Christian Friedel, „Frontman Hamlet“ lautete 2013 der Titel unserer Märzausgabe von Theater der Zeit, in der wir Sie zum ersten Mal nicht nur als Schauspieler, sondern auch als Musiker porträtierten. Ihr Hamlet ist in der Inszenierung von Roger Vontobel am Staatsschauspiel Dresden Sänger einer Band, Ihrer Band: Woods of Birnam, die wiederum nach dem berühmten Wald in „Macbeth“ benannt ist. Nun geht es mit Ihrem neuesten Projekt „Searching for William“ weiter. Sie kommen von Shakespeare offenbar nicht los. Mich hat die Welt Shakespeares schon als Kind gefesselt, diese Geschichten, die ja auf der einen Seite immer etwas Fantastisches haben wie der Geist in „Hamlet“, der sagt „du musst mich rächen“. Das hat durchaus etwas von Fantasy-Blockbuster-Kino. Auf der anderen Seite gibt es diese unglaublich starke Sprache, die beim mehrmaligen Hören und jetzt auch Sprechen mit einem reift. Wenn man älter wird, entdeckt man die ganzen Komplexitäten und Widersprüchlichkeiten, die in den Figuren liegen. Warum aber die Verbindung mit Musik? Ich habe Musik und Schauspiel immer parallel gemacht, die Theatralität ist daher unweigerlich Teil meiner Musik geworden. Als wir 2011 in Dresden unsere Band gründeten, stießen beide Welten, Theater und Musik, in einer neuen Komplexität konstruktiv aufeinander. Unser Bandname Woods...

Christian Friedel, Schauspieler und Sänger der Band Woods of Birnam, über sein Konzert- Theater-Hörspiel-Projekt „Searching for William“ im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Something is rotten

„Entschwundene Orte, vergessene Namen, verblassende Leidenschaften – ich habe versucht, sie an unseren Tisch zu holen, bevor es kalt wird in Deutschland“, schreibt Jutta Voigt im Vorwort ihres Buches, und man fragt sich, wo dieser Tisch heute stehen mag, nachdem Bars wie das Espresso, die Möwe und selbst der Lampion seit Langem verschwunden sind. Vielleicht in der Kantine der Volksbühne Berlin, dem letzten Keller der Boheme Ost, der noch nicht totglanzsaniert ist. Theater spielen eine wesentliche Rolle in dieser unterhaltsamen Sub-Kulturgeschichte eines verschwundenen Landes. Vor allem das Berliner Ensemble, in dessen Nähe die legendären Bars und Boutiquen zwischen Friedrichstraße und Chausseestraße lagen, vom Trichter bis zum Café Esterhazy. Jutta Voigt beschwört die Erinnerungen an deren berühmte Gäste und Wirte, an Schauspieler und Regisseure, Tänzerinnen und Dichter, Maler und Fotografinnen, von denen heute viele unter dem begehrten Rasen des Dorotheenstädtischen Friedhofs liegen. Ihre Porträts und Momentaufnahmen verdichten über 40 Jahre Kunst- und Theatergeschichte zu einer langen, rotweinseligen Premierenfeier, auf die vor allem in den siebziger und achtziger Jahren zunehmend verkatertes Erwachen folgte. Auch das verschweigt die Autorin nicht, die seit jungen Jahren als Journalistin des Sonntag in der Szene zu Hause war: Es gab bald mehr Sex und Suff als Erotik...

Jutta Voigt: Stierblutjahre. Die Boheme des Ostens. Aufbau Verlag, Berlin 2016, 272 S., 19,95 EUR.

Aus dem Leben der Boheme Ost

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Später Nachmittag in der Kantine des Hamburger Schauspielhauses. Niemand sitzt hier um diese Zeit außer uns. Doch, da ist jemand, eine Maus huscht unter den Tischen hindurch. Ratte wäre schlimmer, da sind wir uns einig. Lina Beckmann gehört zu einem Typus Schauspielerin, den es eigentlich gar nicht mehr gibt. Als Schauspielerin sei sie immer auf der Suche nach einem Wesen, das sie beschützen könne. Sie besteht im Spiel auf der...

Die Schauspielerin Lina Beckmann verbindet die kindliche Freiheit des Spiels mit einer erwachsenen Lust an der Verwandlung

Suche nach dem verlorenen Paradies

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Hier ist alles Täuschung und Tarnung. Das fängt schon beim Bühnenbild von Katharina Philipp an, die einen riesigen Aktenschrank mit vielen gleich großen Türen entworfen hat, der sich nicht nur über die Rückwand, sondern auch über den Boden erstreckt, was für Verwirrung sorgt. Denn so ist unklar, wo oben und wo unten ist. Mit dieser Perspektivverschiebung wird ein Spiel getrieben – wie mit vielem anderen in dieser Inszenierung. Die Szenerie passt zu Daniel Kehlmanns Roman „F“, den Clara Weyde im Theater am Alten Markt in Bielefeld kongenial auf die Bühne bringt. Die junge Regisseurin hat nach einem Studium an der Theaterakademie Hamburg unter anderem am HAU in Berlin, am Thalia Theater in Hamburg und am Theater Bremen inszeniert. Im vergangenen Jahr wurde sie für ihre Realisierung von B. Travens „Das Totenschiff“ mit dem Start-Off-Preis des Hamburger Theater Lichthof, der Hamburgischen Kulturstiftung und der Theaterakademie Hamburg ausgezeichnet. Mit Dramaturgin Katrin Enders hat Weyde die Romanhandlung gestrafft. Sie lassen Schlenker in der Handlung aus, streichen Nebenfiguren und montieren den Text teilweise anders als im Buch. So konzentriert sich das Stück geschickt auf den Kern der Geschichte, auf die Katastrophe, die sich hier nach und nach anbahnt und aus der Sicht der Brüder...

Theater Bielefeld: „F“ (UA) nach dem gleichnamigen Roman von Daniel Kehlmann. Regie Clara Weyde, Ausstattung Katharina Philipp

Bielefeld: Doppelter Boden

Sie war „eine hervorragende Anwältin der Kultur“, konstatierte der Erste Bürgermeister der Freien und Hansestadt Hamburg Olaf Scholz. Sie war „eine empathische Kämpferin“ in Sachen Kulturpolitik, ist in der Pressemitteilung des Deutschen Kulturrates zu lesen, und Kulturstaatsministerin Monika Grütters bekundet aus dem Bundeskanzleramt: „Sie war eine Autorität“, die hartnäckig ihre Ziele verfolgt und sich mit Kompetenz für die Künste eingesetzt habe. Die deutsche Kulturlandschaft trauert um Barbara Kisseler, die am 7. Oktober 2016 nach langer schwerer Krankheit im Alter von 67 Jahren gestorben ist. Kisseler machte eine beispiellose Karriere in Kulturverwaltung und Kulturpolitik. Nach dem Studium der Theater-, Film- und Fernsehwissenschaft an der Universität Köln führte ihr beruflicher Weg vom Bonner Rathaus ins Kulturamt der Stadt Hilden und später an die Spitze der Kulturadministration der Landeshauptstadt Düsseldorf. Von 1993 an war sie zehn Jahre Leiterin der Abteilung Kultur im niedersächsischen Ministerium für Wissenschaft und Kultur, bevor sie 2003 Staatssekretärin für Kultur in Berlin und anschließend Chefin der Senatskanzlei wurde. Von 2011 bis zu ihrem Tod war sie Senatorin und Präses der Hamburger Kulturbehörde. Die parteilose Politikerin genoss in der Kulturszene einen guten Ruf. Sie holte die Intendanten Wilfried Schulz (Schauspiel) und Albrecht Puhlmann (Oper) nach Hannover sowie Intendantin Karin Beier...

