Was macht das Theater, Philipp Adlung?

Fluid, Trans, Drag

Cripped Curricula

Es geht nur gemeinsam

Das Programm ARTplus

Theater Oberhausen: Die Menschheits-Show wird abgesetzt

Auch Kampnagel als anspruchsvolle Institution stolpert über die eigenen Widersprüche. Dem Diskurs vorauseilen, von der Realität eingeholt werden, neue Versuche starten, sich mal durchsetzen, mal scheitern: Die Pendelbewegung zwischen dem Versuch einer ernsthaften und wirksamen antirassistischen, intersektionalen oder antiableistischen Arbeit und der eigenen Verstrickung in die Reproduktion von Machtverhältnissen ist ongoing. Die beiden kuratorischen Spuren »Kunst als Tarnung« und »Mainstreamverbesserung« stehen für diese Ambivalenzen und haben das künstlerische Profil der letzten Jahre stark geprägt. Die Idee von »Kunst als Tarnung« ist alles andere als neu und eng mit der Geschichte des Ortes verknüpft. In der ehemaligen Kranfabrik »Nagel &amp; Kaemp« organisierten sich die kommunistischen Arbeiter*innen beispielsweise in betriebseigenen Theatergruppen, wie im Text von Carina Book und Sophia Hussain (S. 168) vertieft wird. Dieses Workbook skizziert anhand konkreter Projekte die Überschneidungen und Unterscheidungen dieser künstlerischen Strategien und ihre wechselseitige Wirkung auf innerinstitutionelle Strukturen. Im Praxisteil tragen unterschiedliche Künstler*innen ihre Perspektiven und Analysen bei. Künstlerisches Tarnen politischer Interventionen: Definitionen und Anwendungsbeispiele Die Methode »Kunst als Tarnung« wird landläufig mit der Praxis von Wirtschaftsunternehmen in Verbindung gebracht, die sich üblicherweise im Pink- bzw. Greenwashing ausdrückt: Diversität als Token, queere Codes als konsumierbare Massenartikel der globalen Modeindustrie oder wirkungslose Öko-Zertifikate. Die gegenteilige Lesart lässt...

Kunst als Tarnung und Mainstreamverbesserung

Figurentheater zwischen Tradition und Transformation

Ich sehe was, was du nicht siehst

Wir wollen alle sehen! Wege in die Darstellende Kunst für Menschen mit Behinderung

Den Stein zeigen

Heilbronn: Leon Engler gewinnt mit „Wo die Götter kauern wie Hunde“ den internationalen Dramenwettbewerb „Science & Theatre“ 2025

Theater Oberhausen: No King today

Studieren mit Behinderung – (k)ein Privileg

Versuche einer thematischen Ordnung

Theater Thikwa Berlin: Dinner-Theater mal anders

Unregelmäßigkeiten im Brandschutzsystem

„Ich bin nur durch die Welt gerannt“

„Gesellschaft besteht aus Menschen und Menschen können Dinge ändern“

Not Just Any’s Body And Mind

Was macht das Theater, Daniel Schüßler?

Über Zeitenwenden hinaus

Wer liest noch Dramen? oder: Plädoyer für die Pause

Nadine Jessen: In deinen Choreografien zeigst du eine Art Kunst des Rückblicks; es geht um deinen persönlichen künstlerischen Zugang zu dieser retrospektiven Ausdrucksform und darum, wie du deine Themen wählst. In deinen Arbeiten beziehst du dich auf eine spekulative Geschichtsschreibung oder die »Wiederaneignung der Geschichte«. Wann hast du dein Interesse an historischem Material entdeckt? Trajal Harrell: Während meiner Schulzeit. Ich habe mehrmals an einem Wettbewerb namens »History Day Competition« teilgenommen, der auf lokaler, bundesstaatlicher und nationaler Ebene in den USA ausgerichtet wurde. Jedes Jahr habe ich für den History Day zu einem bestimmten Ausschnitt aus der Geschichte eine Performance erarbeitet. Damit habe ich sechs Mal hintereinander den Preis für das beste Gruppenstück in meinem Bundesstaat Georgia gewonnen, aber aufs nationale Siegerpodest habe ich es nie geschafft. Ich glaube, das hat bei mir den Grundstein für meine geschichtsbasierte Performance-Praxis gelegt. Irgendwann kam Melanie mit der Idee auf mich zu, ein Projekt über Loïe Fuller zu machen, und das führte dazu, dass ich mich mehr mit den Anfängen des Modern Dance auseinandergesetzt habe. Mein Hauptinteresse zu dieser Zeit galt eigentlich dem frühen postmodernen Tanz, aber der Impuls erinnerte mich an meine allerersten Erfahrungen mit Tanz als Form des Spektakels. Ich musste daran...

