Seelenschau in Versform

Von Kulturerbe, Ikonen und Ressourcen

Gespräch mit der KI aus dem Internet

13. Juli bis 17. Juli 2026

Blitz, Donner, Antike

Schneisen in die Gegenwart schlagen

Montag, 08. Juni 2026

Einführung in die szenische Robotik

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Mittwoch, 24. Juni 2026

Es geht um ein Theater neuen Typs

„Was uns alle bedroht, sind die Angriffe auf Pluralität“

Geplatzte Träume und umkämpfte Kompromisse

„Is my future all in the past?“

Auf neuen Wegen

Tobias Kletts Inszenierung „Acting. Lost Highway“ nach David Lynchs 1997 Film „Lost Highway” am Theaterdiscounter Berlin lässt die Zuschauenden eigentlich schon im Titel wissen, dass es sich bei der Inszenierung um eine Exploration von Beobachtung und Imitation handelt: „Lost Highway“ wird nicht nur fürs Theater inszeniert, sondern durch das vielschichtige Herausstellen von sozialer Performativität in „Acting. Lost Highway“ weiterentwickelt. Wenn wir uns vorstellen, wie das Protagonistenehepaar Fred und Renée Madison (Juan Corres Benito und Sylvana Sedding) ein mysteriöses Tape, was uns unwissentlich schlafend im inneren unseres Haus zeigt, zu erhalten, wäre es für viele eine Horrorvorstellung. Unsere zuvor privat geglaubtes „Für-Sich sein“ wäre allein durch den Beweis Beobachtet zu werden wieder ein öffentlicheres „Für-Andere sein“. Wir wären wieder übermäßig über uns Selbst, wahrscheinlich existenziell erschüttert und würden in zu stillen Momenten wahrscheinlich genauso reflexiv starrend vor uns hin rauchen. Da wir als Zuschauer:innen eine ähnliche Beobachterposition einnehmen ist eine gespaltene Perspektive auf das zentrale Motiv des Beobachtens und Beobachtet Werdens auf die Inszenierung unumgänglich und dies weiß Klett für sich zu nutzen. Die Inszenierung des Lynchszenarios am Theaterdiscounter erkundet die davon ausgehende innere Unruhe für die Figuren als auch für die Zuschauenden in wechselnden Surrealitätsgraden. Es wird nicht gesprochen. Die...

„Acting. Lost Highway” nach David Lynch und Barry Gifford – Regie Tobias Klett, Musik Mica Levi. Sound Design Hyewon Suk 

TD Berlin: „What are we doing? Why are we here?”

Ehrlich Verbunden

Bregenzer Festspiele: Scherben ohne Schock

Landkulturperle im Odenwald

Salzburger Festspiele: Die Überflugkraft des Unnützen

Zu schön, um wahr zu sein?

Theater des Ungehorsams

Schauspiel Stuttgart: Party mit Schlammschlacht

Theater der Welt in Chemnitz: Den Affen spielen, den Menschen sezieren

Am Glauben hapert es heutzutage. Die klassischen Institutionen für diese Praxis wie Gotteshäuser und Parteilokale leeren sich. Und dort, wo auf ekstatische Resonanz getrimmte Massenveranstaltungen wie MAGA-Manifestationen oder Fackelzüge ihre dunkle Energie des Hasses auf alles, was anders ist, ausstrahlen, kriecht bei den Beobachtenden eher das Grausen den Nacken hoch. Glauben fällt schwer, das Glauben an den Glaube hat ohnehin die Aufklärung bereits hübsch zerlöchert. Als geradezu avantgardistisch muss man daher werten, dass die Kurator:innen des Monologfestivals im td, formally known as theaterdiscounter, nicht weiter den kritischen Klageton über den Verfall anschlagen, wie er seit einiger Zeit zum Grundrauschen der Darstellenden Künste gehört. Stattdessen versuchten sie unter dem Motto „I want to Believe“ positive Kräfte zu bündeln. Das gelang bei den insgesamt zehn Premieren und drei Specials unterschiedlich gut. In „Angelaland“ von Juliane Hendes (Text) und Romy Rexhäuser (Bühne und Kostüme) versuchte Performerin Jaëla Probst die positiven Energien ostdeutscher Herkunft ausgerechnet bei Angela Merkel zu finden. Sie inszenierte sich als fiktiver Jugendfreund in die Biografie der Pastorentochter und Jungpolitikerin hinein. Nicht fehlen durfte der gute alte Polylux als Bilderwerfer. Dieses Klischee-Element, verbunden mit Sternburg-Piuls und Sternradio, deutete schon darauf hin, dass in dieser Produktion die romantisierende Weltsicht der jüngeren Jahrgänge,...