Zum Tod der Hamburger Kultursenatorin und Präsidentin des Deutschen Bühnenvereins Barbara Kisseler

Kämpferin für die Kultur

Frühlingstheater

Vor der Kulisse des Drei-Schwestern-Bergmassivs in den Liechtensteiner Alpen schaut die Berliner Schauspielerin Monika Wiedemer in den Sonnenuntergang. Kurze Zeit später steht sie mit ihrer Schwester Claudia auf der Bühne des Kulturhauses Rössle in Mauren. In der umgebauten Scheune spielt sie in Oscar Wildes „Salome“ die Königin Herodias. Streng, schroff, mit weiblichem Machtkalkül stattet die Künstlerin ihre Figur aus. Dabei spielt sie mit Wildes Sprachwitz, verfärbt ihn düster. Klassische Rollen liegen Wiedemer, die sich in tiefe Schichten ihrer Figuren gräbt. In der Produktion des Schaaner Theaters am Kirchplatz, kurz TAK, wirkt sie als Gast mit. Mit dem Stück geht die Bühne auf Tour im Fürstentum. Die Gastspiele in den Dörfern erfordern Höchstleistungen der Techniker. Die Anfahrt ist nicht weit, mit 160 Quadratkilometern Gesamtfläche ist Liechtenstein der sechstkleinste Staat der Welt. In Schaan steht der moderne Bühnenwürfel des TAK vor der spätgotischen Kirche St. Laurentius. 300 Sitzplätze hat das Theater. Weil ab 20 Uhr die Glocken läuten, beginnen die Vorstellungen um 20.09 Uhr. Da sind die Katholiken streng. In der 6000-Einwohner-Stadt wagt der deutsche Dramaturg und Theaterwissenschaftler Thomas Spieckermann seit 2015 mit 15 Mitarbeitern den ästhetischen Aufbruch. Er holt Gastspiele des Burgtheaters Wien oder des Deutschen Theaters Berlin ebenso ans Haus...

Intendant Thomas Spieckermann vernetzt Künstler aus Europa am TAK Theater Liechtenstein

Ästhetischer Aufbruch in den Bergen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Neben den Aufführungen, den Begleitprogrammen und einem Theaterskandal wird das diesjährige Theaterfestival MESS in Sarajevo auch mit seinem Plakatsujet in der kollektiven Erinnerung des Festivalpublikums dieser kalten Oktobertage bleiben: Donald Trumps strenger Blick lauert drohend hinter den vier Buchstaben, die als bosnische Abkürzung für das „Festival für junge und experimentelle Bühnen Sarajevo“ stehen. Seine blonde, fragil wirkende Haarpracht dominiert das Bild und verweist in nahezu jeder Ecke der bosnischherzegowinischen Hauptstadt nicht nur auf das Festival, sondern auf die dunklen Zeiten, in denen wir leben. Der politische Rechtsruck, noch vor einigen Jahren als Damoklesschwert und dystopische Warnung in den europäischen Theatern verarbeitet, ist heute kein düsteres Zukunftsszenario mehr, sondern Realität. Das Plakatmotiv mit Trump ist eine ironisierende Erinnerung an den nationalistischen, homophoben und chauvinistischen republikanischen Präsidentschaftskandidaten. Wobei bei der Auswahl des Motivs sicher kaum jemand daran geglaubt hätte, dass er tatsächlich wenige Wochen später der gewählte Präsident der USA und somit einer der mächtigsten Menschen der Welt sein würde. Seine immense Popularität und die gewonnene Präsidentschaftswahl sind Zeugnis einer Gesellschaft, die sich angesichts der Krisen leichter denn je von simplen populistischen Lösungsvorschlägen verführen lässt. Gegenwärtige globale Krisen und deren Diskurse auf den Bühnen bilden den kuratorischen Schwerpunkt des diesjährigen MESS, welches...

Krisen, Kriege, Theater – und Trump: Zur 56. Ausgabe des Theaterfestivals MESS in Sarajevo

Primitiver Herrscher im Frack

Alles total anders

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Berliner Chaos-Tage

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Pollesch ohne Pollesch

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

TdZ on Tour

Ein Stern ist aufgegangen über Memmingen. Das neue Logo des Landestheaters Schwaben ist fünfzackig, wie der rote Stern, der den Menschen den Weg in eine bessere Welt weisen sollte. Nur ist er in diesem Fall nicht rot, sondern im Rautenmuster funkelnd, schwarzweiß zwar, aber an die bayerische Flagge muss man schon auch denken, wenn man ihn sieht. „Der Stern“, erklärt Kathrin Mädler, die neue Intendantin in der 43 000-Einwohner-Kleinstadt im schwäbischen Teil Bayerns, „hat für mich eine doppelte Bedeutung. Er steht für die Magie, die Poesie und das Lebendige von Theater, das die Menschen nach wie vor auf eine Weise berühren kann wie keine andere Kunstform – davon bin ich überzeugt! Er steht aber auch für ein kämpferisches, politisches Theater, das wir hier natürlich auch machen wollen. Ein Theater, das sich mit der Welt auseinandersetzt, in der wir leben.“ Mädler sitzt in ihrem Büro, an den Wänden Inszenierungsfotos ihrer früheren Stationen als Dramaturgin und Regisseurin (v. a. Nürnberg und Münster), die darauf warten, bald von Memminger Theaterbildern ersetzt zu werden. An der Türe außerdem ein Filmposter: Quentin Tarantinos „Kill Bill“. Könnte auch das Theater etwas Tarantino vertragen? „Unbedingt!“, sagt Mädler lachend. Es ist ein Lachen voll ansteckender Zuversicht, und ihre...

Mit Poesie und Politik in die Gegenwart – Kathrin Mädler ist die neue Intendantin am Landestheater Schwaben in Memmingen

Tarantino fürs Theater

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Nationalsozial-charaktermasken

Autoren Dezember 2016/Vorschau

Editorial

Samtener Schutzraum

Darwin-Theater

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Wenn König Peter vom Reiche Popo in seiner Ratlosigkeit verkündet, die Sitzung des Staatsrats sei aufgehoben, versteht er das Wort „aufheben“ nicht im Hegel’schen Sinn. Er will einfach sagen, dass die Sitzung beendet sei. In Philipp Preuss’ Inszenierung steckt unter der weißen Louis-XIV.-Perücke des Königs kein anderer als dessen Sohn Leonce, beide, König und Sohn, gespielt von Fabio Menéndez: So amtsmüde der eine ist, so heiratsmüde gibt sich der andere. Sie unterscheiden sich durch ihre Intelligenz: Der Alte strunzdumm, der Junge trotz seiner habituellen Melancholie hellwach. Zu DDR-Zeiten gab der Staatsrat eine treffliche Vorlage für bissige Politsatire, aber das ist nicht mehr das Thema der Mülheimer Aufführung, die ganz auf der Höhe der Zeit ist. Sie bespielt – hochvirtuos – den Automatenkomplex: die Fernsteuerung des Einzelnen durch Algorithmen, durch die Macht des Netzes in einer globalisierten Welt. Schon Büchner macht sich über den Automatenbetrieb lustig, wenn er Leonce und Lena, dem Wunsch des Königs gemäß, „in effigie“, also als Abbild verheiraten lässt. Aber nicht nur das: Bereits Büchners kostbare Sätze haben etwas Automatenhaftes. Ganz ungeniert geben sie sich als Collage aus allen erdenklichen Quellen, ein Bonmot jagt das andere, gut geklaut ist halb gewonnen. Preuss unterstreicht das, indem er ab...

