Auf Augenhöhe, von Anfang an

Tschaikowskis „Valse sentimentale“ bringt Melancholie in den Keller der Berliner Schaubude. Ein graziles weißes Reh mit Brautschleier dreht sich einsam auf dem Schallplattenteller. Das dynamische Schattenbild aber schafft die Illusion eines Paares, das sich tanzend im Kreis dreht – in Esther Nicklas‘ Installation „Hochzeitstanz – Only for you“. Im Foyer der Schaubude entsteht eine Liaison mumifizierter Schmetterlinge und winziger, hundertjähriger Puppenköpfe aus Biskuitporzellan. Florian Feisel sitzt weit oben auf einem Stuhl an der Wand inmitten von 2756 Puppenteilen und hält seine Lecture Performance. Er denkt poetisch über die unberührten, jahrzehntelang vergrabenen Porzellanfragmente nach, schaut zur gegenüberliegenden Wand, die voll von toten Schmetterlingen in Glaskästen ist und ruft zur Vereinigung beider auf. Die Zuschauer*innen geben so den Insekten Köpfchen mit feingeschwungenen Lippen sowie zarten Augen und erschaffen auf diese Weise die titelgebenden „SchmetterDinge“. Im 25. Jahr der Schaubude gibt sich Theater der Dinge, das vom 9. bis 15. November 2018 insgesamt 16 Produktionen aus 13 Ländern zeigt, das Motto „Von der verlorenen Zeit“. „Vies de papier - Papierleben“ von La Bande Passante aus Frankreich geht den Spuren nach, die ein auf dem Flohmarkt gefundenes Fotoalbum streut. Es ist eine Annäherung an Christa-Maria Charitius, geboren 1933 in Frankfurt/Oder, verstorben 2011 in Brüssel....

Hinterlassene, verschwundene, (wieder)gefundene Objekte standen als Erinnerungsträger im Mittelpunkt der Ausgabe, gaben Einblicke in vergessene Biografien und die Konstruktionsmechanismen geschichtlicher Narrative. Katja Kollmann nimmt die double-Leser*innen mit auf einen Streifzug durch verschiedene Vergangenheiten und das vielfältige Festivalprogramm.

Das internationale Festival Theater der Dinge an der Schaubude Berlin

Von der Zärtlichkeit vergessener Puppen

Gespräch mit der KI aus dem Internet

Die Grenzen zwischen Dokumentation und Fiktion verwischen

Das Gym, die Bühne und ein Gebirge aus Bildern

Schlosstheater Moers: Einsamkeit ist keine Metapher

Theater als Denkmaschine 

Sicherheit und trotzdem Sorgen

Donnerstag, 09. April 2026

Landestheater Tübingen: Kampf um die sterbende Demokratie

Theater Lüneburg: Erinnern muss wehtun

Theater Marie: Zwischen Verantwortung, Schein und Sein

Die Abwertung von Care-Themen ist misogyn

Dienstag, 10. März 2026

„Man kann die Demokratie auch aus Faulheit verlieren“

Eine neue Form des Lebens

Montag, 16. März 2026

Donnerstag, 26. März 2026

neues theater Halle: Partitur der agralen Enge

Sogar für Festivalpublikum

Die Dramaturgie der Gruppe drückt ins Stück

Montag, 30. März 2026

Überzeugungstäter im Mehrspartenbereich

An der HfS Ernst Busch müssen sich die Studierenden des Studiengangs Zeitgenössische Puppenspielkunst im ersten Semester für den „kleinen Maschinenschein“ qualifizieren. Liest man die dreißig Seiten Modulbeschreibungen in Daumenkino-Geschwindigkeit, taucht immer wieder das Wort „Qualifikation“ oder das Wort „Qualifikationsziel“ auf. Beim etwas langsameren Querlesen kristallisiert sich heraus: Handwerk soll vermittelt werden. Handwerk, das im Idealfall die Schwelle zur Kunst überschreitet. Im Grundlagen-Studium lernt man unter anderem „die Spezifika der unterschiedlichen Puppenarten erkennen“. Nach gut vier Semestern gibt es dann den ersten Freiversuch: das Freie Vordiplom, bekannt unter der Ernst-Busch-Marke „Freispiele“. Herrlich trocken kommentiert in der Modulbeschreibung als ein eigenständiges theatrales Ereignis von mindestens zwanzig Minuten mit dem Studierenden als Darsteller! „Die gewählte Spielform“ muss Puppen, Objekte, Masken oder „andere den Bereich des Theaters der Dinge zuzuordnende Erzählmittel mit einschließen“. Fazit: „Im Fokus steht die Stärkung der künst­lerischen Autorenschaft“. Was gedruckt als klare Aussage daherkommt, entpuppt sich in der Realität als konfliktreiche Diskussionsgrundlage. Immer wieder geht es in den Bewertungsrunden um den Anteil des Figuren­heaters am Spiel. Wird er als zu gering eingeschätzt, ist man durchgefallen. Die Zuschauer:innen, die Ernst-Busch-Fans von außerhalb, die am Abend die beiden Bühnen der Hochschule bzw. das bat fluten, bekommen von diesen Interna nichts mit. Sie...

