Ein Kampf, der es wert ist

Das Gegenteil von Selbstherrlichkeit und Schwarzmalerei

Popanz der Macht

Ich will die Menschen ausroden von der Erde

Das Kraftzentrum

Lisa Lucassen: Das Erste, was mir aufgefallen ist, als ich älter wurde, ist ein Zuwachs an Souveränität. Seit ich ungefähr vierzig bin, werde ich ernster genommen als die 25-jährige Theaterwissenschaftlerin, die ich zu Beginn meiner Karriere war. Wenn man z. B. mit einer Technikcrew im Theater zu tun hat, wird man als Fünfzigjährige, die den Unterschied zwischen einem VGA- und einem BNC-Anschluss kennt, besser behandelt. Auf diesem Gebiet werden Dinge leichter. Aber es gibt andere Bereiche, da wird alles schwerer: Vor mittlerweile fünf, sechs Jahren haben wir in Stuttgart am Schauspiel gearbeitet und hatten mit einer Schauspielerin zu tun, die als junge Frau der Star des Ensembles war. Sie wurde fünfzig, während wir dort gearbeitet haben. Wir haben sie dann noch in einer Rolle ohne Text gesehen und anschließend wurde ihr angeboten, sie könne als Souffleuse arbeiten. Da haben wir zum ersten Mal verstanden, dass Frauen in unserem Alter von den Bühnen verschwinden. Aus der Politik verschwinden sie nicht, aber von den Theaterbühnen, auf denen es um die Darstellung klassischer Fiktionen geht. Wir haben uns damals sehr dazu beglückwünscht, dass wir uns unsere Arbeitsplätze selbst geschaffen haben und sie deshalb auch behalten können. Wir sind nicht darauf angewiesen, dass es...

Ein Interview mit Fanni Halmburger und Lisa Lucassen

»Egal was kommt, wir bringen es auf die Bühne«

Endlich faire Mindestgagen, aber woher kommt das Geld?

Lichtwarktheater: Ein Haus für alle

Residenztheater München: Oh, wie schön ist Paraguay

Seit geraumer Zeit werden in verschiedenen institutionellen und forschenden Kontexten Archivprozesse von Kunstformen, deren zentrales Merkmal ihr Aufführungscharakter in einem weiten Sinne ist, beschrieben, analysiert und auf ihre (zukünftige) Zugänglichkeit hin diskutiert. Die folgenden Überlegungen und Beobachtungen resultieren aus dem Forschungsprojekt Verzeichnungen, das sich diesen Fragen gewidmet hat.<a id="rch17en1"></a><a>1</a> Für alle derartigen Unternehmungen – sei es in der Forschung wie in der kulturpolitischen Praxis zur Etablierung von Sammlung und Archiv – stellt sich die Frage nach der Entität, die als Referenz beschrieben werden kann. Wir haben uns in dem Projekt für den (als Öffnung verstandenen) Begriff der Aufführungskünste (performance-based arts) entschieden, um deutlich zu machen, dass wir uns gezielt an der Schnittstelle verschiedener Kunstdispositive, insbesondere an der zwischen Theater/Tanz und Museum/Ausstellung, bewegen wollen. Performance als im weiten Sinne Aufführung verstanden, ist eben nicht nur Performancekunst, wie sie im Kontext vor allem der Bildenden Künste/Kunstwissenschaft untersucht und gezeigt wird, sondern sie ist ebenso gut Performance(Musik)theater, und sie ist einiges, was auch durch diese beiden begrifflichen Hilfskonstruktionen nicht erfasst wird. Dies ist unser grundlegender Ansatz, der längst nicht selbstverständlich ist, wenn man sich die auf verschiedene Institutionen und Genres verteilten Aktivitäten zum Sammeln, Dokumentieren und Archivbilden in diesem Feld anschaut. Beginnen...

