Colin Benders gilt in seiner niederländischen Heimat als Rock-Wunderkind. Schon im Schulalter mit einem Stipendium am Königlichen Musikkonservatorium von Utrecht ausgestattet, hat sich der talentierte Trompeter im Nachbarland als einer der kühnsten Köpfe der Rocksphäre etabliert. Statt einer Band hat der 24-jährige Spross einer Künstler- und Gelehrtenfamilie ein Ensemble versammelt, bei dem klassische Instrumentalisten und Sänger auf eine um Synthesizer erweiterte Rockbesetzung treffen. The Kyteman Orchestra nennt sich die Großtruppe, zu der neben einem klassischen Chor auch Rapper zählen: Diese verbreiten in ihren Reimkaskaden eine ähnlich düster-prophetische Aura wie die MCs der US-Politrapper The Roots. 2009 legte das Kollektiv auf eigene Faust ein erstes Album vor, damals noch unter dem Namen Kyteman’s Hip Hop Orchestra. Es sollte sich als überraschender Erfolg in den holländischen Charts erweisen. Seither hat Multiinstrumentalist Benders sein kleines persönliches Rockutopia verwirklicht: In einem ausgedienten Sägewerk in Utrecht richtete er die Schaltzentrale des Kyteman Orchestra ein. Es umfasst ein eigenes Plattenlabel namens Kytopia Records, daneben gibt es Auftrittsmöglichkeiten, Künstlerwohnungen und ein Tonstudio. Hier entstand zuletzt das neue, zweite Album unter der Kyteman-Fahne. Darauf formt die Band aus ihrem opulenten Klangkorpus immer neue, stilistisch vielgestaltige Zweige. Als Fundament dient der Rocksong, der zum Teil eingängig melodiös daherkommt. „Long...

Düsteres Utopia

Musik

Sie sprechen über „Swaps“, Bürosessel, die Panzerungskategorie B7 („das ist Präsidentenklasse, mehr geht nicht“) und über verzockte Millionen. Auch über „stochastische Volatilität“, „Mezzanine“ und „Incentives“. In Andres Veiels Dokumentarstück „Das Himbeerreich“ reden Banker: „Wir müssen permanent Entscheidungen treffen in einem Bereich, den niemand wirklich durchdringt.“ Ausgangsmaterial dafür sind 25 Interviews mit führenden Vertretern großer Finanzinstitute. Für „Himbeerreich“ (nach einem Zitat von Gudrun Ensslin über das Konsumparadies BRD) hat Veiel diese Gespräche komplett anonymisiert und extrem verdichtet. Das Ergebnis – eine 100-minütige Essenz dieser Interviews – läuft nun als Koproduktion am Schauspiel Stuttgart und am Deutschen Theater Berlin. Veiel, der sich in Filmen („Black Box BRD“) und Bühnentexten („Der Kick“) mit den dunklen Seiten der Zeitgeschichte beschäftigt, ist kein Mann fürs Spektakuläre. Er ist Psychologe, ihn interessieren Hintergründe und Motivationen. Wie ticken Investmentbanker? Was bewegt sie, wenn sie im schlimmsten Fall Pensionsfonds plündern, Millionen vergeigen oder ganze Staaten erpressen? Aus den Gesprächen hat Veiel fünf fiktive Figuren generiert und ihnen einen Chauffeur zur Seite gestellt. Ab und zu entschwebt jemand mit einem gläsernen Aufzug in den nächsthöheren Bankerhimmel von der fast leeren Bühne, eine Art Panikraum, der ein bisschen an einen Geldtresor erinnert: mit glänzenden, stahlgepanzerten Wänden, fensterlos. Und dann erzählen...

Schauspiel Stuttgart / DT Berlin: „Das Himbeerreich“ (UA) von Andres Veiel. Regie Andres Veiel, Bühne Julia Kaschlinski, Kostüme Michaela Barth

Stuttgart: Mit Mephisto flirten

Ein Kampf, der es wert ist

Das Gegenteil von Selbstherrlichkeit und Schwarzmalerei

Popanz der Macht

Ich will die Menschen ausroden von der Erde

Im südlichen Irland will Bauer Bull McCabe die drei Morgen Land ersteigern, die er schon seit Jahren pachtet. Er liebt den Flecken Erde, den er als seinen eigenen betrachtet, schließlich hat er ihn über viele Jahre gepflegt und das öde Brachland in fette Wiesen verwandelt. Nun steht das direkt am Ownshach River gelegene Land zur Versteigerung, die alte Maggie Butler verlangt aber 800 Pfund – McCabe will nur 200 zahlen. Der finanzkräftige Konkurrent heißt William Dee und möchte dort ein Unternehmen für Betonelemente betreiben. Dass dieser Wahl-Engländer ist, ist für McCabe erst recht ein Grund, Dee nicht zum Zug kommen zu lassen. Der politisch inkorrekte Ire sieht sich gezwungen, dem Eindringling einen Denkzettel zu verpassen – auch wenn Gesetz und Gott dagegen sind. Die Parabel The Field von John B. Keane wurde 1965 am Dubliner Olympia Theatre uraufgeführt. Manche Familien erwischt es ganz besonders schlimm. Die Familie des Tischlermeisters Anton erlebt in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts eine Katastrophe in Reigenform: Die Tochter Klara ist Leonhard versprochen, den sie nicht liebt, von dem sie aber ein Kind erwartet. Ihr Bruder wird des Diebstahls verdächtigt, woraufhin die Mutter tot zusammenbricht und Leonhard sein Heiratsversprechen zurückzieht. Weil Meister Anton von seiner...

Zerschmetternde Tragik

Hörspiel

Das Kraftzentrum

Noch bevor die von Julie Ault initiierte Ausstellung eröffnet wird, gilt die New Yorker Künstlerin, Autorin, Kuratorin und Gründungsmitglied des Künstlerkollektivs Group Material als das absolute Muss in der diesjährigen Schweizer Kunstszene. Dabei ist „Tell It To My Heart“, eine Sammlung Aults aus den vergangenen drei Jahrzehnten, weit weniger kuschelig als der Titel der Schau suggeriert. Und die Tatsache, dass dieser aus den Lyrics eines trashigen Popsongs von Taylor Dayne stammt, verweist auf ein Quäntchen Selbstironie, das eher zu einem Nachtklub als zu einer Podiumsdiskussion passt. Die Ausstellung umfasst eine bemerkenswerte Kollektion radikal-politischer Gedanken und macht auf künstlerische Aufopferung, Auseinandersetzung und Freundschaft aufmerksam. Der Gedanke einer alternativen, auf Geschenken basierenden Ökonomie ist dabei ein zentraler Aspekt, der die Ausstellung inhaltlich wie organisatorisch auszeichnet. In der Folge der Bewegungen des 20. Jahrhunderts deutet die Sammlung an, dass wir – außerhalb und doch unmittelbar neben den allzeit mächtigen Zentren des Kunstschaffens – in einem intensiven Austausch mit Freunden des diskursiven Denkens waren. Doch worüber sprachen sie, diese Freunde? Es ging um nicht weniger als um fundamentale Gesellschaftsveränderungen, es ging um Macht, linke Politik, Rasse, Klasse, Sexualität und Gewalt. Obwohl zwischen den Ausstellungsstücken keine ästhetische Kohärenz besteht, kann man sich die Gespräche darüber...

Herzensgefühlt

Kunst

Endlich faire Mindestgagen, aber woher kommt das Geld?