Vom Leben und Sterben

Freispielen

Freitag, 27. Februar 2026

Montag, 23. März 2026

Huch, das Zimmer bewegt sich!

Schauspielhaus Zürich: Die Leerstelle im Monster

Dienstag, 03. März 2026

Für die gekürzte, geliebte Neue Dramatik 

Zwischen Offenheit und Angst ums nächste Engagement

Theater Bielefeld: Helden sind Monster

Der Faktor Zufall – Performances fernab von der Bühne

Brennende Herzen

„Angst ist in unserer Zeit allgegenwärtig“

Mittwoch, 18.03.2026

Tschechische Bilderlust beim Festival One Flew over the Puppetee´ s Nest

Rauf auf große Bühnen!

Schritt für Schritt

Der einsame Krieger

Mit Tanz und Schattenspiel für Freiräume im Freiheitsentzug

Mittwoch, 11. März 2026

Schauspiel Dortmund: Funkelnde Tränen

Montag, 23. Februar 2026

Schauspiel Wuppertal: Erkundungen aus der Komfortzone

Montag, 09. März 2026

„Zwei Großpuppen vorübergehend aus dem Ernst-Busch-Vitrinengefängnis entlassen! Sie erobern jetzt die größte Bühne der Stadt!“ Gäbe es eine Zeitschrift von Puppen für Puppen, dann hätte es diese Schlagzeile im Dezember auf die erste Seite geschafft. Denn die beiden weit über zwei Meter hohen Puppen, die im Foyer der HfS Ernst Busch stoisch auf die vorbeihastenden Studierenden blicken, bekamen bei „aerocircus“ vom inklusiven RambaZamba Theater im Haus der Berliner Festspiele die Chance auf 15 Minuten Ruhm. In der Schlusssequenz des Luftgeister-Spektakels rollten sie ernst und gediegen über die Bühne. Auch ohne Bespielung hatten sie eine enorme Präsenz neben den von vier Menschenbeinen geführten Zirkustieren, einem federleichten Stoff-Zebra und einem stofflich eher schwer wirkenden Elefanten. Von der Bühnendecke hingen mehrere kinderzimmergroße silbrig glänzende Luftballons (Raum: Tomás Saraceno), ein Akrobatikseil und ein Trapez. Zwischen Schnürboden und Drehbühne hatten sich die eingeladenen Akrobatinnen immer wieder grazil-kreativ fallengelassen und wieder hochgezogen. Die RambaZambas hielten sich an das Gesetz der Erdanziehungskraft, auch wenn sie die Luftgeister-Zirkustruppe verkörperten. In guten Momenten gingen sie parallel zum akrobatischen Wagemut mit ihren Gedanken spazieren und erreichten philosophische Höhen. So versuchten sie, das eigene Verschwinden zu begreifen und sprachen hier für sich selbst und ihre Figur. Hart waren die verbalen Bruchlandungen,...

