Was macht das Theater, Philipp Adlung?

Fluid, Trans, Drag

Cripped Curricula

Es geht nur gemeinsam

Das Programm ARTplus

Voll Feuer für Figurentheater

Theater Oberhausen: Die Menschheits-Show wird abgesetzt

Figurentheater zwischen Tradition und Transformation

Ihr seid in Bochum keine Unbekannten. Helene, du warst von 2020 bis 2023 als Produktionsleiterin für das FIDENA Festival und von 2015 bis 2023 für den Fritz-Wortelmann-Preis tätig und Christofer, du bist seit 2021 am dfp engagiert und hast als Dramaturg die FIDENA-Ausgabe 2024 co-kuratiert. Wie fühlt es sich an, an die frühere Wirkungsstätte zurück zu kommen bzw. vor Ort bald in einer neuen Position zu wirken? Helene Ewert: Die Vorfreude ist groß, besonders auf die Kolleg*innen. Wir waren immer ein tolles Team und haben gemeinsam schon viele schöne Momente erlebt. Das wird uns für die kommenden Herausforderungen sehr helfen. Christofer Schmidt: Für mich ist der Übergang gerade total spannend. Für die neuen Aufgaben bin ich schon recht autonom unterwegs, gleichzeitig arbeite ich noch in meiner alten Funktion. Durch diese beiden Rollen können manchmal auch Reibungen entstehen, die ich aber ganz produktiv finde. Ihr habt bereits zusammengearbeitet und wisst also, was ihr aneinander habt. Wie kam die Idee, euch als Leitungsduo zu bewerben? Helene Ewert: Schon vor meinem Weggang 2023 haben wir manchmal darüber spekuliert, weil wir schnell gemerkt haben, dass es einfach passt. Wir sind ein sehr kreatives Team, und es macht uns großen Spaß, gemeinsam...

Die Nachfolge von Annette Dabs steht fest: Ab 1. Juli 2025 werden Helene Ewert als Geschäftsführerin und Christofer Schmidt als Künstlerischer Leiter das Deutsche Forum für Figurentheater und Puppenspielkunst e. V. (dfp) in Bochum gemeinsam leiten. Was haben die beiden vor? Für double sprach Annika Gloystein mit dem designierten Leitungsduo über ihre Visionen fürs Figurentheater in Bochum und darüber hinaus.

Das Deutsche Forum für Figurentheater und Puppenspielkunst e. V. bekommt neue Leitung

Doppelspitze in Bochum

Ich sehe was, was du nicht siehst

Wir wollen alle sehen! Wege in die Darstellende Kunst für Menschen mit Behinderung

Den Stein zeigen

Heilbronn: Leon Engler gewinnt mit „Wo die Götter kauern wie Hunde“ den internationalen Dramenwettbewerb „Science & Theatre“ 2025

Theater Oberhausen: No King today

Studieren mit Behinderung – (k)ein Privileg

Versuche einer thematischen Ordnung

Theater Thikwa Berlin: Dinner-Theater mal anders

Unregelmäßigkeiten im Brandschutzsystem

„Ich bin nur durch die Welt gerannt“

Ein unscheinbar wirkender Hinterhof in Düsseldorf-Flingern beherbergt seit 2016 herausragende Positionen zeitgenössischer Kunst. Dass ausgerechnet hier, in einer ehemaligen Glasfabrik, die der Sammlungsgründer Gil Bronner zu rund 1700 m² Ausstellungsfläche hat umbauen lassen, nun Puppen ausgestellt werden, mag überraschen. Kuratorin Hannah Niemeier erklärt, dass es sich bei „Cutting the Puppeteer's Strings“ sogar um die erste Ausstellung handelt, die die gesamte Sammlungsfläche bespielt. Im Handout zur Präsentation heißt es: „Besonders in jüngster Zeit erfahren das Traditionshandwerk des Puppenmachens und das Spiel mit ihnen eine besondere Aufmerksamkeit in der zeitgenössischen Kunst“. Die Puppe als Trend in der Kunstwelt? Für diese Beobachtung sprechen auch die jüngst gefeierten Gisèle-Vienne-Ausstellungen in Berlin. Was aber wird in Düsseldorf präsentiert und wie? Es handelt sich um sehr unterschiedliche Exponate aus der Sammlung von Gil Bronner, um Leihgaben und um eigens für die Ausstellung angefertigte Arbeiten. Diese stammen von über 30 Künstler*innen, darunter bekannte und weniger bekannte Namen. In der geräumigen Eingangshalle sitzen überlebensgroße Stabfiguren von Dardan Zhegrova auf dem Boden und warten darauf, von den Besucher*innen bespielt zu werden. Weniger geräumig geht es nebenan zu: Hier sind die Marionetten aus Eva Kot’átkovás titelgebender Arbeit dicht an dicht an der Wand drapiert. Ein Arrangement, das an die berühmte...