Lichtwarktheater: Ein Haus für alle

Residenztheater München: Oh, wie schön ist Paraguay

Die Tanzschule Hauswächter liegt zwischen Seniorenheim und Einlagerungshalle, unweit eines der Insolvenz entkommenen Wienerwald- Restaurants. Die Farbe an den Wänden ist verblichen, die Lüftungsrohre hängen schmutzig unter der Decke. Aber wenn die Glitzerkugel Schwung aufnimmt, die staubschweren Vorhänge vor den Spiegeln zurückgezogen werden und die Lampen blubbernde Farbkleckse auf die Wand werfen, ist noch einmal etwas von dem früheren Glanz da. Eine Geburtstagsfeier wird mit Torte und Punsch bereitet. Der...

Ein Licht nicht von dieser Welt

Wir alle spielen Theater? Einen pedantischen Gelehrten erkennt man unter anderem daran, dass er sich an der Übersetzung eines Buchtitels aufhält und nicht gleich zur Sache kommt, die möglicherweise stattdessen zu verhandeln wäre. Im Fall der Übersetzung von Erving Goffmans Buch „The Presentation of Self in Everyday Life“ (New York 1959) unter dem Titel „Wir alle spielen Theater“ (München 1969) ist jedoch das mit diesem Titel geborene Missverständnis bereits Teil der Sache, die zu verhandeln ist. Der deutsche Titel verkennt die Arbeit am Sozialen, an unseren Rollen, an unserem Selbst, die wir täglich leisten, als ein Spiel, auf das man auch verzichten kann, um so mehr Raum für die Wirklichkeit des Seins anstelle des Glitzers des Scheins zu gewinnen. Und er verkennt das Theater nicht minder als ein Spiel, das unterhält, erfreut, herausfordert und erschreckt, aber mit all dem zwischen drei Wände gebannt ist, die es davor bewahren, etwas mit einer Wirklichkeit zu tun zu haben. Der deutsche Titel bedient ein bürgerliches Missverständnis, das glaubt, gegen den Schein der Welt des Adels die Aufrichtigkeit und Tugendhaftigkeit eines ehrlichen Lebens einwenden zu können. Und er hält zur Belohnung für die Anstrengungen, die die Arbeit am ehrlichen Alltag bereitet, die Aussicht auf...

Über die Präsentation des Selbst im Alltag

Vertrauensspiele

Kim de l’Horizon – Michelle Steinbeck – Pablo Jakob Montefusco – Alexander Stutz

Wir müssen uns Friedrich Schenker als einen glücklichen Menschen vorstellen, als einen, dessen Lebenswerk den Gedemütigten und Beleidigten eine Stimme gegeben hat, einen Klang, der unverwechselbar einem Motiv gefolgt ist: Du bist nicht umsonst. Am Staatstheater Kassel war Fritz Schenker Hauskomponist. Das klingt, als wäre das etwas Komfortables gewesen, was es aber nicht war. Der Generalmusikdirektor weigerte sich, seine Oper – die Vollendung des „Johann Faustus“ – zu dirigieren. Darüber hat Fritz nur gelacht, zum Schlussapplaus kam er auf die Bühne – den Buhrufen des Bürgertums trat einer entgegen, dessen Größe man nur erahnen kann. Spätestens seit seiner Büchner-Oper hatte der autoritäre Staat der DDR versucht, sich dieses Anarchisten zu entledigen. Dem väterlichen Schutz seiner Lehrer Paul Dessau und Hans Eisler mag es zu verdanken sein, dass er nicht ganz von der Bildfläche verschwand, dass der aufbegehrende Klang des Posaunisten unüberhörbar wurde. Peter Palitzsch holte ihn 1990 ans Berliner Ensemble, wo er die Musik zu Shakespeares „Perikles“ komponierte. Dort lernte ich ihn kennen, und ich bin dankbar, dass wir uns nie verloren haben. Die Banausen an den Opernhäusern der neuen Berliner Republik haben Schenker nie mehr eine echte Chance gegeben. Seine Sinfonien („Vierte Allemande“) galt den Toten und den Überlebenden...

Zum Tod von Friedrich Schenker

Performer des Antikapitalismus

Fast heimlich, aber nicht still und leise lebt sich derzeit neben dem Intendanten Michael Börgerding und drei Hausregisseuren noch eine weitere konstante Größe am Theater Bremen ein: der Musiker Matthias Krieg. Zwar taucht der Gitarrist, Schlagzeuger und Komponist nur unter den „Gästen“ des Hauses auf der Homepage auf, gleichwohl hat sich der gebürtige Karl-Marx- Städter (Chemnitzer) mit seiner Musik zu Thomas Melles „Sickster“ und zu Eugène Labiches „Die Affäre Rue de Lourcine“ glänzend in Bremen eingeführt – und wird an diese Erfolge anknüpfen. Denn Krieg verbindet ein nahezu symbiotisches Arbeitsverhältnis mit Hausregisseur Felix Rothenhäusler. Wo Rothenhäusler inszeniert, ist Krieg meist nicht fern. Derzeit arbeiten die beiden in Göttingen an Bertolt Brechts „Mutter Courage“. In Bremen haben sie sich für diese Spielzeit noch Friedrich Schillers „ Räuber“ vorgenommen (Premiere am 1. Juni). „Die Räuber“ wird die bereits 14. gemeinsame Inszenierung der beiden, obwohl sie erst seit 2008 zusammenarbeiten. Damals inszenierte Rothenhäusler als Student Sophokles’ „Ödipus“ und wurde damit zum Festival Radikal jung nach München eingeladen. Wie so viele, berichtet Matthias Krieg, sei er eher zufällig am Theater gelandet. Er studierte noch Psychologie und Sound Engineering in Berlin, als ihn Aureliusz Smigiel davon überzeugte, dass er doch eigentlich zu anderem berufen sei....

Der Komponist Matthias Krieg interessiert sich nicht für Stile, sondern für das Erlebnis der Musik

Musik zum Sehen

Theater gibt es in Neapel an jeder Ecke. Einige der Burschen, die des Nachts in den schicken Bars des Nobelvororts Chiaia an einem Spritz nippen, haben ihr letztes Geld in iPhones und Kleidung angelegt, um mit ihren besserverdienenden Altersgenossen konkurrieren zu können. Kleider machen Leute – das ist Alltagswissen in der einstigen Königsresidenz. Die etwas Jüngeren, denen der Zugang zu den Bars noch verschlossen ist, ahmen auf den Straßen davor das testosteronträchtige Herumstolzieren nach, das sie sich bei Protagonisten diverser Mafia-Filme abgeschaut haben. Stil ist alles, auch wenn die innere Haltung so manches Adoleszenten zur Camorra vielschichtiger sein dürfte, als es die eigene Walk-Performance suggeriert. „Neapel mag mehr Probleme als Vorzüge haben. Aber die Lust auf Theater und Gesang ist hier fest verwurzelt. In vielen Restaurants sieht man abends alte Männer musizieren. Sie mögen das gut machen, sie mögen es schlecht machen. Sie mögen es auch furchtbar schlecht machen, aber sie machen es – und das stirbt nicht aus“, meint Luca de Fusco. Der Intendant des größten Sprechtheaters der Stadt, des Teatro Mercadante, ist gleichzeitig Direktor des Napoli Teatro Festivals und will Letzteres auf Augenhöhe mit Avignon bringen und dabei die Arbeitsweisen großer Regiereisender wie Robert Wilson und Peter Brook...