„aerocircus“ vom RambaZamba Theater & Tomás Saraceno

Weltuntergangs-Zirkus mit Puppenspiel

Staatstheater Saarbrücken: Nur weil einer nicht hinhört

Ein sächsischer Elisabethaner

Passt ein Raumschiff in eine Garage? In der Garage im Hof der Schaubude befindet sich jedenfalls eins. „Robinson Crusoe“ steht im Bücherregal, leere Pizzakartons stapeln sich in der Ecke. Noch ist der coole Retro-Drehstuhl vor dem großen Panoramafenster unbesetzt. Zwölf neugierige Augen schauen aufs detailverliebte Pappmodell. Lena Biresch vom XR Kollektiv PRESS [ST] ART hat eine VR-Brille in der Hand, die setzt sie mir auf den Kopf, und ich werde augenblicklich in das virtuelle Raumschiff hineinkatapultiert. Ich bin das einzige Besatzungsmitglied und muss erst mal eine Taschenlampe finden, so dunkel ist es da drin. Das Kollektiv probiert auf dem Festival Theater der Dinge mit neugierigen Festivalbesucher:innen aus, ob das Cross-Reality-Game „Now! A Realities Odyssee“, das noch in der Entwicklung ist, in der Anwendung funktioniert. PRESS [ST] ART will ein Spiel, in dem sich der Akteur mit der VR-Brille und die übrigen Spieler:innen, die über ein Tablet in direkter Verbindung zum Raumschiff stehen, im virtuellen Raum vereinen. Das gelingt und ist ein schöner, überraschender Gemeinschaftsmoment. Ungern setze ich die VR-Brille ab, weil es im virtuellen Raumschiff so gemütlich ist. Das hat konkret mit dem Pappmodell zu tun, das in der Garage steht. Es wurde als visuelle Grundlage für das Spiel abfotografiert....

Beim internationalen Festival des zeitgenössischen Figuren- und Objekttheaters Theater der Dinge lag der Fokus auf Künstlicher Intelligenz

Garage und Galaxie

Beim Gemüseorchester aus Wien entstehen die Instrumente vor jedem Konzert neu. Zwei Stunden wird geraspelt, dann werden Karotten, Sellerie, Kürbis, Lauch und anderes Grünzeug drei Stunden lang getunt, um als Percussion-, Blas- und Streich-Instrumente ein kurzes, aber intensives Leben zu führen. Die Musik, die in der Schaubude den Saal erobert, ist wunderbar vielseitig und auf aufregende Weise neu. So fügen die Kürbisposaunen, Gurkophone und Karottenflöten dem Jazz eine ungeahnte Ebene hinzu. Später wird auch die Neue Musik durch die Rhythmik von Paprikatrompeten bereichert. Gleichzeitig dirigiert subtiler Humor jedes Klangstück. Und auf einmal drängt sich dieser latent vorhandene Humor in den Vordergrund. Dann entledigen sich Salat und Lauch in einem Akt der mutwilligen, kreativen Selbstzerstörung all ihrer Bestandteile. Und all das ist hörbar mit Hilfe einer speziellen Mikrofonierung. Nötig ist die richtige Mischung aus Kondensator-, Gesangs- und Kontaktmikrofonen, damit ein Orchesterklang entsteht, der alle Töne gleichberechtigt nebeneinander existieren läßt. Nun gut, so ganz neu ist das nicht: Seit 21 Jahren existiert das Gemüseorchester. Die zwölf MusikerInnen sind inzwischen in vielen Orten Europas und sogar einmal in China aufgetreten. Jetzt war ihre Konzertperformance einer der Höhepunkte des kleinen, aber ausgesucht feinen Festivals „Klang der Dinge“ in der Schaubude Berlin: Vom 5. bis...

Klingende Maschinen, lautmalerische Gegenstände, singendes Gemüse – die Berührungspunkte von experimenteller Musik und Objekttheater standen im Zentrum des Festivals „Klang der Dinge“ mit dem die Schaubude Berlin die Spielzeit 2019/2020 eröffnete.

Experimentelle Musik trifft Objekttheater beim Festival „Klang der Dinge”

Paprikatrompeten und Empathie für eine Treppe

Das Dunkel: Ein Gegenlicht

Drei Tage im Juli an der Hochschule für Schauspielkunst (HfS) Ernst Busch in Berlin: goldene lamettaartige Papiervorhänge konterkarieren 72 Stunden lang das ruhige Grau des Sichtbetons, an das man sich gewöhnt hat nach dem Einzug der verschiedenen Studiengänge in das lang ersehnte gemeinsame Haus in Berlins Mitte. Streckt man jetzt die Arme nach oben, dann kann man diese übergroßen Goldfäden sogar berühren. Und man ist so ganz kurz eins mit diesem Papierwesen, das auf jede nachbarschaftliche Bewegung mit einer wunderbaren Verspieltheit reagiert. Mit dieser Installation und einem opulenten Programm, zu dem AbsolventInnen und MitstreiterInnen und alle, die kommen wollten, eingeladen waren, beglückwünschte sich der Studiengang Zeitgenössische Puppenspielkunst zu seinem 50. Geburtstag. Das zweite Juliwochenende, an dem die Feier stieg, musste sich laut Programmzettel aufteilen in Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft. Menschen wuseln herum zwischen „Bühne oben“ und „Bühne unten“. „Was war“ quillt über von gelebtem Puppen- und PuppenspielerInnen-Leben. Fällt man durch die Tür des Raumes 1.32, hört man die Stimme Lutz Großmanns, Puppenspiel-Student zu einer Zeit, als dieses Jahrtausend noch frisch und unverbraucht war. Der bringt „seinen“ Kasper mit, den unzerstörbaren Evergreen des Puppenspiels, und führt ihn zu den großen Baustellen des Lebens: Liebe, Krankheit und Tod. Die Puppenspiel-Erfahrung von Laura...

