Berliner Ensemble: Mit Blitzeinschlag

Businessman des Living Theatre

Von der Sonne in den Swimming Pool und zurück 

Für „Les Chercheurs“ bringen der Tänzer Ordinateur und die Choreografin Monika Gintersdorfer befreundete junge Tänzer:innen zusammen. Aus Afrika kamen sie nach Europa, um Geld zu verdienen und in der hiesigen Tanzszene neue Wege zu gehen. „Wir sind Suchende, aber keine Forschenden“, sagt Ordinateur und lenkt seine Füße dabei in atemberaubendem Tempo über den weißen Tanzboden. Ob im kongolesischen Kinshasa oder in Abidjan an der Elfenbeinküste: Die Performer:innen von „La Fleur“ sind feste Größen des urbanen Tanzes. „Und seine Stimmen folgen uns, egal wohin wir gehen“, ruft Zota Puissance in den Raum hinein. Den Sound für die neue Arbeit von „La Fleur“ liefert Komponist Timor Litzenberger. Von seinem Mischpult aus treibt er die Performer:innen mit harten Beats und aufheizenden Rhythmen an. Großstadt-Vibrieren bei der Deutschlandpremiere im Düsseldorfer FFT, Erinnerungen an heiße Clubnächte werden wach. „Make it look easy“, ruft jemand, im Rhythmus der Musik klatschen sie, fordern einander heraus. Ihre Freude und das herzliche Lachen lassen die Kraft und das Glühen der Tanzszenen erahnen, in denen sie groß geworden sind. Alaingo Lamama taucht im Dunkeln auf, schraubt sich nach und nach zu den anderen ins helle Scheinwerferlicht hinein. Beine, ach ganze Körper winden sich in der Luft. Alles verschwimmt im Kollektiv...

„Les Chercheurs“ – Konzept und Regie Ordinateur (Pohe Cedric Kevin Bah) und Monika Gintersdorfer, Kostüme Bobwear

FFT Düsseldorf: In Mitten treibender Beats und lähmender Bürokratie 

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Liebe lässt die europäische Eiszeit schmelzen 

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Stiller Abbau?

Ruhrfestspiele Recklinghausen/Theater Münster: Ein Krieg führt immer zum nächsten

Samtener Schutzraum

Leere Bühnen  für volle Köpfe?

Schau mal einer an

Das Nest sauber halten

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Erst der Wald, dann der Boden

Mit der Pfeilspitze ins Herz hinein

Bewegen, Zeichnen, Überzeichnen

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

St. Pölten:: Peter-Turrini-Dramatiker*innenstipendium für Paula van Well

Publikumserregung mit Extradimension

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Deutsches Nationaltheater Weimar: Drei Fiktionen für dreizehn Millionen Schicksale

Der Notfall als Prinzip

Neue Dramatik trifft Figurentheater

Dober Dan, Ljubljana

Seit elf Jahren bespielt das Kölner Schauspielensemble eine Interimsspielstätte im rechtsrheinischen Mülheim. Nun soll die Sanierung der Opern- und Schauspielbühnen am Offenbachplatz in der Kölner Innenstadt nach einigen Verzögerungen endlich im Frühjahr 2024 abgeschlossen sein. Gleichzeitig löst Schauspielintendant Stefan Bachmann seinen Vertrag frühzeitig auf und wird Chef des Wiener Burgtheaters. In diesem Wirrwarr vergibt die Stadt Köln eine große Chance. Aber der Reihe nach. Was sich wie die sorgfältig geplante Rückkehr in ein bekanntes Umfeld anhört, ist für das Team des Schauspiels wohl eher ein krasser Neustart mit einer Menge Hürden. Wieder einmal, denn als die Bauarbeiten begannen und das Depot in Köln-Mülheim 2013 als Ausweichspielstätte in Betrieb genommen wurde, fand sich das Team in einem Stadtteil ohne Theater wieder, mit anderen Gegebenheiten, Bedürfnissen und Gesetzen. Stefan Bachmann trat damals an, den Zeitraum der Sanierung und der anschließenden Inbetriebnahme zu leiten und zu gestalten. Seitdem wurde das Theaterpublikum mitgenommen auf die rechte Rheinseite, wo ein neuer öffentlicher Ort gestaltet wurde und Partnerschaften und Kooperationen mit Menschen und Initiativen aus der Nachbarschaft und der ganzen Stadt entstanden. Spätestens seitdem 2016 das neue Kleine Haus am Offenbachplatz in Betrieb genommen wurde – zwar noch nicht fertig, aber als Provisorium geeignet –, entwickelte...