Neapel sucht den Anschluss ans Welttheater

Zwischen Fischmarkt und Palazzo

Schauspiel Essen: „Skin Deep Song“ (UA) von Noah Haidle. Regie Thomas Krupa, Bühne Andreas Jander, Kostüme Sabina Moncys

Essen: Sister Act im No Man’s Land

„Queer sein bedeutet für mich, das Leben zu genießen. Und es anderen möglich zu machen, es genießen zu können.“

Vielleicht kann die heutige Utopie erst einmal nur darin bestehen, sich physisch zu verabreden“, hat der Musiker und Regisseur Schorsch Kamerun vor Kurzem einmal gesagt, und auf den ersten Blick mag der Minimalismus dieser Worte entmutigen: Ist diese magere Forderung wirklich alles, was vom einst so groß angelegten Projekt der Emanzipation geblieben ist? Oder zur Not auch von den Versprechen einer sich als subversiv verstehenden Pop-(Sub-)Kultur, zu deren exponierten Vertretern...

Vom Aufstand und seinen Sackgassen – ein Porträt des Regisseurs, Autors und Sängers Schorsch Kamerun

An die Welt glauben

Der Krieg und die „Kulturrevolution“

Ich weine um Japan und um meine Ernährung Ich weine um Ägypten Scheiß Steuererklärung Ich weine um Chinas Ai Weiwei Was? Ich bin wieder mal nicht mit dabei? Ich weine ausdrücklich um Persien „Unser Kiez“? Viel zu oft im Fernsien! Ich bin wütend, empöre mich fürchterlich Ich meine ich weine hier auch um dich Ich klage an, beschwere mich aufrichtig Ich weine um mich, ich weine an sich Ich weine...

Gerade erschien Schorsch Kameruns neues Album „Der Mensch lässt nach“. Eine Songtextkritik

Ich meine ich weine

International heißt nicht zwangsläufig interkulturell. Migration wird auch im Theater oft nur entlang des öffentlichen Meinungsbildes behandelt. In der 2011 von Wolfgang Schneider herausgegebenen Publikation „Theater und Migration“ gelangt Annett Israel nach Beobachtungen des Umgangs mit Migration und dem Fremden im zeitgenössischen Theater für Kinder und Jugendliche zu diesem Schluss. Nach ihr lassen sich die Produktionen zumeist in drei Bereiche gliedern: Mitleiden (Migranten als Opfer von Krieg und Flucht), Befremden und Zerrissenheit (Migranten auf Identitätssuche) und Verurteilen (Migranten als Opfer gesellschaftlicher Verhältnisse, die sie zu Tätern machen). Wenn Migration aber Tatsache und dieses Jahrhundert von massiven transkontinentalen Wanderungen geprägt ist, dann bedarf es in vielen Gesellschaften neuer Verhandlungen und eines Perspektivenwechsels, wofür angesichts der Ereignisse der letzten Jahre zurzeit auch viele Stimmen in Deutschland plädieren. Immer wieder werden in vielen gesellschaftlichen Debatten das Bedürfnis nach der Öffnung der eigenen Kultur und die Bereitschaft für eine intensive Auseinandersetzung mit Migrationskulturen diskutiert. Aber noch nicht immer Gegenstand dieser Dialoge ist die Frage danach, inwieweit die Ausgangskulturen auf die von der anderen Kultur generierten Güter oder Modelle zurückgreifen bzw. inwieweit sie sich neben einer Öffnung auch einem Prozess des Aushandelns aussetzen wollen, welcher keinesfalls nur harmonisch verläuft. Das Theater ist als kreatives Laboratorium...

Warum die Themen Asyl und Migration auf Berliner Bühnen bloß Klischees reproduzieren anstatt transkulturelle Räume zu öffnen

Exotische Unterhaltung

Wende und Wandel

Das Lied der Guano-Vögel

Eine Fundgrube

Holzmarkt Berlin: Die Utopie vorurteilsfreier KI

Wenn im Theater gesprochen wird, gibt es nicht nur Sprecher und Adressaten, sondern auch die semantische, die emotionale und die materielle Ebene des Wortes; einen Ort, von dem es kommt, und Mittel, die sich kollegial oder in kämpferischer Absicht zu ihm gesellen. Es kann Gesang werden, Raunen, Murmeln – oder Verstummen. Insofern ist das „Sprechen auf der Bühne – und über das Theater“, dem sich die Jahreskonferenz der Dramaturgischen Gesellschaft vom 24. bis zum 27. Januar 2013 in München widmete, eine komplexe Sache. Entsprechend war das Feld der Vorträge, Diskussionen, Tischgespräche und Workshops weit. Zwischen der Eingangsfrage „Wer spricht wann, zu welchem Zweck, mit welchem Interesse?“ und der finalen Runde zum Thema „Wen spricht an, wie auf der Bühne gesprochen wird?“ verbreiteten im proppenvollen Haus der Bayerischen Theaterakademie August Everding Wissenschaftler und Theaterpraktiker Basisinfos und Erfahrungswerte. Von Sonja Kotz bekam man am Freitag die neurowissenschaftliche Bestätigung dafür, dass sich rhythmisch Gesprochenes besser ins Unterbewusste gräbt; der Samstag brachte u. a. einen lebhaften Eindruck vom Verantwortungsverschiebebahnhof Auftragswerk: Dramatiker liefern unter Druck unfertige Texte ab, und enttäuschte Dramaturgen spielen den Schwarzen Peter den Medien zu, die sich nur für Uraufführungen interessieren. Auf dem Podium, auf dem neben Nino Haratischwili, Dirk Laucke und...

Im Zentrum der Jahreskonferenz der Dramaturgischen Gesellschaft in München stand das gesprochene Wort

Inflationär produzierte Sprache

Fair bezahlt und arbeitslos?

Was macht das Theater, Bernhard Stengele?

Luzern: Siegerprojekt für das Neue Luzerner Theater gekürt

wann, wenn nicht jetzt?

Meldungen

Herr Schirmer, Theater bezeichnen Sie als Ihre Leidenschaft, Ihre Liebe. Wie geht es dieser Leidenschaft? Vielleicht ist der Begriff Leidenschaft zu groß. Ich liebe das, was ich tue, was ich tun darf. Seitdem ich zwölf bin, widme ich mich dem Theater – auch mit großer Leidenschaft. Diese Liebe ist doch nicht erloschen. Es gibt nach wie vor eine Lust, das zu tun, was ich gerne tue und gut kann: Theatermenschen – Schauspieler, Regisseure, Dramaturgen, Bühnenbildner, Techniker, Musiker, Fotografen und natürlich auch das Publikum – „einzusammeln“, um ihnen dann bei der Theaterarbeit zuzugucken. Liebevoll und achtsam zu schauen, wie sich der Probenprozess auf der Bühne entfaltet, was noch zu ändern wäre, wohin sich die Arbeit entwickelt. Und natürlich: Stücke lesen und Spielplan machen. Von 1985 bis 2010 standen Sie ununterbrochen in einer besonderen Verantwortung, derjenigen der Leitung – in Esslingen, Freiburg, Stuttgart und Hamburg. Wie lebt es sich jenseits des Theaterbetriebs? Ich lerne seitdem einfach: am Leben teilzunehmen, meine Gegenwart zu erfahren. Ich will nicht in das alte Hamsterrad zurück. Mehr Zeit einplanen, für alles – auch für Pausen. Nicht in den alten Trott fallen, nicht die Gegenwart beschleunigen, immer mehr in kürzerer Zeit schaffen wollen. Die monströs vollgepackten Theaterarbeitstage sind...

