Berliner Ensemble: Mit Blitzeinschlag

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Von der Sonne in den Swimming Pool und zurück 

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Liebe lässt die europäische Eiszeit schmelzen 

Volksoper Wien: „Die letzte Verschwörung“ von Moritz Eggert – Regie Lotte de Beer, Dirigat Steven Sloane, Bühnenbild Christof Hetzer, Kostüme Jorine van Beek, Choreographie Otto Pichler <h2>Kurzkritik von Susanne Dressler:</h2> Was für ein Privileg! Man bucht ein Ticket im Theater, lauscht Tönen sowie Worten und freut sich: Der Komponist und Librettist dieses Werkes lebt. Es besteht die Möglichkeit aktuelle Interviews nachzulesen und man erhält Einblicke in die Gedanken, Visionen und das Schaffen des Künstlers. Zeitgenössisches Musiktheater ist oft rares Gut auf Spielplänen der Opernhäuser, weil die Sitzplatzauslastung deutlich geringer ausfällt als bei einem bekannten Opernwerk. Es ist mutig von Opernregisseurin Lotte de Baer, seit Herbst 2022 Intendantin der Wiener Volksoper, im Tempel der klassischen Operettenwelt die Uraufführung der Mythos-Operette „Die letzte Verschwörung“ von Moritz Eggert anzusetzen. Die quirlige und stets gut gelaunte Niederländerin sucht nach neuen Wegen rund um das angestaubte Genre Operette und setzte gleich zu Beginn ihrer Leitung ein äußerliches Zeichen für das Haus: Die Volksoper erstrahlt in einem sanften Rosarot, ein „Märchenschloss“ wünschte sich de Beer. Moritz Eggert, 57jähriger deutsche Komponist, Pianist, Texter, Sänger und Dirigent ist ziemlich erfolgreich und wird weltweit gebucht. Er verarbeitet in seinen Kompositionen am liebsten viele unterschiedliche musikalische Genres und agierte genauso...

Ein Abend – zwei Blicke: In der Serie „Blickwechsel“ schreiben zwei Kritiker:innen über eine Inszenierung.

Eine kleine Horror(o)perette?

Serie: Blickwechsel #02

Schwein gehabt

Tatsächlich, eine Oper über Alma Mahler-Gropius-Werfel (Schindler) hat es noch nicht gegeben, und schon ihre volle Namensnennung weist ja darauf hin, dass es hier einiges zu erzählen gibt. Im korrekten Wikipedia-Stil wird sie übrigens nicht beruflich als Künstlerin oder Komponistin bezeichnet, sondern als Persönlichkeit. Der Kontext und die Definition ihres Lebens erfolgten zeitlebens und auch heute über ihre künstlerisch tätigen Ehemänner, Affären und eine Schar von Freunden – und ausgerechnet bei ihr würde das heute gängige Wort der „Follower“ am besten passen. Almas Leben ist ohne „die Anderen“ nicht denkbar, und doch hielt sie die meiste Zeit dafür die Zügel in der Hand – umkreist wie ein Fixstern als Schülerin, Ehefrau, Mutter, Witwe, Gesellschafterin und auch als Geliebte oder Vernachlässigte. Was liegt da näher als dieser überdies der Musik stets affinen, komplexen Frauenfigur ein Theaterdasein in einer Oper zu schenken? Die israelische Komponistin Ella Milch-Sheriff (geboren 1954) hat sich gemeinsam mit dem Librettisten Ido Ricklin auf die Reise gemacht, herausgekommen ist ein am 26. Oktober uraufgeführter Fünfakter für die Wiener Volksoper, der laut Milch-Sheriff „mit Legenden aufräumen will“, aber an genau diesen Ansprüchen ziemlich scheitert, da sie Almas Biografie aus ihrem früh aufgegebenen Künstlerdasein erklären will. Almas intensiv gelebtes Leben...