Trajal Harrell im Gespräch mit den Kampnagel-Dramaturginnen Nadine Jessen und Melanie Zimmermann – über Geschichte, Tanz und Special Bookings

You know, you know, I'm a runway bitch

Tanz ist einfach überall

Seine Arbeit war autobiografisch

Kultur- und Musikmanagement mit Hürden

Challenge(d) Bodies

Konstruierte Körper

Im Ozean aus Klang und Licht

Wille zum Glauben

Die »Solidarische Institution« wurde inspiriert und initiiert durch die gesammelten Erfahrungen mit dem »Migrantpolitan«, einem Aktionsraum von, für und mit Geflüchteten. Seit 2015 sind der Ort und seine Teammitglieder Teil des Kampnagel-Kosmos und befinden sich in innovativem gegenseitigen Wissenstransfer. Aus migrantischer Perspektive und dem künstlerischen Selbstverständnis von Kampnagel heraus entstand das Konzept der »Solidarischen Institution«. Seit 2018 fließt es auch in die gemeinsame institutionelle Praxis innerhalb des Bündnisses Internationaler Produktionshäuser ein. Grauzonen und Regelbrüche: Die Kunst der Solidarität Die »Solidarische Institution« übersetzt das Konzept der »Solidarischen Stadt« in eine institutionelle Praxis. Sie entwickelt aktiv Werkzeuge, um ihre eigenen künstlerischen Methoden der (Selbst-)Ermächtigung auf Individuen zu übertragen. Dabei werden administrative Handlungsspielräume kreativ und strategisch ausgereizt und eingesetzt, um mit den Mitteln der Kunst reale, neue Verhältnisse zu produzieren. Die Praktiken der »Solidarischen Institution« bewegen sich punktuell in Grauzonen und gezielten Regelbrüchen. Dieses Potential wird in Kulturinstitutionen oft nicht ausgeschöpft oder entpolitisiert, weil es formal kein ästhetischer Prozess ist – oder als solcher nicht erkannt wird. Dabei ist der Antrieb jeder Kunstproduktion ja gerade nicht die Bestätigung bestehender Werte, sondern deren Verschiebung durch verschiedene künstlerische Strategien, um andere Wahrnehmungsweisen zu eröffnen. Kompliz*innenschaft und die Kunst der solidarischen Praxis gehören zum Selbstverständnis der...

Zwischen administrativer Utopie und künstlerischem Powerplay

»Solidarische Institution«

„Die Vielfalt ist das Herz der Freien Szene“

Respekt und Vertrauen

Inszenierte Körper

Theater Ulm: Mit doppeltem Boden?