Was macht das Theater, Friedrich Schirmer?

Bille August liebt literarische Stoffe: Mit seinem Film „Pelle, der Eroberer“ (1987) machte er erstmals international auf sich aufmerksam, und auch „Das Geisterhaus“ (1993) war eine publikumsträchtige Kinoarbeit. Nun nahm sich der dänische Regisseur des Bestsellers Nachtzug nach Lissabon von Pascal Mercier an: die Geschichte eines Lateinlehrers aus Bern, der zufällig auf das Buch eines portugiesischen Dichters und Arztes stößt, in dessen philosophische Gedankenwelten abtaucht und sich sogleich in eine Reise nach Portugal begibt, um dort nach Details aus der Biografie des Autors zu forschen. Pascal Merciers Roman überzeugte dank der klugen Symbiose aus kriminalistischer Spurensuche, politischem Zeitbild der Salazar-Diktatur und Liebesgeschichte: Es ging um nicht mehr und nicht weniger als um die Frage nach dem richtigen Leben im falschen und den moralischen Konsequenzen menschlichen Handelns. Dem Film aber, der die schwebenden Sätze in konkrete Bilder verwandeln muss, gerät diese Übersetzung eher glatt und gefällig: Die Verunsicherungen, die das Buch auszulösen vermochte, halten sich hier in Grenzen – stattdessen macht sich gediegene Langeweile breit. Sacha Gervasis Hitchcock skizziert, was den legendären Filmregisseur und Meister des Suspense umtrieb, als er seinen Thriller „Psycho“ (1959) drehte. Zum Beispiel, so behauptet der Film, beobachtete er durch ein Guckloch seine Darstellerinnen beim Umkleiden oder...

In Gedankenwelten tauchen

Film

Die Gefahr ist, dass Theater sich nur noch simuliert. Wie eine Putzfrau, die den Boden schrubbt, plötzlich in einem dunklen Fenster entdeckt: Mein Gott, mein Arsch sieht ja geil aus, wenn ich den Boden schrubbe. Jetzt fängt die Putzfrau auf einmal an, auf die irrsinnig geile Bewegung zu achten. Ob der Boden dabei sauber wird, kann man in der Scheibe nicht sehen. Aber eigentlich war es so, dass die geile Bewegung entstand, weil sie den Boden schrubbte. So kommt mir im Moment das Theater vor: Eine Putzfrau, die nur noch diese geile Arschbewegung macht und sich nicht mehr um den Boden kümmert. Martin Wuttke Hat das Schauspielen eine gesellschaftliche Funktion? Was ist Spiel im Theater und was ist Spiel im Alltag? Was macht eigentlich der Schauspieler, wenn wir doch alle Theater spielen? Kann uns der Schauspieler in Zeiten, in denen wir alle zu Darstellern unserer selbst geworden sind, noch etwas über unsere Realität mitteilen? Der Schauspieler ist zum blinden Fleck im Nachdenken über das Theater geworden. Die Kunst der Inszenierung gilt nicht als Ergebnis eines kollektiven Prozesses, sondern als Leistung des Regisseurs, für den der Schauspieler ein Mittel ist. Die Virtuosität des Schauspielers im Umgang mit Performativität und Selbstreferenz steht...

Schauspiel und Gesellschaft

Was macht das Theater, Yana Salakhova?

Die wirkende Erinnerung

Vorhang runter, Zelt weg

Spanische Theaterautor:innen im Überblick

Zuhören. Eine radikal-politische Erfahrung

Programmieren auf der Probe?

Wladimir Putin – eine Figur von Dostojewski?

Deutsches Theater Berlin: Moral und Ästhetik in Zeiten des Kriegs

Glanz oder Harnisch: Das Laboratorium

Theater und Arbeiterklasse

Das Risiko des zeitgenössischen Dramas

Die Erfindung des Theaters aus dem Geist der Malerei

Vier Opern, eine Tanzproduktion, ein Schauspiel, zwei Performances der Sängerin Rihanna und die Kleinigkeit einer Abschlusszeremonie der Olympischen Sommerspiele: Das war Es Devlins Jahr 2012. Einige wenige Szenografen dürfen sich quantitativ mit ihr messen, doch wenn es um Vielfalt und Variationen geht, kann der 41-jährigen Britin niemand das Wasser reichen. 2011 pendelte Devlin zwischen Hector Berlioz und Gary Barlow, sie arbeitete gleichzeitig für das Londoner Royal Opera House am Bühnenbild...

Ob Schauspiel, Oper oder Konzert – beim Live-Erlebnis macht die britische Szenografin Es Devlin keine Unterschiede

Mit Atmosphäre umgeben

Das Dach bürgerlicher Wohlanständigkeit. Es hat schon vor Beginn der Inszenierung die vier Insassen beerdigt: Emmi und Edgar, Helga und Hermann. Begraben unter roten, akkurat geschichteten Ziegeln. Ein beinahe retrospektiver Beginn? Wenn das Saallicht erlischt, wird dieser Dachstuhl hochgezogen. Die vier Bewohner wachsen mit, gehen in Position. Genau auf der scharfkantigen Schattenlinie des Daches richten sie sich auf zum stolzen Fundament, ordnen sich rechtwinklig an. Schreiten stumm die imaginäre Grenze von Drinnen und Draußen, Privatem und Beruflichem ab: ihre Spielfläche. Johanna Wehners artifizieller Inszenierungsbeginn provoziert Gleichzeitigkeiten. Privater und beruflicher Diskurs überlagern sich, die Ehe wird von den Zwängen einer fordernden Arbeitswelt dominiert: „Die Firma regiert mir ins Bett“, beklagt sich Edgar, weil Partnerin Emmi ihre beruflichen Anstrengungen und Ambitionen vorschiebt, um abends nicht sexuell aktiv werden zu müssen. Das Theater Freiburg, seit Jahren schon Spezialist für Kapitalismusrecherche, hat es bei Kroetz’ Vorlage leicht, da die Provokation des Textes gerade darin liegt, über die sprachliche Entgleisung im nur scheinbar privaten Gespräch arbeitsspezifische Deformationen offenzulegen. Was sich bei Kroetz allerdings wie ein vergeblicher Kampf patriarchalischer Machtbehauptung liest, ist in der Freiburger Inszenierung längst im selbstverständlichen Behaupten des Marktmechanismus jenseits aller Genderaspekte angekommen. Der Götze Kapital verlangt immer Recht: Sei es, dass er...

Theater Freiburg: „Nicht Fisch nicht Fleisch“ von Franz Xaver Kroetz. Regie Johanna Wehner, Ausstattung Elisabeth Vogetseder

Freiburg: Die Firma regiert mir ins Bett

Der Anti-Katastrophenfilm

„Nullen und Einsen“ ist eine Verwechslungstragödie: Philipp Löhle, diesjähriger Hausautor des Mainzer Staatstheaters, stellt dem grau melierten Alltag den Traum eines besseren Lebens gegenüber. Nach Art eines Episodenfilms wendet er sich mal hierhin, mal dorthin, besichtigt Paare und Passanten, Arbeitstiere, Gescheiterte und Sehnsüchtige. Alle lechzen danach, aus ihrem Leben auszusteigen wie aus einem Omnibus. Dabei gerät ihnen ihr gesamtes Dasein zu einem wabernden Vielleicht, aus dem sie sich mehr als nur eine Wirklichkeit konstruieren dürfen. Wie etwa der ergraute Chef (Marcus Mislin), der als Direktor firmiert, und sein Untergebener Bär (André Willmund), ein Türsteher mit Auftragskillerqualitäten, der für Ordnung sorgen soll und macht, was man ihm befiehlt. Oder das vom Leben geplagte Liebespaar (Lisa Mies und Tilman Rose), welches das Schicksal aneinanderpresst, wie auch Jonas (Mathias Spaan) und Beck (Stefan Graf), zwei Rettungssanitäter mit Sehnsucht im versehrten Blick, denen die Unfälle der anderen zur Sinnkrise gereichen. Das geheime Zentrum des Stücks aber pulsiert in Moritz, den Felix Mühlen in schlaksiger Uncoolness als jemanden wiedergibt, der die Grenzen des Normalen nicht zu sprengen vermag, auch wenn er es noch so sehr versucht. Das Verrückteste, was solchen Menschen einfällt, ist, den rechten Socken über den linken Fuß zu streifen und zu hoffen,...