„Alma“ von Ella Milch-Sheriff (UA) – Regie Ruth Brauer-Kvam, Musikalische Leitung Omer Meir Wellber, Libretto Ido Ricklin, Bühne Falko Herold, Kostüme Alfred Mayerhofer

Volksoper Wien: Der böse Gustav

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Stiller Abbau?

Wenn man zu den Wiener Festwochen – im ersten Jahrgang des Intendanten Milo Rau – die Eröffnung mit revolutionär-visionärem Gedankengut und etliche „Verhandlungen“ theaterpolitischer Art überstanden hat, wird es Zeit sich zu fragen: Was glaubst Du denn? Denn auch für's Religiöse bieten die Festwochen einiges an Hilfestellung. Mit Adams Passionsoratorium stand eine traditionelle Werkform zur Verfügung, die man auch konzertant hätte geben können, wie etwa geschehen durch die Berliner Philharmoniker 2017. Doch schon im Kontext der Uraufführung 2012 in Los Angeles gab es in der Verbindung mit dem Regisseur Peter Sellars, der auch das Libretto zu diesem Stück verfasste, eine szenische Umsetzung der Passion, wie sie der „anderen Maria“, der Maria aus Bethanien zugeschrieben wird. Damit wird nicht nur der Bericht von Jesu letzten Tagen und Stunden aus einer weiblichen Sicht formuliert, es werden auch weitere Ereignisse damit verknüpft wie etwa die Erweckung des Lazarus, die sinnbildlich für die Auferstehung Jesu steht. Das in zwei Teilen über zweieinviertel Stunden reichende Werk stellt die Volksoper vor immense Herausforderungen. Musikalisch ist der minimalistische Stil des US-amerikanischen Komponisten John Adams komplex und vor allem rhythmisch fordernd – sowohl für das Orchester als auch für den oratorisch natürlich stark präsenten Chor, der hier wie...

„The Gospel according to the other Mary“ von John Adams – Regie Lisenka Heijboer Castañón, Musikalische Leitung Nicole Paiement, Bühne Sarah Nixon, Kostüme Carmen Schabracq

Volksoper Wien: Die Passionsgeschichte der anderen Maria

Samtener Schutzraum

Leere Bühnen  für volle Köpfe?

Schau mal einer an

Das Nest sauber halten

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Erst der Wald, dann der Boden

Mit der Pfeilspitze ins Herz hinein

Bewegen, Zeichnen, Überzeichnen

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

Publikumserregung mit Extradimension

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Deutsches Nationaltheater Weimar: Drei Fiktionen für dreizehn Millionen Schicksale

Der Notfall als Prinzip

Neue Dramatik trifft Figurentheater

Dober Dan, Ljubljana

RambaZamba Theater Berlin: Riesenspaß mit Hintersinn

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Lego meets Ikea

Ruhm den Kleinen!

Thüringer Befund

Der letzte Akkord verhallt, die Sänger:innen und Musiker:innen treten zum Schlußapplaus an, das Publikum springt unisono von seinen Plätzen auf und jubelt mit Standing Ovations den Protagonist:innen zu. So geschehen nach einer Vorstellung des Rockmusicals „tick tick … Boom!“ in der Volksoper in Wien. Damit wäre eigentlich schon alles über das Rockmusical „tick tick … Boom!“ in der Volksoper in Wien gesagt. Volksopern-Chefin Lotte de Beer hat einen guten Griff mit der Auswahl dieser Komposition bewiesen. Ihre Bemühungen ein anderes als das alteingesessene Publikum ins Haus zu locken, sind auf fruchtbaren Boden gefallen. Attraktive Kartenpreise und gutes Marketing sorgen für jüngere, enthusiastische Zuseher:innen, die auch während der Vorstellung heftigen Zwischenapplaus spenden. Kurz vor seinem 30igsten Geburtstag plagt den mäßig erfolgreichen Komponisten Jon eine Schaffens- und Lebenskrise. Er wohnt in New York, wir sind im Jahr 1990. Eigentlich sollte alles möglich, alles machbar, alles erreichbar sein. Für ihn aber eben nicht und er hört in seinem Kopf regelmäßig nur Ticks und Booms … eine Uhr, die tickt! Seine Freundin Susan ist Tänzerin und träumt von einem behaglichen Leben am Land, Jugendfreund Michael hat eine vielversprechende Schauspielkarriere aufgegeben und startet in der Marketingbranche so richtig durch. Nichts sieht für Jon vielversprechend aus:...