Ein Kommentar zur Intendanzfindung am Kölner Schauspiel

Kölner Politik-Blamage

RambaZamba Theater Berlin: Riesenspaß mit Hintersinn

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Lego meets Ikea

Ruhm den Kleinen!

Thüringer Befund

Bodyhorror/Tarantino

Bilder im Takt eines Textes

R Ä U M E

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

sogar theater Zürich: Easy said, but schwer getan

Das Ährenfeld als stille Utopie

Berufsbild: Digitaldramaturg

Ja, er lebt noch – oder: Brecht is back!

Dramaturgie der Solidarität

Belgrad: Nikita Milivojević nicht als künstlerischer Leiter von BITEF verlängert

Zerbrochene Familiengeschichten

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Das Thema Hitze  wird in Zukunft  auch dazugehören

Die Rache der Königinnen

Wir gehen rein

Die Signatur unserer Zeit

Die Grenzen der Freiheit

Stück Labor 2023/24

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

München: Auswahl für Radikal jung Festival

Mit nachhaltiger Kunst  die Menschen berühren

Menschen warten auf ihre Weiterfahrt und trinken auf die Schnelle einen Kaffee oder sitzen auf ihrem Hab und Gut und vertreiben sich den Tag mit Zeitunglesen. Tauben bevölkern die Haltebuchten, Spritzen liegen auf dem Bordstein, Autos eilen vorbei. Es riecht nach Zigaretten und Abgasen. Bis heute gilt der Aachener Bushof als „ungeliebtes Problemkind“ aus den 70er Jahren. Seit Jahrzehnten ist klar: Hier soll sich etwas ändern. Doch so richtig scheint das nicht zu gelingen, zu kompliziert ist die Gemengelage. Stadt, Verkehrsverbünde und Investor:innen wollen die Richtung weisen, Mitbürger:innen, Umweltschützer:innen, Einzelhandel, Auto- und Fahrradinitiativen wollen mitreden. Wie kann Stadtplanung da gelingen? Und welche Rolle spielt die Geschichte dieses Bauvorhabens bis heute? Regisseur Clemens Bechtel und Chefdramaturgin Inge Zeppenfeld haben Interviews geführt, in Archiven recherchiert, Baupläne ausgegraben. Inmitten eines Modell-Bushofs aus weißen Holzelementen berichten die Spieler:innen des Aachener Ensembles von pompösen Ausschreibungen, nicht endenden Ratssitzungen und missglückten Nutzungsplänen. Auf Tribünen sitzt das Publikum darum herum, kann sich dem Ausblick auf den Bushof in der Mitte kaum entziehen. Weggucken ist nicht. Nach der immensen Zerstörung der Stadt im Zweiten Weltkrieg, wurde der Bushof im Zuge von städtischer Neuplanung und Wiederaufbau in den 70er Jahren gebaut. Inmitten des Aachener Zentrums, seines Einzelhandels und den...

„Woher und Wohin“ ein MörgensLab Projekt von Clemens Bechtel und Inge Zeppenfeld – Recherche Clemens Bechtel, Inge Zeppenfeld, Inszenierung Clemens Bechtel, Bühne und Kostüme Sabina Moncys, Video David Gerards 

Theater Aachen: Ein blinder Fleck vor unseren Augen 

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Schauspiel Stuttgart: Überleben in der Karaokebar

Die Unsterblichkeit des Theaters

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Was macht das Theater, Alexander Scheer?

Wenn die Unis Trauer tragen

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Das Problem mit der Apokalyptik

Kampf im Käfig

Feminismus neu ausrichten

Die Idee einer Res publica Europa, einer Europäischen Republik, ist aktuell eine politische Utopie. Menschen, die heute in Europa leben, haben keineswegs gleiche politische Rechte. Es gibt keine gemeinsame kontinentale europäische Politik, es mangelt an einer zukunftsorientierten Vision. Im Fokus der Politik steht nicht das Gemeinwohl aller Bürger*innen, sondern eine Vielzahl unterschiedlicher politischer Ansprüche, wirtschaftlicher Interessen und bürokratischer Richtlinien. In Zeiten anhaltender Krisen sind besonders Kulturschaffende in ihrem alltäglichen Leben und Arbeiten den Auswirkungen einer solchen Politik ausgeliefert. Vor allem freischaffenden Künstler*innen wird die Lebensgrundlage entzogen: Häufig können sie nur mit Hilfe von Nebentätigkeiten überleben, vielmals werden diese gar zum Vollzeitjob und verdrängen die Kunst auf einen Nebenschauplatz. Nicht nur in den osteuropäischen Ländern geraten die Künstler*innen durch schlechte Bezahlung und mangelnde Produktionsbedingungen immer wieder an den Rand ihrer Existenz. Auch wenn die Situation in Deutschland oder den Niederlanden ungleich besser ist als in Serbien oder Griechenland, leben die Künstler*innen auch hier häufig in prekärsten Verhältnissen. Fragen nach der Bedeutung und dem Wert von Kunst werden laut, der Berufsstand freischaffender darstellender Künstler*innen steht auf dem Prüfstand. Während der zweiten Jahreskonferenz 2018 des Internationalen Netzwerks für zeitgenössische darstellende Künste (IETM) in München ging es zunächst um die Selbstermächtigung der Künstler*innen und...

