojans!“ der Wooster Group erst in New York zu einem irren Ritt durch die Kulturgeschichte entwickelt

Mit Pfeil und Lacrosseschläger

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Kompositionsprinzip Collage

Angstlos! Heimatlos?

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Vor dem Zusammenbruch der von den USA unterstützten afghanischen Regierung Mitte August dieses Jahres gab es in den USA praktisch kein Interesse an Afghanistan. Die Google-Suchanfragen waren über ein Jahrzehnt lang gleichbleibend: nie ganz null, aber um den Nullpunkt herum pendelnd, mit gelegentlichen Ausschlägen während des Truppenaufmarsches 2009, angeführt vom damals neuen Präsidenten Barack Obama, und nach dem Abwurf der „Mutter aller Bomben“, des größten nichtnuklearen Sprengkörpers des US-Arsenals, auf Tunnelsysteme des sogenannten IS im April 2017 durch den damals neuen Präsidenten Donald Trump. Keine Spur von Interesse im November 2020, als Trump ankündigte, dass er die US-Streitkräfte abziehen würde. Und keine öffentliche Resonanz im April 2021, als der neue Präsident Joe Biden verkündete, dass er sich für einen Truppenabzug einsetzt und dass dieser bis zum 20. Jahrestag des 11. Septembers abgeschlossen sein soll. Am 11. September 2001 war ich ein frisch eingeschriebener Student, der in linken Organisationen wie Amnesty International aktiv war. Ich erinnere mich, dass ich dem Afghanistan-Einmarsch durch den damaligen Präsidenten George W. Bush, der im Oktober begann, ambivalent gegenüberstand. Ich war unschlüssig: Ich wusste, dass die Sowjetunion bei der Besetzung Afghanistans gescheitert war, und ich misstraute Bush. Doch ich wusste auch aus den Briefkampagnen von Amnesty,...

Die westliche Politik hat in Bezug auf Afghanistan versagt – aber wie steht es um die Theater- und Kulturszene? Ein Report aus den USA

Wo sind die Anti-Kriegs-Stücke?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Es müssen Köpfe rollen

Was macht das Theater, Alexander Karschnia?

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Gegen die Vereinzelung

Zehn mal zehn Prozent

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Theater ist überlebensnotwendig

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Matt Cornish: Caden Manson, Jemma Nelson, bereits in euren frühen Produktionen „Shelf Life“ (2001) und „Flicker“ (2002) stand der Einsatz von Medien im Fokus. Ihr installiertet einen Bildschirm zwischen Zuschauer und Bühne sowie drei feststehende Kameras, die auf die Performer gerichtet waren. Diese bewegten sich ständig ins Bild und aus dem Bild heraus. Ihr nanntet das real time film (Echtzeitfilm). Die beiden Produktionen tourten weltweit und machten so auch am Hebbel am Ufer (HAU) in Berlin Station. Während dieser Tour hattet ihr das erste Mal die Gelegenheit, an der Volksbühne eine Inszenierung von Frank Castorf zu sehen, der mit seinen Arbeiten noch nie in den USA zu Gast war. Was waren eure Eindrücke? Caden Manson / Jemma Nelson: Wir gastierten bereits zum zweiten Mal am HAU, mit „Shelf Life“, als wir unsere erste Arbeit von Castorf sahen. Matthias Lilienthal hatte uns gesagt, dass wir uns unbedingt mal eine Inszenierung von ihm an - schauen müssten. Also sahen wir uns „Erniedrigte und Be leidigte“ an. Wir waren sofort elektrisiert, zunächst von der Szenografie, dann vom Spiel. Bert Neumans Bühnenbild verdeckte die Schauspieler über lange Strecken, so dass wir gezwungen waren, einen Großteil der Handlung über Live-Video zu verfolgen. Das fesselte uns...

Die beiden Gründer der New Yorker Big Art Group Caden Manson und Jemma Nelson im Gespräch mit Matt Cornish

Gefräßige Bilderverschlinger

Alles fließt

Ende der Exception Culturelle

<h3>Blackfacing ließe sich als Verfremdungseffekt nutzen – wenn der Rückgriff darauf reflektiert würde</h3> von Matt Cornish Seit vielen Jahrzehnten verfolge ich das deutschsprachige Theater mit leidenschaftlichem Interesse und mir sind nur wenige Künstler begegnet, die historisch, politisch oder ästhetisch naiv wären. Als ich also von den Blackfacing-Fällen hörte, die im vergangenen Jahr in Deutschland und in der Schweiz für Skandale sorgten, war ich mir recht sicher, dass die Vorfälle nichts...