„Tick tick … Boom!“ von Jonathan Larson – Musikalische Leitung Christian Frank, Regie Frédéric Buhr, Bühne & Kostüm Agnes Hasun, Choreographie Tara Randell

Volksoper Wien: Spiel, Spaß … Erfolg!

Bodyhorror/Tarantino

Bilder im Takt eines Textes

R Ä U M E

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

sogar theater Zürich: Easy said, but schwer getan

Das Ährenfeld als stille Utopie

Berufsbild: Digitaldramaturg

Ja, er lebt noch – oder: Brecht is back!

Dramaturgie der Solidarität

Belgrad: Nikita Milivojević nicht als künstlerischer Leiter von BITEF verlängert

Zerbrochene Familiengeschichten

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Das Thema Hitze  wird in Zukunft  auch dazugehören

Die Rache der Königinnen

Wir gehen rein

Die Signatur unserer Zeit

In den letzten Jahren haben sich viele Kulturinstitutionen spät, aber dann doch zumeist intensiv aufklärend mit der eigenen Vergangenheit während des Regimes der Nationalsozialisten beschäftigt. Dafür wurden unterschiedliche Formen gewählt: Manche Theater und Opernhäuser dokumentierten ihre dunklen Zeiten in Ausstellungen oder erarbeiteten eigene Veranstaltungen und Publikationen, damit verschiedene Aspekte sichtbar wurden. Oft wurde dabei schon spürbar, dass es nicht um eine allgemeine Täterschaft oder Verstrickung ging, sondern um viele einzelne Schicksale, die sowohl individuell als auch in der Beziehung zueinander in der damaligen Zeit betrachtet und erinnert werden müssen. Dass genau diese Art der Aufarbeitung am besten auf der Bühne selbst Wirkung zeigt, glaubt die Volksoper Wien und hat sich deswegen für diese Form entschieden, nachdem schon vor einigen Jahren die interne Aufarbeitung mit – so noch vorhandenen – Dokumenten, Akten und weiteren Zeugnissen der Zeit begann. Das glich im speziellen Fall der Volksoper einem aufwändigen Puzzlespiel, da das Haus bis 1938 als Verein organisiert war, bevor die Nationalsozialisten diesen im Jahr des „Anschlusses“ auflösten und in der Folge viele Dokumente vernichteten. 2018 veröffentlichte die Historikerin Marie-Theres Arnbom ein Buch mit dem Titel „Ihre Dienste werden nicht mehr benötigt“ über diese Zeit an der Volksoper, auf Grundlage dessen nun das...

„Lass uns die Welt vergessen – Volksoper 1938“, Libretto von Theu Boermans unter Verwendung von Text und Musik aus „Gruß und Kuss aus der Wachau“ – Regie Theu Boermans, Musikalische Leitung Keren Kagarlitsky, Bühne Bernhard Hammer, Kostüme Jorine van Beek

Volksoper Wien: Eindringliches Erinnern

Die Grenzen der Freiheit

Stück Labor 2023/24

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

München: Auswahl für Radikal jung Festival

Mit nachhaltiger Kunst  die Menschen berühren

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Schauspiel Stuttgart: Überleben in der Karaokebar

Die Unsterblichkeit des Theaters

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Was macht das Theater, Alexander Scheer?