Über Logiken des Sammelns von Artefakten aus, über, von Performances

Archivprozesse

Ein Licht nicht von dieser Welt

Kim de l’Horizon – Michelle Steinbeck – Pablo Jakob Montefusco – Alexander Stutz

WAR SCHÖN. KANN WEG … ist in der modernen Konsumgesellschaft eine treibende Maxime. Auch in der performativen Kunst, die ohnehin Flüchtiges und Vergängliches produziert, ist diese Haltung sehr gegenwärtig. Doch dem Hunger nach immer Neuem, Innovativem und Jungem steht die Unausweichlichkeit des Alterns gegenüber. Altwerden in den (Freien) Darstellenden Künsten war bis vor einigen Jahren noch keine Option. Das 25-jährige Jubiläum unseres Projekts x-mal Mensch Stuhl im Jahr 2020, das sich erfolgreich dem Trend des ständig Neuen widersetzt, bewegte uns dazu, das Alter(n) in der Darstellenden Kunst einmal genauer zu betrachten. Der ältere Mensch in unserer Gesellschaft – im Spannungsfeld von Architektur und urbanem Alltag – steht im Fokus von x-mal Mensch Stuhl. Orte der Inszenierung sind Häuserfassaden im urbanen Raum. In einer Höhe zwischen vier und sieben Metern sind weiße Stahlstühle montiert. Auf ihnen sitzen, hoch über den Köpfen der Passant*innen, Menschen im Alter zwischen sechzig und achtzig Jahren. Sie führen auf zurückhaltende Weise inszenierte, ganz alltägliche Handlungen aus: das Lesen einer Zeitung, das Schneiden von Gemüse, das Hören des Radios – Tätigkeiten, die mit ihrem persönlichen Leben in Verbindung stehen. x-mal Mensch Stuhl wurde bisher in 38 Städten in 17 Ländern Europas sowie Nord- und Südamerikas gezeigt....

Vorwort

Weil es in diesem Buch bisher nun so oft um die Vergangenheit ging, stelle ich mir hier einmal vor, wie Zukunft aussieht. In Actionfilmen und ebensolchen Spielen kommt sie immer von vorne. Die Heldin oder die Spielerin sieht immerzu gewaltige Felsbrocken, Monster, Lawinen auf sich zurasen. Dagegen hilft nichts, außer entweder als Ego-Shooter alles abzuknallen oder ein Spiel zu spielen, das ich seit Kindertagen kenne: das Hakenschlagen, auch Hasenschritt genannt. Es geht um ein schnelles Ausweichen vor den Gefahren, die von vorne, aus der Zukunft, die Gegenwart bedrohen. Ich habe das irgendwann in meiner Arbeit als Tanz-Regisseurin durch ein Wort verstanden, das es so nur im Deutschen gibt. Die Notwendigkeit. Ich meine, es ist die Not, die wendig macht. Diesen wendigen Hasenschritt, um nicht erschlagen zu werden, halte ich für den wichtigsten Tanzschritt überhaupt. Während die Zukunft uns fleißig wie ein Computerspiel immer neue Bedrohungen am Fließband produziert, Überschwemmungen, Dürren, Tsunamis, Kriege, Hackerangriffe, Meteoriten, Viren, Putsche, Erdbeben – also das ganze Programm der alltäglichen Nachrichten –, werden wir von den Moralisten damit beschäftigt, die Schuld an alledem immer wieder bei uns selbst zu suchen. Wir könnten genauso gut auch nur weiter tanzen, als wäre nichts davon geschehen. Oder wir könnten...

Von einer, die auszog, sich neu zu erfinden

„Queer sein bedeutet für mich, das Leben zu genießen. Und es anderen möglich zu machen, es genießen zu können.“

Ich bin Theaterkritikerin, 52 Jahre alt, und darf an dieser Stelle einen Text über das Altern auf der Bühne schreiben, aus der Sicht von Theaterkritikerinnen. Das Thema hat für mich zwei Aspekte: Der eine ist die Frage, was ich für Bilder älterer Frauen auf der Bühne sehe, in meinem Beruf, der mich ein- bis dreimal in der Woche ins Theater führt. Der andere Aspekt ist: Wie altern eigentlich Kritikerinnen in ihrem Beruf? Immerhin sind wir auch ein Bestandteil der Medienlandschaft, der journalistischen Öffentlichkeit. In ihrem niederschmetternden Buch Mutprobe hat die Journalistin und ehemalige taz-Chefredakteurin Bascha Mika im Jahr 2014 beschrieben, wie Frauen ab fünfzig in den Medien systematisch unsichtbar gemacht werden, gebeten werden, sich »jünger« zu operieren, zu gehen, gekündigt werden – oder freiwillig hinter den Kulissen verschwinden.<a id="rch12en1"></a><a>1</a> Ist das acht Jahre später, in den Zeiten von stolzen über fünfzigjährigen Großmoderatorinnen wie Maybritt Illner, Sandra Maischberger, Marietta Slomka und Anne Will immer noch so? Und gilt das auch für Journalistinnen, die nicht ganz so bekannt sind? Doch zunächst zum ersten Punkt. Wenn ich auf der Bühne nämlich noch eine weitere junge Frau mit blonder Langhaarperücke, Glitzerjacke, Hot Pants und Plateaupumps sehe, das Abziehbild einer Sexarbeiterin, muss ich schreien....