Theater an der Ruhr: „Leonce und Lena“ von Georg Büchner. Regie Philipp Preuss, Ausstattung Ramallah Aubrecht

Mühlheim: Man kriegt, was man flieht

Angstlos! Heimatlos?

Rot ist die Schreibmaschine, die auf der Bühne die grau-grüne Konkurrentin blass aussehen lässt. Ist Rot demnach das farbliche Mittel der Wahl, um sich in Szene zu setzen oder aber von sich abzulenken? Darüber könnte man lange sinnieren im Hinblick auf den 1942 geborenen Schweizer Hermann Burger, der 1989 Suizid begangen hat. Dieser Autor setzte sich gerne in Szene: Er liebte Schlapphüte, Zigarren, Zaubertricks und schnelle Autos. Wie seinen Ferrari. Einen roten, der an der Tankstelle mitten in der Stadt stets Bewunderer anlockte. Nicht verwunderlich, dass über Burger im (heute) etwas über 20 000 Einwohner zählenden Aarau geklatscht und getratscht wurde. Diese Stadt ist Hauptort des Kantons Aargau und wird von Hermann Burger im Roman „Lokalbericht“ aufs Korn genommen. Obwohl 1970 geschrieben, ist Burgers Erstling erst im Oktober diesen Jahres veröffentlicht worden: Ein literarischer Paukenschlag, weil darin bereits zentrale Motive seines späteren Schaffens enthalten sind – das Reflektieren über das eigene Schreiben, das Spiel mit Realitätsebenen und literarischen Zitaten, die wechselnden Erzählperspektiven und die mäandernde, sich in Schachtelsätzen ausdrückende Sprache, die keine Angst vor brillanten Kalauern kennt. „Lokalbericht“ verdient gelesen zu werden – zu Hause. Doch gehört der Roman, sagt Peter-Jakob Kelting, Künstlerischer Leiter des Theaters Tuchlaube, auch zwingend auf...

Theater Tuchlaube: „Lokalbericht“ (UA) nach Hermann Burger. „RadioMoos“ (UA) von Ruedi Häusermann.

Aarau: Mit Schlapphut und Ferrari

„What / a / world!“ Ich bekomme jetzt noch Gänsehaut, wenn ich mich in die Neue Galerie Graz zurückversetze. Am Ende der musikalischen Führung „Mikrokosmos“ von vier Sängerinnen und Sängern durch Räume des Museums (Landschaftsmalerei, Naturidyllen, Orientalismus, Impressionismus aus den Jahren 1800–1950) stehen sich Starr Busby und Jonathan Hoard im lichtdurchfluteten Vorraum gegenüber und arbeiten sich stimmlich an dieser Phrase ab. Es ist eine Referenz auf Louis Armstrongs Song, nur ist das Wundervolle abhandengekommen. Mal wird dem Klang der einzelnen Silben ganz sanft nachgelauscht, mal wird er mit aller Kraft aus ihren Körpern herausgepresst; mal im Stimmduell, mal im Einklang. Busbys und Hoards körperliche Verausgabung transportiert alle Zwischennuancen von Euphorie bis Entsetzen. Diese Zerrissenheit resoniert mit dem Mikrokosmos der Institution Museum und mit jedem einzelnen, Bild gewordenen Mikrokosmos im Gang der Ausstellung. Was ist das für eine Welt? Es ist nicht zuletzt die hegemoniale, weiße, westliche Welt des Kolonialismus, die uns die vier schwarzen Sängerinnen und Sänger aus den USA mit ihren zwischen Blues und Gospel changierenden, Klang gewordenen, alternativen Bildbeschreibungen im ansonsten stillen Kunsttempel als eine befremdliche gegenüberstellen. Damit trifft diese Performance, die mit Abstand zu den besten und nachhaltigsten des Eröffnungswochenendes des diesjährigen Festivals steirischer herbst gehört, thematisch...

Der steirische herbst in Graz arbeitet an neuen kulturellen Kartografien

Was für eine Welt!

„Kopf ab! Kopf ab!“, rufen die Zuschauer im Chor, sie folgen als Volk den auf Pappschildern hochgehaltenen Anweisungen der Spieler. Das Musiktheaterkollektiv Hauen und Stechen bearbeitet Giacomo Puccinis letzte Oper, „Turandot“. Die titelgebende Prinzessin lässt alle Brautwerber hinrichten, die ihre Rätsel nicht lösen können. Also: Kopf ab. Als nun aber der persische Prinz an der Reihe ist, weckt sein wunderschönes Aussehen doch Zweifel an der Notwendigkeit und vor allem Nützlichkeit der Enthauptung. „Gnade!“, schreit das Volk. „Gnade!“ Und der junge Beobachter Kalaf ist von unterschiedlichsten Empfindungen schwer verwirrt. „Turandot ist böse“, sagt er zuerst. Doch dann: „Turandot ist schön.“ Der Wechsel des Gemüts ist aber objektiv, Turandot ist beides: eine Einheit von Grausamkeit und Schönheit. Das Schöne und die Gewalt im Musiktheater ist das Thema des Festivals „In Schönheit sterben“, das vom 20. bis 23. Oktober an der Neuköllner Oper in Berlin stattfand. Im Vorfeld hatten die Neuköllner Oper und Theater der Zeit eine Befragung zum Potenzial des gegenwärtigen Musiktheaters durchgeführt, deren Ergebnisse auf <a href="http://neukoellneroper.de/discussion/" target="_blank">http://neukoellneroper.de/discussion/</a> einzusehen sind. So formulierte der Dramaturg Thomas Wieck im Hinblick auf diese Frage, dass „die Musiktheaterproduktionen einen verständlichen, sinnlich erfahrbaren Widerstand lustvoll musikalisch und szenisch produzieren (müssten), der die Zuschauer anregt, Lust auf Widerrede zu...

Beim Festival „In Schönheit sterben“ der Neuköllner Oper wird das Musiktheater auf dessen politische Relevanz hin befragt

Puccini beim G8-Gipfel in Genua

Schreckensmeldung aus Düsseldorf: Wie Ende Oktober zu erfahren war, ist das schon länger nicht mehr bespielbare Schauspielhaus am Gustaf-Gründgens-Platz derart marode, dass SPD-Oberbürgermeister Thomas Geisel bereits darüber nachdenkt, die Sanierung des Traditionshauses einem privaten Investor zu überlassen, der die Immobilie auch anderweitig nutzen könnte. Auch in Frankfurt, Stuttgart und Köln, wo man es mit ähnlichen Halbruinen zu tun hat, gab es Querelen; aber Geisels Gedankenspiel erreicht hier deutlich eine neue Qualität. Nun steht für mich außer Frage, dass diese Häuser unbedingt gerettet werden müssen und Privatisierungsvorschläge fehl am Platz sind. Allerdings ist es an der Zeit, sich nicht nur zu empören, sondern auch das Menetekel zu erkennen: Gerade wer um den Zustand der städtischen Theaterzentralen besorgt ist, wird sich der Tatsache stellen müssen, dass ihre ruinöse Verfassung sich nicht von einem radikalen Umbau der städtischen Zentren und der (europäischen) Stadtgesellschaften überhaupt trennen lässt, der als solcher nicht rückgängig gemacht werden kann. Im Gegenteil: Dieser Prozess dürfte in den nächsten Jahren nur noch an Fahrt aufnehmen, und wer anderes behauptet, gerät schnell in die Nähe anderer „Besorgter“, wie sie sich seit geraumer Zeit auf dem Theaterplatz (kein Zufall!) in Dresden als „das Volk“ ausgeben. Umso wichtiger ist darum aber die Erinnerung...