Staatstheater Mainz: „Nullen und Einsen“ (UA) von Philipp Löhle. Regie Jan Philipp Gloger, Bühne Franziska Bornkamm, Kostüme Karin Jud

Mainz: Spiel mit Unbekannten

„Wie man es erzählen kann, so ist es nicht gewesen.“ Damit hebt Tilmann Köhlers Inszenierung von Christa Wolfs „Der geteilte Himmel“ an. Ein bemerkenswerter Zugang. Wer mit diesem epischen Versuch des „Bitterfelder Weges“ („Greif zur Feder, Kumpel!“) aufgewachsen ist – und dagegen ein gewisses Maß an Überdruss entwickelt hat –, der wird von Köhlers Perspektive überrascht sein. Wie soll man leben? Die Frage wirkt hier frappierend frisch, keineswegs angestaubt. Dabei meinte man doch, diese „vorkritische“ Erzählung Christa Wolfs gut genug zu kennen. Lauter verbrauchte Träume von gestern, dem gerechten Vergessen anheimgegeben! Aber das, so zeigt uns Köhler, ist falsch. In dem Text steckt viel gegenwärtiges Wissenwollen über eine Vergangenheit, die nicht tot ist. Die Liebe zwischen Rita Seidel und Manfred Herrfurth wurde keinesfalls mit dem Mauerbau am 13. August 1961 zerstört, wie man heute mutmaßen könnte. Das wäre zu simpel in Analogie zum politischen Geschehen gedacht. Hier vollzieht sich ein anderes Drama, über das Christa Wolf in ihren Tagebüchern schreibt: „Ihre Liebe ist vorher zerbrochen, nicht dadurch, daß er weggeht. Allerdings hat die Trennung jetzt etwas Endgültiges und schneidet noch tiefer ein.“ Die Bühne von Karoly Risz ist weitgehend leer. Ein schlichtes Holzpodest, auf dem man im Kreis laufen und...

Staatsschauspiel Dresden: „Der geteilte Himmel“ nach Christa Wolf. Regie Tilmann Köhler, Bühne Karoly Risz, Kostüm Susanne Uhl

Dresden: Ende einer Sommerliebe

Karin Beier verlässt das Kölner Schauspiel mit einer großartigen Inszenierung von Euripides’ „Troerinnen“. Der Spielfassung liegt die Bearbeitung Jean-Paul Sartres zugrunde, die um Ausschnitte weiterer Texte, wie Georges Batailles 1967 erschienenem „Le Mort“ („Der Tote“) und Samuel Becketts „Texte um Nichts“ (1947 – 1952), erweitert wurde. Was häufig genug schiefgeht, gelingt hier grandios: Euripides wird nicht mit aktuell scheinenden Texten modernisiert, denn das braucht es gar nicht. Die Themen des antiken Dramas sind Themen der Gegenwart, darauf verweisen bereits die von Karin Beier und Dramaturgin Ursula Rühle im Programmheft zusammengestellten Texte, u. a. von Giorgio Agamben, Hannah Arendt und Hans-Thies Lehmann. So handelt es sich bei dieser Inszenierung nicht um eine Reise zurück in andere, vergangene Zeiten, sondern um eine zu uns: „Die Troerinnen“ ist ein politisches Stück über die Eroberung von Wegerechten und Land, die Inbesitznahme von Gütern und Arbeitskraft, und auch über die Frage, welche Bedeutung Religion und Götter haben. „Denn als Euripides ‚Die Troerinnen‘ schreibt“, so Sartre, „ist der Glaube zu einem mehr oder weniger verdächtigen Mythos geworden.“ Euripides erzählt die Geschichte der Frauen Trojas, die nach dem verlorenen Krieg gegen die Griechen darauf warten, was mit ihnen – Kriegsbeute, Überlebende und Übriggebliebene – geschehen wird. Sie...

Schauspiel Köln: „Die Troerinnen“ nach Euripides. Regie Karin Beier; „Oh it’s like home“ (UA) von Sasha Rau. Regie Christoph Marthaler

Köln: Abschiedsgesänge

Ein Mann in allen Medien

Welch ein proletarischer Kraftkerl (mit Hang zum Rabauken) zur falschen Zeit am falschen Ort. So einen wie ihn – weniger ironisch als der freche Ex-Stahlarbeiter und Publikumsliebling Manfred Krug – suchte die DDR-Kulturpolitik Mitte der 60er Jahre händeringend. Aber Manfred Karge, unmittelbar nach seinem Studium von Helene Weigel an das Berliner Ensemble geholt und dort von ähnlichem Typus wie Hilmar Thate, hatte wenig Lust, ein Ornament des „Bitterfelder Weges“ zu werden. Im Gegenteil, er wollte von Anfang an die herrschenden Klischees von innen her aufsprengen. So interpretierte er Brecht und fand früh in Matthias Langhoff einen geistesverwandten Regiepartner, mit dem er zusammen zwischen 1969 und 1983 nicht nur, aber vor allem die Welt Brechts auf die Müller’schen Füße stellte. Doch im Jahr 1965 wäre der am 1. März 1938 in Brandenburg geborene Manfred Karge dem Theater beinahe abhanden gekommen. Da spielte er in der DEFA-Verfilmung von Dieter Nolls „Die Abenteuer des Werner Holt“ den überaus negativen Helden Gilbert Wolzow, einen fanatischen Nazi-Soldaten der letzten Stunde, der über Leichen geht, auch über die seiner Freunde. Eine Gestalt von dämonischer Suggestivkraft. Karge war so dominant, dass der Film mehrmals umgeschnitten werden musste, um ihn etwas mehr in den Hintergrund treten zu lassen....

Manfred Karge zum 75. Geburtstag

Dialektik des Dämonischen

Der monumentale Holzrahmen, den Bühnenbildner Olaf Altmann ganz vorne an die Rampe des Frankfurter Schauspielhauses gebaut hat, macht diesen kleinen Mann noch kleiner. Hans Falladas Romanheld Johannes Pinneberg und seine Frau Emma Mörschel, genannt Lämmchen, halten sich die meiste Zeit in diesem Rahmen auf, dessen Wucht sie zu Winzlingen macht. Dahinter steigt in voller Bühnenbreite eine mächtige Schräge an, an deren oberem Ende die übrigen Figuren Stellung bezogen haben – bedrohlich und breitbeinig, unbeweglich und ungerührt, eine neben der anderen, rückwärtig von Scheinwerfern angestrahlt und daher nur als Silhouetten erkennbar. Nur wer sich einmischt in die Handlung, wird von frontalem Licht aus der Gesichtslosigkeit herausgeschnitten. Vor allem aber bilden diese Schattenmänner und ‑frauen den Chor der Gesellschaft, die Pinneberg anstachelt und anschnauzt, einschüchtert und kleinredet. Hans Falladas Roman aus dem Jahr 1932 über den kleinen Angestellten Pinneberg, der vergeblich um ein bescheidenes Auskommen für sich und seine Familie kämpft, um am Ende ganz aus der Gesellschaft ausgestoßen zu werden, hat zuletzt wieder vermehrt das Interesse von Theatermachern auf der Suche nach adäquaten Stoffen geweckt, in denen sich auch die gegenwärtige Misere spiegelt. Hat doch die Angst vor Arbeitslosigkeit und Abstieg längst die Mitte der Gesellschaft erfasst. Trotzdem gibt es gute...