1972 wird an der damaligen Staatlichen Schauspielschule Berlin das Angebot um Puppenspielkunst erweitert und der erste Studiengang für ein Theater der Dinge im deutschsprachigen Raum geboren. Zum 50. Jubiläum gestalteten Studierende, Lehrende und Alumni ein kompaktes Programm aus künstlerischen Beiträgen und Gesprächsrunden, in denen Geschichte, Gegenwart und Zukunft der Ausbildung befragt wurden.

50 Jahre Studiengang Zeitgenössische Puppenspielkunst in Berlin

Die Puppe und die Zukunft

Theaterfamilie versus Familie

Theater Aachen: Zwei Stunden Zuhören

„Bei ihr war es schnell klar“

Kaleidoskop der Wunden

Der Messingkauf im Curazän

 Bühnen Bern: Männerfantasien zerbersten lassen

Die zweite Raumzeitmaterialisierung

Wer setzt den perfekten Haken?

Geisterstück

„Er könnte jetzt anfangen. Der Aufbau ist vorbei“, steht auf dem Bildschirm. Shahab Anousha saugt immer noch und hat sich erst mal hinter den Monitor zurückgezogen. Nach einigen Minuten zerlegt er gefühlvoll den ganzen Staubsauger, vollführt eine gelenkige Pirouette mit dem Schlauch und trägt dann den Staubbeutel wie eine Trophäe vor sich her. Etwas später liest und hört man die Karaokefassung der Pop-Schnulze „I will always love you“ vom Band. Anousha singt nicht. Der Performer richtet seinen Blick sehnsüchtig auf das viel zu hoch eingestellte Mikrofon, während neben ihm die deutsche Liedübersetzung über den Monitor flirrt. In einer entschleunigten und gleichzeitig kurzweiligen halben Stunde legt es Anousha darauf an, mögliche Erwartungshaltungen des Publikums gezielt nicht zu bedienen. Stattdessen setzt er auf kreative Verweigerung, verbunden mit subtilem Humor, und regt so dazu an, Abwesenheit als positiven Möglichkeitsraum wahrzunehmen. Das grande finale von „Whirlpool“, seiner Masterarbeit in Performance Studies an der Universität Hamburg, ist unterlegt mit Klängen von Mozarts „Requiem“: Zu sehen ist das Video einer Waschmaschine, die sich im Schleudergang schrittweise selbst zerlegt, bis die übrig gebliebene Trommel befreit über den Rasen hoppelt. Die Poetik des Visuellen „Whirlpool“ war im November 2022 bei Theater der Dinge in der Berliner Schaubude zu...

Krisen, wohin man schaut. Schlägt sich dies auch in aktuellen Theaterproduktionen nieder? Unter dem Motto „Spuren der Verunsicherung“ fand vom 1. bis 7. November 2022 das internationale Festival Theater der Dinge rund um die Schaubude Berlin statt. Katja Kollmann berichtet, welche Eindrücke die eingeladenen Produktionen bei ihr hinterlassen haben.

Das Festival Theater der Dinge sucht nach „Spuren der Verunsicherung“

Wenn Streichhölzer weinen

Die Zwischenmomente erwischen

Was macht das Theater, Martin Heckmanns?

Das globale Upcycling-Prinzip

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Festival

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

Bericht

double

Nordamerika

Südamerika

Report

Sachsen-Anhalt

Recht

Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Musiktheater

Europa

Theater der Zeit

Politische Konfliktzonen

Sachsen

Was macht das Theater...?

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Kulturjournalistin mit dem Schwerpunkt Darstellende Kunst und russische Theaterszene, sie schreibt u. a. für die taz und lebt in Berlin.