Wenn die Unis Trauer tragen

Die Zukunft nebenan

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Das Problem mit der Apokalyptik

Kampf im Käfig

Feminismus neu ausrichten

Zug: Sélection fürs Schweizer Theatertreffen bekanntgegeben 

Das große Plus an Menschlichkeit

Zirkus

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Volksoper Wien

ist das zweitgrößte Opernhaus in Wien. Auf dem Programm stehen Operetten, Opern, Musicals und Ballett.

Biblische Charaktere und Ereignisse, mitsamt der Auferstehung des Lazarus und der Passion Christi, in ein stark politisches, zeitgenössisches Licht gerückt: „The Gospel According to the Other Mary“ an der Volksoper Wien im Rahmen der Wiener Festwochen.

Die „bunte Esse“, ein Wahrzeichen von Chemnitz

Timothy Fallon als Talkshowmoderator Friedrich Quant in einer Showtanznummer mit dem Wiener Staatsballett. 

Juliette Khalil (Susan), Jakob Semotan (Jon) und Oliver Liebl (Michael) in „tick, tick... BOOM!" an der Volksoper in Wien.

Dieses Buch beschreibt erstmals die wechselvolle Geschichte des Schauspielhauses Chemnitz in einer transdisziplinären Betrachtung von Architektur und theater-künstlerischer Praxis. Es verfolgt gleichermaßen die Entwurfsprozesse wie die Aufführungsweisen der letzten fünfzig Jahre. Neben Darstellungen der verschiedenen Spielorte und der Architektur von Rudolf Weißer werden die Raumaneignungen befragt in Gesprächen mit Theaterleuten wie Hartwig Albiro, Hasko Weber, Carsten Knödler, Gundula Hoffmann und Raj Ullrich. Weitere Theaterkonzepte erklärt Stefan Schmidtke im Kontext der Kulturhauptstadt Europas 2025.
Vor dem Hintergrund der aktuellen Interimssituation von Schauspiel und Figurentheater („Spinnbau“) wird mit der Publikation zugleich die Bedeutung und Perspektive des Theaters als vielschichtiger Kulturort für die Stadt aufgezeigt.
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ISBN 978-3-95749-567-9 (Open Access)  DOI: <a title="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" href="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" data-outlook-id="e526c996-5be6-478d-a074-ff6f174f4806">10.35287/9783957495679</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a title="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" data-outlook-id="b6230f1d-8c98-42e4-bb03-0a4b291c320e">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Zwischen Zeiten und Räumen

Schauspielhaus Chemnitz

Denken wir heute an „Zirkus“, so tauchen in unseren Köpfen gemeinhin Bilder von Artistik- und Tierdressurnummern in der Manege eines Zirkuszeltes auf. Historische Quellen, die in Archiven und Bibliotheken schlummern, zeichnen jedoch ein überraschend anderes Bild der Zirkuskunst um 1900. Die in diesem Buch versammelten Fotografien, Auszüge aus Briefwechseln, Patentschriften, Presseberichte, Bauzeichnungen und vieles mehr, bieten tiefe Einblicke in die Zirkuskultur Berlins um 1900. Sichtbare Spuren der einst erfolgreichen Zirkusgesellschaften mit ihren pompösen Gebäuden mitten im Stadtzentrum finden sich heute hingegen kaum mehr. Anhand von historischen Quellen lässt das Buch Aufführungspraxis, Architekturen, Herausforderungen und Erfolge von Zirkussen, Künstler:innen und Techniker:innen auf eindrückliche Weise zutage treten.
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ISBN 978-3-95749-565-5 (Open Access)  DOI: <a title="https://doi.org/10.35287/9783957495020" href="https://doi.org/10.35287/9783957495020" data-outlook-id="c180ea25-f06b-4836-a7c2-fc4b1261b69b">10.35287/9783957495655</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Einblicke in eine vergessene Praxis