Die nordrhein-westfälische Landeshauptstadt Düsseldorf hat neben Altbier, Rheinkirmes und Königsallee auch einige Kunsthighlights zu bieten. Eines davon befindet sich aktuell in der Sammlung Philara, die noch bis zum 1. Juni 2025 zeigt, wie man Figurentheater in die Bildende Kunst überführt.

„Cutting the Puppeteer's Strings“ in der Sammlung Philara

Anders aufgehängt – Begegnungen zwischen Bildender Kunst und Puppe

Ein Puppenkopf, der sich als „Tee Jay“ vorstellt, lugt neugierig zwischen den Vorhängen hervor. Geführt von drei Spieler*innen betritt der betagte Puppenmann die Bühne. Er trägt ein rot kariertes Hemd mit Jeans. Seine Lieblingsbeschäftigung: Dinge eröffnen. An diesem Tag hat er die ehrenvolle Aufgabe, die Puppentheatersammlung der Staatlichen Kunstsammlungen Dresden (SKD) an ihrem neuen Standort einzuweihen. Nonchalant führt die Großpuppe dabei durch den Nachmittag. Sie teilt sich mit Vertreter*innen aus Politik und Kultur die Bühne, lernt in eingespielten Videointerviews Exponate der Sammlung kennen und verkündet schließlich ihr eigenes Anliegen: Tee Jay will ausziehen. Weg vom fensterlosen Theaterkeller des Theater Junge Generation (TJG), wo er „wie eine Wurst“ abhänge und hinein in die „Wellnessoase“, wie er die Puppensammlung an ihrem neuen Standort im Kulturareal Kraftwerk Mitte nennt. Hier würden die Mitarbeiter*innen ihm jeden Wunsch von den „Glasaugen“ ablesen. Ein Wunsch, dessen Erfüllung Sammlungsleiterin Dr. Kathi Loch ihm am Ende der Veranstaltung zusagt. Die Moderation von einer Puppe übernehmen zu lassen, war thematisch eine stimmige Entscheidung, auch wenn man manchmal angesichts der verbalen Grenzgänge zusammenzuckte, etwa als Tee Jay anwesende Gästinnen jovial als „Mäuschen“ bezeichnete. Für Verwunderung sorgte auch Sachsens Ministerpräsident Michael Kretschmer, der – sichtlich nervös wegen der am nächsten Tag...

Am 31. August wurde nach langer Zeit des Wartens in Dresden eine der größten Puppentheatersammlungen weltweit an ihrem neuen Standort eingeweiht. Christofer Schmidt war bei der feierlichen Eröffnung der SKD im Kraftwerk Mitte dabei und erlebte ein spannendes Zusammentreffen von Puppe, Politik und Museums-Parcours.

Die Puppentheatersammlung der SKD zieht ins Kraftwerk Mitte, Dresden

Ein Museum als Wellnessoase für Puppen

„Gesellschaft besteht aus Menschen und Menschen können Dinge ändern“

Not Just Any’s Body And Mind

Was macht das Theater, Daniel Schüßler?