Schauspiel Frankfurt: „Kleiner Mann – was nun?“ nach Hans Fallada. Regie Michael Thalheimer, Bühne Olaf Altmann, Kostüme Nehle Balkhausen

Frankfurt am Main: Penetrante Herzensgüte

März 2013

Premieren

Wer ist Hamlet? Bei Christian Friedel ein Popstar, aber einer auf der abschüssigen Ebene. Die Bühne vorn ist ganz wie bei einem Rockkonzert: Technik regiert – dahinter wie ein historistisches Ornament eine barocke Theatergalerie, darauf flegeln König Claudius und seine Frau (und Hamlets Mutter) Gertrud. Der ganze Hofstaat hat sich versammelt zu des Prinzen Hamlet Wiederkehr. So sehen wir ihn dann ans Mikrofon treten: schmal und blass, ein Nobody von...

Der Schauspieler Christian Friedel zeigt Hamlet in der jugendlichen Orientierungslosigkeit seiner Generation

Popstar zerbrochen

Wilde Dramaturgie – Nachdenken über Textarbeit

Was macht das Theater, Christiane Schneider?

Unboxing Chévere

Ob Privatdetektiv Kemal Kayankaya und sein Schöpfer Jakob Arjouni wohl jetzt gemeinsam Billard im Frankfurter Bahnhofsviertel spielen? Arjouni, der am 17. Januar viel zu früh – mit 48 Jahren – im von ihm nicht gerade innig geliebten Berlin verstorben ist. Der Schmuddel und die seltsamen Orte, wie das 24 Stunden geöffnete Schwarze Café in Charlottenburg, stifteten ihn zu meisterhaften Figuren und Romanen an: zu „Magic Hoffmann“ (1996), „Der heilige Eddy“ (2009) oder „Cherryman jagt Mister White“ (2011). Auch seine drei hochgelobten Theaterstücke aus der Anfangsphase sind wenigstens zum Teil hier entstanden („Die Garagen“, „Nazim schiebt ab“ und „Edelmanns Tochter“). Doch wo war Jakob Arjouni zu Hause? In Südfrankreich etwa, wo er sich mit 18 am Strand als Erdnussverkäufer verdingte und die Einsamkeit dazu nutzte, sich ernsthaft dem Schreiben zu widmen? Oder in der Odenwaldschule, deren kriminelle Exzesse ihm als Schüler verborgen blieben, obwohl er sich damals schon als Beobachter empfand? Die Geburtsstadt Frankfurt am Main, in der er in einer antiautoritären 68er-Theaterfamilie aufwuchs, bescherte ihm jedenfalls seine berühmteste Figur, Kemal Kayankaya. Diese Wiederverkörperung von Georges Simenons lakonischem Maigret in unübersichtlich-multikulturellen Zeiten: selbstbestimmt, etwas wurzellos, das einfache Leben abseits der „verwöhnten Mini-Mozzarella-Welt“ suchend („Bruder Kemal“, 2012). Ein türkisch-bundesrepublikanischer Ermittler, der Türkisch...

Zum Tod von Jakob Arjouni

Geschichtenerzählen als Heimat

„Es geht um magische Momente“

I do you!

Leonhard-Frank-Stipendium zur Förderung zeitgenössischer Dramatik geht an Elisabeth Pape

Die Bedeutung der Popmusik für die antiautoritären Bewegungen lag nicht in ihren Texten.“ Vielleicht kann man diesen Satz von Heiner Müller als Ausgangspunkt nehmen, um über das Verhältnis von Theater und Pop nachzudenken. Wenn man Müller folgt, dann haben Theater und Pop gemeinsam, dass ihr wesentliches, auch politisches Moment weniger auf der Ebene eines diskursiven Verstehens liegt, sondern bei Rhythmus und Klang. Johan Simons: Ich glaube schon, dass Rhythmus und...

Der Autor, Musiker und DJ Thomas Meinecke und Johan Simons, Intendant der Münchner Kammerspiele, im Gespräch über Pop im Theater und das politische Moment von Rhythmus und Klang

Der Rest ist Geräusch

(Fast) alles neu bei Theater der Zeit

Leidenschaftlich zeitgenössisch

Was macht das Theater, Johanna M. Keller?

Bühnenarbeiten

Künstlerinsert

Früher war das so: Wollte ein Theater etwa ein Stück von Shakespeare aufführen, das im antiken Rom spielte, so untersuchte das Team unter Anleitung des Dramaturgen die gesellschaftlichen Verhältnisse im antiken Rom, dann die im alten England, um herauszufinden, was den Autor am alten Stoff vor dem Hintergrund der eigenen gesellschaftlichen Realität gereizt haben könnte. Erst dann fragten sich die Macher, was sie daraus für die Analyse (oder Kritik) der gegenwärtigen politischen, ökonomischen oder sozialen Verhältnisse in ihrer Interpretation des Stücks gebrauchen könnten. Ich habe den Eindruck, dass diese Praxis (sie war kein Alleinstellungsmerkmal der alten DDR) heute nicht mehr üblich ist. Nicht nur aus Dummheit und/oder Denkfaulheit, sondern vor dem Hintergrund eines gesellschaftlichen Paradigmenwechsels. Der gefühlte gesellschaftliche Stillstand, der Utopieverlust haben nicht nur zu einer allgemeinen Politikverdrossenheit, sondern zu einem Verfall historischen Denkens geführt. Sieht man aber Geschichte nicht mehr als komplexen dialektischen Prozess, sondern nur noch als Kontinuum sich ständig wiederholender Machtkämpfe, verliert man auch das Vertrauen in die Veränderbarkeit der Welt. Da werden dann Denkprogramme (etwa des dialektischen und historischen Materialismus) abgelöst durch Computerprogramme (Google, Wikipedia). Die Vertreter des daraus resultierenden flachen Denkens nennt der Berliner Flachzangen. Anschaulich lässt sich das am aktuellen Programm des Deutschen Theaters...