Über alternde Frauen(bilder) auf und vor deutschen Bühnen

Neue Schönheit braucht das Land

Ich heiße Katharine Sehnert, bin 1937 geboren und bin Tänzerin, Performerin und Tanzpädagogin, Choreografin und auch Kinetografin. Was bedeutet das Thema Alter im Augenblick für dich persönlich? Also, ich tue mich etwas schwer mit dem Begriff Alter. Weil er für mich eigentlich ein Oberbegriff ist, wie das Leben, denn das Alter beginnt mit meiner Geburt. Das Alter ist für mich erst einmal nur eine Zeitangabe und sagt überhaupt nichts über die Befindlichkeit in dieser Spanne aus. Allerdings habe ich das Gefühl, dass in unserer Kultur der Begriff Alter heute negativ besetzt ist. Plötzlich wird Alter immer mit Gebrechlichkeit und Siechtum in Verbindung gebracht, mit Verfall. In anderen Kulturen ist es anders, da wird es mit Weisheit und Gelassenheit verbunden. Wenn ich heute mit 85 Jahren als hochbetagt angesprochen werde, denke ich: Ja und? (lacht) Das ist eine Zahl. Oft werde ich von Frauen Ende fünfzig oder von über Sechzigjährigen darauf angesprochen, wie ich mit meinem Alter umgehe und warum ich noch arbeite. Im Alter habe man nun mal seine Zipperlein. Ich habe keine Zipperlein! Das ist so eine Egalisierung für eine Menge von Menschen, die alle scheinbar plötzlich alle Gebrechen haben. Natürlich kann das passieren, aber es ist doch nicht...

Ein Interview mit Katharine Sehnert

»Solange es geht, will ich arbeiten«

Der Krieg und die „Kulturrevolution“

Mindestens hinsichtlich der Problematik der Transition – als beruflicher Neuorientierung nach dem frühen Karriereende – ist das Thema Kunst und Alter(n) im Tanz sehr deutlich und schon länger präsent. Tänzer*innen, insbesondere im klassischen Tanz, rufen in ihrem Beruf permanent hohe körperliche Leistungen ab, vergleichbar dem Hochleistungssport. Wenn in anderen Berufen gerade durchgestartet wird, muss ihre Karriere oft mit 35 oder vierzig Jahren enden. Mit der Stiftung TANZ – Transition Zentrum Deutschland besteht für die Begleitung von Künstler*innen eine beratende Institution mit hoher Expertise und großem Engagement. Gegründet 2010 mit privaten Mitteln, wird sie unterstützt von Bund und Ländern. Der Dachverband Tanz Deutschland (DTD), seit 2012 gefördert durch die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien (BKM), bringt seit 2013 das Zusammenwirken der Förderinstitutionen für Tanz, Performance und Theater auf kommunaler, Länder- und Bundesebene voran. Zu Beginn der Coronapandemie hat der DTD – gemeinsam mit den bundesweiten Förderinstitutionen im Tanzbereich Diehl+Ritter und JointAdventures – das Hilfsprogramm Tanz, Teil von Neustart Kultur der BKM, entwickelt und setzt derzeit die Programme Dis-Tanzen, Dis-Tanz-Start und tanz:digital um. Damit verbunden ist die grundsätzliche Betrachtung von Förderstrukturen. Erfahrung als Korrektiv im atemlosen Kunstbetrieb Ich kenne keine Statistiken, wie viele Künstler*innen in welchen Altersgruppen im Tanzbereich arbeiten....

Alter(n) und zeitgemäße Förderstrukturen in den Darstellenden Künsten

Haltung, Erfahrung, Persönlichkeit

Wende und Wandel

Das Lied der Guano-Vögel

Eine Fundgrube

Fair bezahlt und arbeitslos?

Was macht das Theater, Bernhard Stengele?