Bruder Tiger, Freies Diplomprojekt von Keumbyul Lim

Deutschland

Das Märzheft 2026 von „Theater der Zeit“ widmet sich dem Schwerpunkt „Bühnenmütter und Mütternarrative“ und fragt, wie sich künstlerische Arbeit und Fürsorge heute vereinbaren lassen. Interviews, Essays und Erfahrungsberichte – unter anderem von Jorinde Dröse, Carola von Seckendorff, Elisabeth Köstner und zu den Arbeiten und u. a. Pina Bergemann – beleuchten strukturelle Hürden, Initiativen wie den Verein Bühnenmütter e. V. und das Projekt Culture.Care sowie aktuelle Mutter-Stoffe auf deutschsprachigen Bühnen.
Der Stückabdruck diesmal: Noam Brusilovskys „Fake Jews“, uraufgeführt am Deutschen Theater Berlin.
Außerdem: Berichte zur neuen Intendanz am Schauspiel Leipzig, zum  Festival Premières am Le Maillon in Straßbourg, ein Inszenierungsbericht von der „Möwe“ gleich zweimal in Norddeutschland sowie, wie immer: das Kunstinsert (diesmal zu den Stadtraum-Pionier:innen Angie Hiesl/Roland Kaiser) Kolumnen und Buchrezensionen.
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Bühnenmütter und Mütternarrative

Mit Humor ist es so eine Sache, auch im Theater. Es gibt ihn, aber er ist schwer zu greifen, und noch schwerer ist es, darüber zu diskutieren, ohne dabei den Humor zu verlieren. Als TdZ den Regisseur Antú Romero Nunes nach seiner Premiere von Shakespeares „Was ihr wollt“ am Berliner Ensemble (auf dem Titel) deswegen anriefen, schien er gleichsam auf eine solche Gelegenheit gewartet zu haben. Nunes, Absolvent der Berliner Hochschule für Theaterkunst Ernst Busch als Regisseur, ist in mehreren Kulturen zu Hause und kann deshalb von innen und außen auf das Thema Humor im deutschen Theater schauen. Das Gespräch war nach dem Interview lange noch nicht beendet und ging immer weiter. Wie auch das über die sogenannte Wertigkeit von Komödien, die als relevante Problemstücke wie Dietmar Jacobs’ „Extrawurst“ großes Publikum ins Theater ziehen. Seine fein gebauten Stücke sind Blockbuster des Theaters und deshalb nicht so leicht einzuordnen. Lachen ist Selbstklärung.
Daneben bietet das Januar-Heft einen Ausblick auf Theater der Welt in Chemnitz 2026, einen Bericht vom Festival Science and Theatre in Heilbronn (mit starkem Fokus auf KI, XR und digitale Ästhetiken) sowie einen Blick auf den Neustart des ETA Hoffmann Theaters Bamberg unter John von Düffel.
Und wie immer: einen Stückabdruck (diesmal die Fassung von Ruth Maria Thomas’ „Die schönste Version“ aus Cottbus), neuen Kolumnist*innen und einer neuen Ausgabe der Serie zu Grenzphänomenen von Theater und Sport.
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Humor auf der Bühne

Checklisten, Best-Practice-Beispiele und konkrete Methoden für kulturelle Teilhabe und Mehrsprachigkeit
Community-Booster: durch kollaborative Netzwerke diversitätsbewusstes Kinder- und Jugendtheaterarbeit positionieren
Teilhabe und Mehrsprachigkeit als ästhetisches Potenzial im Theater für junges Publikum begreifen. Begegnungsraum für junge Menschen mit unterschiedlichen gesellschaftlichen Privilegierungs- und Marginalisierungserfahrungen sein. Neues proletarisches Theater mit jungen Menschen machen. Bewusst Intersektionalität mitdenken und gleichberechtigt Theater schaffen. Sich selbst sowie die eigenen Arbeitsstrukturen machtkritisch befragen und geduldig in Bewegung bringen.
Was wie eine Utopie klingt, ist im Programm „Perspektiv:Wechsel“ der ASSITEJ seit 2022 vielerorts passiert. Und wird auch darüber hinaus in den Darstellenden Künsten für und von jungen Menschen immer öfter praktiziert. Welche (un-)sichtbaren Hürden müssen dabei überwunden werden? Wie können konkrete Schritte geplant und umgesetzt werden? Und warum überhaupt Perspektivwechsel? Dieses „winterheft“ versammelt Praxisberichte in Form von Texten, Videos und Audioformaten, vielstimmige Argumentationen, machtkritische Positionen und Plädoyers dafür nicht mehr allein zu träumen, sondern sich zu verbünden.
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Perspektiv:Wechsel