Das Monologfestival im td in Berlin wartet in angstbesetzten Zeiten ganz avantgardistisch mit einer Prise aus skeptischem Optimismus auf

Wille zum Glauben

Der TD Berlin wurde 2003 als „Theaterdiscounter Berlin“ gegründet. Zu Zeiten, als Räume in der Stadt noch im Überfluss vorhanden waren und Zwischennutzung gängige Praxis, hat eine Gruppe unabhängiger Theaterschaffender aus der Praxis des Produzierens heraus einen Ort geschaffen, an dem zeitgenössisches Theater über Formate, Experimente und aufwendigere Inszenierungen weiterentwickelt werden konnte. Die Namensgebung war sowohl ironischer Verweis auf als auch Widerspruch gegen die prekären Bedingungen, unter denen Freie Theaterarbeiten damals realisiert wurden – teils noch heute realisiert werden. Zugleich war es auch eine spielerische Einladung an das Publikum, Theater ohne gedankliche Barrieren oder vorgefertigte Vorstellungen von Bühneninnenräumen neu zu entdecken. Die an der Gründung beteiligten Künstler:innen hatten in den Jahren zuvor etliche brachliegende Räume temporär mit großem Erfolg bespielt und brachten diese Energie – einen Nichttheaterraum immer wieder neu als Bühne zu begreifen – auch in die flexibel bespielbare Halle des TD Berlin mit ein, wo sie das Publikum in ganz unterschiedliche räumliche Konstellationen einluden. Die Gründung des TD ging einher mit der Verstetigung der eigenen Produktionen zu einem Spielplan, dem sukzessiven Ausbau einer technischen Infrastruktur und einer produktionsübergreifenden Organisation. Am Standort im zweiten Obergeschoss des ehemaligen Fernmeldeamtes (Ost) in der Klosterstraße 44 können in einer 370 Quadratmeter großen...

TD Berlin

Radikale Ästhetiken in Zeiten des Rechtsrucks

Ohne Not und Sachverstand

Die Absicht, eine Mauer zu bauen

Krieg &/vs. Kunst

„Es wird eine Kultur der Veteranen geben“

Freitag, 19. Juni 2026

Was macht das Theater, Daniel Morgenroth?

