Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

Münchner Kammerspiele: Klamauk und Katastrophe

Berliner Ensemble: Umsturzphantasien mit KI

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Am Anfang steht die Tat! In Anlehnung an das titelgebende Zitat von August Everding sollen im Folgenden ausgewählte Episoden aus der fast 125-jährigen wechselvollen Geschichte des Prinzregententheaters skizziert werden, das als Kulturinstitution aus dem heutigen München nicht mehr wegzudenken ist. Eine Vision wird wahr (1864–1901) Der junge, musikbesessene König Ludwig II. legt im Jahr 1864 mit seiner von Richard Wagner inspirierten Vision den gedanklichen Grundstein für ein Richard-Wagner-Festspielhaus in München: „Ich habe den Entschluss gefasst, ein großes, steinernes Theater erbauen zu lassen, damit die Aufführung des ‚Ring des Nibelungen‘ eine vollkommene werde“ (nach Köwer). Als Standort für den von Gottfried Semper entworfenen Prachtbau wird das Isarhochufer nördlich des Maximilianeums gewählt, also unweit des späteren Standortes des Prinzregententheaters [Abb. 1]. Auch wenn das Projekt letztendlich scheitert, die Vision bleibt und lebt spätestens mit der Einweihung des Bayreuther Festspielhauses auf dem Grünen Hügel im Jahr 1876 wieder auf. So wirbt Karl von Perfall, der damalige Generalintendant der Königlichen Hoftheater, für ein solches Festspielhaus: „Welch eine große That für die Kunst wäre es, welch eine ruhmreiche Zierde für die Kunststadt München, welch eine neue sich ­erschließende enorme Erwerbsquelle für die Stadt, wenn die Prinzregentenstraße ihren Abschluss durch Erbauung eines Kunsttempels fände! Es...

Episoden aus der Geschichte des Prinzregententheaters

„Kultur sollte nicht Zutat sein, sondern Tat von Anfang an.“

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Als der Bayerische Kultusminister Hans Zehetmair und der Generalintendant der Bayerischen Staatstheater August Everding am 18. Oktober 1993 im Gartensaal des Prinzregententheaters die Theaterakademie eröffneten, erinnerten sie an die fast zweihundert Jahre alte Forderung „nach einer Institution, in der […] für die verschiedenen Theaterberufe ausgebildet wird“.1 Tatsächlich reicht die Klage über fehlende Ausbildungsstätten im deutschsprachigen Raum bis in das 18. Jahrhundert und die Entstehung bürgerlicher Stadttheater zurück. Während der Unterricht in Malerei, Bildender Kunst und Musik vor allem in Italien und Frankreich seit dem 17. Jahrhundert mit großem Erfolg entwickelt worden war, gab es für die Darstellenden Künste lange Zeit nichts Vergleichbares. Das lag nicht nur am fehlenden Geld, sondern auch am Image des Theaters. Eine flüchtige Kunst, deren zentrales Darstellungsmedium der Körper ist, die das Leben durch Verwandlung und Sinnlichkeit wiedergibt, in der tragische Emotionen oder überbordende Komik die Grenzen des Rationalen sprengen und in der sich Kollektive über Standesgrenzen hinweg öffentlich versammeln, hat immer wieder Skepsis und Kritik hervorgerufen.2 Wirksam wurde sie nicht nur in Zensur oder Theaterschließungen, sondern auch in der Verweigerung ihrer Akademisierung. Erst im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert gelang es, die Darstellenden Künste als systematisch erlernbare Berufsfelder anzuerkennen und sie damit...

Was ist das, eine Akademie?