Luzern: Siegerprojekt für das Neue Luzerner Theater gekürt

Ein Interview mit Frank Heuel

»Ein Gnadenbrot fände ich bitter«

»Das Ende des Alterns ist näher, als wir es uns vorstellen wollen.«<a id="rch3en1"></a><a>1</a> Laura Deming weiß, wovon sie spricht. Sie begann sich im Alter von sechs Jahren für den biologischen Prozess des Alterns zu interessieren, mit zwölf forschte sie an der Lebensverlängerung von Würmern und mit 25 sammelte sie mit ihrem Longevity Fund fast dreißig Millionen Dollar ein, um gegen das Diktat des chronologischen Alterns die Verheißung der biologischen Unsterblichkeit zu setzen. Ich glaube nicht, dass wir, die Babyboomer, noch davon profitieren werden. Ich wappne mich lieber gegen das Unvermeidliche, das vor mir liegt. Ich habe die absurde Vorstellung, wenn ich mich vorauseilend mit zukünftigem Unheil beschäftige, trifft es mich später nicht so hart. Ich habe mich vorbereitet, vor zehn Jahren bereits ein Sterbeseminar belegt. Ich will wissen, wie es geht. Spiegelblind Mit vierzig habe ich das Büchlein Älter werden, den Klassiker von Silvia Bovenschen, verschlungen. Nun, zwanzig Jahre später, beim Wiederlesen, bin ich mittendrin im Altsein. Beim Älterwerden haben wir es vor allem mit dem Nocebo-Effekt zu tun, also dem schädlichen Effekt von negativen Bildern. Messerscharf beschreibt Bovenschen die Konfrontation mit dem Bild des alternden Ichs. Sie nennt es spiegelblind: Eine Technik, die ich erst älter geworden beherrschte:...

Alter ist kein Handicap – auch nicht im Tanz

Wings of change

wann, wenn nicht jetzt?

Was macht das Theater, Yana Salakhova?

Die wirkende Erinnerung

Vorhang runter, Zelt weg

Spanische Theaterautor:innen im Überblick

Zuhören. Eine radikal-politische Erfahrung

Programmieren auf der Probe?

Wladimir Putin – eine Figur von Dostojewski?

Deutsches Theater Berlin: Moral und Ästhetik in Zeiten des Kriegs

Glanz oder Harnisch: Das Laboratorium

Theater und Arbeiterklasse

Das Risiko des zeitgenössischen Dramas

Dieses Buch beginnt mit dem Kapitel Die Un/Sichtbarkeit von Alter in der Kunst. Wie also wird der alternde Körper diskutiert, dargestellt und choreografiert? Was ist sichtbar und was fehlt in der Darstellung des Alters in der Darstellenden Kunst? In diesem einleitenden Kapitel geht es um die Verortung und Sichtung alternder Körper. Obwohl der Schwerpunkt auf der Performance liegt, insbesondere auf Angie Hiesls Performance-Installation x-mal Mensch Stuhl, ist es wichtig, das umfassendere soziale Phänomen zu betrachten, bei dem der Prozess des Alterns zu einer Unsichtbarmachung älterer Menschen führt. Wie Menezes et al., neben anderen Autoren, schreiben: »Many older adults reported that becoming older had rendered them invisible to other community members, adopting separate, parallel lives with little day-to-day recognition when moving around public spaces.«<a id="rch1en1"></a><a>1</a> Dieser Mangel an Anerkennung spiegelt sich auch in ihrer Abwesenheit in der kulturellen Bildsprache wider. Fragen der Ausgrenzung sind eng mit der Körperlichkeit verbunden, denn wie der Gesundheitswissenschaftler Christopher Faircloth in seinem Buch Aging Bodies: Images and Everyday Experience feststellt, ist es der physische Körper, der «visibly marks us as ageing«.<a id="rch1en2"></a><a>2</a> Doch wie Miriam Haller und Susanne Martin im nächsten Artikel treffend feststellen, werden die körperlichen Realitäten des Alters oft hinter Statistiken und...