Das Kerngeschäft im Theater sind Feelings

ETA Hoffmann Theater Bamberg: Liftboys und Logbücher

Teufelsgeige

Filmstills

Inklusion versteht sich nicht von selbst

An Theatern stellen Künstler*innen Machtfragen auf der Bühne. Aber meist fehlt es hier an Orten, an denen diese Thesen tatsächlich erprobt werden können, an denen sich die Institutionen selbst kritisch hinterfragen und das vermeintlich Ungewollte zulassen. Kampnagel besaß und besitzt verschiedene solcher Orte, die genau das leisten: Es sind Heterotopien im Körper eines ehemals besetzten Ortes, der längst zur Institution geworden ist, und die ihm so den Zerrspiegel vorhalten. Es sind Gegenentwürfe zur konventionellen Theaterinstitution, die für diejenigen als Schlupfloch dienen, die anderswo auf Widerstände stoßen, an den Rand gedrängt und ausgesiebt werden. Es sind Korridore für unvorhergesehene Komplizenschaften, Experimentierfelder für widerständige Praxen und Schönheitssalons für emotionale Frischzellenkuren, die die festen Strukturen der Institution Theater in aufmüpfige Schwingungen versetzen. Diese scheinbaren Ränder erschüttern ihr Zentrum mit radikaler Softness und bewahren Kampnagel so vor institutionellen Verhärtungen – nicht immer gewollt, manchmal bekämpft, von anderen beneidet und nicht zuletzt essentiell für eine Institution, die sich selbst als widerspenstig begreift. Einige dieser Heterotopien behaupten sich hartnäckig, andere hat sich die Institution kannibalistisch einverleibt, wieder andere existierten nur für eine kurze Zeit und wurden dann abgestoßen. Wir stellen hier drei dieser Schlupflöcher als Momentaufnahmen vor. Nightclubbing, nightclubbing. We’re what’s happening. Nightclubbing, nightclubbing. We’re an...

[Temporäre] Heterotopien

Reflexion fördern

Rückwärts durch die Zeit der Gegenwart

Landestheater Tübingen: Heimat in der ganzen Welt wiederfinden

Solidarität und Glitzer

Nationaltheater Mannheim: Wettstreit der Wahrheiten

Trans*respekt versus anti-trans Gewalt

Die Pflanze, die ich also bin

Living Beneath

Körperpolitik ohne Ende

Garage und Galaxie

Vorwort

Münchner Kammerspiele: Lokalgeschichte meets historische Schuld

Vertonen

„Ich lausche meinem Körper die choreografische Form ab“

Über das Solo zur Solidarität

Archipel der Kunst

Vor dem Hintergrund demografischer Veränderungen, spaltender Politik und globaler Fluchtbewegungen sieht sich Kampnagel in einer klaren Verantwortung: The struggle is real und verlangt nach neuen Strategien, nach solidarischen Plattformen für Partizipation und kulturelle Teilhabe sowie nach Kommunikation. Massenunterkünfte sind und bleiben keine Lösung für diese Probleme. Das Migrantpolitan ist ein kleines Holzhaus auf dem Kampnagel-Gelände. Die Geschichte dieses Hauses beginnt im Jahr 2014, als Kampnagel anlässlich des Internationalen Sommerfestivals Baltic Raw eine Gruppe von Architekt*innen aus Hamburg einlud, das Verhältnis der Stadt zu ihren Gebäuden, Künstler*innen und Einwohner*innen zu reflektieren. Das Ergebnis war der hölzerne Nachbau der Roten Flora, der zum 25. Jahrestag des »politischen Störfaktors« eröffnet wurde. Kurz darauf verweigerte Hamburgs Regierung Lampedusa, einer selbstorganisierten Gruppe von rund 400 Geflüchteten und Migrant*innen aus verschiedenen afrikanischen Staaten, den Aufenthalt und eine kollektive Härtefalllösung wurde abgelehnt. Der Druck, Unterkünfte für Tausende von Menschen zu finden, war groß. Damals wie heute. Auch Kampnagel wurde gebeten, Räume als temporäre Notunterkunft zur Verfügung zu stellen. Nach vielen Diskussionen entschieden wir uns jedoch dagegen. Was wäre der Unterschied zwischen einem leeren Baumarkt und einer leeren Fabrikhalle? Wir halten nichts von Massenunterkünften. Wir brauchen kleine Lösungen für große Probleme. Anstatt das Holzhaus nach dem Festival abzubauen,...