Echt kein Brecht

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Festival der Besessenen

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Inklusive Ansätze erproben!

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Mit dem Theater die Welt verändern

Guilt-Trip durchs Vogtland

Was ist Theater?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

Caden Cotard in „Synecdoche, New York“ (Charlie Kaufman, 2008) – ein hypochondrischer Träumer, besessen von sich selbst und vom Tod – zieht sich im Verlauf des Films immer weiter in sein Lagerhaus in New York City zurück, wo er die Stadt nachbauen lässt. Er will in einem neuen, großen und wahren Theaterstück die Alltäglichkeit des Lebens abbilden. Unzufrieden mit der „Lüge“ der imaginären vierten Wand, bittet der von Philip Seymour Hoffman gespielte Caden seinen Bühnenbildner, die Kulissen zuzumauern, aus denen die Szenerie seines monumentalen Stücks besteht: „Zumauern“, sagt er, „alles.“ Das Geniale an Hoffmans Spiel war seine Fähigkeit, mit Körper und Stimme komplexe Geschichten zu erzählen, tief in seine Rollen einzudringen, ohne die von ihm gespielten Figuren vom Publikum abzuschotten. In einem eigentlich universalen Werk verortete er seine Geschichten meist doch lokal in New York City oder, allgemeiner, in Amerika. Der Charakterschauspieler Hoffman wurde an der Tisch School der New York University ausgebildet, einer Heimat des Method Acting. In vielerlei Hinsicht trat er das Erbe der Rollen an, die Marlon Brando und Dustin Hoffman einst füllten – und ging darüber hinaus. Er übernahm einige der auf Einfühlung basierenden Techniken und ergänzte sie um die ihm eigene raue Dynamik. Anders als...

Zum Tod des Schauspielers Philip Seymour Hoffman

Rastloser Läufer

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Zwischen Illusion und Ideologie

Der Kultur-Kahlschlag droht

Zirkus

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Magazin

US-amerikanischer Theaterwissenschaftler, Athens, Ohio, geboren 1983 in Los Angeles (USA), arbeitet als Associate Professor of Theater History an der Ohio University. Er ist der Autor von „Performing“ und Redakteur von „Everything and Other Performance Texts from Germany“ (mit andcompany&amp;Co., Gob Squad, Rimini Protokoll, She She Pop und Showcase Beat Le Mot).

Die „bunte Esse“, ein Wahrzeichen von Chemnitz

„Der Meister und Margarita“ von Frank Castorf nach dem Roman von Michail Bulgakow an der Volksbühne, 2002

Vereinigte Staaten von Amerika / USA

Kampnagel – Deutschlands größte freie Spiel- und Produktionsstätte mit multifunktionalem Bühnenkomplex, feiert vierzigsten Geburtstag. Die Geschichte der Hamburger Kulturfabrik vom Fabrik-Underdog zum Staatstheater ist ein sich fortschreibendes Kapitel deutscher und europäischer Kulturgeschichte. In den völlig unheiligen Hallen Kampnagels kristallisiert sich, wie sich Theaterkultur in Bezug auf Spielformen, politische Anliegen, institutionelles Handeln sowie Internationalität verändert hat. Das Buch „40 Jahre Widerspruch“ beschreibt, bewertet und befragt die Geschichte, Gegenwart und Zukunft des Hauses sowie der Spiel- und Produktionspraxis. In fünf Kapiteln, die seinen inhaltlichen Schwerpunkten folgen, präsentiert sich Kampnagel als das Zentrum eingreifenden Denkens und Handelns: solidarisch, nachhaltig, avantgardistisch. 
Mit Beiträgen u. a. von Benjamin Foerster-Baldenius, Nikolaus Müller-Schöll, Sibylle Peters, Anne Lacaton und Jean-Philippe Vassal,  Alok, God’s Entertainment, Ibrahim Arslan, Carina Book und Sophia Hussain, Ewelina Benbenek sowie Holger Bergmann.
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Workbook zum Jubiläum