Spielerische Übungen und künstlerische Experimente für Stimme und Sprechen
94 große Karten und Begleitheft
Ein Kartenset für alle, die Lust haben, gemeinsam die eigene Stimme zu erkunden. 94 Karten in fünf Bereichen laden zu einem spielerischen und vielfältigen Umgang mit Stimme im Theater ein. Übungen, Spiele, Experimente und Wissenskarten fördern künstlerisches Ausprobieren und bewusstes Wahrnehmen. Dafür kommen Perspektiven aus der Stimm- und Sprechbildung, der Theaterpädagogik sowie den Künsten zusammen. Für mutige Stimmen in Theater und Performance, in Bildung, Schule und im Alltag. 
38 Karten üben + wahrnehmen – geben Übungen zu allen Aspekten der Sprechstimme an die Hand – zusammen oder allein.
28 Karten spielen + experimentieren – sind von künstlerischen Beispielen inspiriert und laden ein, gemeinsam Theater und Performancekunst zu machen.
11 Karten Wissen – vermitteln Grundlagenwissen zur Stimme und räumen mit Missverständnissen auf.
6 Karten Material – stellen Gestaltungsmittel und nützliche Begriffe zur Verfügung.
3 Karten Formen – ergänzen eure künstlerischen Experimente.
8 Karten Miteinander – unterstützen eure Zusammenarbeit und regen zum Austausch an.
Konzipiert und geschrieben von Marit Fiedler, Caroline Intrup, Isabelle Zinsmaier, Matthias Dreyer.
Entstanden im Projekt „Fokus Stimme“, Studiengang Lehramt Theater, Hochschule für Musik und Theater Rostock mit freundlicher Unterstützung durch die Stiftung Innovation in der Hochschullehre.
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<a href="../../api/files/4a2c9dd6-094e-4968-9919-3ce1f582de2a/psst-Begleitheft.pdf">Begleitheft herunterladen</a>

PSST! Mit Stimme Theater machen

Postkoloniale und antirassistische Ansätze im Figurentheater

Puppets of Color

Die Februar-Ausgabe von Theater der Zeit rückt das Theater in der Ukraine ins Zentrum – als Kunstform im Ausnahmezustand, die zugleich Verteidigung, Selbstbehauptung und Zukunftsentwurf einer von Krieg belagerten Gesellschaft ist. Das kulturelle Leben ist, eines der perversen Kriegsziele Russlands, nicht zum Erliegen gekommen, während der Krieg – zumindest seit der Totalinvasion – diesen Februar ins fünfte Jahr geht. Der Schwerpunkt des Heftes fragt, welche Rolle internationale Kooperation wirklich spielt – und wo sie bislang ausbleibt. Reportage, Essay und Gespräch zeichnen eine Landschaft, in der Luftalarm, Drohnen und Frontberichte den Alltag markieren, während Projekte wie das Ukrainomania-Vorhaben des Wiener Volkstheaters und des Nationaltheaters Maria Zankovetska in Lviv exemplarisch zeigen, wie gemeinsame künstlerische Arbeit neue Räume für Erinnerung und Solidarität eröffnet.​
Flankiert wird der Schwerpunkt von Beiträgen, die andere Bruchstellen der Gegenwart vermessen: ein Bericht über die „Rasenmäherpolitik“ in Baden-Württemberg analysiert, wie Kulturkürzungen ganze Szenen in Stuttgart und Karlsruhe strukturell gefährden, während ein Essay zu René Pollesch die Frage stellt, wie sich kollektive Unbehaustheit und Theaterästhetik nach seinem Tod weiterschreiben lassen.  Mit dem Fokus auf neue Schweizer Dramatik im Rahmen vom Abdruck der im Schweizer „Stück Labor 2024/25 entstandenen Stücke, öffnet die Ausgabe zugleich einen Laborraum für Texte, die Übergangsrituale, Jugendkulturen und postkoloniale Verwerfungen erkunden. Guido Lambrecht, der mit der Monumentalperformance von „Serotonin“​ am Hans Otto Theater Potsdam gerade zum Theatertreffen eingeladen wurde, beantwortet die Frage: „Was macht das Theater?“ Und wie immer: Kolumnen, Kritiken und das Kunstinsert, dieses Mal mit der neuen permanenten Lichtinstallation von James Turrel: „Beyond Horizons“, in Oelsnitz/Erzgebirge.
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Theater in der Ukraine