Schlupflöcher produzieren

Migrantpolitan

Körper und Körperlichkeit

Unsere Körper sind Text

Die Rückkehr der großen Geschichten

Ride & Resistance

Die Hüfte ist das Zentrum

Der kluge Mann baut vor

Die Gewalt geht vom Volke aus

Nicht nur Gestell für Stimmbänder und Handgesten

Von Sprachverbotsversuchen, Sprechermöglichungen und Körperwirklichkeiten

Die Arbeit der Frauen: Punch und Judy

Auf dem Gipfel der Verzweiflung

Tanzen zwischen künstlerischer Perfektion und Höchstleistungssport

Spielart-Festival München: „Sie sind gelaufen, damit ich gehen kann“

Ausgebeuteter Körper

Unidentical Dude

Oldenburgisches Staatstheater: Betont präzise und seelenlos

Zirkus

Thüringen

Workbook 3

Buchrezensionen

Saarland

Workbook 4

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

double

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Musiktheater

Queeres Theater

Workbook 1

Europa

Theater der Zeit

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Workbook 2

Tanz

Performance

Kunstinsert

Debatte

Asien

Brandenburg

Neue Dramatik

Edition Bayerische Theaterakademie August Everding

Wissenschaft

Lektionen

Hessen

Berlin

Post-Ost(deutsch)

Dramaturgie

Afrika

Open Access

International

Körperlichkeit

Praxiswissen

Kinder- & Jugendtheater

Recherchen

Akteur:innen

Dramatik

Baden-Württemberg

Puppen-, Figuren- & Objekttheater

Regie

Theaterkritiken

Schleswig-Holstein

Festivals

Schweiz

Dramaturgie der Zeitenwende

Freie Szene

Sprechtheater

Kritiken

Stücke

Kostüm und Bühne

Musik im Schauspiel

Gespräch

Startseite

Der schwebende Diwan. Talkrevue zu ungelösten Fragen

Nadine Jessen ist Dramaturgin und Kuratorin. Innerhalb der Institution liegt der Fokus auf der Produktion von Schlupflöchern, deren Erhalt und Prozessualität. Auf Kampnagel seit der Spielzeit 2007/08 mit dem Beginn der Intendanz von Amelie Deuflhard, mit einer Unterbrechung in der Spielzeit 2016/17 (Kuratorin bei den Wiener Festwochen), Teil des künstlerischen Teams und auch in unterschiedlichen Kunst-Kollektiven bzw. Initiativen aktiv (Avantgarten, Migrantpolitan, Solicasino, Performeum, Art School, Hools of Fashion oder new media socialism).

The Köln Concert, Schauspielhaus Zürich/Trajall Harell, 2020

Hello Deutschland – Die Einwanderer, Premierenabend

Sommerfestival 2022

Fanti Fanti Parade, LIVE ART FESTIVAL 2023

Sticker, 2014

Avantgarden

Joscijka Abels‘ historischer Roman, setzt sich auf komplexe und tiefgründige Weise mit zentralen Fragen der menschlichen Existenz auseinander. Durch den Dialog der Romanfiguren enthüllt sich die performative Natur des Lebens, in der die Grenzen zwischen Realität und Inszenierung im „teatro mundi“ (Welttheater) verschwimmen. Die Reflexion über Kunst, Philosophie und Politik macht Abels Roman zu einer anspruchsvollen und lohnenden Lektüre.
Es ist im Jahre 1464, als Bernardo Rossellino, aus einer Zeitschleife zurückkehrend, sich in der Bibliothek seines von ihm erbauten Palazzo Piccolomini in Pienza wiederfindet. Wer er ist, weiß er nicht mehr. Und so beginnt für ihn die Suche nach seiner Identität. Wer war jener Gamberelli, von dem alle sprachen? Bernardo begegnet einer Abendgesellschaft, darunter Papst Pius II., vormals Eneas Silvio Piccolomini, dem Philosophen und Kleriker Cusanus, auch bekannt als Nikolaus von Kues, dem vielseitigen Architekten Leon Battista Alberti, seinem Tugendfreund Filarete und dem Mathematiker Paolo dal Pozzo Toscanelli. Sie versammeln sich jeden Abend um ein in der Mitte des Bibliotheksaales eingelassenes Spielfeld und widmen sich mit einer runden, ausgehöhlten Kugel dem Globusspiel. Es ist das Weisheitsspiel des Cusanus, in dem es gelingen soll, gleichsam durch einen Spiegel und im Rätselbild auf die Möglichkeiten in dieser Welt und in uns zu sehen. Was ist das Geheimnis des Enea Silvio Piccolomini? Warum hatte man die von Bernardo gebaute Erinnerungsarchitektur, das von diesem Papst gewünschte Memoriale an seinem Heimatort, so geändert? Wieso hatte sich über die cusanische Reform des julianischen Kalenders nicht nur ein Schleier, sondern der Mantel des Vergessens gelegt?
Die abendlichen Dialoge kreisen um nahezu alle Grundfragen, die aus der Renaissance überliefert sind. Die Runde öffnet sich den Quellen der griechisch-römischen Antike und reflektiert über die Beziehungen zwischen Architektur, Kunst und Wissenschaft, über die Wirklichkeit und Möglichkeit in der sichtbaren Malkunst, über den Ursprung der Welt, das Phänomen der Zeit und das Nebeneinander der Religionen.
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Kaleidoskop der Stimmen und Bilder