Kampnagel Hamburg. 40 Jahre Widerspruch

Thema Afghanistan

Angst und Widerstand

Auf dem Titel und im Kunstinsert: Gisèle Vienne. Die französisch-österreichische Choreografin hat in den letzten 20 Jahren ein „Ensemble“ von lebensgroßen Puppen­ zusammengestellt, die immer wieder in ­ihren Arbeiten zwischen Tanz, Performance, Fotoporträts der offenbar misshandelten Figuren und auch Film anzutreffen sind. Jetzt gibt es in Berlin erstmals eine große Retrospektive dieser ungewöhnlichen Künstlerin – alles im Beitrag von Theresa Schütz auf den Seiten 26 bis 31.
Ensemble heute ist das Thema des Schwerpunkts in diesem Heft. Brechts Berliner Ensemble wurde vor 75 Jahren gegründet. Der derzeitige Intendant Oliver Reese spricht im Interview über seine „Ensemble-Euphorie“, die aufrechtzuerhalten ihm nicht immer leichtfällt, auch wenn er für ein Foto auf das Dach des Hauses mit dem legendären, von Peter Palitzsch entworfenen und noch immer in die Nacht leuchtenden Signet gestiegen ist. Indes gibt es auch ganz andere Ensemble-Modelle, die auf der umfassenden Idee für eine Theatergemeinschaft basieren. Die transnationale KULA Compagnie, das Theaterhaus Jena und das seit über 40 Jahren auf der Schwäbischen Alb bestehende Theater Lindenhof in Melchingen, porträtiert von der Baden-Württemberg-TdZ-­Redakteurin Elisabeth Maier.
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Gisèle Vienne Unheimliche Collagen

Ensemblekultur heute

Das sommerheft 2024 von ixypsilonzett. darstellende künste &amp; junges publikum widmet sich dem Thema Theatervermittlung als Vermittlungskunst: Die Beiträge aus Praxis, Wissenschaft und Diskurs spannen dabei beispielhaft einen breiten Bogen in die verschiedenen Arbeitsfelder der Theatervermittlung. Partizipative Inszenierungen und Spielclubs, Workshops, freie Projekte, fachlicher Austausch: Hier überall findet täglich Vermittlungskunst statt und wird mit den Mitteln der Performance, des Schauspiels, Musiktheaters, des Tanzes sowie interdisziplinär gestaltet. Für alle Autor:innen verbindend sind die Fragen: Wie lässt sich die ästhetische Praxis bzw. das spezifisch künstlerische Handeln in den unterschiedlichen theatervermittelnden Formaten beschreiben? Was braucht Theatervermittlung, um im besten Fall Vermittlungskunst zu sein?
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Vermittlungskunst

Vor genau 20 Jahren wurde double gegründet und unsere Leser*innen halten gerade die 50. Ausgabe in der Hand. Dieses Doppeljubiläum war für uns Anlass, den Blick zurück nach vorne zu richten und das Heftthema ‚Reenactment‘ mit der Heftgründung in Verbindung zu bringen. Haben Sie es erkannt? Das Cover greift das Titelbild des allerersten Heftes auf, und auch einige mit ‚Reenact!‘ gekennzeichnete Beiträge spinnen Themen von double 1 weiter fort. Neben aktuellen Berichten nehmen wir uns die Zeit, um unsere Reise zu reflektieren.
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Reenactment im Figurentheater

Same, same but different

Die 24. Ausgabe der Anthologie SCÈNE widmet sich Fragen von Geschlechtskonstruktion und genderbasierter, struktureller Gewalt. Acht Texte von Autor*innen aus Frankreich, Belgien, der Schweiz und Québec machen das Private zum Politischen – oft aus einer queeren Perspektive. Vom experimentellen Prosastück zur (nicht nur sprachlichen) Zurichtung weiblich gelesener Körper über lesbische Science-Fiction-Szenarien bis hin zu feministischen Überschreibungen klassischer Theatertexte ist dabei sowohl thematisch als auch formal große Vielfalt geboten. Gemeinsam ist allen Stücken ihr intersektionaler Ansatz: Soziale, ökologische, antikapitalistische und sexuelle Revolutionen werden zusammengedacht und auf die Bühne gebracht – mal agitatorisch-sprachspielerisch, mal performativ versponnen und mal mit fein-ironischem Humor.
 