Düsseldorfer Gedankenspiele

kirschs kontexte: Wer kauft uns das Theater ab?

Kein anderer Autor hat den bürgerlichen Lebensstil, die Rituale, die Redensarten und nicht zuletzt auch den Utopieverlust der alten Bundesrepublik in ihrer Spätphase präziser erfasst, durchleuchtet und diagnostiziert als der 1944 im Osten des Landes geborene, aber im Westen sozialisierte Botho Strauß. Zunächst als blutjunger Kritiker bei Theater heute, später als Dramaturg bei Peter Stein an der Schaubühne am Halleschen Ufer, lernte dieser Hochbegabte den Umgang mit dramatischen Texten; sein Sensorium für Töne und Zwischentöne half ihm, seinerseits ein Stückeschreiber, und das heißt in diesem Fall: ein Verfasser hochenergetischer (und oft hochkomischer) Dialoge zu werden. Manches von dem ist inzwischen schon wieder in Vergessenheit geraten, die Zeiten haben sich geändert. Das Schauspiel Köln machte sich die Mühe, ein frühes, nämlich das vierte Bühnenstück von Strauß, „Groß und klein“ aus dem Jahr 1978, auszugraben und der jungen Regisseurin Lilja Rupprecht anzuvertrauen; unabhängig davon, ob man das Ergebnis für mehr oder für weniger gelungen hält (für beides gibt es Gründe), ist allein das schon ein Verdienst. Strauß verlässt in diesem Stück erstmals den inneren Zirkel des Kunst- und Kulturbetriebs und stellt eine einzelne Figur in den Mittelpunkt: die Lotte aus Remscheid-Lennep, getrennt lebend, arbeitslos, auf einer sonderbaren, anscheinend von keiner Rationalität...

Schauspiel Köln: „Groß und klein“ von Botho Strauß. Regie Lilja Rupprecht, Bühne Anne Ehrlich, Kostüme Annelies Vanlaere

Köln:  Die einsame Lotte

Meldungen

Ran ans Märchen! 

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Der am Berliner Maxim Gorki Theater arbeitende Regisseur und Autor Hakan Savas Mican hat ein Stück über Magdeburg geschrieben und dafür das sozio-ästhetische Know-how von seinem Stammhaus sowie dem davor, dem Ballhaus Naunynstraße, mitgebracht. Das betrifft sowohl die Arbeitsweise, sich über persönliche Geschichten der Darsteller und eigene Recherche dem Gegenstand zu nähern, als auch die Form: eine recht lockere Collage mit Musik und einer Videoebene zu verbinden, die weitgehend Magdeburger Stadtlandschaften zeigt. Mican ist ausgebildeter Filmregisseur. Das Erstaunliche bei dieser Arbeit ist, wie das etablierte Genre Stadtporträt, oft als knackige Revue inszeniert, zu einem poetischen Gebilde aus Stimmungen und Mentalitätslagen umgeformt wird, das zwar keine richtige Geschichte und auch nicht die Geschichte der Stadt erzählt, aber doch so etwas wie einem roten Faden durch die Gegenwart folgt. Dem Regisseur ist die vielleicht unbekannteste Landeshauptstadt Deutschlands – die sich derzeit dennoch als Europäische Kulturhauptstadt ins Spiel bringt – offenbar nicht vertraut. Er nimmt zunächst das Motiv der Leere auf, ein Vakuum in dieser seit dem Zweiten Weltkrieg mehrfach umbrochenen Stadt, das zugleich auch an jenes Vakuum der Halbkugeln Otto von Guerickes erinnert, der als Physiker und Ikone Magdeburgs weithin bekannt ist. Auf der Bühne muss dieser leere „Raum“, durch den die...

Theater Magdeburg: „Die Stadt der Fahrraddiebe“ (UA) von Hakan Savas Mican. Regie Hakan Savas Mican, Bühne Sylvia Rieger, Kostüme Miriam Marto

Magdeburg: Die Wehmut in den Straßen

Figurationen im Film

Frau Grütters, nach Ihrer ersten Theaterreise im vergangenen Jahr in den Westen, ging es diesmal in den Osten. Welche neuen Erkenntnisse haben Sie dort gewonnen? Es war mir ein großes Anliegen, mich bei meiner zweiten Theaterreise über die aktuelle Arbeit der Theater gerade in den östlichen Bundesländern zu informieren. Im Vergleich zum Westen der Republik gibt es im Osten viel mehr Bühnen, auch viele kleine und mittlere. Um gerade diese Theater jenseits der Metropolen zu stärken, hat mein Haus im vergangenen Jahr den Theaterpreis des Bundes vergeben. Ich habe bei dieser zweiten Reise – in die Region, in die kleinen Orte – eine noch größere Nähe zu den Theatern mit ihren existenziellen Nöten empfunden. Hautnah war zu erleben, dass viele Häuser um Anerkennung und Wertschätzung, ja teilweise um ihr Überleben kämpfen. Gleichzeitig war es dann auch berührend zu sehen, wie zum Beispiel das Senftenberger Publikum mit seinem Theater über Wochen das 70. Jubiläum feierte: Das Theater wurde dort zum großen gesellschaftlichen Ereignis! Für mich war dieser Einblick in die regionalen Besonderheiten der Häuser eine wertvolle Erfahrung. Bei der Gesprächsrunde in Chemnitz wurden viele Problemfelder angesprochen, über sinkende Zuschauerzahlen, die abnehmende institutionelle Förderung, die Privatisierung zahlreicher Bühnen, Outsourcing der Werkstätten, Haustarifverträge,...

Was macht das Theater, Monika Grütters?

Der Notfall als Prinzip

Die digitale Masse

Das vierte Rodeo-Festival in München vergisst vor lauter Vernetzung seinen eigentlichen Anlass – die Förderung der freien Szene vor Ort

Neuer Ritt, neues Glück?

Das Theater mit den Finanzen

Nina Gummich ist gerade 25 Jahre alt und auf gewisse Weise schon eine alte Häsin. Sie hat seit dem vergangenen Jahr ein Engagement am Hans Otto Theater in Potsdam – und hat bereits in 25 Filmen mitgewirkt. Den ersten drehte sie, als sie acht Jahre alt war. Ein Film, in dem eigentlich ihr Stiefvater, der Schauspieler Hendrik Duryn, mitspielen wollte und sie testweise mit zu den Proben nahm – nur...

Nina Gummich spielt ohne Rückhalt – erschütternd traurig und komisch zugleich

Tanne, nadellos

Die performative Baustelle

Premieren: Dezember 2016

Staatstheater Nürnberg: Globaler Zelluntergang

Ivan Medenica, Sie haben mit der 50. Ausgabe das renommierte BITEF-Festival übernommen und somit eine große Geschichte des internationalen Theaters im Rücken. Was hat Sie in diesem Zusammenhang am meisten beschäftigt? Das Beogradski Internacionalni Teatarski Festival BITEF steht seit seiner Gründung 1967 in der Tradition, sich mit den Zuständen in Europa auseinanderzusetzen. Europa war geteilt in zwei auch kulturell gegeneinander gesetzte Blöcke, und das blockfreie Jugoslawien konnte in der Welt des Theaters mit dem BITEF ein einzigartiges Festival der Begegnungen zwischen Künstlern aus Osteuropa und dem Westen etablieren. Damals kam die amerikanische Avantgarde, Leute wie Richard Schechner, Peter Schumann, später auch Robert Wilson, nach Belgrad und traf auf Regisseure aus der Sowjetunion, der DDR oder Rumänien. Jerzy Grotowski sah das Living Theatre erstmals hier in Belgrad, worauf, so die Legende, seine amerikanische Karriere folgte. Dieser Austausch war immer eine Säule des BITEF. Die andere war, neueste Entwicklungen und Formen des Theaters zu zeigen. Gerade diese Tradition gilt es unbedingt fortzusetzen. War Ihre Berufung auch Anlass für eine Neuausrichtung? Ich möchte zunächst daran erinnern, dass dieses Festival durch schwierige Zeiten gegangen ist. Das Ende des Kalten Kriegs hatte zwangsläufig eine Neuorientierung des BITEF zur Folge, aber es kamen noch die jugoslawischen...