Julianische Tage im Schatten der Piazza

Workbook zum Jubiläum

Kampnagel Hamburg. 40 Jahre Widerspruch

Mit zahlreichen Beispielen und Tipps wird in diesem Band das Entstehen gemeinsam improvisierter Szenen erläutert. Wie beginnen wir Szenen? Wie führen wir sie fort? Und wie beenden wir sie? Wie schaffen wir eine stabile Plattform? Und wie improvisieren wir ohne Plattformen? Wie erschaffen wir kraftvolle szenische Konflikte und wie spielt man intime Szenen? Wie unterstützen wir unsere Partner auf der Bühne und aus dem Off? Wie entsteht Komik und wie erschaffen wir berührende Szenen?
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Die Magie der Szene

Improvisationstheater (Bd. 3)

„Highland Child“ vereint Bildkunst und Lyrik von Mark Sieczkarek in einem eigenständigen Künstlerbuch: Zeichnungen, kleine Malereien und Collagen begegnen 48 englischsprachigen Gedichten, deren deutsche Übertragungen jedem Exemplar als Einleger beiliegen. Als Tänzer des Tanztheaters Wuppertal Pina Bausch in den 80er Jahren (u. a. „Viktor“, „Ahnen“, „Kontakthof“, „Das Frühlingsopfer“, „Nelken“) und seit 1988 mit über 50 eigenen Produktionen als Tänzer und Choreograph, entfaltet er in diesem Band ein sehr persönliches Universum – Menschen aus seiner nächsten Umgebung, Begegnungen aus der internationalen Tanzszene, Erinnerungen und Gedankenskizzen.
Die Arbeiten in Farbe und Schwarz-Weiß zeigen seine poetische Spannung zwischen Bewegung und Bild. Entstanden ist ein sorgfältig gestaltetes und liebevoll illustriertes Hardcover, das die künstlerische Handschrift Sieczkareks in ihrer Vielschichtigkeit sichtbar macht – ein in seiner Interdisziplinarität beeindruckender Künstler, der über Tanz, Kostüm und Bühnenbild wirkte und sich ebenso hingebungsvoll Zeichnungen, Film und Dichtung widmete.
 
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Art and poetry by Mark Sieczkarek

Highland Child

Die 52. Ausgabe von double. Magazin für Puppen-, Figuren- und Objekttheater widmet sich der Figut des Caspar als Superhelden, Spaßmachern und Systemsprenger. Kann die Figur überhaupt im Heute bestehen, ohne ihre anarchische Energie zu verlieren?
Im Zentrum stehen die lustigen Figuren des europäischen Puppenspiels in all ihren Ambivalenzen und Transformationen. Fachbeiträge reflektieren kulturelle Erbe-Diskurse, Genderaspekte und die künstlerisch-ästhetische Entwicklung der komischen Handpuppe vom Kasper bis Punch als Spiegel gesellschaftlicher Herausforderungen und Widerstände. Internationale Festivalberichte, Interviews und Analysen nehmen die Vernetzung der Szene genauso in den Blick wie aktuelle Initiativen zur Unesco-Nominierung.