Festival d’Avignon: Das Böse als Barspektakel

Chemnitzer Stempel

Diversität als Festivaldramaturgie

Vielfalt ohne Versprechen

Der Wald, der nicht vergisst

Haltepunkt – Bushaltestellen im Oderbruch

Schauspiel Leipzig: Motel der Leere

Wer geht heute eigentlich noch in die Oper? Kitschige Liebesgeschichten und das Beklatschen misogyner Texte. Eine Bühne für das Abbild starker Helden und schwacher, sanfter Frauen, die, sobald sie die Normen der Gesellschaft antasten, einen tragischen Tod sterben. Thank you – next? Wie sehr haben wir uns tatsächlich von diesen Rollenbildern entfernt? Genau diese Frage stellt das junge Musiktheaterkollektiv operationderkuenste mit einer Neukontextualisierung des Standout im Opernkanon „Der Wald” (1902) von Ethel Smyth und bildet scheinbar nicht nur inhaltliche Brücken ins 21. Jahrhundert, sondern auch das Neudenken von Oper und Musiktheater in seinen eigenen Strukturen. Hausarbeit findet abseits der großen Bühne im Hintergrund statt. Auch auf der TD Bühne leuchtet in knalligem neon-orangenem Licht, die heute wieder trendige Retro-Space-Age-Wohnung im Hintergrund, die zur Spielstätte der vergeschlechtlichten Care Arbeit wird: Es wird gestrickt, gelesen, aufgeräumt, am Laptop gesessen. Es laufen Videoprojektionen, die an Werbespots für Hausfrauen der 70er Jahre erinnern: Kühlschränke, Staubsauger, gedeckte Kaffeetische, Geschirrspüler, Waschmaschinen. Das Bild wirkt so fern und überholt, ist aber doch so aktuell. Wir sehen: Hier (und heute) leistet die sanfte Frau ununterbrochen und verdeckt Reproduktionsarbeit, sie legt damit das Fundament allen kapitalistischen Wirtschaftens. Ethel Smyth, Komponistin von „Der Wald“, setzt sich für damalige Verhältnisse gegen...

 „Der Wald“ von Ethel Smyth – Inszenierung operationderkuenste

TD-Berlin: Die Konventionen der Oper zum WACKELN bringen

Theater der Welt & Humboldt-Forum: Schnaps aus Peking, Schrott aus Chemnitz

Dienstag, 23. Juni 2026

Hacken für das Theater

Die Schreie der Opfer in den Kriegen der Welt

Die Kunst der Widersetzlichkeit

Milliardenprojekt mit ungewisser Zukunft

Am Ende, das ist durchaus mehrdeutig und nicht nur die Abfolge des Doppelmonologs, hat die Frau das letzte Wort. Peter Handkes 2008 an der Comédie de Valence uraufgeführtes Gegen- oder Korrespondenzstück zu Becketts damals genau 50 Jahre altem „Das letzte Band“ ist eine Theaterseltenheit. Jossi Wieler inszenierte das Doppel nachfolgend bei den Salzburger Festspielen mit Nina Kunzendorf und André Jung. Während Becketts Krapp immer mehr zur Paraderolle für den männlichen Altstar wurde (auf frühere Großschauspieler wie Martin Held, Bernhard Minetti, Klaus Maria Brandauer folgten Otto Sander, Josef Bierbichler bis hin zu Robert Wilson), blieb Handkes weibliche Replik weitgehend unerforscht und praktisch ungespielt. Nun hat sich das deutsch-italienische Theaterduo Barletti/Waas an das Doppel gewagt. Werner Waas sitzt in einem zur Schale versteiften grau-schmuddeligen Anzug auf einem Stuhl und isst die erste Banane. Kein Tonband, kein Schreibtisch, kein Ausrutschen auf der Bananenschale. Alles kommt aus dem Sprechen der Regieanweisungen vor einem grauen, ein kleines Geviert umschließenden Vorhang. Der eigentliche Redetext der Figur ist spärlich und vieles davon sind Erinnerungen, die sich Krapp von seinen Tagebuchtonbändern als seiner zweiten Stimme anhört. Das häufigste Wort in den Regieanweisungen ist „Pause“. Waas stehen für diese Anlage nur die Modulation seiner Stimme und der minimal pantomimische...