Über Zeitenwenden hinaus

Wer liest noch Dramen? oder: Plädoyer für die Pause

Tanz ist einfach überall

Seine Arbeit war autobiografisch

Kultur- und Musikmanagement mit Hürden

Challenge(d) Bodies

Abseits der schmalen Altstadthäuser, die das touristische Bild von Amsterdam prägen, liegt das Plein Theater – genau dort, wo die historische Innenstadt ausläuft und das Oost-Viertel beginnt. Keine pittoresken Fassaden mehr, dafür nüchterne Wohnblocks. Das 1983 in der ehemaligen Kantine der Amstel-Brauerei gegründete Theater versteht sich als offenes Haus, das eng mit seiner Nachbarschaft verbunden ist. Hier gibt es Raum für Zusammenarbeit zwischen professionellen Künstler*innen und Anwohner*innen sowie interkulturelle und interdisziplinäre Kunst. Ein gutes Beispiel dafür ist seit 2022 auch das Queering Puppets Festival Amsterdam. Zur Eröffnung spricht Berith Danse, Leiterin des Theaters, über die schwierige Lage der Kulturförderung und zunehmende Angriffe auf die Queer Community in den Niederlanden – Verhältnisse, wie sie auch in Deutschland immer deutlicher zutage treten. Weil das Private auch politisch ist, berichtet sie von ihrem eigenen Outing mit 15 Jahren und kombiniert diese biografische Offenbarung mit einer somatischen: Während sie spricht, entledigt sie sich ihrer Kleidung. Ein überraschender Akt, der in Anwesenheit kulturpolitischer Vertreter*innen stattfindet. Damit performt sie, was das begleitende Festival-Zine auf sprachlicher Ebene zum Begriff Queering artikuliert: nämlich Queering als Praxis zu verstehen, die Normen entblößt und infrage stellt. Von Stellvertretern und Grenzgängern Auch das Eröffnungsstück des Festivals setzt diese Praxis fort, indem...

Die vierte Ausgabe des Queering Puppets Festival Amsterdam stand unter dem Motto „Creating Bodies“. Im Plein Theater präsentierten die Festivalleiterinnen Cat Smits und Berith Danse vom 25. bis 30. März 2025 ein Programm, in dem Körper auf vielfältige Weise gelesen, hinterfragt, begehrt oder verworfen wurden.

Queering Puppets Festival Amsterdam zeigt politisches Programm

Konstruierte Körper

Was kannst du uns über deinen Werdegang erzählen? Lisa Danulat: Ich schreibe Texte seit 20 Jahren. Hauptsächlich für das Theater. Ich habe immer in Nebenjobs gearbeitet, um genügend Geld zu verdienen. Als Putzkraft, als Hausverwaltung oder als medizinische Schreibkraft beispielsweise. Als die Theater 2021 schließen mussten, entschloss ich mich dazu, noch eine Ausbildung im medizinischen Bereich zu machen, um beruflich und existenziell mehr Sicherheit zu gewinnen. Yannic Han Biao Federer: Ich habe mit Kurzgeschichten begonnen, mich von dort in die Romanform vorgearbeitet, irgendwann auch für Radio und Theater geschrieben. Und auf diesem Weg sind dann zwei Romane entstanden, eine autobiographische Erzählung, die im April bei Suhrkamp erscheint, außerdem Radioessays und zwei Theaterstücke, die von Schaefersphilippen verlegt werden. Svealena Kutschke: Romane veröffentliche ich seit 2009, Stücke schreibe ich erst seit einigen Jahren. Mein erstes Stück wurde 2019 zu den Autor*innentheatertagen am Deutschen Theater Berlin eingeladen. Zehra Nisa Açelya Sönmez: laboravi, laboro, laborabo. laboravero, laboratus ero! Rebecca C. Schnyder: Nach erfolgreich abgebrochenem Studium arbeitete ich als Regieassistentin und begann parallel zu schreiben. 15 Jahre später bin ich freischaffende Autorin (v. a. Drama und Hörspiel) und begleite mit meinem Kulturbüro als Performing Arts Manager verschiedenste Produktionen der freien...