Kasper und Co. in schwierigen Zeiten

Superheld, Spaßmacher, Systemsprenger

„Open the curtains. Zum Werk von Mark Sieczkarek“ lädt als Journal zu einer Erkundungsreise in das facettenreich inspirierende Schaffen des Choreografen und Künstlers Mark Sieczkarek (10. 9. 1962 bis 8. 9. 2025) ein. In Schottland geboren, kam er über Pina Bausch nach Wuppertal und folgte dann bald seinem eigenen künstlerischen Weg. Anlass für das Journal war die Ausstellung „paths through my garden – Kunst von Mark Sieczkarek“ vom 9. bis 26. Oktober 2025 im Schauspielhaus/ Pina Bausch Zentrum under construction in Wuppertal. Bis zu seinem Tod hat der Künstler die Werkschau mit vorbereitet. Im Journal finden fotografische Aufnahmen seiner Choreografien, Bühnenbilder und Kostüme ihren Raum, die in über 50 Produktionen in vier Jahrzehnten entstanden sind, ebenso wie Verweise auf seine Filme und Skizzen, Zeichnungen und Bilder. Ergänzt werden die Zeugnisse seiner vielfältigen künstlerischen Aktivität durch Stimmen und Betrachtungen mehrerer künstlerischer Weggefährt:innen.
In „Highland Child“ beendet Mark Sieczkarek sein letztes Gedicht „The end“ mit der Zeile „Open the curtains“. Zeitgleich zum Journal erscheint dieser Band als 2025 zusammengeführte Sammlung eigener Bilder und Gedichte. Sieczkareks letztes Lebensjahr war geprägt von den Herausforderungen der Krankheit ALS. Journal und Künstlerbuch laden nun als posthume Würdigung in Mark Sieczkareks sanftes und zugewandtes, irritierendes und rebellisches Universum ein.
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Zum Werk von Mark Sieczkarek

Open the curtains

Buchpremiere am 2. Dezember 2025 um 18 Uhr, Hellerau Dresden
Palucca (1902–1993) wollte nicht hübsch und lieblich tanzen und war noch keinesfalls berühmt, als sie im Alter von 23 Jahren eine private Tanzschule gründete. In diesem Band kommen Menschen zu Wort, die eine Beziehung zu Palucca, zur Palucca Schule (gegründet 1925, heute Hochschule), Mut im Kopf und Mumm in den Knochen haben. Sie taten und tun das vorzugsweise in Projekten, mit denen Menschen im und mit Tanz zu Veränderungen angestiftet und befähigt werden, gesellschaftliche Missstände mit Leib und Seele anzugehen. Das erfordert ziemlich viel Mut.
Für den Soziologen Dirk Baecker ist Mut ein Kalkül. Für Palucca war Mut eine Voraussetzung für Kunst. Studierende des 2. und 3. Studienjahres Bachelor Tanz der Palucca Hochschule für Tanz Dresden verraten, wie sich Mut einstellen kann, selbst wenn sie Angst haben. Das könnte man sich glatt zu Herzen nehmen, und dann ist Mut zu haben vielleicht gar keine Kunst?
 
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Faszination und Verantwortung

Mut Palucca

Der menschliche Körper ist Gegenstand, Medium und Instrument der Künste! Über und durch den Körper wird dargestellt, wird Geschlecht zugeschrieben, wird ein- und ausgeschlossen, werden künstlerische Formen ebenso wie institutionelles Selbstverständnis geprägt. Die kritische Reflexion von Körperlichkeit war immer auch Anlass zum Umdenken in den Künsten. Im Mai 2024 luden vier Münchner Institutionen zum gemeinsamen Respekttag ein, um Fragen der Repräsentation, Gewaltprävention und Antidiskriminierung mit Fokus auf der Körperlichkeit zu diskutieren: die Bayerische Theaterakademie August Everding (Gastgeberin), die Akademie der Bildenden Künste München, die Hochschule für Fernsehen und Film München und die Hochschule für Musik und Theater München. Der hochschulübergreifende Aktionstag nahm in Vorträgen, Workshops, Diskursformaten und künstlerischen Beiträgen das Spannungsfeld des herausgeforderten und herausfordernden Körpers in der zeitgenössischen Kunst in den Fokus.
Die Publikation ist nicht nur eine Dokumentation und Rückschau auf diesen Respekttag 2024, sondern eine Sammlung von wissenschaftlichen und künstlerischen Perspektiven zu den zentralen Themen des Aktionstages.
Mit Beiträgen von Magz Barrawasser, Franzy Deutscher, Lann Hornscheidt, Nele Jahnke, Jayrôme C. Robinet, Jenny Schrödl u. v. m.
 