Das Deutsche Theater Berlin untersucht die opake Welt des Kapitalismus

Linzers Eck: Flachzangen feiern Triumphe

Aalto-Musiktheater Essen: Der Mensch ist gar nicht gut 

Oleg Zhukov ist immer sichtbar und unsichtbar zugleich. Mit 16 Jahren wandert er Ende der neunziger Jahre mit seiner Familie von der ukrainischen Schwarzmeerküste ins niederrheinische Voerde aus. Am Theater Oberhausen spielt er schon bald im Jugendclub. Nach der Schule beginnt er zunächst eine Ausbildung zum Bewegungspädagogen, aber eine Dramaturgin erinnert sich an ihn, als die Figur des jungen Robin in Sarah Kanes „Gesäubert“ besetzt werden soll. Die Aufführung wird ein großer Erfolg. Dort sieht ihn Werner Schroeter, und so beginnt mit der „Göttlichen Flamme“ eine langjährige und intensive Arbeitsbeziehung. Zuletzt dreht er mit Schroeter den Film „Diese Nacht“. Daneben gibt Zhukov die ersten Fernsehrollen – Klischees ohne Ende erwartet man von ihm: polnische Kleinkriminelle auf der Flucht vor deutschen Kommissaren oder zwielichtige Typen mit starkem osteuropäischen Akzent. Erst sehr spät wagt ein Tatort-Redakteur, ihm die Rolle eines Pathologen anzubieten. Während eines zweijährigen Engagements am Theater Aachen bekommt er den letzten Feinschliff. Rollen wie Raskolnikoff oder der Tempelherr in „Nathan der Weise“ liefern ihm das, was er sich am meisten vom Theater wünscht: etwas, worüber man sich den Kopf zerbrechen muss. Aber bald zieht es ihn wieder ins Freie. Er unterrichtet an der Alanus Hochschule für Kunst und Gesellschaft in...

Der Schauspieler und Autor Oleg Zhukov lässt sich nicht fangen – nur suchen

Die Lehre der Tiere

Booklet „Hamlet“-Songtexte

Systemcheck

Unter dem Titel „RING Halle Ludwigshafen“ wird seit November 2010 Richard Wagners Operntetralogie „Der Ring des Nibelungen“ auf die Bühnen des Ludwigshafener Theaters im Pfalzbau und der Oper in Halle gebracht. Anlässlich des Wagner-Jahres wird der gesamte Zyklus in diesem und im nächsten Monat jeweils innerhalb einer Woche in Halle und in Ludwigshafen aufgeführt. Herr Heyme, stand Ihnen, einem ausgesprochen politischen Regisseur, Ihre Biografie bei der Inszenierung des „Rings“ im Weg? Hansgünther Heyme: Ich habe in den siebziger Jahren in Nürnberg „Rheingold“ inszeniert, dann aber abgebrochen. Im selben Jahr hat auch Peter Stein in Paris nach „Rheingold“ aufgehört, ebenso Ronconi in Mailand. Diese ganze Generation hat irgendwie das Handtuch geworfen, weil der Nazi-Dreck noch meterdick auf dem Material lag. Wir vermochten nicht, zu der eigentlichen Auseinandersetzung mit den Stücken vorzudringen. Als Karl-Heinz Steffens, Opernchef und Generalmusikdirektor in Halle und Chefdirigent der Deutschen Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz, mich fragte, ob wir den „Ring“ zusammen machen wollten, sagte ich sofort Ja. Es war ein Geschenk. Die Arbeit konfrontierte mich mit meiner Vergangenheit, besonders mit meiner frühen Jugend, meinem Aufwachsen im Krieg: der Vater ohne jede Feindberührung in Russland an Typhus verreckt, ich mit meiner Mutter in Berlin verschüttet, natürlich total ausgebombt, vor der Roten...

Regisseur Hansgünther Heyme und Wagner-Experte Dieter Borchmeyer trafen sich zu einem Gespräch mit Frank Raddatz

Mit Richard Wagner in den Abgrund springen

„Das Etikett ‚AUFSTREBEND‘ ist grausam und hält die Autorinnen klein“

Zuletzt spielte Gerd Imbsweiler am Basler Vorstadttheater in „Struwwelväter“ den Verleger eines berühmten Bilderbuchs, wiederum zusammen mit seiner Lebensgefährtin Ruth Oswalt, das „Traumpaar“ des Kinder- und Jugendtheaters in der Schweiz. Es war die tragische Geschichte ihres Opas; für den in Offenbach geborenen Mitbegründer des Theaters Spilkischte war es die letzte Rolle. Imbsweiler gab der deutschsprachigen Szene Impulse, wie man die darstellende Kunst für ein junges Publikum ernsthaft und unterhaltsam zugleich gestalten kann. Legendär sind seine Kinderfiguren, z. B. in „Hänschen klein“, das er in der langjährigen Zusammenarbeit mit Beat Fäh erfand, mit schütterem Haar, Schnauz und Schneid. Als Gast an der Schauburg in München brillierte er in den „Buddenbrooks“ und in „Der weiße Dampfer“. In seinem Theatersolo „Aus der Früherheit“ erfreute er als Erzähler, als Autor veröffentlichte er Lyrisches und Dramatisches. Ausgezeichnet mit dem Hans-Reinhart-Ring, dem Basler Kunstpreis und dem ASSITEJ-Preis verstarb Gerd Imbsweiler am 12. Januar 2013 an den Folgen seiner Krebserkrankung. //

Zum Tod von Gerd Imbsweiler

Mit Schnauz und Schneid

Ein Wald in Flammen

Berliner Ensemble: Unmittelbare Trägerschaft des Landes Berlin angestrebt

Was macht das Theater, Juan Mayorga?

Was macht das Theater, Florentina Holzinger?

Die eigene Dringlichkeit

Audio-Stream Hamlet

Neue Dramatik, alte Geschichten, neue Welten

To talk shit about Facebook is an ungrateful task – und ich tu es ganz sicher nicht gerne. Denn: Der Möglichkeiten, sich auf diesem Wege lächerlich zu machen, sind mindestens zwei. Erstens: Kulturpessimismus hat sich – neueren Weltuntergangsprognosen nicht unähnlich – als unfruchtbares Sub-Hobby gezeigt. Denken wir zurück in die frühen Neunziger, in denen der großen Mehrheit klar war, dass das Internet lediglich ein Werkzeug für eine sich über Star Trek austauschende Minderheit war. Zweitens: Wie noch etwas angreifen? Die perfekte gesellschaftliche Durchdringung der postmodernen Medienphänomene (die sie als solche erst definiert) bewirkt, dass die tief in das abendländische Moralverhalten verankerte Parabel vom Glashaus, in dem das Steinewerfen keine kluge Sache ist, die Sache extrem kompliziert macht. Weil also: WIR LEBEN IN EINEM GOTTVERDAMMTEN GLASHAUS, MIT GLASTÜREN UND GLASFUSSBÖDEN UND GLASTELEFON UND GLASTOILETTENPAPIER UND GLASLUFT, DIE WIR IN UNSERE GLÄSERNE LUNGEN EINSAUGEN! WOLLTEN WIR EINEN STEIN WERFEN – DANN WÄRE DIESER AUS GLITZERNDEM, EXTREM FILIGRAN GEARBEITETEM, HOCH ZERBRECHLICHEM GLAS! Ich bin auf Facebook, auch wenn ich es fragwürdig und oftmals zum Spontan- Losbrechen finde: Ich sitze in Tokio beim Sushi, und was kommt mir in den Sinn? Einen Haiku verfassen? Nein: Ich ziehe mein iPhone, fotografiere mein Essen und poste...