Ivan Medenica, der neue Leiter des Belgrader Theaterfestivals BITEF, im Gespräch

Von Jugoslawien in das Europa von heute

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Theater ist überlebensnotwendig

Frau Grütters, nach Ihrer ersten Theaterreise im vergangenen Jahr in den Westen, ging es diesmal in den Osten. Welche neuen Erkenntnisse haben Sie dort gewonnen? Es war mir ein großes Anliegen, mich bei meiner zweiten Theaterreise über die aktuelle Arbeit der Theater gerade in den östlichen Bundesländern zu informieren. Im Vergleich zum Westen der Republik gibt es im Osten viel mehr Bühnen, auch viele kleine und mittlere. Um gerade diese Theater jenseits der Metropolen zu stärken, hat mein Haus im vergangenen Jahr den Theaterpreis des Bundes vergeben. Ich habe bei dieser zweiten Reise – in die Region, in die kleinen Orte – eine noch größere Nähe zu den Theatern mit ihren existenziellen Nöten empfunden. Hautnah war zu erleben, dass viele Häuser um Anerkennung und Wertschätzung, ja teilweise um ihr Überleben kämpfen. Gleichzeitig war es dann auch berührend zu sehen, wie zum Beispiel das Senftenberger Publikum mit seinem Theater über Wochen das 70. Jubiläum feierte: Das Theater wurde dort zum großen gesellschaftlichen Ereignis! Für mich war dieser Einblick in die regionalen Besonderheiten der Häuser eine wertvolle Erfahrung. Bei der Gesprächsrunde in Chemnitz wurden viele Problemfelder angesprochen, sinkende Zuschauerzahlen, die abnehmende institutionelle Förderung, Haustarifverträge, die zum Nachteil der Beschäftigten sind, fehlendes Geld...

So ein Publikum ist ja stets erst einmal ausgedacht, habe ich mir sagen lassen. Manche Theaterleute machen sich zu genaue Vorstellungen. Sie wissen dann schon, wer da sitzen wird und packen ihre Argumente aus. Es folgen genaue Beschreibungen inmitten eines Produktplans oder sie folgen doch eher nicht. Jedenfalls muss man die Häuser vollkriegen, sind sich alle einig, aber ab wann beginnen sie, wirklich voll zu sein? Wir alle wissen, solche...

Über das Publikum und den Rest der Welt

Ausgerechnet Zuschauer

Brennender Schatten

Staatstheater Mainz: Apfelstrudel aus der Tube

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

Eine Wette auf die Zukunft

Als Manfred Krug 1977 die DDR verließ, hörte er auf jung zu sein. Mit 40 Jahren begann im Westen das Nachleben, vor allem mittels Fernsehserien („Auf Achse“, „Sesamstraße“, „Tatort“, „Liebling Kreuzberg“). Es folgten auch selbst geschriebene kluge Bücher wie „Abgehauen“ (1996) und „Mein schönes Leben“ (2005). Aber das Eigentliche lag davor, in den sechziger und frühen siebziger Jahren. Krug in „Auf der Sonnenseite“, „Beschreibung eines Sommers“, „Weite Straßen, stille Liebe“ und vor allem „Spur der Steine“ von Frank Beyer, jenem Film, den 1966 in der DDR nur wenige zu sehen bekamen, so schnell wurde er wieder verboten. Seine Rolle darin: der Arbeiter als charmanter Cowboy, bei dem man immer damit rechnen muss, dass er schneller als sein Gegenüber den Colt zieht, also eine böse Pointe abschießt. Krug als kraftstrotzender Anarchist Balla auf der Großbaustelle Schkona belebt die betongraue Ordnung in der DDR nach dem Mauerbau. Da ist jemand von Natur aus frei, hat vor nichts und niemanden (höchstens vor schönen Frauen) Angst – so einen Typ wie ihn gab es vorher und nachher nicht in der DDR. Mit dem Erscheinen von Manfred Krug wurde die von Parteibürokraten regierte DDR plötzlich poetisch: eine Verheißung. Man denkt an Jean Gabin, Jean-Paul Belmondo...

Zum Tod des Schauspielers und Sängers Manfred Krug

Gestern war der Ball

„Shakespeare ist ein Spiegel durch die Zeiten“, schrieb Heiner Müller. „Der Schrecken, der von Shakespeares Spiegelungen ausgeht, ist die Wiederkehr des Gleichen.“ Shakespeares Welt war geprägt von Grässlichkeiten wie Krieg, Herrschaft und Verblendung, die heute – 400 Jahre nach seinem Tod – nicht völlig fremd geworden sind. „Und kleine Nullen sich im Aufwind blähn / Und Talmi-Ehre hebt man auf den Thron“, heißt es im 66. seiner Sonette, in dem...

R Ä U M E

Was Griechenland ist, wissen wir nicht, immer nur, was es nicht ist. Am häufigsten scheint dabei die Bestimmung: „Italien ist nicht Griechenland“. Den Satz sagten 2011 sowohl der FDP-Fraktionschef Rainer Brüderle als auch der italienische Premier Silvio Berlusconi. Man könnte die Reihe der Negativbestimmungen schier unendlich fortsetzen. Von Polen bis Portugal will niemand eines sein: Griechenland! Warum eigentlich nicht? Weil das Land, das die Demokratie erfand, inzwischen bei Politikern namens Papandreou oder Varoufakis anlangte, die „Troika“ zu einem dubios-neuen Wortsinn fand und Krise etwas zu sein scheint, mit dem das Finanzkapital nach Belieben Politik jenseits der Politik betreibt? Volker Braun schlägt in „Die Griechen“ einen weiten Bogen: vom Mythos des Minotaurus bis zu Wolfgang Schäuble, von der antiken Tragödie bis zu den Athener Putzfrauen von heute, die den Aufstand gegen das Weg-Gespart-Werden wagen. Brauns Stück ist, was seine Texte seit dem „Hinze-Kunze-Roman“ und der „Übergangsgesellschaft“ immer waren: tradierte Genres aufbrechende Wort-Katarakte. Das abgründige Traktat ist spielbar! Jedenfalls dann, wenn man unter Spiel einen Anwendungsfall jener Reflexion versteht, die die dumpfe Praxis ins Licht rückt. Die Bühne nimmt Regisseur Manfred Karge als Steigerungsmöglichkeit ins Minimalistische. Eine Stuhlreihe muss als Ausstattung (Bühne und Kostüme: Beatrix von Pilgrim) genügen für diesen Transitraum der...