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Herausfordernde und herausgeforderte Körper in der zeitgenössischen Kunst

„Challenge(d) Bodies“

In der Spielzeit 2025/2026 feiert das Theater der Stadt Aalen zwei Jubiläen: Vor 35 Jahren wurde in der größten Stadt des Ostalbkreises ein Theater gegründet, das vor fünf Jahren in die deutlich größere und mit zahlreichen Architekturpreisen ausgezeichnete Spielstätte im KulturBahnhof (KUBAA) zog. Anknüpfend an die Publikation „Klein und kraftvoll. 20 Jahre Theater der Stadt Aalen“, beleuchtet die neue Jubiläumsschrift die letzten 15 Jahre. In diesen standen neben zahlreichen, auf Aalens Partnerstädte abgestimmten Uraufführungen, vor allem spartenübergreifende Arbeiten mit Artistik, Tanz und Videoprojektionen im Mittelpunkt. Weiterhin prägten das Haus der Ausbau der Sparte Junges Theater, ebenso wie der Umzug in den KulturBahnhof. In „Strahlkraft und Neugier“ geben Mitarbeitende und wegbegleitende Personen Einblick in diese Entwicklungen.

Neue Akzente im Kulturbahnhof (KUBAA) durch das Theater der Stadt Aalen

Strahlkraft und Neugier

Neue Theatertexte verstehen und schreiben: Der nächste Band aus der erfolgreichen „Lektionen“-Reihe ist ein unverzichtbarer Leitfaden für alle, die sich mit zeitgenössischer Dramatik auseinandersetzen. Expert:innen aus Literatur- und Theaterwissenschaft sowie der Schreibpraxis beleuchten praxisnah, analytisch und didaktisch zentrale Aspekte und Herausforderungen moderner Dramatik.
Wie hat sich die dramatische Sprache nach der Postdramatik verändert? Welche Rolle spielen Musikalität, Körperlichkeit und Mehrsprachigkeit? Wie lassen sich Texte interpretieren, die Genregrenzen bewusst überschreiten? Der Band bietet nicht nur theoretische Grundlagen, sondern auch praktische Einblicke in das Schreiben, Übersetzen und Inszenieren neuer Theatertexte. Eine Übersicht zu Ausbildungsmöglichkeiten und Publikationsadressen rundet diese bisher einmalige Zusammenschau zur Gegenwartsdramatik ab.
Mit Beiträgen von Adrienn Bazsó, Anton Bröll, Paul Brodowsky, Edith Draxl, Anne Fleig, Pola Groß, Tina Hartmann, Fabian Hinrichs, Maria Kuberg, Felix Lempp, Ilja Mirsky, Ramona Mosse, Clemens Özelt, Artur Pełka, Kathrin Röggla, Hannah von Sass, Martin Jörg Schäfer, Martin Schneider, Nele Stuhler, Irina Sulaver und Giulia Weis.

