Hart, aber poetisch

Businessman des Living Theatre

Das Theater der Dinge hat keine ihm eigene Literatur. Kaum eine zumindest. Jedenfalls nicht im deutschsprachigen Raum. Als Theaterform, die sich lange Zeit eher fern von staatlichen Institutionen hielt und der oft nicht die Bedeutung des Schauspiels beigemessen wurde, etablierte sich mit der Dramatik an den großen Bühnen keine separate für Puppen. Nichtsdestotrotz gab es auch in früheren Zeiten schon Schnittstellen, an denen Literatur und Puppen aufeinandertrafen. Lars Rebehn skizziert einen Längsschnitt über die Literatur als Textproduzentin für das Theater der Dinge. Nicht jeder Text schaffte und schafft es, Puppenspielenden eine gute Grundlage zu sein für die Arbeit mit Material. Aus diesem Grund stellt sich Hans-Jochen Menzel der Frage, nach welchen Kriterien man Texte für das Puppentheater auswählen kann und macht vier Arten aus, auf die er einen Text liest. Ist es da nicht einfacher, Schreibende und Spielende schon im Studium auf die Chancen von Zusammenarbeit aufmerksam zu machen? Ein solcher Versuch ist das Format „Puppen&amp;Stifte“. Mona Schlatter spricht dazu mit drei Teilnehmerinnen dieses Kooperationsprojektes des Studiengangs Zeitgenössische Puppenspielkunst der HfS „Ernst Busch“ und dem Studiengang Szenisches Schreiben an der UdK Berlin. Einen wiederum anderen Weg begeht das dfp, wenn es in diesem Jahr zum ersten Mal gemeinsam mit dem...

Worte formen – Zum Verhältnis von Puppe und Text

Captain Hook fliegt ein

Theaterhaus Jena: Elfriede Jelinek spürt diese Leere – wir auch

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Dominique Horwitz?

Stiller Abbau?

Ruhrfestspiele Recklinghausen/Theater Münster: Ein Krieg führt immer zum nächsten

Black Box und White Cube

Transformation statt Revolte

Die Schmalspurbahn aus Domodossola ist verspätet. Ein unerhörter Umstand in der Schweiz – doch wir haben keine Zeit für Ärger hier, an der Alpensüdseite. In Verscio rennen wir vom Bahnhof hoch ins Dorf, vorbei an Bruchsteinhäusern und durch Kopfsteinpflastergassen zur Präsentation der „Group Devised Projects“ der Drittsemester an diesem 10. Dezember 2022. Corinna Vitale: In einer Richtung des Clowns wie bei Dimitri oder auch Gardi Hutter, geht es oft um die Tücken des Objekts – ein Objekt macht sich selbständig und wird ein Mit- oder Gegenspieler für den Clown. Ich glaube, es ist die Freude an der Unschuld des Clowns, dass aus allem um uns herum ein Spiel entstehen kann. Wahrscheinlich ist deswegen das Objekttheater immer nahe am Clown oder der Clown nahe am Objekttheater. Darum ist uns wichtig, dass Teatro di Figura alles mit einschließt: Material-, Objekt- und Puppentheater. Wir hatten immer wieder Bewegungstheater-Studierende, die mit Puppen oder Objekten arbeiten wollten. Irgendwann dachten wir uns, es ist schade, dass wir nicht tiefer darauf eingehen können. Deshalb überlegten wir, wie wir Bewegungstheater und Puppenspiel unter einen Hut bringen. Unsere Studierenden kommen aus dem Zirkusbereich, dem klassischen und dem Bewegungstheater oder aus dem Puppenspiel. Egal was sie gemacht haben, sie müssen...