Berliner Ensemble: „Die Griechen (Demos)“ (UA) von Volker Braun. Regie Manfred Karge, Ausstattung Beatrix von Pilgrim

Berlin: Im Zeichen des Minotaurus

Das Ährenfeld als stille Utopie

Schauspiel Essen: Unnachgiebig behutsam

Soll hier ein Kapitel Theatergeschichte pompös ad acta gelegt werden? Die Vielfalt und Herkunft der Projektträger, die hinter der Idee stecken, dem freien Theater in Deutschland ein Archiv zu errichten, spricht dagegen. Im Oktober hatte das Institut für Kulturpolitik der Universität Hildesheim unter dem Titel „Performing the Archive“ zur Konzeptionskonferenz nach München geladen, kurz bevor ein Bericht zu den möglichen Konturen eines solchen Archivs potenziellen Geldgebern vorgelegt werden musste, damit Machbarkeitsund Pilotstudien folgen können. Zu spät also, um noch Handlungsempfehlungen einzuspeisen, die Arbeitsgruppen, etwa aus der darstellenden Kunst selbst, der Theaterwissenschaft oder des Archiv- und Museumswesens vor Ort, erarbeitet haben? Vermutlich nicht, denn das Wissenschaftlerteam, das sich zunächst die harsche Kritik von Claudia Blank vom Deutschen Theatermuseum einfing, bisher komplett an den einschlägigen internationalen Theatersammlungen „vorbei gearbeitet“ zu haben, notierte am Ende der zweitägigen Veranstaltung immer noch weiter Anregungen. Aus lokaler Perspektive befremdlich mutete das „Münchner Modell“ an, das Daniela Rippl vom hiesigen Kulturreferat auf den Verhandlungstisch legte, auch weil darin der kürzlich aus der Förderung gefallene Choreograf Micha Purucker als Paradepferd herumgaloppiert. Warum eine 2013 beim Festival Impulse in NRW geborene und in Niedersachsen administrativ entwickelte Idee ausgerechnet in München weitergesponnen wurde, hängt wohl damit zusammen, dass die Stadt...

„Performing the Archive“ – Die Konzeptionskonferenz für ein Archiv des freien Theaters sammelte in München Ideen

Jedem sein Ding?

Dramaturgie der Solidarität

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

Disappearing Birdie Coonan

Ich hasse es, wenn etwas leicht ist. Dann muss ich es mir schwer machen.“ Was die 1989 geborene Schauspielerin Hannah Müller reizt, sind Zumutungen, Rollen und Stücke, die sie fordern oder gar überfordern: postdramatische Textflächen oder bis an seelischphysische Grenzerfahrungen reichende Inszenierungen. Einmal, so erzählt sie im Gespräch, habe sie für die Uraufführung von Anne Leppers „Mädchen in Not“ in eine Pappfigur schlüpfen müssen. Das bedeutete eingeschränkte Sicht auf das Geschehen und kaum Luft zum Atmen. Dennoch ist gerade der Reiz an neuen Dramen groß. Derzeit ist die schlaksige Schauspielerin mit den dunklen Augen, die immerzu ein wenig hyperaktiv und mit gleichsam poetischer Geste ihre welligen Haaren durchfährt, am Nationaltheater in Mannheim in dem Stück „Kalami Beach“ von Akın E. Sipal zu sehen. Als die von ihr verkörperte Protagonistin Ayda während eines Griechenlandurlaubs schwanger wird, stellen sich ihr auf einmal die existenziellen Fragen des Lebens. Welche Zukunft kann ich mir vorstellen? Bin ich bereit für ein Kind? Dass solche Rollen prägend sind, gibt Hannah Müller offen zu. All ihren Figuren wohnt ein Teil von Hannah inne. Arbeit auf der Bühne versteht sie als Arbeit am eigenen Selbst. Schon seit jeher. In Kindheitstagen schüchtern und ein wenig nerdig (ihre Begeisterung fürs...

Die Schauspielerin Hannah Müller ist auf der Suche nach einem anderen Theater

Die Möglichkeitsdenkerin

Hoffnung schaffen

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Eine Empfehlung für John Le Carrés grandioses Erinnerungsbuch „Der Taubentunnel“ in Theater der Zeit? Hat der je fürs Theater geschrieben? Ja, auch das hat der „Großmeister des Spionageromans“, wie ihn die Times feierte, getan. Aber sein Stück „Endstation“ fand sich selbst anlässlich seines 85. Geburtstages auf keinem Spielplan. Dafür werden seine Romane seit dem legendären „Der Spion, der aus der Kälte kam“, immer wieder neu verfilmt, zuletzt „A Most Wanted Man“ mit Philip Seymour Hoffman und Robin Wright. Filmgeschichte schrieb vor allem die Darstellung des George Smiley durch Alec Guinness, dem der Autor in seinen Erinnerungen ein ganzes Kapitel widmet. Ein Kapitel, von dem die Theaterkritik mal wieder lernen könnte, wie man die Arbeit eines Schauspielers beschreibt: mit der gleichen präzisen Detailkenntnis und kritischen Empathie, mit der sich ein Schriftsteller seinen Figuren nähert. Aber das ist nicht der einzige Grund für diese Empfehlung. Ein ebenso bemerkenswerter findet sich in den vier Kapiteln, die Le Carré unter dem Titel „Das Theater der Wirklichkeit“ versammelt hat und in denen er von der Entstehung seines Romans „Die Libelle“ berichtet. Der Thriller erzählt die Geschichte der jungen englischen Schauspielerin Charlie, die nach einer Reihe von Anschlägen in Europa vom israelischen Geheimdienst angeworben wird,...

John Le Carré: „Der Taubentunnel. Geschichten aus meinem Leben“. Ullstein Verlag, Berlin 2016, 383 S., 22 EUR.

Das Theater des Wirklichen

„Searching for William? (Excerpts)“ Exklusiv-EP

Anfangszeiten der Inklusion

Das ist der Balkan. Hier passiert immer etwas“, sagt Gianina Cărbunariu. Wir sitzen an einem milden Abend in dem Innenhof des Teatri Kombetär in Albaniens Hauptstadt Tirana. Am Ende des Hofes befindet sich ein leeres Schwimmbecken, davor eine Grünfläche, im Hintergrund ragen hohe Bürotürme in die Nacht, neu gebaut oder noch im Bau. Die Anlage, in deren Hof wir uns aufhalten, wurde einst als Erholungsstätte errichtet – für die italienischen...

Eine Reise mit dem Dramatiker Jeton Neziraj durch den Kosovo und Albanien

Kafka auf dem Balkan

Pelagia: Man wirft unserer Generation vor, wir sehen und akzeptieren nur uns selbst. Vielleicht, aber wie sollte es auch anders sein, wenn wir, die Jungen, die einzigen sind, die keine Illusionen haben. Und uns klar ist, dass wir von der Welt, in der wir uns herumtreiben, nichts wissen. Daher unsere Unruhe, unsere Opposition gegen die stabilisierten Normen des Lebens. Bazyli: Was studierst du? Dialog aus Andrzej Wajdas Film „Die unschuldigen...

Zum Tod des großen polnischen Filmund Theaterregisseurs Andrzej Wajda

Unsere Unruhe, unsere Opposition

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

Lars Eidinger, seit 2008 haben Sie über 280 Mal „Hamlet“ gespielt und über 100 Mal „Richard III.“, beides in der Regie von Thomas Ostermeier an der Schaubühne Berlin. Es besteht kein Zweifel, dass Sie derzeit der führende deutschsprachige Shakespeare-Darsteller im Theater sind. Wie ist das, mit Hamlet älter zu werden? Das Positive ist, dass ich merke, wie ich immer virtuoser werde. Ich weiß genau, was erzählt werden soll, und so...