Palucca (1902–1993) wollte nicht hübsch und lieblich tanzen und war noch keinesfalls berühmt, als sie im Alter von 23 Jahren eine private Tanzschule gründete. In diesem Band kommen Menschen zu Wort, die eine Beziehung zu Palucca, zur Palucca Schule (gegründet 1925, heute Hochschule), Mut im Kopf und Mumm in den Knochen haben. Sie taten und tun das vorzugsweise in Projekten, mit denen Menschen im und mit Tanz zu Veränderungen angestiftet und befähigt werden, gesellschaftliche Missstände mit Leib und Seele anzugehen. Das erfordert ziemlich viel Mut.
Für den Soziologen Dirk Baecker ist Mut ein Kalkül. Für Palucca war Mut eine Voraussetzung für Kunst. Studierende des 2. und 3. Studienjahres Bachelor Tanz der Palucca Hochschule für Tanz Dresden verraten, wie sich Mut einstellen kann, selbst wenn sie Angst haben. Das könnte man sich glatt zu Herzen nehmen, und dann ist Mut zu haben vielleicht gar keine Kunst?
 
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Faszination und Verantwortung

Mut Palucca

Gewalt spielen

Nach dem Tod von Heiner Müller am 30. Dezember 1995 entstand das erste TdZ-Arbeitsbuch mit dem Titel „Kalkfell“. Es folgten ein zweiter „Kalkfell“-Band und viele Einzelstudien und Aufsatzbände in der TdZ-Recherchen-Reihe sowie in der Zeitschrift immer mal wieder Texte aus Müllers Nachlass, die im Entstehen der Werkausgabe bei Suhrkamp entdeckt wurden. Dazu opulente Bände zu Müllers eigener Inszenierungsarbeit und B. K. Trage­lehns Müller-Inszenierungen. Die Biografie Heiner Müllers war indes bisher kein ausgeprägtes Feld bei Theater der Zeit. Im hier aus Anlass des kleinen Gedenkjubiläums zusammengestellten Schwerpunkt finden Sie neben den Beiträgen von Kristin Schulz und Wolfgang Storch die Erinnerungen von Hans-Jochen Vogel an seinen Cousin Heiner. Die Lebenswege gingen schnell weit auseinander – Müller verließ schon jung den erzgebirgischen Herkunftsraum und ging nach Berlin, ­Vogel blieb in der Gegend und wurde Studentenpfarrer in Karl-Marx-Stadt beziehungsweise Chemnitz. Verbunden blieben sie durch das Interesse aneinander – und deshalb ist Vogels (online vollständig zu lesendes) Memoir ein erhellendes Stück Müller-­Literatur heute.
Mit Tilda Swinton kommt man in die verschiedensten Bereiche von Film und Theater, so wie das Kunstinsert an ihre Zusammenarbeit mit Derek Jarman und Pedro Almodóvar erinnert. Ihre Zeit mit Christoph Schlingensief ist legendär und nebenbei war bei der Arbeit an diesem Beitrag auch noch von ihrer Rückkehr auf die Bühne zu erfahren. 1982 schrieb der Regisseur Manfred Karge sein erstes Stück, „Jacke wie Hose“, über eine Frau, die in der Weltwirtschaftskrise von 1929 die Stelle ihres verstorbenen Mannes annimmt und fortan, heute würde man sagen, als ‚männlich gelesen‘ weiterleben muss. 1987 spielte Swinton am Londoner Royal Court Theatre die englische Erstaufführung – und 2026 wird sie diese „Man to Man“-Szenen wieder am Royal Court spielen, mit einem geplanten Gastspiel im Berliner Ensemble.
Ein kuratiertes Insert befasst mit Machtmissbrauch in den Darstellenden Künsten – das Netzwerktreffen von Helvetiarockt und m2act.
Über gleich zwei Neustarts berichtet das Heft, in Hamburg und in Freiburg, genauso wie über Festivalberichte. Weiterhin, wie immer: der Stückabdruck (diesmal von Gerhild Steinbuch) unsere Kolumnen.
 
 
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Zwischen Bühne und Film

Tilda Swinton

Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

Das Ding mit dem Körper

Im Jahr 2025 feiert das Rheinische Landestheater sein einhundertjähriges Bestehen – und 25 Jahre den festen Ort mit bespielten Bühnen in der Oberstraße. Gemeinsam mit verschiedenen Wegbegleiter:innen und (Theater-)Expert:innen blickt das Haus auf ein Jahrhundert Theater in Neuss, Nordrhein-Westfalen und entfernteren Orten zurück; die Doppelfunktion als Haus mit einem festen Ensemble in einer rheinischen Großstadt, das zusätzlich als Landestheater mit seinem Programm (auch über die Landesgrenzen Nordrhein-Westfalens hinaus) Kultur in die Fläche und Orte ohne eigene Theaterbetriebe bringt, ist als spannende Institution eine nähere Betrachtung wert. Gleichzeitig bietet das Jubiläum bei aller Nostalgie auch genügend Anlass, um zusammen so manchen Ausblick in die Zukunft zu werfen – voller Vorfreude auf Alles, was kommt!
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Ein Jahrhundert Rheinisches Landestheater Neuss