Res Publica Europa. Eine politische Utopie als Herausforderung für die freien darstellenden Künste?

Zug: Sélection fürs Schweizer Theatertreffen bekanntgegeben 

Res Publica Europa: A Political Utopia as a Challenge for the Independent Performing Arts?

Das große Plus an Menschlichkeit

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lebt und arbeitet in Köln als freie Autorin, Kultur- und Theaterjournalistin (u.a. WDR, DLF). Sie studierte Germanistik, Medienkulturwissenschaften und Theaterwissenschaft in Köln, Rom und München. 2021-2022 war sie Chefredakteurin bei kritik-gestalten. Sie leitet Blogredaktionen bei Theaterfestivals und ist in unterschiedlichen Theaterjurys tätig.

Die Tanzgruppe La Fleur. 

Das Ensemble in „Woher und Wohin“ am Theater Aachen. 

Welttheater – Haus der Kulturen der Welt Berlin

Theatermusik

Dieses Buch beschreibt erstmals die wechselvolle Geschichte des Schauspielhauses Chemnitz in einer transdisziplinären Betrachtung von Architektur und theater-künstlerischer Praxis. Es verfolgt gleichermaßen die Entwurfsprozesse wie die Aufführungsweisen der letzten fünfzig Jahre. Neben Darstellungen der verschiedenen Spielorte und der Architektur von Rudolf Weißer werden die Raumaneignungen befragt in Gesprächen mit Theaterleuten wie Hartwig Albiro, Hasko Weber, Carsten Knödler, Gundula Hoffmann und Raj Ullrich. Weitere Theaterkonzepte erklärt Stefan Schmidtke im Kontext der Kulturhauptstadt Europas 2025.
Vor dem Hintergrund der aktuellen Interimssituation von Schauspiel und Figurentheater („Spinnbau“) wird mit der Publikation zugleich die Bedeutung und Perspektive des Theaters als vielschichtiger Kulturort für die Stadt aufgezeigt.
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ISBN 978-3-95749-567-9 (Open Access)  DOI: <a title="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" href="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" data-outlook-id="e526c996-5be6-478d-a074-ff6f174f4806">10.35287/9783957495679</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a title="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" data-outlook-id="b6230f1d-8c98-42e4-bb03-0a4b291c320e">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Zwischen Zeiten und Räumen

Schauspielhaus Chemnitz

Denken wir heute an „Zirkus“, so tauchen in unseren Köpfen gemeinhin Bilder von Artistik- und Tierdressurnummern in der Manege eines Zirkuszeltes auf. Historische Quellen, die in Archiven und Bibliotheken schlummern, zeichnen jedoch ein überraschend anderes Bild der Zirkuskunst um 1900. Die in diesem Buch versammelten Fotografien, Auszüge aus Briefwechseln, Patentschriften, Presseberichte, Bauzeichnungen und vieles mehr, bieten tiefe Einblicke in die Zirkuskultur Berlins um 1900. Sichtbare Spuren der einst erfolgreichen Zirkusgesellschaften mit ihren pompösen Gebäuden mitten im Stadtzentrum finden sich heute hingegen kaum mehr. Anhand von historischen Quellen lässt das Buch Aufführungspraxis, Architekturen, Herausforderungen und Erfolge von Zirkussen, Künstler:innen und Techniker:innen auf eindrückliche Weise zutage treten.
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ISBN 978-3-95749-565-5 (Open Access)  DOI: <a title="https://doi.org/10.35287/9783957495020" href="https://doi.org/10.35287/9783957495020" data-outlook-id="c180ea25-f06b-4836-a7c2-fc4b1261b69b">10.35287/9783957495655</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Einblicke in eine vergessene Praxis