Der Schauspieler Lars Eidinger über seine Konfrontationen mit Shakespeare im Gespräch mit Thomas Irmer

Ich bin nicht Hamlet

„Es muss möglich sein“, so der Performer Julian Meding beim Publikumsgespräch nach der Vorstellung, „dass ein Publikum den Performer und der Performer das Publikum einen ganzen Abend lang ablehnen. Der Abend müsste auch dann funktionieren.“ Der Auftritt von Meding in einer Wolfsmaske, ein degoutierter Tonfall, eine nachlässig weiche Körperhaltung, die Ankündigung eines Berichts privater Lebensgeschichten, auf den man sich jedoch nicht verlassen könne, der Hinweis auf die künstliche Situation des...

Jenseits von Shakespeare – Boris Nikitins und Julian Medings „Hamlet“ in der Kaserne Basel

Die Wirklichkeit der Negation

Guilt-Trip durchs Vogtland

Künstlerinsert: „Searching for William“

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Die Architektur des Kleinen Hauses des Theaters Freiburg ist aufgebrochen. Jana Findeklee und Joki Tewes (Bühne, Kostüme, Video) haben die Guckkastenbühne entsorgt und zur Arena gewandelt. Dieses Bühnenbild ist eine Setzung. Theater total, mit den Zuschauern mitten drin im öffentlichen wie privaten Machtkampf der Häuser York und Lancaster. In Tom Lanoyes und Luk Percevals Textvorlage „Schlachten!“ bleiben Schlachtszenen weitgehend ausgespart. Brutalität und Dynamik entfalten sich in Lanoyes komprimierter Fassung von...

Christoph Frick inszeniert in Freiburg Tom Lanoyes und Luk Percevals „Schlachten!“ als rasante Staffelfolge

Shakespeare am Stück

Deutsch von Zuzana Finger <h3>Von einem kosovarischen Zyniker</h3> Anmerkungen: Es wird empfohlen, außer den Dialogen und anderen Teilen der Handlung auch Regieanweisungen von den Schauspielern sprechen zu lassen. (Die Regieanweisungen, die sich ausschließlich an den Regisseur und die Schauspieler richten, stehen in Klammern.) Das Drama ist für vier Schauspieler, 3 Männer und eine Frau, geschrieben. Veränderungen des Geschlechts der Personen sind möglich und zulässig. In der ersten Aufführung dieses Stücks spielte auf der Bühne außer den vier Schauspielern auch ein Mini-Orchester mit zwei Musikern. Menschen: Fleischer Aktivistin Inspektor EU-Inspektor Kriminaltechniker Kunde Ministerpräsident Serbischer Gegner Tiere: Pferd Milka-Kuh Einheimische Kuh Maus Schwein Schaf Andere Tiere 1. [Im Tony-Blair-Schlachthof. Man hört das Muhen der Kühe, das Wiehern der Pferde und das Gackern der Hühner. Die Schauspieler singen oder rezitieren im Chor.] Europa in tiefer Krise Auch die Krise ist in der Krise Aus Krisen kommen wir, in Krisen gehen wir Krisen sind der Normalzustand von Europa Fick dich, wir haben nie besser gelebt als heute Exit, Brexit, Grexit, und der ganze Quatsch Einige gehen raus wie aus einem öffentlichen Haus Andere wollen rein, aber die Öffnung ist klein Man sagt, das Schicksal kann man nicht ändern Fick dich, noch nie war es...

Ein Theaterstück mit 4 Schauspielern ein paar Schweinen ein paar Kühen ein paar Pferden einem Ministerpräsidenten einer Milka-Kuh und ein paar einheimischen und internationalen Inspektoren

Draußen am Stadtrand Berns, in einem ehemaligen Industriequartier, Vidmar genannt, spielt das Konzert Theater Bern Fassbinders Sozialparabel „Katzelmacher“, und der Besucher aus Berlin denkt sofort, dass dieses Stück hierher gehört. Erster Trugschluss. Der Abend beginnt: Im gleißenden Licht sehen wir die neun Spielerinnen und Spieler wie in Cinemascope aufgereiht in einem rosa Guckkasten à la James Tyrrell (Bühne und Kostüme Aurel Lenfert), der auf zwei Ebenen ein unten und ein oben assoziiert, welches sich jedoch erst in unterschiedlichen Spielstilen herauskristallisiert. Der zweite Trugschluss. Der dritte folgt sogleich, als man sich fragt, wie dieses, einem gewissen „Flachmarktrealismus“ folgende Stück der endsechziger Jahre über den Gastarbeiter Jorgos, der auf eine deutsche Dorfgemeinschaft trifft, heutzutage gegeben werden kann, ohne die rasch nacherzählbare Story ins Reich der Märchen des 19. Jahrhunderts zu verweisen. Hier aber beginnt es spannend zu werden, weil meine Antwort auf einen hochartifiziellen, Betroffenheit konsequent verweigernden Abend hinweist, der die Schwere des Stückes spielend zurücknimmt, ohne den Ernst der Szene zu verraten. In Bern besteht tatsächlich nicht einmal die Gefahr, Opfer jenes verqueren Fotografismus zu werden, der den Blick des Zuschauers verkrampft und demütigt, meist nur, um ihm zu sagen, was man anscheinend schon lange weiß, nämlich wie blöd und elend...

Konzert Theater Bern: „Katzelmacher“ von Rainer Werner Fassbinder. Regie Claudia Meyer, Ausstattung Aurel Lenfert

Bern: Im Kargen das Reiche

Internationale Kooperationen nicht nur zu organisieren, sondern auch deren Bedingungen zu erforschen und Erfahrungen auszuwerten, ist das Anliegen des von der Robert Bosch Stiftung und dem Internationalen Theaterinstitut (ITI) geförderten Programms „Szenenwechsel“. Die länderübergreifende Theaterzusammenarbeit soll nicht auf prestigeträchtige Koproduktionen des großen Festivalmarkts beschränkt bleiben, sie soll sich in Theaterbereiche erweitern, wo man andere Wege geht und dafür auch Unterstützung benötigt. Das Programm steht für eine Offenheit, die nicht gleich auf den Markt zielt, sondern eher die spezifischen Voraussetzungen und Interessen der jeweiligen Theatermacher als Grundlage wahrt – und die gewiss auch andere Erfahrungen in der Zusammenarbeit generiert. 2012 wurden erstmals Projekte im Bereich des freien Theaters durch diesen Fond ermöglicht. 15 Arbeiten aus den Förderrunden 2015 und 2016 wurden nun beim Symposium „Change of Scene. Reframing Cooperation“ im Berliner Kunstquartier Bethanien, Sitz des ITI Deutschland, workshopartig vorgestellt. Als Prinzip gilt, dass eine deutsche Theatergruppe mit einem Partner in Osteuropa, dem angestammten Förderraum der Bosch-Stiftung, ein Projekt entwickelt. Vier Arbeiten fanden außerdem in Ägypten und Algerien statt. Diese Erweiterung wurde in einem Podiumsgespräch zwischen der ägyptischen Kulturmanagerin Basma El Husseiny und der polnischen Kuratorin (u. a. bei der Biennale Venedig) Anda Rottenberg ausgesprochen positiv bewertet. Denn in der zensurartigen Kontrolle...