Blick zurück nach vorn

Opulent bebilderte Buchausgabe, die die musiktheattrale Installation visuell und textlich dokumentiert
Künstlerisches Mahnmal über Krieg, Zerstörung und menschliche Resilienz
Die mit dem OPUS KLASSIK 2025 ausgezeichnete musiktheatrale Installation des Mozartfests Würzburg setzte sich künstlerisch mit der Bombardierung Würzburgs am 16. März 1945 auseinander. 80 Jahre nach der Zerstörung der Barockstadt verschmolzen Lyrik von u. a. Paul Celan und Bertolt Brecht, Zeitzeugenberichte und Musikwerke aus vier Jahrhunderten zu einem sinnlichen Klangerlebnis, das historische Narben ertastet und Brücken zur Gegenwart schlägt. 
Im historischen Mutterhaus der Erlöserschwestern, wo 500 Menschen die Bombennacht im Luftschutzkeller überlebten, entstand eine immersive Theaterform, die Erinnerungskultur neu denkt. Werke von Mozart, Mahler, Schumann und Copland trafen auf zeitgenössische Interpretation und machten Kriegstraumatisierung unmittelbar erfahrbar. Die visuelle Gestaltung mit eindrucksvollen Fotos dokumentiert die Installation sowie ihre Genese und ermöglicht es, das Konzert anhand des Buches wieder nachzuempfinden. Ein künstlerisches Mahnmal, das zum Gedenken und Nachdenken anregt.
„Hell ist die Nacht“ ist eine Produktion vom Mozartfest Würzburg. Regie Max Koch, Dramaturgie Tamara Yasmin Quick, Musikalische Leitung Ulrich Cornelius Maier
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Eine Dokumentation

Hell ist die Nacht

Netzwerkmodelle im Figurentheater

Networking

Games, Übungen, Show- und Langformate sind in Form einer umfassenden Liste im vierten Band der Reihe Improvisationstheater enthalten. Darunter Games für jeden Zweck: Theater-Workshops, Shows und Gruppen-Warm-Ups. Sie sind nach ­ Kategorien ­ unterteilt: Körperliche, verbale, erzählerische, szenische Games. Außerdem enthalten sindzahlreiche musikalische Formate und anspruchsvolle Langformen sowie einige Klassiker als auch Inspirationen für Schauspieltrainings und Impro-Shows.
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Games und Formate. Ein Nachschlagewerk

Improvisationstheater (Bd. 4)

Die Buchpremiere findet am 12.04.2026 am Berliner Ensemble (Neues Haus) um 15.00 Uhr statt.
„Brecht gebrauchen, ohne ihn zu kritisieren, ist Verrat“, hat B. K. Tragelehns künstlerischer Weggefährte Heiner Müller konstatiert. Als letzter Meisterschüler Bertolt Brechts in den 1950er Jahren hat Tragelehn dessen Erbe nie zum Museumsgut erstarren lassen. Seine aufstörenden Inszenierungen, zeitweise gemeinsam mit Einar Schleef, haben in Ost und West Theatergeschichte geschrieben.
Das Lesebuch „Roter Stern in den Wolken 3" erscheint anlässlich des 90. Geburtstags von B. K. Tragelehn und versammelt Gespräche, Gedichte und Aufsätze aus seinen letzten Schaffensjahren. Die Beiträge dokumentieren seine fortwährende Auseinandersetzung mit Brecht und Heiner Müller und zeigen Tragelehn als scharfsinnigen Analytiker des Gegenwartstheaters wie der Theatergeschichte. Sie reflektieren die Rolle der Darstellenden Kunst in ihren gesellschaftlichen Zusammenhängen – und machen diesen Band zu einem unverzichtbaren Dokument deutscher Theaterkultur.
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Aufsätze, Reden, Gespräche, Gedichte. Ein Lesebuch

Roter Stern in den Wolken 3

Fünf Jahrzehnte Puppenspielkunst  an der HfS Ernst Busch Berlin

Puppe50

Neuerscheinungen im Verlag