Zirkuskunst in Berlin um 1900

Die 24. Ausgabe der Anthologie SCÈNE widmet sich Fragen von Geschlechtskonstruktion und genderbasierter, struktureller Gewalt. Acht Texte von Autor*innen aus Frankreich, Belgien, der Schweiz und Québec machen das Private zum Politischen – oft aus einer queeren Perspektive. Vom experimentellen Prosastück zur (nicht nur sprachlichen) Zurichtung weiblich gelesener Körper über lesbische Science-Fiction-Szenarien bis hin zu feministischen Überschreibungen klassischer Theatertexte ist dabei sowohl thematisch als auch formal große Vielfalt geboten. Gemeinsam ist allen Stücken ihr intersektionaler Ansatz: Soziale, ökologische, antikapitalistische und sexuelle Revolutionen werden zusammengedacht und auf die Bühne gebracht – mal agitatorisch-sprachspielerisch, mal performativ versponnen und mal mit fein-ironischem Humor.
 
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Neue französischsprachige Theaterstücke

In den letzten Jahren wird viel über Generationenwechsel, Generationenkonflikt, Generationengerechtigkeit und -dialog gesprochen. In diesem winterheft wird genauer nachgefragt: Geht es eigentlich um einen Generationen- oder Gesellschaftskonflikt? Auch in den Darstellenden Künsten finden und fanden in den letzten Jahren viele Umbrüche durch u.a. Generationenwechsel in den Leitungen der Theaterhäuser oder Sparten sowie in diesem Jahr innerhalb des ASSITEJ-Vorstandes und der KJTZ-Leitung statt. Dem Theater für und mit jungem Publikum ist die Begegnung verschiedener Generationen quasi per se eingeschrieben. Aber was genau ist mit dem Begriff “Generation” eigentlich gemeint? Und welche Rolle spielen in diesem Zusammenhang Altersdiversität, Adultismus und Ästhetik?
Der wissenschaftliche Beitrag des winterhefts beschäftigt sich mit der sozialen Praxis des Generation-Werdens sowie Konzepten von crip time und queer time, die normativen Vorstellungen von Zeitlichkeit widersprechen. Um das Verhältnis von jungen Menschen und Erwachsenen auf, vor und hinter der Bühne geht es in Artikeln zum Publikum, zu Theaterproduktionen und einer digitalen Bühne. Wie intergenerationelle Räume gestaltet werden können, beschreiben Praxiseinblicke in ein mehrgenerationelles Stadtensemble und die Vermittlung einer Kunsthalle. Zuletzt blicken wir auf uns selbst und laden scheidende ASSITEJ-Vorstandsmitglieder und KJTZ-Leitung zum Gespräch.
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Generation what?!

Das Arbeitsbuch widmet sich dem Intendanten und Regisseur Peter Carp. Als Schauspieldirektor in Luzern (2004–2007), als Intendant des Theater Oberhausen (2008–2017) und seit 2017 als Intendant des Theater Freiburg entwickelte er ein Theaterkonzept immer stärker aus, welches auf konsequente Internationalisierung setzte, auf ein Theater als „Weltempfänger“. Kennzeichnend für seine Arbeit war eine ausgeprägte Entdeckerlust, wie er sich generell als Förderer verstand (Simon Stone, Ewelina Marciniak, Amir Reza Koohestani, Yair Sherman, Herbert Fritsch). Das reich illustrierte Arbeitsbuch gibt Auskunft zu verschiedenen Aspekten der Arbeit des Regisseurs und Intendanten Peter Carp und versammelt Zeugnisse seiner Weggefährten.