Zirkuskunst in Berlin um 1900

Networking the performing arts in a future Europe

Res publica Europa

In den letzten Jahren wird viel über Generationenwechsel, Generationenkonflikt, Generationengerechtigkeit und -dialog gesprochen. In diesem winterheft wird genauer nachgefragt: Geht es eigentlich um einen Generationen- oder Gesellschaftskonflikt? Auch in den Darstellenden Künsten finden und fanden in den letzten Jahren viele Umbrüche durch u.a. Generationenwechsel in den Leitungen der Theaterhäuser oder Sparten sowie in diesem Jahr innerhalb des ASSITEJ-Vorstandes und der KJTZ-Leitung statt. Dem Theater für und mit jungem Publikum ist die Begegnung verschiedener Generationen quasi per se eingeschrieben. Aber was genau ist mit dem Begriff “Generation” eigentlich gemeint? Und welche Rolle spielen in diesem Zusammenhang Altersdiversität, Adultismus und Ästhetik?
Der wissenschaftliche Beitrag des winterhefts beschäftigt sich mit der sozialen Praxis des Generation-Werdens sowie Konzepten von crip time und queer time, die normativen Vorstellungen von Zeitlichkeit widersprechen. Um das Verhältnis von jungen Menschen und Erwachsenen auf, vor und hinter der Bühne geht es in Artikeln zum Publikum, zu Theaterproduktionen und einer digitalen Bühne. Wie intergenerationelle Räume gestaltet werden können, beschreiben Praxiseinblicke in ein mehrgenerationelles Stadtensemble und die Vermittlung einer Kunsthalle. Zuletzt blicken wir auf uns selbst und laden scheidende ASSITEJ-Vorstandsmitglieder und KJTZ-Leitung zum Gespräch.
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Generation what?!

Das Arbeitsbuch widmet sich dem Intendanten und Regisseur Peter Carp. Als Schauspieldirektor in Luzern (2004–2007), als Intendant des Theater Oberhausen (2008–2017) und seit 2017 als Intendant des Theater Freiburg entwickelte er ein Theaterkonzept immer stärker aus, welches auf konsequente Internationalisierung setzte, auf ein Theater als „Weltempfänger“. Kennzeichnend für seine Arbeit war eine ausgeprägte Entdeckerlust, wie er sich generell als Förderer verstand (Simon Stone, Ewelina Marciniak, Amir Reza Koohestani, Yair Sherman, Herbert Fritsch). Das reich illustrierte Arbeitsbuch gibt Auskunft zu verschiedenen Aspekten der Arbeit des Regisseurs und Intendanten Peter Carp und versammelt Zeugnisse seiner Weggefährten.
 
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Weltempfänger in Luzern, Oberhausen und in Freiburg

Peter Carp

Theater der Leere macht die Katastrophen des technowissenschaftlichen Zeitalters zum Ausgangspunkt für die Annäherung an das Theater und zeigt, dass die Leere im zeitgenössischen Theater mehr ist als ein bloßes Nichts. Im Gegenteil, sie ist das Potenzial und die Möglichkeit einer radikalen Transformation des Theaters selbst.
In der Hinwendung zur Leere verschränkt Kovacs Debatten über Transformation und Zukunft mit der Reflexion über die komplexe Beziehung zwischen Theater und den Naturwissenschaften und macht deutlich, dass die Theaterformen, die bislang unter dem Begriff des „Postdramatischen Theaters“ diskutiert wurden, eine Zukunft haben.
Kovacs bringt in ihrer Studie Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch zusammen und zeigt, was es bedeutet, wenn der Nullpunkt zum zentralen Energiefeld des Theaters wird. Die Studie entfaltet nicht nur überraschend neue Perspektiven, sondern legt auch bislang übersehene Linien frei, die die Arbeiten dieser vier Theatermacher:innen durchziehen und verbinden. Sie argumentiert, dass wir im ‚Theater der Leere‘ eine theatrale Grammatik entdecken können, die uns in der von Nukleartechnologie und Klimawandel bedrohten Gegenwart viel zu sagen hat.
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Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch

Theater der Leere

Wir machen Theater, jedes Jahr im Sommer. Das gilt für die Burgfestspiele Jagsthausen seit 1950. Als einziges Theater im deutschsprachigen Raum wird hier seit 75 Jahren mit Goethes „Götz von Berlichingen“ Theater an seinem Originalschauplatz gespielt. Mittlerweile sind die Burgfestspiele aber viel mehr als nur „Götz“: Musicals, Kinderstücke, Schauspiele und Musiktheater im weiteren Sinne gehören zum Repertoire. Das Buch bietet Rück-, Ein- und Ausblicke. Es beleuchtet die ersten 50 Jahre im Schnelldurchlauf und konzentriert sich im Schwerpunkt auf die letzten 25 Jahre. Die vier Intendant:innen Jan Aust, Heinz Kreidl, Axel Schneider und Eva Hosemann (seit 2019) haben diese Zeit geprägt. Ihnen werden einzelne Kapitel gewidmet.
Interviews und Anekdoten beschreiben das bekannte Freilichttheater aus einer Vielzahl von Perspektiven. Auf der Bühne und hinter der Bühne sehen wir einen Organismus im ständigen Wandel. Neben einer faszinierenden Bildauswahl informiert dieser Jubiläumsband mit spannenden Inhalten rund um die Burgfestspiele sowie Zahlen und Fakten zu den Produktionen. Es ist ein Jubiläumsbuch der besonderen Art und unternimmt eine Zeitreise durch 75 Jahre Theatergeschichte.