Ambiguitäten des Alter(n)s am Beispiel von x-mal Mensch Stuhl

Alternative(s) Sichten

Angie Hiesl + Roland Kaiser Angie Hiesl präsentiert als Pionierin für ortsspezifische Arbeit seit den 1980er Jahren und gemeinsam mit Roland Kaiser seit 1997 interdisziplinäre Projekte an der Schnittstelle von performativer und Bildender Kunst. Sie präsentieren ihre Projekte vornehmlich an »kunstfremden« Orten im privaten und öffentlichen Raum. Ihre künstlerischen und performativen Interventionen lassen neue Zusammenhänge entstehen, kondensieren die örtlichen Besonderheiten und setzen sie in Bezug zu gesellschaftlichen Befindlichkeiten und Phänomenen. Thematische Koordinaten sind das Verhältnis zwischen menschlichem Körper und Raum/Architektur sowie der Mensch in seinem kulturellen, sozialen, politischen und globalen Umfeld. Körper zwischen Be- und Entgrenzung sind zentrale Sujets. Hiesls und Kaisers originäre ästhetische Ausdrucksformen und Konzepte sind sinnliche Provokationen – eine Einladung für Publikum und Passant*innen, einen neuen Blick auf vertraut Geglaubtes zu werfen, eine Ver-Rückung der Realität. Sie vermitteln ihren Arbeitsansatz an nationalen und internationalen Akademien und Hochschulen. Die vielfach nominierten und ausgezeichneten Arbeiten werden weltweit gezeigt. <a href="http://www.angiehiesl-rolandkaiser.de/">www.angiehiesl-rolandkaiser.de</a> Almuth Fricke gründete und leitet seit 2008 das Kompetenzzentrum für Kulturelle Bildung im Alter und inklusive Kultur (kubia) am Institut für Bildung und Kultur e.V. in Köln. kubia unterstützt Kulturakteure und Kultureinrichtungen in Nordrhein-Westfalen durch Information, Beratung, Forschung, Förderung und Weiterbildung zu den Themen Kultur, Alter und Behinderung. Almuth Fricke...

Herausgeber*innen und Autor*innen

Die Erfindung des Theaters aus dem Geist der Malerei

Der Anti-Katastrophenfilm

Ein Mann in allen Medien

Wilde Dramaturgie – Nachdenken über Textarbeit

Was macht das Theater, Christiane Schneider?

Unboxing Chévere

»Alt sind immer die anderen!«, lautet ein geläufiger Ausspruch über das Alter. In ihrem Impulsvortrag<a id="rch4en1"></a><a>1</a> im Online-Gespräch »Stages of Ageing II: Altern in der Freien Szene, das überregionale Panel«<a id="rch4en2"></a><a>2</a> vom 26. Oktober 2021 im Rahmen des Festivals Coming of Age der Sophiensæle Berlin wurde dieser Satz von der Soziologin Silke van Dyk eingebracht. Sie wollte damit erläutern, wie die Differenzkategorie Alter wirkt und welche Parallelitäten sich zu anderen Marginalisierungsmarkern ziehen lassen oder auch nicht. Sie diagnostizierte, dass die Diversitätskategorie Alter am wenigsten diskutiert wird. Dass selbst bei intersektionalen Diskussionen Altersdiskriminierung als randständig gilt, als langweilig und wenig hip. Bei Feminismus, Queerness, Postkolonialismus oder Anti-Rassismus, Ableismuskritik und seit kurzer Zeit auch bei dem Thema Klasse gibt es zum Glück inzwischen einiges Interesse. Da kommen alle. Beim Thema Ageismus kommt niemand. Es gilt als total uncool. Dieses Resümee, das van Dyk aus ihrer sozialwissenschaftlichen Perspektive zieht, gilt leider auch für das Feld der Performing Arts. Wann und wo findet sich dieses Thema in den Spielplänen, Programmen und Produktionen der Freien Darstellenden Künste? Das lässt sich tatsächlich an einer Hand abzählen. Das Alter erscheint als etwas anderes, was nirgendwo dazugehört. Umso wichtiger ist es, die Auseinandersetzung mit dem Alter(n) auf die...

Das Thema Altern in der Freien Szene – eine Kurationsaufgabe

Forever Young oder Stages of Ageing?

Hypothese: Wissenschaf(f)tTanzSchafftWissen. Schafft Wissen Tanz? Welche Art Alter(n)swissen produziert der Tanz? Lassen sich Age(ing) Studies tanzen? Und was könnte Aufschlussreiches passieren, wenn man die alter(n)skritischen Strategien im zeitgenössischen Tanz mit denen einer anderen Kunstform wie der Literatur vergleicht? Mit solchen Fragen begegnen sich die beiden Autorinnen in diesem Text. Susanne Martin ist eine Tänzerin, die choreografiert, und eine Choreografin, die improvisiert, und eine Künstlerin, die zu Tanz und Alter(n) forscht....

Theoretische und tänzerische Erkundungen zur Performativität des Alter(n)s

Ageing trouble tanzen!

„Es geht um magische Momente“

I do you!

