Berliner Ensemble: Mit Blitzeinschlag

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Von der Sonne in den Swimming Pool und zurück 

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Alles total anders

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Liebe lässt die europäische Eiszeit schmelzen 

Berliner Chaos-Tage

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Claudia Bauer, Sie haben in Ihren Inszenierungen immer wieder mit Chören gearbeitet, zum Beispiel am Schauspiel Leipzig in „Metropolis“, „Und dann“, „Die Ermüdeten“ und „89/90“, auch in Franz Kafkas „Amerika“ am Staatstheater Hannover. Was ist ein Chor? Ein Chor ist eine Anzahl von Personen, die keine Figuren sind, sondern die überfigürlich etwas gemeinsam tun. Das können auch drei Personen sein, es müssen nicht zwanzig sein. Wenn Schauspieler zusammen etwas Überfigürliches machen, kann man also von Chor sprechen. Chöre auf der Bühne habe ich in verschiedensten Formen oft eingesetzt. Das ist zwar anstrengend, aber auch sehr beeindruckend. Ich habe die Inszenierungen von Einar Schleef noch gesehen, und auch sein Buch „Droge Faust Parsifal“ ist für mich in dieser Hinsicht ein Meilenstein. Sie verwenden den Chor als Kunstmittel. Es gibt ja aber auch die andere Tendenz, den Chor als Laienchor, als vermeintlich authentischen Repräsentanten von Wirklichkeit auf die Bühne zu stellen. Und Tasso nur mit echten Tassen. (lacht) Chor ist für mich per se etwas Künstliches, mein Bewegungschor in „Metropolis“ zum Beispiel besteht zwar aus Laien, aber ich habe mit denen so gearbeitet, dass sie etwas Künstliches geworden sind. Der Chor ist ein künstliches Gebilde, ein Kunstwerk, und als solches muss er...

Nicht nur über Politik reden, sondern politische Bilder schaffen – die Regisseurin Claudia Bauer im Gespräch mit Jakob Hayner

Der Chor der Individualisten

„Wer wird noch etwas wissen von ihm, wenn erst drei Jahre vergangen sind?“, ätzte der Kritiker Peter Iden nach dem Tod Werner Schwabs in der Neujahrsnacht 1994. Gar so schnell sollte der im Alter von nur 35 Jahren Frühverstorbene nicht dem Vergessen anheimfallen. Allerdings sind es tatsächlich nur ein paar wenige Stücke des ungeheuer produktiven Schreibwüterichs, die sich bis heute auf den Spielplänen gehalten haben – vor allem seine sogenannten „Fäkaliendramen“ „Volksvernichtung oder Meine Leber ist sinnlos“ und „Die Präsidentinnen“. Mit dem Hype der frühen neunziger Jahre, als Schwab ein Popstar war wie Kurt Cobain, hat das allerdings nur noch wenig gemein. Der Nirvana-Frontmann verabschiedete sich wenige Monate nach Schwabs Tod mit einem Neil-Young-Songzitat aus dem Leben: „It’s better to burn out than to fade away.“ So ließen sich auch Schwabs Leben und Sterben überschreiben. Dass die Begeisterung der Bühnen für sein Werk heute nur noch auf Sparflamme flackert, erscheint da als bittere Ironie des Schicksals. Wo, wenn nicht in Schwabs Geburtsstadt Graz, wäre der rechte Ort für einen Versuch, sie neu anzufachen? Schwabs „Faust :: Mein Brustkorb : Mein Helm“ hat bisher überhaupt erst zwei Inszenierungen erlebt: 1994 die postume Uraufführung in Potsdam (Regie Thomas Thieme) – da hagelte...

Schauspiel Graz: „Faust :: Mein Brustkorb : Mein Helm“ (ÖEA) von Werner Schwab. Regie Claudia Bauer, Bühne Patricia Talacko, Kostüme Dirk Thiele

Graz: Nonsens eines kalten Herrn

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Stiller Abbau?

Samtener Schutzraum

Leere Bühnen  für volle Köpfe?