1975 gründete der Schweizer Clown Dimitri mit seiner Frau Gunda Dimitri und dem tschechischen Mimen und Pädagogen Richard Weber im schweizerischen Verscio die „Scuola Teatro Dimitri“ (heute: Accademia Teatro Dimitri) mit dem Ziel, Theater zu schaffen, dessen Hauptausdrucksmittel der Körper ist. Seit 2020 ist es auch möglich, im „Master of Arts in Theatre“ einen Fokus auf „Teatro di Figura“ zu setzen.
In drei Einzelgesprächen - mit Corinna Vitale, die als damalige Direktorin den Fokus mit einführte, Eva Sotriffer, einer Studentin des ersten Studienjahrgangs mit diesem Fokus, und Marek Turošík, dem Mentor der Masterstudierenden – untersucht Moritz Schönbrodt den Zugang vom Bewegungstheater zur Puppe und wie sich dieser im Studium manifestiert.
Obwohl es 45 Jahre gedauert hat, bis es so weit war, erscheint der Weg von Bewegungstheater und Clowning nicht weit bis zur Puppe.

Die Accademia Dimitri an den Grenzen des Verbalen

Den Körper sprechen lassen

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Unterwegs mit den Formwandlern

Mit der Pfeilspitze ins Herz hinein

Bewegen, Zeichnen, Überzeichnen

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

Fassungslosigkeit und Hoffnung

„Ein großes Festival muss eine Dynamik entwickeln“

St. Pölten:: Peter-Turrini-Dramatiker*innenstipendium für Paula van Well

Langer Atem beim Netzwerken

Publikumserregung mit Extradimension

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Dramaturgie des Zweifels

Deutsches Nationaltheater Weimar: Drei Fiktionen für dreizehn Millionen Schicksale

Widerstand und Erinnerung 

Im Alter von nicht einmal einem Jahr zieht Frida León Beraud mit ihren Eltern von Chile, wo sie 1970 geboren wurde, nach Neuquén in Argentinien. Mit knapp 600 Kilometern ist es eher einer der kürzeren Umzüge in ihrem Leben, denn es wird nicht die letzte Grenze sein, die sie überquert. Migration wird ein Thema bleiben, mit dem sie sich auch in ihrer Arbeit immer wieder beschäftigt. Als sie in Argentinien aufwächst, erlebt sie zunächst die Militärdiktatur der 70er/80er-Jahre. 1983 beginnt die Demokratisierung des Landes, ein landesweites Straßentheaterfestival wird organisiert und Léon Beraud steht das erste Mal auf der Bühne. Trotz eines Anschlags auf das Teatro Picadero, die Wiege jener Theaterbewegung, macht man weiter und Léon Beraud, die sich einer Jugendtheatergruppe angeschlossen hat, macht Straßentheater. Das ist nichts Ungewöhnliches. Laut Léon Beraud ist Teil einer Theatergruppe zu sein in Argentinien so üblich, wie im deutschsprachigen Raum ein Instrument zu lernen. Viele Menschen sind Teil von Laientheatergruppen, unabhängig von allen sozialen Klassen trifft man sich dort – das Theater ist ein gemeinsamer Raum. Nach der Schule beginnt Frida Léon Beraud eine Ausbildung zur Chemielaborantin und absolviert nebenbei eine Schauspielausbildung. Es sind volle Tage für sie: von 7 Uhr bis 16 Uhr arbeitet...

Als sie mit 13 Jahren das erste Mal auf der Bühne stand, war das ein politischer Akt. Am Ende der Diktatur, als Argentinien sich veränderte, waren die Theatergruppen Teil des gesellschaftlichen Wandels – eine Erfahrung, die Frida León Beraud in ihrer Arbeit bis heute prägt. Für ihr „Sozial engagiertes Puppenspiel“ erhielt sie 2022 den Schweizer Preis Darstellende Künste.

Frida León Beraud im Porträt

Welten wandeln

Keine Rechnung ohne Restwert 

Weltall, Erde, Mensch

Neue Dramatik trifft Figurentheater

Dober Dan, Ljubljana

Hybridgemeinschaften?

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Ruhm den Kleinen!