„Das letzte Wort“ von Beckett und Handke („Das letzte Band“ von Samuel Beckett, „Bis daß der Tag euch scheidet“ von Peter Handke) – Regie Lea Barletti, Werner Waas, Bühne Ivan Bazak, Sound-Design/Live-Musik Luca Canciello

TD Berlin: Beckett von Frau befragt

Programmgestaltung im Ausnahmezustand – eine Bestandsaufnahme

Ins Offene der Möglichkeiten

Zwischen Gegenwartsdrang und Festivalmüdigkeit

„Wir bauen an einem Ort der Demokratie“

Bayreuther Festspiele: Friedensboten als Taubenplage

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

Schauspiel

Spielstätten

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Klimawandel

Corona

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

Bericht

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Musiktheater

Queeres Theater

Europa

Theater der Zeit

Politische Konfliktzonen

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Tanz

Performance

Kunstinsert

Debatte

Asien

Brandenburg

Neue Dramatik

Keine Spielstätte

Wissenschaft

Hessen

Berlin

Dramaturgie

Afrika

Ukraine

Labor Kulturjournalismus

International

Körperlichkeit

Praxiswissen

Digitales Theater

Kinder- & Jugendtheater

Recherchen

Akteur:innen

Dramatik

Baden-Württemberg

Auftritt

Puppen-, Figuren- & Objekttheater

Regie

Theaterkritiken

Schleswig-Holstein

Festivals

Schweiz

Digitale Reihe

Bertolt Brecht

Freie Szene

Sprechtheater

Kritiken

Stücke

Tarife & Theater

Bühne & Film

Kostüm und Bühne

Horror, das Unheimliche auf der Bühne

Kulturkürzungen

Startseite

Werewolves by the Sea

Der Wald

Wer nicht weiter weiß, hat recht

Wi*derreden

Lazy Women

Kharkiv Calling (To Arms)

Fluchtpunkt: Alexanderplatz

Common Things

RÄUBER VON SCHILLER

Alles in Ordnung

THREE STEPS ORFEO

Die Polizei und ich

Say Hi To Me!

Veronika und die Essenz der Menschheit. Reloaded!

Der Mensch außer sich

Winterreise

Ohne Ende Gegenwart

CHINCHILLA SPINN-OFF, waswas

Polar

Mir geht's ja noch Gold

Wem gehört das Land?

Donezk

TROJAN HORSE

Blutsbrüder Revisited

Emotionen

No Man Is An Island

Ultimate Safari

Acting. Lost Highway

Lie With Me

Das letzte Wort

Im Herzen tickt eine Bombe

Hamlet oder

Der TD Berlin (ehemals Theaterdiscounter) ist ein Freies Theater im ehemaligen Fernmeldeamt (Ost) in der Klosterstraße 44 unweit des Alexanderplatzes in Berlin-Mitte. Im April 2003 wurde die Spielstätte von Georg Scharegg, Patrick Wengenroth und weiteren Regisseuren und Schauspielern gegründet, um in einer eigenen Spielstätte die Produktionskräfte für eine eigenständige Theaterarbeit besser bündeln zu können. Der Fokus lag am Anfang auf Uraufführungen zeitgenössischer Dramatik (Reto Finger, Thomas Freyer, Kathrin Röggla, Tim Staffel, Ulrike Syha, Tine Rahel Völcker, David Foster Wallace, Felicia Zeller u. a.) und auf schnellen, abseitigen, manchmal schrägen (Gast-)Projekten.
Der TD Berlin hat sich zu einer festen Größe in der freien Theaterszene Berlins entwickelt und ist auch überregional bekannt. Pro Jahr werden zurzeit etwa 200 Vorstellungen gespielt. Seit der Gründung entstanden neben Gastspielen und Spezialformaten über 60 größere Produktionen exklusiv für den Spielort. Kooperationen mit Theatern wie dem Schlachthaus Bern, dem Theaterhaus Gessnerallee Zürich, dem Theater des Lachens, der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ Berlin und weiteren Institutionen sind inzwischen ein fester Bestandteil des Spielplans.
Die Spielstätte ist aus einer Privatinitiative geboren und gestaltet einen ganzjährigen Spielplan, der zu über 50 Prozent auf Eigenproduktionen beruht.