Warum Theater,

München: Förderpreis für neue Dramatik 2025 ausgeschrieben

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Junge Hoffnung

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Was folgt

Liebe, Schreiben, Popmusik

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Derman sendedir

Die Stress-Knoten auflösen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

„Is my future all in the past“

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Heidelberg: Heidelberger Stückemarkt geht mit Preisverleihung zu Ende

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Unter Beobachtung

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Gibt es, nach Ihren jüngsten Erfahrungen, einen »Aufschwung Ost« in den Theatern der neuen Bundesländer? Everding: Es gab zunächst einen ungeheuren Abschwung, das war verständlich, wir haben das nach der Währungsreform auch erlebt. Die Leute hatten andere Interessen, wollten lieber reisen, lang entbehrte Dinge kaufen. Und natürlich war das Theater auch nicht mehr so interessant wie früher, vor der Wende, als es die letzte Nische der Freiheit war. Ich höre jetzt, und das überrascht mich, daß das Sprechtheater, wo es neue Ansätze macht, wieder angenommen wird – die Oper hat es da sehr viel schwerer. Eine andere, positive Überraschung für mich ist, daß die Amüsierwelle nicht über die neuen Bundesländer gekommen ist; ich hatte befürchtet, daß das Amüsement-Theater ungeheuer frequentiert werden würde, aus Nachholbedarf, aus Hunger nach Vermißtem. Das ist - als Trend - nicht eingetreten. Also – die Frage direkt zu beantworten: ich sehe einen leisen Aufschwung. Gibt es eine spürbare Solidarität in den Theatern der alten Bundesländer? Everding: Ja - obwohl man ja im allgemeinen nicht von einer großen Solidarität sprechen kann. Als Präsident des Deutschen Bühnenvereins habe ich sehr viele Begegnungen zwischen den Theaterleuten in Ost und West organisiert, zwischen Intendanten, Verwaltungsdirektoren usw. Das ist vo...

Gespräch mit Prof. August Everding, Präsident des Deutschen Bühnenvereins vom 17. September 1991

Die neue Gemeinschaft finden

Frankfurt/Main: Stadtparlament beschließt Deutschlands größten Kulturneubau

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August Everding war ein deutscher Theaterregisseur, Opernintendant und Kulturmanager. Er wurde am 31. Oktober 1928 in Bottrop/Westfalen geboren und starb am 26. Januar 1999 in München. Everding studierte Philosophie, Germanistik, Geschichte und Theologie in Bonn und München. Er war Oberspielleiter der Münchner Kammerspiele und später Intendant der Münchner Kammerspiele und der Hamburgischen Staatsoper. Everding war auch als Opernregisseur tätig und debütierte mit Giuseppe Verdis “La Traviata” an der Bayerischen Staatsoper. Er gründete die Bayerische Theaterakademie und war Präsident des Deutschen Bühnenvereins 123.

August Everding, Gründer und Namensgeber der Bayerischen Theaterakademie, beim Unterricht

Dank der noch weitgehend unverbauten Umgebung scheint das Prinzregententheater auf dieser Postkartenansicht wie sein Bayreuther Vorbild auf einem grünen Hügel zu thronen.

Theaterregisseur Yair Shermann

Der Gartensaal während der Rekonstruktion der Deckenmalerei: Die freie Interpretation von Julius Mössels ursprünglicher Blätterdach-Komposition stammt von Elmar Albrecht.

Gartenansicht und Blick auf den Gartensaalflügel des um 1901 detailreich ausgearbeiteten, tischgroßen Modells des Prinzregententheaters aus dem Atelier von Max Littmann im Bestand des Deutschen Theatermuseums (Nachlass Max Littmann). [Deutsches Theatermuseum München, ID 49677]

Das Ding mit dem Körper. Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

Die notdürftig abgedeckten Überreste des im Krieg zerstörten Gartensaals.

Der Gartensaal im Anschluss an eine Festvorstellung im Sommer 1910. Zeitungsgrafik nach einer Zeichnung von I. Peters.

Büro der Präsidenten und der Präsidentin

Blick auf die Baustelle des Zuschauerraums während der Renovierungsmaßnahmen Mitte der 1980er Jahre.

Detailansicht der Untermaschinerie der historischen Kulissenbühnentechnik von Karl Lautenschläger, die trotz aller notwendigen Modernisierungsmaßnahmen bis heute größtenteils erhalten geblieben ist.

Der Prachtbau ist in exponierter Lage als monumentaler Abschluss der durch einen Brückenneubau verlängerten Brienner Straße gedacht, was dieses Modell des geplanten Richard-Wagner-Festspielhauses veranschaulicht.