Am 4. Mai 2025 wird beim Heidelberger Stückemarkt erstmals der FIDENA Stückepreis verliehen. Dieser Preis hat das Ziel, die Verbindung zwischen Neuer Dramatik und Figurentheater zu stärken. Er wurde vom Deutschen Forum für Figurentheater und Puppenspielkunst zusammen mit dem Musiktheater im Revier Gelsenkirchen ins Leben gerufen. Der mit dem FIDENA Stückepreis ausgezeichnete Dramentext wird in der Spielzeit 2025/2026 in der Puppensparte des Musiktheaters seine Erst- oder Zweitaufführung erleben. Christofer Schmidt hat den sechs nominierten Autor*innen per E-Mail Fragen geschickt; fünf von ihnen haben geantwortet.

Die Nominierten des FIDENA Stückepreises im Gespräch

Neue Dramatik trifft Figurentheater

In Köln haucht El Cuco Projekt einer ausgestorbenen Wildrindart neues Leben ein und schickt sie vom Jenseits auf den Tennisplatz. Zwischen sportlichem Eifer und idyllischen Weidemomenten entspinnt sich eine amüsant-melancholische Performance. Lange wurde das Bild dieses berühmten Rückschlagsports von Persönlichkeiten wie Serena Williams oder Steffi Graf geprägt. Doch inzwischen stehen neue Stars am Tennishimmel bereit: Zwei besonders aufstrebende Spielerinnen präsentieren Sonia Franken und Gonzalo Barahona (El Cuco Projekt) in ihrem aktuellen Tanzperformance-Projekt „Mata Dora – ein tierisches Sportereignis“. Die Titelgebenden Protagonistinnen Mata und Dora sind Chimären aus Mensch und Kuh. Sie tragen hyperrealistische Masken, die dem in Europa ausgestorbenen Auerochsen (Bos Primigenius) nachempfunden sind. Kopfabwärts sind ihre menschlichen Körper in moderne Sportoutfits gehüllt. Zu Beginn ertönt Vogelgezwitscher, Mata und Dora entspannen in der Horizontalen. Auch das Summen imaginärer Fliegen stört sie nicht. Ihr herrliches Nichtstun entfaltet einen kontemplativen Sog, bis ein lauter Knall den Frieden stört. Eine Tasche fällt vom Theaterhimmel und die neugierigen Hybridwesen, die gerade noch innig beieinander geschlummert haben, stehen sich konfrontativ gegenüber. Jede mit einer Hand am Tragegriff dieses metallisch glänzenden Objekts. Licht und Sound kreieren eine geheimnisvoll düstere Atmosphäre, bis allmählich das Innere der Tasche hervorgeholt wird. Den Anfang machen zwei Goldmedaillen, die beim Aufeinanderschlagen...

Wenn Verlorenes die Gegenwart befragt: „Mata Dora“ von El Cuco Projekt

Der ewige Wettkampf

Im Ozean aus Klang und Licht

Wille zum Glauben

„Die Vielfalt ist das Herz der Freien Szene“

Respekt und Vertrauen

Inszenierte Körper

Theater Ulm: Mit doppeltem Boden?