Der TD Berlin (ehemals Theaterdiscounter) ist ein Freies Theater im ehemaligen Fernmeldeamt (Ost) in der Klosterstraße 44 unweit des Alexanderplatzes in Berlin-Mitte. Im April 2003 wurde die Spielstätte von Georg Scharegg, Patrick Wengenroth und weiteren Regisseuren und Schauspielern gegründet, um in einer eigenen Spielstätte die Produktionskräfte für eine eigenständige Theaterarbeit besser bündeln zu können. Der Fokus lag am Anfang auf Uraufführungen zeitgenössischer Dramatik (Reto Finger, Thomas Freyer, Kathrin Röggla, Tim Staffel, Ulrike Syha, Tine Rahel Völcker, David Foster Wallace, Felicia Zeller u. a.) und auf schnellen, abseitigen, manchmal schrägen (Gast-)Projekten.
Der TD Berlin hat sich zu einer festen Größe in der freien Theaterszene Berlins entwickelt und ist auch überregional bekannt. Pro Jahr werden zurzeit etwa 200 Vorstellungen gespielt. Seit der Gründung entstanden neben Gastspielen und Spezialformaten über 60 größere Produktionen exklusiv für den Spielort. Kooperationen mit Theatern wie dem Schlachthaus Bern, dem Theaterhaus Gessnerallee Zürich, dem Theater des Lachens, der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ Berlin und weiteren Institutionen sind inzwischen ein fester Bestandteil des Spielplans.
Die Spielstätte ist aus einer Privatinitiative geboren und gestaltet einen ganzjährigen Spielplan, der zu über 50 Prozent auf Eigenproduktionen beruht.

Die Spiegelung von alltäglicher Performance als Horror: „Acting. Lost Highway” nach David Lynch und Barry Gifford am TD Berlin.

Die Mobilität von Tanz- und Theaterproduktionen wächst: Festivals und Häuser zeigen vermehrt Gastspiele und entwickeln transnationale Koproduktionen. Zugleich wird diese Praxis kritisch hinterfragt. Seit der Covid-19-Pandemie haben hybride Formate zugenommen, Aufführungen verlagerten sich auf den Bildschirm, und neue Strategien entstanden, die ohne Live-Publikum vor Ort funktionieren. Auch im Hinblick auf Klimagerechtigkeit stellt sich die Frage nach verantwortungsvollen Zirkulationsformen. Behinderte Theater- und Tanzschaffende haben schon längst Erfahrungen mit erschwerter Mobilität gemacht und daraus eigene Ästhetiken und Arbeitsweisen entwickelt. Ihre Erfahrungen wurden in den bisherigen Debatten jedoch kaum mitgedacht. Der Sammelband erweitert die Diskussion um Im/Mobilität in den Darstellenden Künsten um eine Disability-Perspektive und versammelt künstlerische Beiträge, Essays und wissenschaftliche Analysen. Auditive Formate, Videos und Zusammenfassungen in Leichter Sprache eröffnen barrierearme Zugänge für ein breiteres Publikum.Der Band erscheint zugleich als MIMOS – Schweizer Jahrbuch Darstellende Künste Nr. 87–2026, herausgegeben von der Schweizerischen Gesellschaft für Theaterkultur (SGTK) mit Unterstützung der Schweizerischen Akademie der Geistes- und Sozialwissenschaften (SAGW). Ein Teil der Auflage enthält eine französischsprachige Broschüre mit Abstracts der Beiträge.