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Das Nest sauber halten

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Erst der Wald, dann der Boden

Mit der Pfeilspitze ins Herz hinein

Bewegen, Zeichnen, Überzeichnen

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

Publikumserregung mit Extradimension

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Deutsches Nationaltheater Weimar: Drei Fiktionen für dreizehn Millionen Schicksale

Der Notfall als Prinzip

Neue Dramatik trifft Figurentheater

Shakespeare-Installation meint hier, dass das kaum zu bändigende (und höchst selten aufgeführte) Antiken-Monumentalstück so eingerichtet wurde, dass es mit nur drei bis fünf Figuren für zwei Spieler:innen funktioniert, je nachdem ob man eine Puppe und eine Off-Figur dabei mitzählt. Zu Beginn jedoch lässt Claudia Bauer mit Teresa Schergaut und Patrick Isermeyer parodieren, was Theatern in der Zukunft verbindlich bevorstehen könnte: Sie versichern einander und dem Publikum, alle eventuellen Beleidigungen zu unterlassen, einen Test auf Geschlechtskrankheiten nachweisen zu können und Sex-Szenen nur so zu spielen, wie mit dem Intimacy-Coach abgesprochen. Die beiden treten dafür in Bademantel und -latschen vor und beginnen dann, sich vorsichtig die Körper abzutasten, als eine Art physischer Prolog, denn körperlich wird es bis zum Extrem. Shakespeares Breitwand-Drama ist hier also Kammerspiel, und Andreas Auerbach hat dafür ein Häuschen im römischen Portalstil gebaut, das auf einem Drehsockel bewegt wird, so dass zwischen einer Wohn- und einer Bad-/Toiletten-Ansicht hin und her gewechselt werden kann. Der Eindruck des Klaustrophobischen verstärkt sich noch, wenn man bedenkt, dass zwischen den Handlungsorten Rom und Alexandria ein ganzes Meer liegt. Nachrichten aus der Ferne und zahlreiche Botenberichte werden durch altmodische Festnetztelefone übermittelt, so dass Antonius und Kleopatra nahezu von der gesamten antiken Welt umgeben...

„Antonius und Kleopatra. Eine Shakespeare-Installation im Kolonialstil“, ein Projekt von Claudia Bauer, Teresa Schergaut und Patrick Isermeyer – Regie Claudia Bauer, Bühne & Kostüme Andrea Auerbach, Musik Alexander Dorn, Live-Kamera Fabian Polinski

Schauspiel Leipzig: Immer klingelt das Telefon

Dober Dan, Ljubljana

RambaZamba Theater Berlin: Riesenspaß mit Hintersinn

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Lego meets Ikea

Brennender Schatten

Mit blonder Perücke, gemustertem Hemd und opulentem Rock kunstvoll zu einer Ingeborg Bachmann zwischen Sekretärin und Kaiserin zurechtgemacht, eröffnet die Schauspielerin Bettina Lieder den Theaterabend vor einem geschlossenen roten Vorhang stehend. Sie stellt die Figuren vor: Neben dem Ich gibt’s den Ivan – er ist das zukünftige Love Interest der Protagonistin –, seine zwei Kinder und den titelgebenden „Malina“. 1971 veröffentlicht, bekommt dieser Roman in einer Fassung von Regisseurin Claudia Bauer und Dramaturg Matthias Seier zur Spielzeiteröffnung am Volkstheater Wien die ganz große Bühne. Heißt: Nach dem megalo-wow-wow Erfolg des Ernst-Jandl-Abends „humanistäää!“ im vergangenen Jahr sind die Erwartungen hoch. Heißt auch: Abgesehen von einer Handvoll Zitate aus der Literaturkritik in Reaktion auf „Malina“, ist hier aus dem Text Bachmanns zu hören, zweieinviertel Stunden lang.So sehr der Prolog zuerst die Figuren, den Ort und die Zeit der Handlung als dingfest-machbare Identitäten fixiert, so schnell ist es damit auch schon wieder vorbei – Vorhang auf für das „Ungarngassenland“, wo Zeiten, Realitäten, Albträume, Telefongespräche und Briefe in brüchigen Beziehungen zueinanderstehen und Bauer das eine Ich in viele auffächert. Auch Evi Kehrstephan, Nick Romeo Reimann, Uwe Rohbeck, Christoph Schüchner, Friederike Tiefenbacher und Johanna Zachhuber tragen Perücke, Hemd und Rock. Mithin gibt es hier nicht...

„Malina“ von Ingeborg Bachmann in einer Fassung von Claudia Bauer und Matthias Seier – Regie Claudia Bauer, Bühne Patricia Talacko, Kostüm Andreas Auerbach, Gesangs-Kompositionen, Soundscapes & Musikalische Leitung Peer Baierlein, Soundscapes Igor Gross

Volkstheater Wien: Komplexes Welt-Ich-Verhältnis am Telefon

Um unsere Träume ein Bauzaun

Eine Wette auf die Zukunft

Bodyhorror/Tarantino

R Ä U M E

sogar theater Zürich: Easy said, but schwer getan

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Dramaturgie der Solidarität

Belgrad: Nikita Milivojević nicht als künstlerischer Leiter von BITEF verlängert

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Zerbrochene Familiengeschichten

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

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Stück Labor 2023/24

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

München: Auswahl für Radikal jung Festival

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Kampf im Käfig

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Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

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Was macht das Theater, Thomas Köck?

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