Weltempfänger in Luzern, Oberhausen und in Freiburg

Peter Carp

Theater der Leere macht die Katastrophen des technowissenschaftlichen Zeitalters zum Ausgangspunkt für die Annäherung an das Theater und zeigt, dass die Leere im zeitgenössischen Theater mehr ist als ein bloßes Nichts. Im Gegenteil, sie ist das Potenzial und die Möglichkeit einer radikalen Transformation des Theaters selbst.
In der Hinwendung zur Leere verschränkt Kovacs Debatten über Transformation und Zukunft mit der Reflexion über die komplexe Beziehung zwischen Theater und den Naturwissenschaften und macht deutlich, dass die Theaterformen, die bislang unter dem Begriff des „Postdramatischen Theaters“ diskutiert wurden, eine Zukunft haben.
Kovacs bringt in ihrer Studie Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch zusammen und zeigt, was es bedeutet, wenn der Nullpunkt zum zentralen Energiefeld des Theaters wird. Die Studie entfaltet nicht nur überraschend neue Perspektiven, sondern legt auch bislang übersehene Linien frei, die die Arbeiten dieser vier Theatermacher:innen durchziehen und verbinden. Sie argumentiert, dass wir im ‚Theater der Leere‘ eine theatrale Grammatik entdecken können, die uns in der von Nukleartechnologie und Klimawandel bedrohten Gegenwart viel zu sagen hat.
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Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch

Theater der Leere

Chemnitz – Kulturhauptstadt Europas. Was man dort als Programm geplant hat, entsteht vor allem aus der Stadt selbst heraus. Ein ganzes Jahr lang andauerndes Experiment für eine traditionell auf magne­tische Internationalität angewiesene Großveranstaltung. Programmgeschäftsführer Stefan Schmidtke, selbst im nahen Döbeln aufgewachsen, erklärt die Philo­sophie hinter Chemnitz 2025. Wie sie konkret aussieht, kann man im Kunstinsert „#3000Garagen“ erfahren, für das übrigens Eiskunstlaufweltstar Katarina Witt das Nummernschild ihres ersten ­Autos beisteuerte: TKW 1-11. T war damals das Kennzeichen für Karl-Marx-Stadt, der Rest erklärt sich von selbst.
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Kulturhauptstadt Chemnitz

Radikal anders

Die 51. Ausgabe von „double“ mit dem Schwerpunkt „Zum Verhältnis von Puppe und Text“ beleuchtet auf vielfältige Weise die komplexe und sich wandelnde Beziehung zwischen dem geschriebenen Wort und der performativen Kraft des Figurentheaters. Das Heft untersucht historische Entwicklungen, gegenwärtige Tendenzen und zukünftige Perspektiven dieser spannungsreichen Interaktion. Es kommen sowohl Theoretikerinnen als auch Praktikerinnen zu Wort, die ihre Erfahrungen und Überlegungen zu diesem zentralen Aspekt des Puppen-, Figuren- und Objekttheaters teilen.
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Zum Verhältnis von Puppe und Text

Worte formen

Das Thema Nachhaltigkeit hat Theater der Zeit schon öfter beschäftigt. Im Arbeitsbuch „Transformers – Digitalität Inklusion Nachhaltigkeit“ aus dem Jahr 2021 wird erstmals ein Nachhaltigkeitsmanagement am Theater vorgestellt, damals an der Oper in Göteborg. Inzwischen gibt es das Phänomen in wachsender Zahl im gesamten deutschsprachigen Theater. TdZ-Redakteurin Elisabeth Maier porträtiert Anna Haas, die am Staatstheater Karlsruhe diesen Aufgabenbereich übernommen hat – Teil des umfangreichen Schwerpunkts zum Thema, dazu auch das Kunstinsert von Daniel Kötter und seinem Feld des Extraktivismus.
Auch den Neustart am Rheinischen Landestheater Neuss könnte man noch dem Thema zuordnen, denn die Intendantin Marie Johannsen hat das Foyer zu einem öffentlichen Raum zur Stadt hin gemacht – nachhaltige Nutzung von Theaterräumen.
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Nachhaltigkeit

Neuerscheinungen im Verlag