Umbau des ehemaligen Malersaals zum Akademietheater 1995

Diese Postkartenansicht weicht zwar von der tatsächlichen, weitaus dezenteren Farbgestaltung des Zuschauerraumes ab, sie zeigt aber zum einen, wie die weißen Dichter- bzw. Komponistenstatuen hervorstechen, und zum anderen, wie der üppige Goldrahmen das Bühnengeschehen – dem Guckkastenprinzip entsprechend – zu einem Bild zusammenfasst.

Großer Andrang anlässlich der Eröffnung der neuen Räume der Theaterakademie am 11. November 1996.

Ein Moment von historischer Bedeutung: August Everding im Gespräch mit der Tochter von Max Littmann, Gertrud Proebst (um 1979).

Die Folgen des Klimawandels, das Fortschreiten antidemokratischer Tendenzen, die Corona-Pandemie aber auch tiefgreifende technologische Entwicklungen lassen die gesellschaftliche Gegenwart als multiple Krise erscheinen. Wie bearbeiten Theater diese Herausforderungen? Welche Fähigkeiten entwickeln Theaterschaffende dabei? Vom 15. bis zum 17. Juni 2022 trafen sich Praktiker:innen und Forschende mit internationalen Studierenden an der Theaterakademie August Everding, um verschiedene Visionen für die Kunst, ihre Institutionen und die Ausbildung zu diskutieren. Die Publikation dokumentiert ihre differenzierten Analysen und originellen Zukunftsideen mit dem Ziel, daraus für die Gegenwart zu lernen.
Mit Beiträgen u.a. von Sivan Ben Yishai, Amelie Deuflhard, Jennifer Gunkel, Adrienne Goehler, Pınar Karabulut, Friedrich Kirschner, Tine Milz, Jasmin Maghames, Manolis Tsipos, Yener Bayramoğlu, Lisa Jopt und Barbara Gronau.
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Zukunftskonferenz für die Darstellenden Künste

Learning for the Future

Eigentlich hatte Klaus Lederer anderes zu tun. Der Politiker (Die Linke) im Berliner Abgeordnetenhaus stellte auf der Leipziger Buchmesse sein für einen radikalen Humanismus werbendes Buch „Mit links die Welt retten“ vor, feierte damit seinen 50. Geburtstag und flog dann sehr weit weg in den Urlaub. Als er von der Anfrage der Redaktion erfuhr, ob er etwas zu der Diskussion über die Zukunft der Volksbühne beisteuern könnte, sagte er sofort zu. Lederer handelte als Berliner Kultursenator 2019 mit René Pollesch die Intendanz der Berliner Volksbühne ab 2021 aus – Überlegungen zu deren Zukunft sind der Schwerpunkt in diesem Heft.
Der russische Schriftsteller Viktor ­Jerofejew floh sehr schnell nach dem totalen Überfall Russlands auf die Ukraine mit seiner Familie Richtung Westen. Die abenteuerliche Fahrt mit dem Auto über Finnland, das Baltikum und Polen nach Deutschland beschreibt er in seinem ­Roman „Der Große Gopnik“, ohne Zweifel das bislang bedeutendste Buch der Lite­ratur über Putins Psyche und das von ihm geprägte Russland. Das Wort ­Gopnik, abgeleitet vom sowjetischen ­Kürzel für „Staatliche Wohnheime des Proletariats“ und ab den 1990ern ein Begriff für ­depravierte Jungkriminelle und Schlägertypen, hat dank Jerofejew Chancen, in die deutsche Sprache zu gelangen.
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Viktor Jerofejews Putin-Stück: Der Große Gopnik