Der Engel vieler Geschichten

Thüringer Befund

Festival im Aufwind

Bodyhorror/Tarantino

Bilder im Takt eines Textes

Auf Augenhöhe

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

Ästhetische Übereinstimmung, strukturelle Unterschiede

Risiko: Das Salz unseres Lebens

„Wochenlang haben wir Spaghetti gefressen. Rein in die Stadt, spielen, raus aus der Stadt, proben, rein in die Stadt, wieder spielen. Das Geld ging für den Sprit drauf. Der Rest für Spaghetti.“ – Ihre erste Reise als Straßenkünstlerin ist für Priska Praxmarer eine Erfahrung, die für die Autodidaktin in Sachen Puppenspiel prägend sein wird. Zum Puppentheater wird sie allerdings erst später kommen und das zunächst aus ganz pragmatischen Gründen. Als Priska Praxmarer ihr Diplom in Sozialpädagogik macht, ist ihr schon klar, dass sie in diesem Beruf wohl kaum arbeiten wird. Seit ihrer Jugend macht sie Theaterprojekte, besucht Kurse z. B. bei Walter Hess und in der Mimenschule Ilg in Zürich. Statt an ihrer Diplomarbeit zu schreiben, sieht sie sich lieber die Schweizer Varieté-Theatergruppe Karl‘s kühne Gassenschau an, wo sie im Regen unter einer gemeinsamen Decke Elli Huckenbeck kennenlernt, mit der sie später auf Tour durch Deutschland, Frankreich und Italien gehen wird. Sie probieren sich mit wandelbaren, abstrakten Kostümen in den Innenstädten aus. Es ist eine harte Schule, das Straßentheater. Praxmarer erfährt hier vor allem zweierlei: Da ist zum einen die Aufregung, die Angst vor dem Auftritt, und gleichzeitig der Drang weiterzumachen, der sie bis heute antreibt. Zum anderen beginnt sie...

Die freischaffende Theatermacherin Priska Praxmarer wurde dieses Jahr mit dem PRIX ASSITEJ Schweiz für ihr Engagement als Kulturschaffende ausgezeichnet. Moritz Schönbrodt hat mit ihr gesprochen und sie für double portraitiert.

Priska Praxmarer im Portrait

„Ich möchte nichts wissen, ich möchte herausfinden.“

Freiheit des Theater-Erlebens

Berufsbild: Digitaldramaturg

„Den Lohnarbeitern erscheint ihre Arbeit auch nicht mehr als das, was sie ist“

Zerbrochene Familiengeschichten

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Die Rache der Königinnen

Wir gehen rein

An Fantasie muss man sich auch erst mal gewöhnen. Im Foyer eines Theaters, dessen Saal ich nie betreten haben werde, sagt man mir zu meinem Text, dass es schwer sei, sich das vorzustellen: Das mit der Brücke und dem Stein, der die Figur auf der Bühne erschlägt. Das gehe ja nicht. Man habe sich Mühe gegeben, schließlich hätte ich Puppentheater vorn drauf geschrieben und man wisse, dass da andere Regeln gälten. Dass das dort ginge und das sei wohl das, was Puppentheater ausmache. Ich nicke. Ja, das mache Texte für Puppentheater aus, dass man da Dinge hineinschreiben kann, die sonst nicht gehen, und Dinge sprechen, die nicht sprechen können. Ich sage – noch immer nickend – dass der Text Material sein soll, ja Material. Das sage ich, weil das in den sechs Jahren zuvor meine Überzeugung geworden ist. Weil ich als Puppenspieler nichts schlimmer finden kann, als einen heiligen Text. Dann fällt in diesen heiligen Hallen der Hochkultur der Begriff „orthodoxes Autor*innentheater“. Doch Heilige haben im Puppentheater nichts verloren. Und das Puppentheater wohl auch wenig in heiligen Hallen. Deswegen muss ich es noch mal wiederholen: Text ist Material. Schon der Gerechtigkeit wegen. Soll der Text auf der gleichen Ebene stehen...

Nach einem Studium der Zeitgenössischen Puppenspielkunst und des Literarischen Schreibens ging Moritz Schönbrodt davon aus, dass Texte für das Puppentheater immer als Material zu betrachten sein sollten. Für double nimmt er uns mit auf eine Zugfahrt, die so nie stattgefunden hat, und zu den Zweifeln an seiner Überzeugung.