Das Kerngeschäft im Theater sind Feelings

ETA Hoffmann Theater Bamberg: Liftboys und Logbücher

Teufelsgeige

Filmstills

Inklusion versteht sich nicht von selbst

Reflexion fördern

Rückwärts durch die Zeit der Gegenwart

Landestheater Tübingen: Heimat in der ganzen Welt wiederfinden

Solidarität und Glitzer

Nationaltheater Mannheim: Wettstreit der Wahrheiten

Trans*respekt versus anti-trans Gewalt

Die Pflanze, die ich also bin

Living Beneath

Körperpolitik ohne Ende

Garage und Galaxie

Vorwort

Münchner Kammerspiele: Lokalgeschichte meets historische Schuld

Vertonen

„Ich lausche meinem Körper die choreografische Form ab“

Vor genau 20 Jahren wurde double gegründet und unsere Leser*innen halten gerade die 50. Ausgabe in der Hand. Dieses Doppeljubiläum war für uns Anlass, den Blick zurück nach vorne zu richten und das Heftthema ‚Reenactment‘ mit der Heftgründung in Verbindung zu bringen. Haben Sie es erkannt? Das Cover greift das Titelbild des allerersten Heftes auf, und auch einige mit ‚Reenact!‘ gekennzeichnete Beiträge spinnen Themen von double 1 weiter fort. Neben aktuellen Berichten nehmen wir uns die Zeit, um unsere Reise zu reflektieren. In ihrem Auftaktbeitrag diskutiert Meike Wagner die historischen Überlagerungen, die durch Identität und Differenz des Reenactments im politischen Protest entstehen. Ulrike Wörner von Faßmann bespricht die wohl am häufigsten wiederholte und überschriebene Theateraufführung, nämlich das Triadische Ballett von Oskar Schlemmer, dessen überlieferte Kostüme geradezu zum Reenactment einladen. Florian Feisel stellt die gemeinsam mit Antje Töpfer erarbeitete Theaterinstallation Zo-on (2023) vor, die aus bereits früher verwendeten Objekten und Materialien nachhaltig entwickelt wurde, um im materiellen Reenactment völlig neue Erfahrungsräume des ‚worlding‘ zu eröffnen. Die Entleerung und gewaltvolle Wirkung eines beständig wiederholten Performance-Aktes beschreibt Johanna Zorn und zeigt auf, wie die ‚Macht der Dinge‘ ein tragikomisches Beziehungsgeflecht von Wiederholungen erzeugt. Die Redakteur*innen der ersten Stunde – Silvia Brendenal, Christoph Lepschy,...

Reenactment im Figurentheater

Same, same but different

Archipel der Kunst

Körper und Körperlichkeit

Unsere Körper sind Text

Die Rückkehr der großen Geschichten

Ride & Resistance

Die Hüfte ist das Zentrum

Der kluge Mann baut vor

Salzgebäck und Puppenstars

Die Gewalt geht vom Volke aus

Nicht nur Gestell für Stimmbänder und Handgesten

Von Sprachverbotsversuchen, Sprechermöglichungen und Körperwirklichkeiten

Die Arbeit der Frauen: Punch und Judy

Auf dem Gipfel der Verzweiflung

Tanzen zwischen künstlerischer Perfektion und Höchstleistungssport

Spielart-Festival München: „Sie sind gelaufen, damit ich gehen kann“

Ausgebeuteter Körper

Unidentical Dude

Oldenburgisches Staatstheater: Betont präzise und seelenlos

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

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Bericht

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Was macht das Theater...?

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Performance

Thema

Kunstinsert

Debatte

Editorial

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Brandenburg

Neue Dramatik

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Dramaturg dfp und Freie Szene, Bochum.

Glasmarionette aus „Cabaret Crusades“ von Wael Shawky

Helene Ewert und Christofer Schmidt

Einblick in die neue Basisausstellung der Puppentheatersammlung der SKD

Vox Muziektheater, One Man Show

Cat Smits Company / Centre National d’Art de la Marionnette, Vis-à-Vis(a)

El Cuco Projekt, Mata Dora.