Zugänglichkeit und Verantwortung in den performativen Künsten

Im/Mobile Möglichkeiten

Einzigartige Primärquellen aus einem weitgehend undbekannten Kapitel der DDR-Ballettgeschichte
Erscheint zum 80. Jubiläum der Zeitschrift Theater der Zeit
DDR-Ballett, ostdeutsche Tanzgeschichte und selten aufgeführte Choreografien zwischen 1975 und der späten „Nachwendezeit“: Dieser Band versammelt erstmals wegweisende Rezensionen, Essays und Augenzeugenberichte aus dem Deutschen Tanzarchiv Köln, der seit 1946 bestehenden Zeitschrift Theater der Zeit und aus Tageszeitungen. Ein erfahrener Tanzredakteur, Dietmar Fritzsche, und sein damals junger, heute renommierter Autor, Volkmar Draeger, führen kenntnisreich durch vergessene Bühnenmomente – von Uraufführungen u. a. in Berlin, Dresden, Leipzig bis zu neu inszenierten Werken aus den, wie es offiziell hieß, „befreundeten sozialistischen Ländern“.
Kompakt, fundiert und spannend zeichnet das Buch die Entwicklung des DDR-Balletts nach, beleuchtet künstlerische Höhepunkte, politische Tendenzen, ästhetische Irrwege. Damit bildet das Buch ein unverzichtbares Nachschlagewerk für Tanzwissenschaft, Kulturgeschichte und alle, die ostdeutsche Bühne, Tanzkritik und Ballettgeschichte erkunden möchten.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank-Manuel Peter (Hg.): Die andere Seite. Tanz in der DDR von 1975 bis 1997" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank-manuel_peter_hg._die_andere_seite._tanz_i&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Tanz in der DDR von 1975 bis 1997

Die andere Seite

Die Maiausgabe von „Theater der Zeit“ widmet sich im Schwerpunkt dem Thema Teamintendanzen und fragt, wie kollektive Leitungsmodelle Theaterarbeit, Machtverteilung und Verantwortung verändern. In Interviews und Porträts kommen u. a. Thomas Bockelmann, das Leitungsteam des Nationaltheaters Weimar sowie Inka Neubert und Pascal Wieandt vom Theaterhaus G7 Mannheim zu Wort – was sind die Vorteile einer Teamintendanz? Welche Konflikte gibt es? Ist eine geteilte Intendanz wirklich Machtverteilung oder schafft sie neue Abhängigkeiten? Ergänzt wird der Schwerpunkt durch ein Gespräch mit Schauspielerinnen des Theaters Magdeburg über Probenprozesse in der Teamintendanz, das einen konkreten Blick aus der Ensembleperspektive bietet.
Ergänzt durch Beiträge zu den großen Theaterfestivals im Sommer: die Mülheimer Theatertage, das Theatertreffen, das Schweizer Theatertrffen und: Florentina Holzinger über ihren Auftritt bei der Biennale in Venedig!
Drüber hinaus erinnert die Ausgabe an Peter Zadek und Konstanze Lauterbach und würdigt den verstorbenen Autor und Regisseur Alexander Kluge. Wie immer: Stückabdruck (diesmal Robert Seethalers „Vernissage“), eine Kolumne von Max Glauner und eine Buchkritik zur ersten Biografie von Judith Malina.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="TdZ_05/26_Florentina Holzinger in Venedig" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_05_26_florentina_holzinger_in_venedig&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Schwerpunkt Teamintendanzen