Texte als Teil des Verlebendigungsprozesses auf der Bühne

Leben zwischen den Zeilen

Die Signatur unserer Zeit

Balkan Brass und Brüche

Sie leben noch (weiter)

Die Grenzen der Freiheit

Guten Appetit!

Vor Ort und exklusiv

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Schauspiel Stuttgart: Überleben in der Karaokebar

Die Unsterblichkeit des Theaters

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Wenn die Unis Trauer tragen

Der Sprachspieler Schiller trotzt der Macht  

Ruhrfestspiele Recklinghausen/THE OFFICE performing arts + film: Humor und Hoffnung in einer zerfallenden Welt

Warum wir Festivals brauchen

Sie kürzen, wir glänzen

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Feminismus neu ausrichten

Das große Plus an Menschlichkeit

Zirkus

Thüringen

Essay

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

TdZ-Geschichte

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

double

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Polen

Musiktheater

Europa

Theater der Zeit

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Tanz

Performance

Thema

Slowenien

Kunstinsert

Debatte

Editorial

Asien

Tschechien

Brandenburg

Neue Dramatik

Spanien

Wissenschaft

Hessen

Berlin

Post-Ost(deutsch)

Dramaturgie

Afrika

Ukraine

Open Access

International

Praxiswissen

Digitales Theater

Kinder- & Jugendtheater

Recherchen

Chile

Akteur:innen

Dramatik

Baden-Württemberg

Puppen-, Figuren- & Objekttheater

Regie

Schweizer Fenster

Theaterkritiken

Schleswig-Holstein

Festivals

Schweiz

Dramaturgie der Zeitenwende

Bertolt Brecht

Freie Szene

Sprechtheater

Kritiken

Stücke

Bühne & Film

Kostüm und Bühne

Musik im Schauspiel

Georgien

Kulturkürzungen

Gespräch

Startseite

Puppentheaterschaffender und Autor, Biel/Bienne, Markkleeberg

Priska Praxmarer in „Bern sehen und sterben“

theater katinkaspringinsfeld, Zauberzeichen

Denken wir heute an „Zirkus“, so tauchen in unseren Köpfen gemeinhin Bilder von Artistik- und Tierdressurnummern in der Manege eines Zirkuszeltes auf. Historische Quellen, die in Archiven und Bibliotheken schlummern, zeichnen jedoch ein überraschend anderes Bild der Zirkuskunst um 1900. Die in diesem Buch versammelten Fotografien, Auszüge aus Briefwechseln, Patentschriften, Presseberichte, Bauzeichnungen und vieles mehr, bieten tiefe Einblicke in die Zirkuskultur Berlins um 1900. Sichtbare Spuren der einst erfolgreichen Zirkusgesellschaften mit ihren pompösen Gebäuden mitten im Stadtzentrum finden sich heute hingegen kaum mehr. Anhand von historischen Quellen lässt das Buch Aufführungspraxis, Architekturen, Herausforderungen und Erfolge von Zirkussen, Künstler:innen und Techniker:innen auf eindrückliche Weise zutage treten.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=zirkuskunst_in_berlin_e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>
Eine kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../api/files/f3468a94-12c9-4680-9280-ee99ad88c389/Zirkuskunst_in_Berlin_OA.pdf" target="_blank">PDF-Download (52 MB) </a>
ISBN 978-3-95749-565-5 (Open Access)  DOI: <a title="https://doi.org/10.35287/9783957495020" href="https://doi.org/10.35287/9783957495020" data-outlook-id="c180ea25-f06b-4836-a7c2-fc4b1261b69b">10.35287/9783957495655</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Einblicke in eine vergessene Praxis

Zirkuskunst in Berlin um 1900

Die Juni-Ausgabe 2025 von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Heimat(en)“ und beleuchtet, wie Kunst und Theater Zugehörigkeit, Identität und Gemeinschaft neu verhandeln. Essays, Interviews und Berichte von Autor:innen wie Dinçer Güçyeter, Luise Voigt und Elisabeth Maier zeigen, wie vielfältig und umstritten der Heimatbegriff heute ist – von postmigrantischen Perspektiven über ostdeutsche Lebensgeschichten bis zu kulinarisch-politischen Performances.
Auf dem Titel: Sandra Hüller und Tom Schneider ­haben am neuen theater in Halle/Saale MarDis „Penthesile:a:s“ (<a href="https://tdz.de/artikel/3856c3b5-e854-4769-8eef-1533bb028485">der Stückabdruck</a>) inszeniert. Im Interview dazu betonen sie die gemeinsame Theaterarbeit, das Ensemble­schaffen – weit weg vom filmbranchenüblichen Starmodellieren eines Wunders. Ist Sandra Hüller trotzdem.
 