Installation „Archiv der Sorgen“ vom Künstlerinnenduo „Fort“

Installation „Lutzi Puppe Wutzi“ von Mikołaj Sobczak

Joscijka Abels‘ historischer Roman, setzt sich auf komplexe und tiefgründige Weise mit zentralen Fragen der menschlichen Existenz auseinander. Durch den Dialog der Romanfiguren enthüllt sich die performative Natur des Lebens, in der die Grenzen zwischen Realität und Inszenierung im „teatro mundi“ (Welttheater) verschwimmen. Die Reflexion über Kunst, Philosophie und Politik macht Abels Roman zu einer anspruchsvollen und lohnenden Lektüre.
Es ist im Jahre 1464, als Bernardo Rossellino, aus einer Zeitschleife zurückkehrend, sich in der Bibliothek seines von ihm erbauten Palazzo Piccolomini in Pienza wiederfindet. Wer er ist, weiß er nicht mehr. Und so beginnt für ihn die Suche nach seiner Identität. Wer war jener Gamberelli, von dem alle sprachen? Bernardo begegnet einer Abendgesellschaft, darunter Papst Pius II., vormals Eneas Silvio Piccolomini, dem Philosophen und Kleriker Cusanus, auch bekannt als Nikolaus von Kues, dem vielseitigen Architekten Leon Battista Alberti, seinem Tugendfreund Filarete und dem Mathematiker Paolo dal Pozzo Toscanelli. Sie versammeln sich jeden Abend um ein in der Mitte des Bibliotheksaales eingelassenes Spielfeld und widmen sich mit einer runden, ausgehöhlten Kugel dem Globusspiel. Es ist das Weisheitsspiel des Cusanus, in dem es gelingen soll, gleichsam durch einen Spiegel und im Rätselbild auf die Möglichkeiten in dieser Welt und in uns zu sehen. Was ist das Geheimnis des Enea Silvio Piccolomini? Warum hatte man die von Bernardo gebaute Erinnerungsarchitektur, das von diesem Papst gewünschte Memoriale an seinem Heimatort, so geändert? Wieso hatte sich über die cusanische Reform des julianischen Kalenders nicht nur ein Schleier, sondern der Mantel des Vergessens gelegt?
Die abendlichen Dialoge kreisen um nahezu alle Grundfragen, die aus der Renaissance überliefert sind. Die Runde öffnet sich den Quellen der griechisch-römischen Antike und reflektiert über die Beziehungen zwischen Architektur, Kunst und Wissenschaft, über die Wirklichkeit und Möglichkeit in der sichtbaren Malkunst, über den Ursprung der Welt, das Phänomen der Zeit und das Nebeneinander der Religionen.
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Kaleidoskop der Stimmen und Bilder

Julianische Tage im Schatten der Piazza

Mit zahlreichen Beispielen und Tipps wird in diesem Band das Entstehen gemeinsam improvisierter Szenen erläutert. Wie beginnen wir Szenen? Wie führen wir sie fort? Und wie beenden wir sie? Wie schaffen wir eine stabile Plattform? Und wie improvisieren wir ohne Plattformen? Wie erschaffen wir kraftvolle szenische Konflikte und wie spielt man intime Szenen? Wie unterstützen wir unsere Partner auf der Bühne und aus dem Off? Wie entsteht Komik und wie erschaffen wir berührende Szenen?
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Die Magie der Szene

Improvisationstheater (Bd. 3)

„Highland Child“ vereint Bildkunst und Lyrik von Mark Sieczkarek in einem eigenständigen Künstlerbuch: Zeichnungen, kleine Malereien und Collagen begegnen 48 englischsprachigen Gedichten, deren deutsche Übertragungen jedem Exemplar als Einleger beiliegen. Als Tänzer des Tanztheaters Wuppertal Pina Bausch in den 80er Jahren (u. a. „Viktor“, „Ahnen“, „Kontakthof“, „Das Frühlingsopfer“, „Nelken“) und seit 1988 mit über 50 eigenen Produktionen als Tänzer und Choreograph, entfaltet er in diesem Band ein sehr persönliches Universum – Menschen aus seiner nächsten Umgebung, Begegnungen aus der internationalen Tanzszene, Erinnerungen und Gedankenskizzen.
Die Arbeiten in Farbe und Schwarz-Weiß zeigen seine poetische Spannung zwischen Bewegung und Bild. Entstanden ist ein sorgfältig gestaltetes und liebevoll illustriertes Hardcover, das die künstlerische Handschrift Sieczkareks in ihrer Vielschichtigkeit sichtbar macht – ein in seiner Interdisziplinarität beeindruckender Künstler, der über Tanz, Kostüm und Bühnenbild wirkte und sich ebenso hingebungsvoll Zeichnungen, Film und Dichtung widmete.
 