Perspektiven der Volksbühne

„Ich war nie in einem Theaterbetrieb, ich war immer frei“, bekundet der Theatermacher Willy Praml.
In Frankfurt am Main verankert, behauptet er mit seiner künstlerischen Arbeit ein selbstbestimmtes und politisches Theater. Seit den 1970er Jahren erregte Willy Praml Aufsehen durch die Erprobung neuer theatraler Formen mit Lehrlingen, im ländlichen Raum und mit dem „Faust 1 &amp; 2“ in der Frankfurter Paulskirche. Nachdem sein Theaterkollektiv 2000 in einem Industriedenkmal in der Main-Metropole, der Naxos-Halle, seine Heimat fand, inszeniert das „Theater Willy Praml“ dort Gesamtkunstwerke, literarisch sowie musikalisch und immer wieder auch interkulturell mit Geflüchteten. Mittlerweile ist aus dem Provisorium ein Produktionshaus geworden. Im „Studio Naxos“ arbeiten Künstler:innen aus der freien Szene; Kino und Konzerte gehören ebenso zum Programm. Autor:innen aus Feuilleton und Wissenschaft beschreiben und reflektieren in ihren Beiträgen fünfzig Jahre dieser Theatergeschichte – fünfzig Jahre einer permanenten künstlerischen Auseinandersetzung mit der sozialen Wirklichkeit.
 
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Theater Willy Praml

Poesie, Heimat und Politik

Was für eine Art von Theater es nach dem Krieg in Israel geben könnte, haben wir den Regisseur Yair Sherman (auf dem Titel) am Ende eines längeren Videogesprächs gefragt. Eskapistische Komödien, Stücke für Trost und Trauer oder Patriotisches und Politisches? Man müsse erstmal herausfinden, was genau die Menschen fühlen und wie das zu verarbeiten ist, so Sherman in seiner Wohnung in Tel Aviv. Noch Wochen nach dem Angriff vom 7. Oktober stehen alle unter Schock. Sherman war gleich nach der Premiere seiner Inszenierung von Shakespeares „Wintermärchen“ am Theater Freiburg nach Israel zurückgekehrt.
Themen-Schwerpunkt dieser Ausgabe ist das Theater für junges Publikum, welches sich zur Zeit verändert. Die Kinder- und Jugendtheater werden offener, machen mehrsprachige Angebote und führen schon die Jüngsten in Projekte ein.
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Yair Sherman: Theater und Israel

Kinder- und Jugendtheater

30 Jahre Bayerische Theaterakademie August Everding

DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN

In seiner Besprechung von Ramon Gómez de la Sernas Buch „Der Zirkus“ von 1927 stellt Walter Benjamin die These auf, dass „im Zirkus der Mensch ein Gast des Tierreichs“ sei. „Die Tiere stehen doch nur scheinbar unter der Botmäßigkeit des Dompteurs, die Kunststücke, die sie machen, sind ihre Art den jüngeren Bruder zu unterhalten und zu zerstreuen, da sie ja Besseres mit ihm nicht anfangen können. Die Zirkusleute haben von ihnen gelernt.“
An Benjamin anschließend, könnte man behaupten, der zeitgenössische Zirkus sei im Reich der Dinge zu Gast und die Artist*innen hätten von ihnen gelernt. Denn wie im „Theater der Dinge“ werden hier Dinge und Materialien zu echten Gegenspielern, Materialien erforscht, die Hierarchie zwischen Objekt und Subjekt wird in Frage gestellt.
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Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

Das Ding mit dem Körper

Als wir den Schwerpunkt für dieses Heft ankündigten, meinte ein in einem anderen Bereich tätiger Medienkollege: „Schönheit im Theater? Die Schauspieler und Schauspielerinnen? Ist ja hochinteressant, aber wohl auch äußerst riskant.“ Nein, um Beauty-Wertungen geht es nicht. Theater besteht ja aus vielem, das schön sein kann oder als solches empfunden wird. Aber angesprochen, ob von der professionellen Kritik oder den Theaterkünstler:innen selbst, wird das eher selten.
Die Frage war also, wie man den Begriff für das heutige Theater diskutieren kann, ohne gleich mit Hegels 1400 Seiten umfassenden Vorlesungen zur Ästhetik in „das weite Reich des Schönen“ zurückzugehen. Der Düsseldorfer Intendant Wilfried Schulz schaute für die Vorbereitung des Gesprächs zum Thema, wie er schmunzelnd mitteilte, doch noch einmal in seine alten Aufzeichnungen aus den Hegel-Seminaren der Universitätsjahre hinein.
Die Kostümbildnerin Vanessa Rust indes kommt ursprünglich aus der Modeindustrie, wo der Begriff der Schönheit als ganz unverdächtig unverbraucht gelten darf – und muss. Florentina Holzingers Arbeiten gehören heute, so wie sie die Theaterwissenschaftlerin Hannah Schünemann als wichtiges Beispiel aufgreift, unbedingt ins weite Reich des ­Schönen im Theater. Also mit diesem Schwerpunkt hinein in die Diskussion von Begriff und Phänomen!
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Eine unterschätzte Kategorie