Leonhard-Frank-Stipendium zur Förderung zeitgenössischer Dramatik geht an Elisabeth Pape

– Ich möchte eigentlich gar nicht viel sagen, sondern lieber schnellstmöglich die erzählen lassen, um die es hier geht. – Sie sind da und zugleich nicht da. – Nie da gewesen. – Noch nicht da. Nicht, weil ich SAGE, dass ich ich bin, bin ich ich, nein, weil ich WEISS, dass ich ich bin, sage ich die Wahrheit, wenn ich behaupte, dass ich ich bin. Soviel steht fest, aber – ähm – aber – Sein. Nichtsein. Sein! Wenn ich einatme, atme ich das Sein ein. Das, was wirklich ist. Mit der Luft werden die Stoffe in mein Denken geschleust. Das Sein geht direkt HIER rein! Hier ins Reptilienhirn! Ich nehme es IN MIR auf. Das Entscheidende ist – mhm … Wo war ich …? Ach ja, die Wahrheit – – Sie sind alt und gleichzeitig nicht alt. – Ja, welches Alter haben eigentlich die alten Figuren einer jüngeren Autorin? – Vielleicht kommen wir uns entgegen. Sprich, ihre und meine Lebensjahre addiert und durch zwei geteilt. – Vielleicht ist das tatsächliche Alter der Figuren auch nicht so wichtig. – Oder es ist eben gerade wichtig. – Machen die Figuren mich als Autorin reicher an Perspektiven und sind sie vielleicht in manchen...

Ich bin sicher, ich war schon einmal älter

(Fast) alles neu bei Theater der Zeit

Leidenschaftlich zeitgenössisch

Was macht das Theater, Johanna M. Keller?

Aalto-Musiktheater Essen: Der Mensch ist gar nicht gut 

»Ich arbeite seit nunmehr dreißig Jahren, davon 25 Jahre mit dem Performancekollektiv She She Pop. Ich bin Quereinsteigerin und habe nach dem Hochschulabschluss eine Ausbildung […] gemacht. Ich bin Mutter von zwei Kindern, meine eigene Mutter braucht auch seit Längerem immer wieder pflegerische Unterstützung. Ich habe all die Jahre in verschiedenen Bereichen, auch ehrenamtlich, gearbeitet, kulturpolitisch und sozial. Sollte ich bis zum Rentenbeginn Beiträge wie im Durchschnitt der letzten fünf Jahre einzahlen, bekäme ich ohne Rentenanpassung eine monatliche Rente von 594,66 Euro. Bei Rentenanpassung ohne Berücksichtigung des Kaufkraftverlustes beim jährlichen Anpassungssatz von zwei Prozent erwarten mich 840 Euro. Ich denke nicht, dass ich – vor allem in Hinblick auf die steigenden Mieten, ohne Eigentumswohnung oder zu erwartendes Erbe – davon leben kann. Und da geht es mir wie vielen anderen freien darstellenden Künstler*innen.«<a id="rch8en1"></a><a>1</a> Brüche im System – Von Versicherungslücken und Altersarmut Die soziale Absicherung ist, wie Fanni Halmburger im Eingangszitat beschreibt, für zahlreiche Erwerbstätige in den Darstellenden Künsten unzureichend, vielen Kunstschaffenden droht die Altersarmut. In Phasen ohne Aufträge, Förderung oder Gastspiele, in denen sie Sorgearbeit leisten, krank oder verletzt sind, sind Solo-Selbstständige und Hybrid-Beschäftigte in den Darstellenden Künsten nicht ausreichend abgesichert. Die lediglich als Empfehlung geltende Honoraruntergrenze (HUG), die...

Lebens- und Arbeitsrealitäten in den Darstellenden Künsten

Systemcheck

„Das Etikett ‚AUFSTREBEND‘ ist grausam und hält die Autorinnen klein“

Ein Wald in Flammen

Berliner Ensemble: Unmittelbare Trägerschaft des Landes Berlin angestrebt

Was macht das Theater, Juan Mayorga?

Was macht das Theater, Florentina Holzinger?