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=theater_der_zeit_06_2025_schwerpunkt_heimat_en_&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Sandra Hüller und Tom Schneider

Geste des Kollektiven

Seit bald 20 Jahren produziert die aus Zypern stammende und in Düsseldorf beheimatete Choreografin Alexandra Waierstall international. Das Buch „And here we meet: Choreography at the edge of time“ bietet erstmals einen umfassenden Einblick in ihr Schaffen. Großformatige Fotostrecken und pointierte Textbeiträge erschließen ihr Werk. Mit Beiträgen von Roberto Fratini, Monica Gillette, Emily Markert, João da Silva, Melanie Suchy und Paraskevi Tektonidou.
Alexandra Waierstalls Arbeiten beeindrucken durch ihre direkte physische Bildsprache, die radikale Präsenz der Tänzer:innen. Sie basieren auf der vitalen zwischenmenschlichen Aushandlung komplexer Beziehungen, die sich in choreografischen Konstellationen, Bildern und Transformationen entfalten. Choreografie wird so zum Mittel der Ermächtigung in der Verkörperung sozialer Verantwortung und zum Ausgangspunkt für Formen von Gemeinschaftlichkeit.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=alexandra_waierstall_and_here_we_meet_choreogra&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Alexandra Waierstall

And here we meet: Choreography at the edge of time

Postkoloniale und antirassistische Ansätze im Figurentheater

Puppets of Color

Das Arbeitsbuch widmet sich dem Intendanten und Regisseur Peter Carp. Als Schauspieldirektor in Luzern (2004–2007), als Intendant des Theater Oberhausen (2008–2017) und seit 2017 als Intendant des Theater Freiburg entwickelte er ein Theaterkonzept immer stärker aus, welches auf konsequente Internationalisierung setzte, auf ein Theater als „Weltempfänger“. Kennzeichnend für seine Arbeit war eine ausgeprägte Entdeckerlust, wie er sich generell als Förderer verstand (Simon Stone, Ewelina Marciniak, Amir Reza Koohestani, Yair Sherman, Herbert Fritsch). Das reich illustrierte Arbeitsbuch gibt Auskunft zu verschiedenen Aspekten der Arbeit des Regisseurs und Intendanten Peter Carp und versammelt Zeugnisse seiner Weggefährten.
 
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=peter_carp_weltempf_nger_in_luzern_oberhausen_un&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Weltempfänger in Luzern, Oberhausen und in Freiburg

Peter Carp

Wir machen Theater, jedes Jahr im Sommer. Das gilt für die Burgfestspiele Jagsthausen seit 1950. Als einziges Theater im deutschsprachigen Raum wird hier seit 75 Jahren mit Goethes „Götz von Berlichingen“ Theater an seinem Originalschauplatz gespielt. Mittlerweile sind die Burgfestspiele aber viel mehr als nur „Götz“: Musicals, Kinderstücke, Schauspiele und Musiktheater im weiteren Sinne gehören zum Repertoire. Das Buch bietet Rück-, Ein- und Ausblicke. Es beleuchtet die ersten 50 Jahre im Schnelldurchlauf und konzentriert sich im Schwerpunkt auf die letzten 25 Jahre. Die vier Intendant:innen Jan Aust, Heinz Kreidl, Axel Schneider und Eva Hosemann (seit 2019) haben diese Zeit geprägt. Ihnen werden einzelne Kapitel gewidmet.
Interviews und Anekdoten beschreiben das bekannte Freilichttheater aus einer Vielzahl von Perspektiven. Auf der Bühne und hinter der Bühne sehen wir einen Organismus im ständigen Wandel. Neben einer faszinierenden Bildauswahl informiert dieser Jubiläumsband mit spannenden Inhalten rund um die Burgfestspiele sowie Zahlen und Fakten zu den Produktionen. Es ist ein Jubiläumsbuch der besonderen Art und unternimmt eine Zeitreise durch 75 Jahre Theatergeschichte.
 