Florentina Holzinger in Venedig

Das Juni-Heft von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Horror, das Unheimliche auf der Bühne“ und verbindet ästhetische, kulturpolitische und traumagesellschaftliche Perspektiven. Essays von Joseph Pearson und Hannah von Sass, Stefan Keim und Horrorspezialist Jörg Buttgereit untersuchen das Unheimliche in Schauspiel und Musiktheater – das auch bei den Bayerischen Theatertagen in Form von Stephen Kings „The Shining“ als Oper in Regensburg wieder auftaucht.
Das Magazin verhandelt zudem aktuelle Konflikte um Theaterbauten und Kulturpolitik – exemplarisch am Chemnitzer Schauspielhaus.
Das Stück im Juniheft: Kevin Rittbergers „Wunde Stadt“ verhandelt das Attentat von Magdeburg, flankiert von einem Stückgespräch.
Kolumnen von Mateja Meded („Habitus-Passing“) und Lina Wölfel („Wir gehen nicht rein“) reflektieren Klassenverhältnisse, Diversität und Auswahlmacht im Theaterbetrieb, während Berichte von Festivals und Ausstellungen (u. a. Heidelberger Stückemarkt, Bayerische Theatertage, Bühnenbildklasse Düsseldorf, Brecht-Journal) den Blick auf internationale Szenen und Theatergeschichte erweitern.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" title="TdZ 06_26_Horror" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_06_26_horror_581b2934d5d078&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Wie gewinnt ein Textvortrag, obwohl er aus wiederholbaren Zeichen besteht, Bühnenpräsenz? Was kann die heutige Sprechausbildung im Schauspielstudium leisten, um die Studierenden darin zu unterstützen?
Helmut Becker geht diesen zentralen Fragen in seiner Dissertation nach. Basierend auf aktuellen Leiblichkeitskonzepten und einem phänomenologisch orientierten Textbegriff analysiert Becker Möglichkeiten der Texterschließung und Textgestaltung an klassischen Werken von Euripides, Shakespeare, Schiller, Kleist, Kafka, Mann, Camus sowie zeitgenössischen Autoren wie Heißenbüttel, Brinkmann und Gernhardt.
Durch die gezielte Schulung von Atemqualitäten und deren Anwendung am Text entsteht ein neues, tiefgehendes Verständnis von Leiblichkeit. Das Buch zeigt, wie ein solches Leibbewusstsein die Lust am Text, an kraftvoller Bühnenpräsenz und authentischer Textperformanz nachhaltig fördert – und richtet sich an Schauspielstudierende, Bühnenprofis sowie alle, die sich für lebendige Textpräsentation, Stimmtraining und performative Literaturvermittlung begeistern.
Mit zahlreichen Hörbeispielen als Audiofiles begleitend zum Lesen.

Die Leiblichkeit der Texte

Wie demokratisch sind unsere Theater? Kulturelle Teilhabe ist die zentrale Herausforderung für Theater und Kulturpolitik – zwischen Sparzwang, Publikumsrückgang und gesellschaftlicher Verantwortung. „Demokratisches Theater“ untersucht erstmals im internationalen Vergleich, wie öffentlich geförderte Theater und Kulturpolitik in Deutschland, England und Frankreich den Auftrag kultureller Teilhabe verstehen und welche Strategien sie dafür entwickeln.Auf Grundlage von Demokratietheorien, Kulturmanagement- und Kulturvermittlungsdiskursen zeigt die empirische Studie von Maria Nesemann deutliche Unterschiede in der theater- und kulturpolitischen Praxis – und im Verständnis davon, worin der gesellschaftliche Auftrag von Theater besteht. Die Publikation macht sichtbar, dass Teilhabe ein komplexer, nicht widerspruchsfreier Begriff ist.Das Buch liefert praxisrelevante Impulse für Theaterschaffende, Kulturpolitik und Forschung und zeigt Wege auf, wie Teilhabe zwischen künstlerischer Autonomie und gesellschaftlicher Öffnung gestaltet werden kann.

Teilhabe am öffentlich geförderten Theater in Deutschland, England und Frankreich

Demokratisches Theater

25 Bühnenbilder von Katrin Brack, entstanden zwischen 2010 und 2025, inklusive ihrer Rauminstallation anlässlich der Verleihung des Goldenen Löwen in Venedig 2017: Die Bildstrecke macht signifikante Gemeinsamkeiten wie auch Brüche und Entwicklungen in diesen 15 Jahren deutlich, die durch die Zusammenarbeit mit u. a. Dimiter Gotscheff, René Pollesch, Luk Perceval, Karin Henkel geprägt ist. Ergänzt wird dieser fotografische Schwerpunkt sowohl von unveröffentlichten Zeichnungen, die Einblicke in Konzeption, Entstehung und Realisation der einzelnen Bühnenarbeiten gewähren, wie von unterschiedlichen Textbeiträgen.
Im Gespräch mit dem Herausgeber Frank M. Raddatz erläutert die Ausnahmebühnenbildnerin die Kunstprinzipien, von denen sie sich leiten lässt. Der Philosoph Robert Pfaller verortet ihre Arbeiten in der jüngeren Kunstgeschichte der Gegenwart, während Birgit Wiens die Spezifika dieser Räume aus theaterwissenschaftlicher Sicht untersucht. Josef Bairlein und Götz Leineweber geben Einblicke in Bracks Lehre an der Kunstakademie München und die kollektive Arbeitsweise ihrer Bühnenbildklasse. Statements von Birgit Minichmayr, Tabea Braun, Sybille Meier, Luk Perceval und Thomas Thieme werfen Licht auf diese lebendigen Bühnen.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank M. Raddatz (Hg.): Bühne / Stage Katrin Brack" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank_m._raddatz_hg._b_hne_stage_katrin_brack&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Bühne / Stage Katrin Brack