Die eigene Dringlichkeit

Neue Dramatik, alte Geschichten, neue Welten

Mein Name ist Constantin Hochkeppel und ich bin 1990 geboren. Ich bin Theatermacher im Bereich Physical Theatre. Ich arbeite mit meiner eigenen Company KimchiBrot Connection. Wir sind in Köln und im Ruhrgebiet ansässig. Darüber hinaus arbeite ich mit der Performing-Group zusammen, wir machen Tanz für junges Publikum. Zudem arbeite ich projektbezogen als Choreograf und Regisseur für verschiedene Stadttheater. Was bedeutet das Thema Alter im Augenblick für dich persönlich? Ich bin gerade dreißig geworden. Vor fünf bis zehn Jahren war dreißig noch lange hin. Dreißig war: »Da bin ich angekommen.« Jetzt bin ich dreißig und ich würde nicht sagen, dass ich angekommen bin. Wobei ich auch nicht wüsste, wo ich ankommen sollte. Da hat sich eine Perspektive verändert für mich. Ich merke, dass ich anders wahrgenommen werde, ich habe gefühlt eine Art Welpenstatus verloren. Ich finde das toll, dass ich so sein kann, wie ich bin. Auch wenn mir sehr bewusst ist, dass ich weder so aussehe noch mich so verhalte, fühle ich mich im Kern immer noch so wie mit achtzehn. Ich erfahre eine Art Kontinuität in meiner Persönlichkeit. Wegen meines Geburtstages habe ich mich mit dem Thema Alter auseinandersetzen müssen und es hat mir überraschenderweise keine Angst gemacht. Das...

Ein Interview mit Constantin Hochkeppel

»Manchmal habe ich das Gefühl, Kunst von älteren Menschen ist unsichtbar«

Das Cartoonartige ausloten

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Passionsspiele Oberammergau 2022

"Zwischen Zwingli und Zukunft"

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Recherchen 163 "Der Faden der Ariadne und das Netz von Mahagonny  im Spiegel von Mythos und Religion"

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"Pledge and Play"

Arbeitsbuch 31 "Circus in flux"

Er kann in seinem Spiel bravourös stutzig sein, brummig stupide oder liebenswert betriebsselig, er kann mit Leib und Seele nach der Welt greifen und all seinen plebejischen Realitätssinn virtuos mit dem Grotesken kurzschließen: Charly Hübner, Jahrgang 1972, Gastwirtssohn aus Feldberg-Carwitz. Ein faszinierender Ausnahmespieler auf der Bühne des Deutschen Schauspielhauses Hamburg und vor der Kamera.
Seine Kunst: Höhenflüge im Höllentief. Noch eine Schleife Verlorenheit, noch eine Prise Verzweiflung, noch einen Humpen Witz. Am liebsten spielt Hübner wohl am Schnittpunkt, wo die Spannung zwischen Eingelöstem und Ersehntem am unerträglichsten ist. Jenseits aller Kultur, mit der wir einander abdämpfen und abrichten. Mit dem Journalisten Hans-Dieter Schütt führte er Gespräche über Herkünfte und Hingaben, erzählt von seinem Dokumentarfilm „Wildes Herz“, einem Porträt des Frontmannes „Monchi“ Gorkow der Punkband Feine Sahne Fischfilet, und seinem Buch über „Motörhead“.
Mit Texten von Charly Hübner, Tobias Rempe, Heinz Strunk und Christian Tschirner.
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HÜBNER

Lange bevor die Passionsspiele in Oberammergau alle zehn Jahre ins allgemeine Bewusstsein vordringen, haben die Vorbereitungen im Ort bereits begonnen. Bühnenbildner Stefan Hageneier entwirft Pläne, nach denen die Bühne des Passionstheaters gestaltet wird. Chor und Orchester beginnen unter der Leitung von Markus Zwink zu proben. Und Spielleiter Christian Stückl macht sich Gedanken über die Textfassung und die Besetzung von Jesus, Kaiphas und der anderen Hauptrollen. 
Dieses Fotobuch dokumentiert die Entstehung der Passionsspiele 2022. Sebastian Schulte ist selbst Oberammergauer und hat den gesamten Arbeitsprozess aus der Innenperspektive miterlebt und mit seiner Kamera festgehalten. Seine Bilder entstanden mitten auf der Bühne, mitten auf den Proben. 
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Preparations for the Passion Play in Oberammergau start long before most people start thinking about it. Stefan Hageneier creates new plans for the stage and costumes of Passion Play Theater. Markus Zwink starts to rehearse with the choir and orchestra. And director Christian Stückl starts to rewrite the script and thinks about the cast for Jesus, Caiaphas, and the other main characters. 
This book documents the making of the Passion Play 2022, starting with the first preparations, rehearsals, the postponement due to the Corona Pandemic, and finally, the premiere in May 2022. Sebastian Schulte lives in Oberammergau and also plays a servant of the high priest Caiaphas. He has experienced and captured the entire process of the making of the Passion Play with his camera. His photographs show the perspective from the inside, immersed in the rehearsals, immersed in the play.