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=wir_machen_theater_..._jedes_jahr_im_sommer._75_ja&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

75 Jahre Burgfestspiele Jagsthausen

WIR MACHEN THEATER ... jedes Jahr im Sommer

Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

Das Ding mit dem Körper

Die 51. Ausgabe von „double“ mit dem Schwerpunkt „Zum Verhältnis von Puppe und Text“ beleuchtet auf vielfältige Weise die komplexe und sich wandelnde Beziehung zwischen dem geschriebenen Wort und der performativen Kraft des Figurentheaters. Das Heft untersucht historische Entwicklungen, gegenwärtige Tendenzen und zukünftige Perspektiven dieser spannungsreichen Interaktion. Es kommen sowohl Theoretikerinnen als auch Praktikerinnen zu Wort, die ihre Erfahrungen und Überlegungen zu diesem zentralen Aspekt des Puppen-, Figuren- und Objekttheaters teilen.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=double_51._worte_formen&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Zum Verhältnis von Puppe und Text

Worte formen

Das Arbeitsbuch von Theater der Zeit im Juli 2025 widmet sich der zeitgenössischen Schweizer Theaterszene. Es begreift sie als eine Art Landschaft, die es bereist und deren Diversität, Mehrsprachigkeit und Komplexität es aus verschiedenen Perspektiven beschreibt.
Der Fokus liegt auf der Schweiz als mehrsprachigem Theaterort, wo verschiedenste Theater- Ästhetiken, Traditionen und Strukturen auf kleinstem Raum aufeinandertreffen oder nebeneinander bestehen. Welche Entwicklungen zeichnen sich ab im zeitgenössischen Schauspiel, in der Performance, im Theater der Schweiz? Inwiefern bildet die Schweizer Theaterszene die europäische Theaterszene im Kleinen ab? Wie gelingt der mehrsprachige Dialog? Welche Beziehungen bestehen zu den Kulturräumen der Nachbarländer Frankreich, Italien, Deutschland, Österreich und Liechtenstein?
Neben Essays, Berichten und Dialogen kommen auch genuin künstlerische Positionen zu Wort: aus allen Landesteilen, sowohl innerhalb als auch fernab der Metropolen.
Mit freundlicher Unterstützung der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia sowie der Ernst Göhner Stiftung und der Oertli Stiftung.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=diversit_suisse._landscapes_des_zeitgen_ssischen_&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

landscapes des zeitgenössischen theaters

diversité suisse

Das internationale figuren.theater.festival in Erlangen, Nürnberg, Fürth und Schwabach gehört zu den renommiertesten Festivals des Genres und ist bekannt für das große ästhetische Spektrum seines Programms. Gegründet 1979, entwickelte es sich rasch zu einer erstklassigen Adresse für Künstler:innen und Veranstalter:innen, ebenso zu einem internationalen wie regionalen Publikumsmagneten. Es spiegelt mit seinen Stammkompagnien, seinen performativen Experimenten, gewagten Präsentationsformaten und oft folgenreichen Begegnungen nicht nur die jeweils aktuellen Bewegungen der Szene, sondern schrieb sich auch selbst in deren Geschichte ein.
Was es bedeuten kann, wenn ein Festival bereit ist, ein Genre immer wieder neu zu (er)finden, wenn Kuratieren auch als kritische Förderung verstanden, Studierenden regelmäßig eine Plattform geboten und eine Region vom Festivalfieber erfasst wird – das beleuchten Beiträge von zahlreichen Beteiligten vor, auf und hinter den Festivalbühnen.
 
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=offen_das_internationale_figuren.theater.festival&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Erlangen Nürnberg Fürth Schwabach

Offen! Das internationale figuren.theater.festival

Neuerscheinungen im Verlag