75 Jahre Burgfestspiele Jagsthausen

WIR MACHEN THEATER ... jedes Jahr im Sommer

Die 51. Ausgabe von „double“ mit dem Schwerpunkt „Zum Verhältnis von Puppe und Text“ beleuchtet auf vielfältige Weise die komplexe und sich wandelnde Beziehung zwischen dem geschriebenen Wort und der performativen Kraft des Figurentheaters. Das Heft untersucht historische Entwicklungen, gegenwärtige Tendenzen und zukünftige Perspektiven dieser spannungsreichen Interaktion. Es kommen sowohl Theoretikerinnen als auch Praktikerinnen zu Wort, die ihre Erfahrungen und Überlegungen zu diesem zentralen Aspekt des Puppen-, Figuren- und Objekttheaters teilen.
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Zum Verhältnis von Puppe und Text

Worte formen

Das internationale figuren.theater.festival in Erlangen, Nürnberg, Fürth und Schwabach gehört zu den renommiertesten Festivals des Genres und ist bekannt für das große ästhetische Spektrum seines Programms. Gegründet 1979, entwickelte es sich rasch zu einer erstklassigen Adresse für Künstler:innen und Veranstalter:innen, ebenso zu einem internationalen wie regionalen Publikumsmagneten. Es spiegelt mit seinen Stammkompagnien, seinen performativen Experimenten, gewagten Präsentationsformaten und oft folgenreichen Begegnungen nicht nur die jeweils aktuellen Bewegungen der Szene, sondern schrieb sich auch selbst in deren Geschichte ein.
Was es bedeuten kann, wenn ein Festival bereit ist, ein Genre immer wieder neu zu (er)finden, wenn Kuratieren auch als kritische Förderung verstanden, Studierenden regelmäßig eine Plattform geboten und eine Region vom Festivalfieber erfasst wird – das beleuchten Beiträge von zahlreichen Beteiligten vor, auf und hinter den Festivalbühnen.
 
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Erlangen Nürnberg Fürth Schwabach

Offen! Das internationale figuren.theater.festival

Wie werden dekoloniale Ästhetiken in der zeitgenössischen Gegenwartsdramatik produziert? Was kennzeichnet dekoloniale Ästhetiken im Theater? Mit einem dramaturgischen Blick und einer theatertextuellen Analyse von Stücken international renommierter afro-diasporischer Künstler:innen wie Dieudonné Niangouna, Aristide Tarnagda, Hakim Bah, Marie N´Diaye u.a. argumentiert die Theaterwissenschaftlerin Grit Köppen, dass dekoloniale Ästhetiken im Theater als breites Spektrum künstlerischer Strategien zu denken sind. Diese bewegen sich aktuell zwischen einer Ästhetik des Aufruhrs gegen postkoloniale Realitäten und einer Ästhetik der Transgression.
 
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Dekoloniale Ästhetiken im zeitgenössischen Theater

Das Thema Nachhaltigkeit hat Theater der Zeit schon öfter beschäftigt. Im Arbeitsbuch „Transformers – Digitalität Inklusion Nachhaltigkeit“ aus dem Jahr 2021 wird erstmals ein Nachhaltigkeitsmanagement am Theater vorgestellt, damals an der Oper in Göteborg. Inzwischen gibt es das Phänomen in wachsender Zahl im gesamten deutschsprachigen Theater. TdZ-Redakteurin Elisabeth Maier porträtiert Anna Haas, die am Staatstheater Karlsruhe diesen Aufgabenbereich übernommen hat – Teil des umfangreichen Schwerpunkts zum Thema, dazu auch das Kunstinsert von Daniel Kötter und seinem Feld des Extraktivismus.
Auch den Neustart am Rheinischen Landestheater Neuss könnte man noch dem Thema zuordnen, denn die Intendantin Marie Johannsen hat das Foyer zu einem öffentlichen Raum zur Stadt hin gemacht – nachhaltige Nutzung von Theaterräumen.
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Nachhaltigkeit