Die Passion hinter dem Spiel

Mit dem Begriff der Intervention ist eine Überschreitung der Kunst durch die Kunst selbst aufgerufen. Damit einher geht nicht nur das Versprechen einer spezifischen Wirksamkeit, sondern eine Praxis des Aushandelns ästhetischer und politischer Sphären. Im Theater scheint die Rede von Intervention dann besonders prägnant zu sein, wenn die komplexen Wechselwirkungen von Öffentlichkeit, Gesellschaft und Medienwirklichkeit über die Szene hinaus thematisiert werden. Der aus einer Tagung an der Ludwig-Maximilians-Universität München hervorgehende Band versammelt Beiträge, die kritische Perspektiven auf Theaterprojekte und theatrale Aktionen werfen, die mit unterschiedlichen Strategien des Eingreifens arbeiten. Dabei wird die Pluralität der interventionistischen Ästhetiken und ihre Theoriebildung aufgezeigt.
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Ein- und Übergriffe im Regime des Theaters

Ästhetiken der Intervention

What’s the story with the little village of Oberammergau in the Bavarian Alps? For nearly 400 years, the people who live here have performed the Passion of Christ every ten years. All together. Grandparents, parents, children and grandchildren all join each other on stage. They are fulfilling a vow once made by their ancestors to stave off the plague. This book sets out to discover why the villagers’ enthusiasm for theatre has endured to this day. It takes a look behind the scenes and accompanies the creation of the 2022 Passion Play with its 2,400 participants. In a series of conversations, the author explores their motivations, special rituals such as the Hair and Beard Decree and theatre life in times of the coronavirus pandemic. And why giving up is not an option.
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How the Passion Play in Oberammergau Changes  a Village and Impacts the World

Pledge and Play

Was ist immersives Theater? Was bedeutet es, im Kontext der Theaterrezeption davon zu sprechen, dass Zuschauerinnen und Zuschauer „komplett eintauchen“? Die vorliegende Studie entwickelt anhand eines breiten Korpus von Aufführungen des partizipativen Gegenwartstheaters ein Verständnis von immersivem Theater im engen Sinn und trägt damit zur begrifflichen Unterscheidung von Partizipation und Immersion bei. Untersucht werden formale Gemeinsamkeiten der Publikumsinvolvierung in Arbeiten des Kollektivs SIGNA, von Paulus Manker, Punchdrunk und Scruggs/Woodard. Die Autorin zeigt, dass immersives Theater mit seinen multisensorischen und interaktiven Erfahrungsräumen wirkungsästhetisch auf komplexe Prozesse der Vereinnahmung zielt. Diese können sowohl in produktive Selbstreflexion umschlagen als auch unbemerkt bleiben, worin sich die gesellschaftspolitische Relevanz dieses „übergriffigen“ Theaters widerspiegelt.
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Die kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../../api/files/99046257-5541-410f-9ab6-b9e43a361bfc/TdZ_Recherchen_164_Theater der Vereinnahmung.pdf">PDF-Download (ca. 6 MB)</a>
ISBN 978-3-95749-429-0 (Open Access) DOI: <a class="PrimaryLink BaseLink" href="https://doi.org/10.35287/9783957494054" target="_blank" rel="noopener">https://doi.org/10.35287/9783957494054</a> Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Publikumsinvolvierung im immersiven Theater

Theater der Vereinnahmung

Im Vordergrund dieser 23. Ausgabe der Anthologie SCÈNE stehen außereuropäische Perspektiven: Acht Theaterautorinnen und -autoren mit Wurzeln in Nordamerika, Afrika, der Karibik und dem Nahen Osten beschreiben in ihren Texten Migrationsgeschichten, wirtschaftliche Abhängigkeiten, Kämpfe um Selbstermächtigung und die jahrhundertelangen Auswirkungen des Kolonialismus. Von der Versklavung der indigenen Bevölkerung in Québec schlagen sie einen Bogen über die Rassentrennung in den amerikanischen Südstaaten bis hin zur Verwüstung des Libanon und dem Arabischen Frühling in Tunesien. Stets wird dabei exemplarisch die Auswirkung der „großen“ Weltgeschichte auf normale –manchmal resiliente, manchmal pathetisch egoistische – Individuen gezeigt. Ob komödiantisch, dokumentarisch-literarisch, episch-chorisch, kammerspielartig oder grotesk – besonders beeindruckt die Vielfalt der ästhetischen Ansätze und Handschriften.

Neue französischsprachige Theaterstücke

Neuerscheinungen im Verlag