Das Symposium „Change of Scene. Reframing Cooperation“ bringt im Berliner Kunstquartier Bethanien Projekte des Fonds „Szenenwechsel“ zusammen

Partnering

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

The Ghost, The Voice, The Faceless

Die Zukunft nebenan

„Berühmter Roman“, „ziemlich dickes Teil“, „irgendwas mit Kindfrau“ – nein, wirklich inspirierend klingt das nicht, was da im Bühnen-Off bei einer „Konzeptionsprobe“ gebrainstormt und dahergelabert wird. Doch in dem entspannten Anfangsgeplänkel verschnarchter Ahnungslosigkeiten, mit denen uns Christopher Rüping in den Plot reinziehen will, kommt bald die Rede auf das zentrale Verhältnis zwischen dem 36-jährigen Literaturdozenten Humbert und der zwölfjährigen Dolores, genannt Lolita. Jemand spricht unbedachterweise von „Liebesbeziehung“ – was im Kollegenkreis der „Probe“ sofort heftige Diskussionen auslöst. Und schon sind wir mittendrin im „Lolita“-Komplex. Worum geht es wirklich? Um Liebe, um Kindesmissbrauch, um Wahnvorstellungen, um eine Schauerstory, um Fantasie, um eine fatale Obsession? Die „Lolita“ des Russen Vladimir Nabokov, geschrieben zwischen 1955 und 1957 im französischen, später US-amerikanischen Exil, gilt als Skandal-Roman. Hoch gelobt von den einen, in den Augen anderer nur „hemmungslose Pornografie“. Längst hat sich über dem Werk ein Riesengebirge an Lesarten und Deutungen aufgetürmt. Und wie so oft: Viele empören sich über ein Buch, dessen Inhalt sie gar nicht kennen. Rüping inszeniert aber nicht den Roman, sondern das Drehbuch, das Nabokov für Hollywood-Regisseur Stanley Kubrick geschrieben hatte – der es indes mit sieben Stunden Spieldauer für unrealisierbar hielt und für seinen Film, der 1962 in die Kinos...

Schauspiel Stuttgart: „Lolita – Ein Drehbuch“ von Vladimir Nabokov. Regie Christopher Rüping, Bühne Jonathan Mertz, Kostüme Lene Schwind

Stuttgart: Alpenglühn – und Schnitt!

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

Noch lange nach dem Zweiten Weltkrieg war Italien das riesige Reservoir einer mündlich überlieferten, lebendigen Volkskultur. Alles, was im 20. Jahrhundert auf der Straße oder im Theater, in der Literatur, in der Musik oder im Film passierte, war eingebettet in den weit gespannten Rahmen des „Volkstümlichen“. Das Wort „popolare“ bezeichnete den Schlüssel zu frei herumliegenden, lebendigen Schätzen. Dario Fo war wohl der letzte große Künstler, der von diesem Schlüssel ausgiebig...

Zum Tod des italienischen Theatermachers und Literaturnobelpreisträgers Dario Fo

Schurken, Helden, Heilige

In zwei Dingen muss sich die Bundeshauptstadt Wien der drittgrößten Stadt des Landes geschlagen geben: Linz, strategisch vorzüglich an der schnellen Weststrecke zwischen Wien und Salzburg gelegen, besticht dank der Nibelungenbrücke mit einer imposanten und neidvoll anerkannten urbanen Einbindung der Donau. Und außerdem verfügt die Stahlstadt seit der Auszeichnung als Kulturhauptstadt Europas im Jahr 2009 über ein in Österreich unvergleichlich modernes Musiktheater. Der mühsam erstrittene Bau am Volksgarten (die FPÖ...

Hermann Schneider leitet seit dieser Spielzeit das Landestheater Linz – und hat am Mehrspartenhaus rund 3000 Plätze zu füllen

„Es ist wieder ein Deutscher!“

Die Zuneigung ist wechselseitig: Da ist Neil LaBute, einer der wichtigsten Dramatiker des amerikanischen Gegenwartstheaters. Und da ist das Theater Konstanz mit der nötigen Unaufgeregtheit abseits der Zentren. LaBute schätzt diese Ruhe, zudem die künstlerische Freiheit jenseits der Broadway-Marktmechanismen (siehe Interview TdZ 10/2014). Und Konstanz darf sich freuen, mit Neil LaBute einen außergewöhnlichen Regisseur für die Spielzeiteröffnung gewonnen zu haben. Spannend ist dieses Zusammentreffen allemal: Ein amerikanischer Regisseur inszeniert ein russisches Drama mit einem deutschen Ensemble. Wer sich an hiesiges Regietheater gewöhnt hat, sollte sich zunächst umorientieren. Neil LaBute lässt sich in seiner Inszenierung von Tschechows „Onkel Wanja“ Zeit, viel Zeit. Sein künstlerischer Zugriff wirkt konkret, was Situation und Interaktion betrifft. Lähmung und Stillstand des Landlebens auf dem Gutshof werden schon in der Exposition breit ausgespielt. Im Hintergrund angebrachte Bühnenplakate bebildern den Prozess der Desillusionierung, den die Figuren durchlaufen, vom Birkenidyll zur Baumstumpf-Apokalypse. Onkel Wanja (Sebastian Haase) muss sich eingestehen, das Gut sein Leben lang nicht für einen glänzenden Wissenschaftler bewirtschaftet zu haben, sondern für einen egoistischen, alten Professor (Ralf Beckord). Sonja, die Tochter des Professors (Laura Lippmann), erfährt schmerzhaft, dass ihre Liebe zu dem Landarzt Michail Astrow (Thomas Fritz Jung) hoffnungsloser Schwärmerei gleichkommt. Dieser bewundert nämlich die attraktive Frau...

Theater Konstanz: „Onkel Wanja“ von Anton Tschechow. Regie Neil LaBute, Ausstattung Regina Fraas

Konstanz: Stillstand und Gewalt

Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

Der Kultur-Kahlschlag droht

„Ich möchte theatrale Wahrnehmung lehren“, schreibt C. Bernd Sucher in seinem Buch „Wie es euch gefällt. Der kleine Theaterversteher. Alles, was auf, vor und hinter der Bühne geschieht“. Dieses Vorhaben einzulösen, klingt vermessen, wie Sucher selbst feststellt. Allerdings spricht rein gar nichts gegen den Versuch – und eine Menge dafür. Die Inspiration für das Buch fand Sucher nach eigener Aussage in seiner Diskussionsreihe „Schule der Wahrnehmung“ an der Bayrischen Staatsoper, bei der er gemeinsam mit Zuschauern die Technik der Aufführungsanalyse erprobte. Werturteile blieben erstmal außen vor, vielmehr geht es um eine genaue Beschreibung als Grundlage eines Verständnisses, was dann zum begründeten Geschmacksurteil führen kann. Die Wahrnehmung spielt dabei eine zentrale Rolle, ordnet sie doch die sinnliche Mannigfaltigkeit, die sensorischen Eindrücke, welche den Begriffen erst ihren Inhalt geben und ohne den diese blind wären, wie einst der Philosoph Immanuel Kant bemerkte. Sucher stellt den arbeitsteiligen Prozess einer Inszenierung dar, um verschiedene Ebenen des Bühnengeschehens kenntlich zu machen. Er wirbt um Verständnis für möglicherweise auf den ersten Blick auch unverständliche Inszenierungsideen, zu diesem Zweck werden beispielhaft einzelne Inszenierungen analysiert, wie „Eugen Onegin“ in der Regie von Krzysztof Warlikowski oder Christoph Marthalers Adaption von „Faust“. Suchers Buch ist eine Einführung in das Verstehen...

C. Bernd Sucher: Wie es euch gefällt. Der kleine Theaterversteher. Alles, was auf, vor und hinter der Bühne geschieht. Verlag C.H.Beck, München 2016, 267 S., 16,95 EUR.

Wie es euch gefällt

Assoziationen

Theater der Zeit 3/2013

Frontmann Hamlet

Macbeth

Searching for William

Woods of Birnam

A Party for Will!

Neuerscheinungen im Verlag