„Setting the Stage, Vol. 3 – Contemporary Spaces“ versammelt Positionen zu Bühnenbild und Szenografie aus dem Kunstinsert der Zeitschrift Theater der Zeit und richtet den Blick – im Vorfeld der Prager Quadriennale 2027 – auf die produktive Kraft von Bühne, Raum und Körper für das zeitgenössische Theater. In vier thematischen Kapiteln – Körper/Raum, Politische Topografien, Mediale und digitale Räume sowie Architektur/Natur – zeigen international arbeitende Künstler:innen, wie der Bühnenraum zum aktivierenden Gestaltungsmittel wird. Ihre Arbeiten machen sichtbar, wie aus Abwesenheit Präsenz entsteht, wie Stille Bedeutung trägt und wie Räume politische und ästhetische Aussagen provozieren.Mit Beiträgen u. a. von James Turrell, Anne Imhof, Lars Ramberg, Markus Selg und Henrike Naumann. Gespräche, Porträts, Werkdokumentationen und umfangreiches Bildmaterial eröffnen unmittelbare Einblicke in künstlerische Haltungen und Arbeitsweisen. Der Band setzt die editorische Linie fort, die Theater der Zeit mit den Vorgängerbänden „Das Bild der Bühne“ (1998) und „Setting the Stage, Vol. 2“ (2015) etabliert hat.

Contemporary Spaces

Setting the Stage, Vol. 3

Mensch-Technik-Verhältnis auf der Bühne
Inszenierungspraktiken und Kooperationsmodi
Ausgehend von der Frage nach einem post-anthropozentrischen Verständnis von Theater entfaltet Marcel J. V. Kieslich in seiner Studie eine theoretisch wie praktisch fundierte Untersuchung der szenischen Robotik. Im Zentrum steht die Analyse mehr-als-menschlicher Relationen und ihrer ästhetischen wie ontologischen Implikationen für die performativen Künste. Kieslich entwickelt auf dieser Basis neue Inszenierungspraktiken, die den Roboter nicht allein als technisches Artefakt, sondern als relationales Gegenüber begreifen. Dieses Spannungsfeld zwischen algorithmischer Steuerung und emergenter Autonomie fasst er unter dem Begriff der „Informierten Unbestimmtheit“. Im Zusammenspiel von Kunst- und Wissenschaftsforschung skizziert das Buch Kooperationsmodi, die das Verhältnis von Mensch und Technik in der Theaterpraxis neu bestimmen und einen Beitrag zur aktuellen Debatte um posthumanistische Ansätze in der Theaterforschung leisten.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" title="Marcel Kieslich: Informierte Unbestimmtheit. Robotik im Theater" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=marcel_kieslich_informierte_unbestimmtheit._robot&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Zur Robotik im Theater

Informierte Unbestimmtheit

Neueste Beiträge

Wille zum Glauben

TD Berlin: Beckett von Frau befragt

TD Berlin: „What are we doing? Why are we here?”

Kommende Premieren

September 2026

RÄUBER VON SCHILLERFreie Szene

TD-Berlin: Die Konventionen der Oper zum WACKELN bringen

TD Berlin

Neuerscheinungen im Verlag