Im vorliegenden Band wird untersucht, wie in den siebziger Jahren in Ost-Berlin das festgefügte und außengelenkte System „DDR-Theater“ von innen heraus, durch die Arbeit Heiner Müllers und einer kleinen Gruppe von Schauspieler:innen, Regisseuren und Bühnenbildnern in seinen ideologischen und ästhetischen Grundfesten erschüttert wurde. Thomas Wieck und Renate Ziemer haben Theaterarchive ausgewertet und umfangreiche Gespräche geführt. Hermann Beyer, Michael Gwisdek, Jürgen Holtz, Dieter Montag und Johanna Schall erinnern in den hier protokollierten Gesprächen an die theatralische Unbedingtheit und Kraft kollektiver schauspielerischer Selbstbestimmung. Diese zwischen 1940 und 1950 geborene Schauspielergeneration zog eine theatralisch überzeugende Bilanz des „gesellschaftspolitischen Experiments“ in einem Teil Deutschlands und stellte ihm eine niederschmetternde Diagnose – „politisches Theater“ im besten Sinne, vorbildlich und wirksam über die Zeiten hin.
 
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Hermann Beyer, Michael Gwisdek, Dieter Montag über die Kunst des Schauspielens in der DDR

Wir waren die Müller-Spieler

In diesem Heft starten wir eine neue Serie: „Post-Ost“. Mit essayistischen Beiträgen von jüngeren Theatermacher:innen und Autor:innen, die ihre persönlichen und beruflichen Erfahrungen und Vorstellungen beschreiben, bevor im Herbst in Brandenburg, Sachsen und Thüringen Landtagswahlen anstehen. „Post-Ost“ ist ein sehr verschieden verwendeter Begriff mit einer aber doch erkennbaren Zusammenhangsgröße: Zum einen bezieht er sich auf nach 1990 in Ostdeutschland Sozialisierte, zum anderen bezeichnet er, wesentlich erweitert, junge Menschen, die aus ost- und südosteuropäischen Ländern stammen und meist als Kinder in den deutschsprachigen Raum kamen.
Auch das TdZ-exklusive Material zum Heidelberger ¡Adelante!-Festival kann den Blick weiten. „Was in Lateinamerika passiert, betrifft auch unsere Lebensrealitäten, das sollten wir nicht vergessen“, sagt der Festival-Intendant Holger Schultze im Gespräch zum Schwerpunkt. Es geht um tatsächlich vielmehr. Um die ganze Welt des Theaters.
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Theater aus Iberoamerika

¡Adelante!

Wieso reden wir weniger über Kunst, aber so viel mehr über Strukturen? Wann erzählen wir endlich wieder Geschichten? Was ist gute Kunst, was sind gute Texte für junges Publikum – und wer entscheidet darüber? Oder anders gefragt: Erzählen wir gute Geschichten, während wir uns Strukturen genauer anschauen, in denen diese entstehen? Wie gelingt uns endlich dieser machtkritische Umgang, von dem alle immer reden, im Hinblick auf Ästhetik, Ausbildung, Zusammenarbeit, Qualitätssicherung oder Ressourcenverteilung?
Zu diesen Fragen entstanden aus Begegnungen während unserer Veranstaltungen konkrete Dialoge für die Praxis: In Briefform werden persönliche Erfahrungen und Gedanken zu Autor:innenschaft, zu spannenden Geschichten und machtkritischer Ästhetik von, für und mit jungem Publikum ausgetauscht.
Weil auch die Produktion dieser Publikation mit Macht zu tun hat, wollten die Herausgeberinnen nicht die einzigen sein, die Autor:innen auswählen. Die Personen, an die die Briefe gerichtet sind, wurden <a id="_idTextAnchor000"></a>von den Absender:innen selbst ausgesucht: Ihre Antworten bilden die zweite Hälfte des Heftes.
 
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Was ist eine gute Geschichte?

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