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Neue französischsprachige Theaterstücke

Blackfacing

Das Theaterlabor Bielefeld, gegründet 1983 von Siegmar Schröder gemeinsam mit Studierenden, ist ein prägnantes Beispiel für die Entwicklungen, die seit den 1980ern zu einer Modernisierung des deutschen Theaters und in Folge zur Konstituierung des Freien Theaters als „Zweiter Säule“ der Theaterlandschaft führen sollten.
Ein Ensemble, das kollektiv und egalitär die ­Gegenstände und Themen seiner künstlerischen Arbeit selbst bestimmte, sich permanent bei den großen, beispielgebenden Künstler*innen des „anderen Theaters“ in Europa aus- und weiterbildete, das zu internationalen Festivals eingeladen wurde und schon früh auch selbst Festivals und Koproduktionsbeziehungen in Europa und bis nach Nordamerika entwickelte und schließlich eine Institution bildete, die Bestand hat und inzwischen von einer nachgewachsenen Generation übernommen wurde.
Die Entwicklung dieser Theaterkunst aus der Kraft der Selbstermächtigung wird von Siegmar Schröder und Henning Fülle in Berichten und Interviews, Gesprächen und Erinnerungen nachgezeichnet und in den Kontext der künstlerischen und institutionellen Aufbrüche der westdeutschen Thea­terlandschaft seit den 1970er Jahren eingebettet.
Mit Interviews und Texten von Eugenio Barba, Yoshi Oida, Leo Bassi, Margarete Pikes, Horacio Czertok, Nullo Facchini, Robert Jakobson, u.v.m.
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Reisen in internationale Theaterwelten

 Wir haben es einfach gemacht!

Viktor Jerofejews Putin-Stück: Der Große Gopnik

Perspektiven der Volksbühne

Am 5. November heißt es in den USA: Trump oder Harris. Eine Schicksals- und Zukunftswahl für die ganze Welt. In der Theaterwelt sind die USA, ab Mitte des 20. Jahrhunderts wichtiger Impulsgeber für das europäische Theater, längst nicht mehr führend und selbst die immer kreative New Yorker Avantgarde ist für die deutsche Szene kein Magnet mehr, während der Broadway brummt nach Corona und Krise. Trotzdem lohnt ein Blick in die schwächer gewordenen Wechselbeziehungen. Die amerikanische Theaterkünstlerin und Dramaturgin Theresa Buchheister stellt das aufregende New Yorker Performanceduo Peter Mills Weiss und Julia Mounsey vor, Robert Wilson erklärt, warum er mit „Moby Dick“ ein Schlüsselwerk der amerikanischen Kultur inszeniert, und TdZ-Redakteur Stefan Keim spricht mit Noah Haidle, dem aktuell präsentesten amerikanischen Dramatiker auf deutschen Bühnen. Enjoy the show!
Zum Amerika-Schwerpunkt gehören außerdem die Doppelbesprechung der Adaptionen von Ottessa Moshfeghs Roman „Mein Jahr der Ruhe und Entspannung“ in München und Graz sowie der Vorabdruck zu Judith Malinas <a href="https://tdz.de/shop/produkt/daa87cc5-7f2f-4604-8790-e380631debe0">„The Piscator Notebook“</a>, das erstmals auf Deutsch erscheint und somit auch an die früher einmal sehr engen Wechselbeziehungen zwischen amerikanischem und deutschem Theater erinnern soll. Vielleicht wird es ja auch wieder anders?
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Amerikanisches Theater

Die künstlerische Arbeit am Theater ist unmittelbar kooperativ und immer auch Arbeit an ihrer eigenen Form. Theatermacher:innen in der Weimarer Republik haben dies voraussetzend versucht, im mitlaufenden Verweis auf ihr Tun eine bessere, nicht kapitalistische Gesellschaft real und imaginativ vorwegzunehmen. Wieso endete dieser Versuch in einem Lob der großen Produktion statt in einer Befreiung von ihr? Oder in einer naiven Verwendung rassistischer Stereotypen? Tropen des Kollektiven beantwortet diese Fragen, indem es ein solches Scheitern von Utopie am Beispiel des Epischen Theaters – der Piscator-Bühne, der Truppe 31, der Versuche-Gruppe, zu der Bertolt Brecht gehörte – nachvollzieht. Weil das Buch nach dem Verwertungsregime künstlerischer Arbeit schlechthin fragt, gelten die Antworten, die es gibt, nicht nur für die Theater-Avantgarde.
<a href="https://mailchi.mp/tdz.de/rothe-briefing">Briefing</a>
 
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Horizonte der Emanzipation im Epischen Theater

Tropen des Kollektiven

Neuerscheinungen im Verlag