Über die letzte verbleibende marktwirtschaftlich nicht ausschlachtbare Protestform

Präsentabel 2.0

Das Cartoonartige ausloten

„Elisabeth kann ihrer Rolle als Königin nur gerecht werden, wenn sie ‚unnatürlich‘ ist, gegen den Kanon der gesellschaftlichen Regeln verstößt, auf die sogenannte Erfüllung ihres Lebens als Frau in der Ehe verzichtet.“ So erklärt Pit Holzwarth im Programmheft zur Lübecker „Maria Stuart“ sein Regiekonzept der gegengeschlechtlichen Besetzung von Elisabeth (Jan Byl) und Leicester (Astrid Färber). Man wolle damit die Machtkonflikte neu beschreiben, das Stück enthistorisieren und das „in Opposition denkende Konservative“ Schillers in Bezug auf Konzepte des Weiblichen und des Männlichen aufzeigen. Ein gleichermaßen denkenswerter wie riskanter Ansatz. Es ist eben nicht die entmenschlichte Mechanik des politischen Räderwerks, die die Lübecker „Maria Stuart“ in drei Stunden verhandelt. Das Machtstreben als Akt der seelischen „Deformation“, wie es weiterhin im Programmheft heißt, zu verstehen ist eine legitime Interpretation – individuelle Bedürfnisse und persönliches Moralempfinden bleiben angesichts des Strebens nach Machterhalt auf der Strecke. Der Regisseur findet dafür dann aber kein anderes als das überzeichnete Bild eines transvestitischen Nosferatu; die Figur der Elisabeth gibt er damit von vornherein einer grotesken Lächerlichkeit preis. Ein Diskurs über die Zuschreibung und Reproduktion von Geschlechterverhältnissen stellt sich gar nicht erst ein – im Gegenteil, in permanenter Wiederholung werden die üblichen Stereotype bestätigt: Leicester fläzt breitbeinig auf dem...

Theater Lübeck: „Maria Stuart“ von Friedrich Schiller. Regie Pit Holzwarth, Ausstattung Werner Brenner

Lübeck: Der Wille zur – was?

Unter dem Titel „Kommando Johann Fatzer“ legt der Ringlokschuppen in Mülheim an der Ruhr den ersten Band seiner „Mülheimer Fatzerbücher“ im noch jungen Berliner Neofelis Verlag vor. Hintergrund der Reihe ist eine mittlerweile langjährige Auseinandersetzung des Theaterproduktionszentrums mit Brechts Fragment gebliebenem Stück „Der Untergang des Egoisten Johann Fatzer“. 2011 lud der Ringlokschuppen zu den Mülheimer Fatzer Tagen, um mit Eigen- und Gastproduktionen sowie einem Symposium die künstlerische und wissenschaftliche Arbeit am Fatzer-Stoff zusammenzuführen. Hiervon ausgehend thematisieren die Autoren die noch oder gerade heute virulenten Fragen nach dem Verhältnis von Einzelnem und Kollektiv, von Revolution und Gewalt, das Motiv der Desertion, die Ortlosigkeit des Fatzer in einer Landschaft nach dem „Verschwinden des Menschen“ (Foucault), das Konzept der „multitude“ (Negri/Hardt) als einer möglichen, nicht normierten Gemeinschaft jenseits von Staat, Nation oder Volk und die Frage nach einem „kommenden Aufstand“. Nicht zuletzt stehen Status und Potenzial des heutigen Theaters als Versammlungs-, Diskussions- und Spielort selbst zur Debatte. Denn „aufgebaut haben wir es, damit / ihr entscheiden sollt / … was eigentlich los war, denn / wir waren uneinig“ („Fatzer“). Der Band widmet sich vor allem der kritischen Dokumentation und Analyse der auf den Fatzer Tagen gezeigten Performances. So befassen sich mehrere Beiträge mit...

Alexander Karschnia, Michael Wehren (Hg.): Kommando Johann Fatzer. Neofelis Verlag, Berlin 2013, 214 S., 18 EUR.

„Esst mehr Brecht!“

Vor ein paar Jahren stellte Friedrich Kittler die These auf, Popstars verkörperten den wiedergekehrten Dionysos als elektrifiziertes Format. Nun sei dem Pop die metaphysische Aufwertung seiner Helden gegönnt, hatte doch bereits Martin Heidegger hervorragenden Fußballspielern den Status von Halbgöttern eingeräumt. Allerdings ist Dionysos nicht eine beliebige Adresse im metaphysischen Who’s who, sondern Gott des Theaters und seiner Chöre. Von da aus scheint es absehbar, dass er sich über kurz oder...

Editorial

Rufer in der Wüste

Ich habe den Schauspieler Klaus Kinski nie ausstehen können, und seine jüngst bekannt gemachten sexuellen Vergehen an seiner Tochter Pola haben mich höchstens in ihrem Ausmaß überrascht, nicht als Faktum. Allerdings liegt das nicht daran, dass mir irgendwelche Charakteranlagen des „Menschen“ Kinski schon immer verdächtig gewesen wären – auf dieser Ebene zu spekulieren, ist müßig –, sondern weil die von Pola Kinski geschilderte Gewalttätigkeit letztlich mit der Idee vom Schauspieler vernäht sein dürfte, die aus Kinskis Filmen und Schallplatten spricht. Diese Gewalt hat Methode und Geschichte, und darum lohnt es, ein paar Gedanken auf ihre Herkunft zu verwenden. Es ist, und zwar vor allem anderen, diese Stimme: eine Stimme, die bestimmen will und von der man buchstäblich bestimmt werden soll, so wie man beschallt oder beschmutzt werden kann. Kein Zufall, dass Kinski, der zuerst als Rezitator bekannt wurde, zu seinen Idolen die Stimmstars des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts zählte: die Burgtheaterschauspieler Josef Kainz und Alexander Moissi, deren Singsang um die Jahrhundertwende von einer ganzen Künstlergeneration als hypnotisch und betörend erlebt wurde. Nur wenige waren jedenfalls so hellsichtig bzw. ‑hörig wie Karl Kraus, der über die Kainz-Jünger ätzte: „Eine klangreiche, immer vibrierende Stimme hat sie in Tiefen und mystische...

Zum Fall Kinski

kirschs kontexte: Reichsdeutscher Erdbeermund

Es darf Dynamit in einer solch ungleichen Beziehung von Verleger und Autor vermutet werden, eine schwer nach außen vermittelbare Gemengelage von Abhängigkeit und Auflehnung, dem Gefühl, nicht genug geliebt oder (und) ausgebeutet zu werden. Da bleibt in der Regel mehr unausgesprochen als ausgesprochen wird. Umso erstaunlicher ist es, dass der nun erschienene Briefwechsel zwischen Verleger Siegfried Unseld und Autor Peter Handke zwischen 1965 und 2002 fast 800 Seiten umfasst – und auf den meisten Seiten zeigt sich das Verleger-Autor-Verhältnis frappierend freundschaftlich. Ein glücklicher Fall von Vater- Sohn-Ersatzbeziehung? Handke, gerade Anfang zwanzig, darf sich einiges leisten an unbedarfter Ungestümheit, die ihm Patriarch Unseld gern verzeiht, erfreut er sich doch am Talent des jungen Mannes, der ihm 1965 „Die Hornissen“ anbietet. Ja, das gibt es, oder besser, das gab es: Ein Verleger freut sich – platonisch gesprochen – an der Buchwerdung eines Manuskripts. Es bestätigt ihn darin, dass er eben nicht nur dazu da ist, den Gewinn der Buchproduktion zu maximieren. Er ist auch Welthelfer des Besonderen. Im Anonymen entsteht gar nichts. Das Persönliche jedoch wird zur Gefahrenzone, in der Außerordentliches entsteht. Das ist das Erfolgsgeheimnis des Suhrkamp Verlages unter Siegfried Unseld. Das briefliche Gespräch zwischen Unseld und Handke erinnert an jenes...

Frontmann Hamlet

Assoziationen

Theater

Staatsschauspiel Dresden

Macbeth

Searching for William

Theater der Zeit 12/2016

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Woods of Birnam

Neuerscheinungen im Verlag