„Ist’s vorüber, lacht man drüber“ – Ute Nyssens Verlegergeschichte eröffnet faszinierende Einblicke in die geistigen Grundlagen heutiger Theaterprogramme und beleuchtet das Schicksal neuer Bühnenstücke. Die Autorin schildert den Weg einer kleinen, aber engagierten Gemeinschaft von Bühnenverleger:innen, die diese Werke entdecken und in der deutschsprachigen Theaterwelt fördern.
Nach einer prägenden Zeit in einem Buchverlag entschied sich Ute Nyssen endgültig für den Beruf der Bühnenverlegerin. Gemeinsam mit ihrem Lebenspartner, dem Verlagslektor Jürgen Bansemer (1933–2006), verwirklichte sie 1981 ihren Traum von Selbstständigkeit und gründete den Ute Nyssen &amp; J. Bansemer Theaterverlag. Der Verlag etablierte sich rasch als bedeutender Akteur in der deutschsprachigen Theaterlandschaft.
Mit großer Authentizität und Leidenschaft erzählt Nyssen von ihrer Liebe zu Literatur, Sprache und Theater, von der Entdeckung und Förderung herausragender Dramatiker:innen wie Elfriede Jelinek, Tankred Dorst, Thomas Jonigk und Heinar Kipphardt. Ebenso schildert sie die Herausforderungen im Umgang mit Autorenrechten, Übersetzungen und Bühnenproduktionen sowie die besonderen Anforderungen, die sich aus der Arbeit als Medienagentur seit den späten 1980er-Jahren ergaben.
Ute Nyssen möchte mit ihrer Verlegergeschichte den Geist und die Aufbruchsstimmung der 1968er Jahre weitertragen und die heutige Generation zu Mut, Kreativität und unternehmerischem Denken inspirieren. Dieses Buch ist ein unverzichtbarer Begleiter für alle Theater- und Literaturbegeisterten, die tiefere Einblicke in die Mechanismen des deutschsprachigen Sprechtheaters gewinnen möchten.
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Ist’s vorüber, lacht man drüber

Klaus Zehelein hat das neue deutschsprachige Musiktheater entscheidend geprägt. Seine Arbeit als Dramaturg und Intendant kann mit Blick auf die Erfindung und Ausgestaltung einer Oper für den modernen Menschen als modellhaft gelten. Fernab von Vorstellungen eines auf „Aktualisierung“ zielenden Regietheaters gewinnen Zeheleins Ideen eines heutigen Musiktheaters durch die intensive Auseinandersetzung mit der Geschichte der Werke zukunftsträchtige Brisanz. Die Autobiographie folgt den Stationen seines Wirkens – von den Anfängen in Kiel und Oldenburg hin zu den Zeiten des Aufbruchs in Frankfurt und Stuttgart bis zu seiner Tätigkeit als Präsident der Bayerischen Theaterakademie und des Deutschen Bühnenvereins. Sie zeigt, was Musiktheater sein kann: ein Ort unerhörter Augenblicke, die die Gegenwart neu entdecken lassen.
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Autobiographie

Unerhörte Augenblicke

Essays und Berichte beleuchten die Spannweite zeitgenössischer Oper zwischen innovativer Werkschöpfung, szenischen Experimenten und erzählorientierter Rückbesinnung: Egbert Tholl skizziert die Oper als „Labor der Gegenwart“ mit Beispielen von AR-„Parsifal“ bis Florentina Holzingers „Sancta“ an der Staatsoper Stuttgart, während Stefan Keim die Rückkehr großer Geschichten in den USA und Großbritannien nachzeichnet – von Jake Heggies „Dead Man Walking“ bis Missy Mazzolis „The Listeners“ und Charlotte Brays „American Mother“. Ulrike Hartung porträtiert die freie Kompanie Novoflot als utopisch-resonantes Gegenmodell zum Repertoirebetrieb, und Lara Wenzel berichtet über das Aufbruchs-Festival der freien Musiktheaterszene in Leipzig. Ein zentrales Stück dieser Ausgabe ist Jenny Erpenbecks Libretto „Rummelplatz“ (nach Werner Bräunig), das im Abdruck den thematischen Faden durchzieht.
Im Gespräch erinnert Musikerin Anna Calvi an Robert Wilsons musikalisches Theater; weitere Akzente setzen ein Porträt von Marie Zielcke, ein Interview mit Thomas Krüger zur „Politik im Freien Theater“, sowie Friedrich Dieckmanns Essay zu Adolf Dresen. Der Report-Teil umfasst u. a. die Ruhrtriennale (Ivo van Hoves „Songdrama“) und das Kunstfest Weimar; die Laudatio zum Martin-Linzer-Theaterpreis würdigt das Theater Magdeburg. Dazu: gesammelte Kurzkritiken, Kolumnen und ein Vorabdruck aus Klaus Zeheleins „Musiktheater für unsere Zeit“.
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Neues Musiktheater

Kunstinsert William Kentridge

Freiheit und Grenzen der Körperlichkeit

Neuerscheinungen im Verlag