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Art and poetry by Mark Sieczkarek

Highland Child

Die 52. Ausgabe von double. Magazin für Puppen-, Figuren- und Objekttheater widmet sich der Figut des Caspar als Superhelden, Spaßmachern und Systemsprenger. Kann die Figur überhaupt im Heute bestehen, ohne ihre anarchische Energie zu verlieren?
Im Zentrum stehen die lustigen Figuren des europäischen Puppenspiels in all ihren Ambivalenzen und Transformationen. Fachbeiträge reflektieren kulturelle Erbe-Diskurse, Genderaspekte und die künstlerisch-ästhetische Entwicklung der komischen Handpuppe vom Kasper bis Punch als Spiegel gesellschaftlicher Herausforderungen und Widerstände. Internationale Festivalberichte, Interviews und Analysen nehmen die Vernetzung der Szene genauso in den Blick wie aktuelle Initiativen zur Unesco-Nominierung.

Kasper und Co. in schwierigen Zeiten

Superheld, Spaßmacher, Systemsprenger

„Open the curtains. Zum Werk von Mark Sieczkarek“ lädt als Journal zu einer Erkundungsreise in das facettenreich inspirierende Schaffen des Choreografen und Künstlers Mark Sieczkarek (10. 9. 1962 bis 8. 9. 2025) ein. In Schottland geboren, kam er über Pina Bausch nach Wuppertal und folgte dann bald seinem eigenen künstlerischen Weg. Anlass für das Journal war die Ausstellung „paths through my garden – Kunst von Mark Sieczkarek“ vom 9. bis 26. Oktober 2025 im Schauspielhaus/ Pina Bausch Zentrum under construction in Wuppertal. Bis zu seinem Tod hat der Künstler die Werkschau mit vorbereitet. Im Journal finden fotografische Aufnahmen seiner Choreografien, Bühnenbilder und Kostüme ihren Raum, die in über 50 Produktionen in vier Jahrzehnten entstanden sind, ebenso wie Verweise auf seine Filme und Skizzen, Zeichnungen und Bilder. Ergänzt werden die Zeugnisse seiner vielfältigen künstlerischen Aktivität durch Stimmen und Betrachtungen mehrerer künstlerischer Weggefährt:innen.
In „Highland Child“ beendet Mark Sieczkarek sein letztes Gedicht „The end“ mit der Zeile „Open the curtains“. Zeitgleich zum Journal erscheint dieser Band als 2025 zusammengeführte Sammlung eigener Bilder und Gedichte. Sieczkareks letztes Lebensjahr war geprägt von den Herausforderungen der Krankheit ALS. Journal und Künstlerbuch laden nun als posthume Würdigung in Mark Sieczkareks sanftes und zugewandtes, irritierendes und rebellisches Universum ein.
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Zum Werk von Mark Sieczkarek

Open the curtains

Buchpremiere am 2. Dezember 2025 um 18 Uhr, Hellerau Dresden
Palucca (1902–1993) wollte nicht hübsch und lieblich tanzen und war noch keinesfalls berühmt, als sie im Alter von 23 Jahren eine private Tanzschule gründete. In diesem Band kommen Menschen zu Wort, die eine Beziehung zu Palucca, zur Palucca Schule (gegründet 1925, heute Hochschule), Mut im Kopf und Mumm in den Knochen haben. Sie taten und tun das vorzugsweise in Projekten, mit denen Menschen im und mit Tanz zu Veränderungen angestiftet und befähigt werden, gesellschaftliche Missstände mit Leib und Seele anzugehen. Das erfordert ziemlich viel Mut.
Für den Soziologen Dirk Baecker ist Mut ein Kalkül. Für Palucca war Mut eine Voraussetzung für Kunst. Studierende des 2. und 3. Studienjahres Bachelor Tanz der Palucca Hochschule für Tanz Dresden verraten, wie sich Mut einstellen kann, selbst wenn sie Angst haben. Das könnte man sich glatt zu Herzen nehmen, und dann ist Mut zu haben vielleicht gar keine Kunst?
 
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Faszination und Verantwortung

Mut Palucca

Neuerscheinungen im Verlag