Berliner Ensemble: Mit Blitzeinschlag

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Von der Sonne in den Swimming Pool und zurück 

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Alles total anders

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Liebe lässt die europäische Eiszeit schmelzen 

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Berliner Chaos-Tage

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Pollesch ohne Pollesch

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

Auch Kampnagel als anspruchsvolle Institution stolpert über die eigenen Widersprüche. Dem Diskurs vorauseilen, von der Realität eingeholt werden, neue Versuche starten, sich mal durchsetzen, mal scheitern: Die Pendelbewegung zwischen dem Versuch einer ernsthaften und wirksamen antirassistischen, intersektionalen oder antiableistischen Arbeit und der eigenen Verstrickung in die Reproduktion von Machtverhältnissen ist ongoing. Die beiden kuratorischen Spuren »Kunst als Tarnung« und »Mainstreamverbesserung« stehen für diese Ambivalenzen und haben das künstlerische Profil der letzten Jahre stark geprägt. Die Idee von »Kunst als Tarnung« ist alles andere als neu und eng mit der Geschichte des Ortes verknüpft. In der ehemaligen Kranfabrik »Nagel &amp; Kaemp« organisierten sich die kommunistischen Arbeiter*innen beispielsweise in betriebseigenen Theatergruppen, wie im Text von Carina Book und Sophia Hussain (S. 168) vertieft wird. Dieses Workbook skizziert anhand konkreter Projekte die Überschneidungen und Unterscheidungen dieser künstlerischen Strategien und ihre wechselseitige Wirkung auf innerinstitutionelle Strukturen. Im Praxisteil tragen unterschiedliche Künstler*innen ihre Perspektiven und Analysen bei. Künstlerisches Tarnen politischer Interventionen: Definitionen und Anwendungsbeispiele Die Methode »Kunst als Tarnung« wird landläufig mit der Praxis von Wirtschaftsunternehmen in Verbindung gebracht, die sich üblicherweise im Pink- bzw. Greenwashing ausdrückt: Diversität als Token, queere Codes als konsumierbare Massenartikel der globalen Modeindustrie oder wirkungslose Öko-Zertifikate. Die gegenteilige Lesart lässt...

Kunst als Tarnung und Mainstreamverbesserung

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Editorial

Samtener Schutzraum

Leere Bühnen  für volle Köpfe?

Darwin-Theater

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Das Nest sauber halten

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Erst der Wald, dann der Boden

Angstlos! Heimatlos?

Nadine Jessen: In deinen Choreografien zeigst du eine Art Kunst des Rückblicks; es geht um deinen persönlichen künstlerischen Zugang zu dieser retrospektiven Ausdrucksform und darum, wie du deine Themen wählst. In deinen Arbeiten beziehst du dich auf eine spekulative Geschichtsschreibung oder die »Wiederaneignung der Geschichte«. Wann hast du dein Interesse an historischem Material entdeckt? Trajal Harrell: Während meiner Schulzeit. Ich habe mehrmals an einem Wettbewerb namens »History Day Competition« teilgenommen, der auf lokaler, bundesstaatlicher und nationaler Ebene in den USA ausgerichtet wurde. Jedes Jahr habe ich für den History Day zu einem bestimmten Ausschnitt aus der Geschichte eine Performance erarbeitet. Damit habe ich sechs Mal hintereinander den Preis für das beste Gruppenstück in meinem Bundesstaat Georgia gewonnen, aber aufs nationale Siegerpodest habe ich es nie geschafft. Ich glaube, das hat bei mir den Grundstein für meine geschichtsbasierte Performance-Praxis gelegt. Irgendwann kam Melanie mit der Idee auf mich zu, ein Projekt über Loïe Fuller zu machen, und das führte dazu, dass ich mich mehr mit den Anfängen des Modern Dance auseinandergesetzt habe. Mein Hauptinteresse zu dieser Zeit galt eigentlich dem frühen postmodernen Tanz, aber der Impuls erinnerte mich an meine allerersten Erfahrungen mit Tanz als Form des Spektakels. Ich musste daran...

Trajal Harrell im Gespräch mit den Kampnagel-Dramaturginnen Nadine Jessen und Melanie Zimmermann – über Geschichte, Tanz und Special Bookings

You know, you know, I'm a runway bitch

Ran ans Märchen! 

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Der Notfall als Prinzip

Die »Solidarische Institution« wurde inspiriert und initiiert durch die gesammelten Erfahrungen mit dem »Migrantpolitan«, einem Aktionsraum von, für und mit Geflüchteten. Seit 2015 sind der Ort und seine Teammitglieder Teil des Kampnagel-Kosmos und befinden sich in innovativem gegenseitigen Wissenstransfer. Aus migrantischer Perspektive und dem künstlerischen Selbstverständnis von Kampnagel heraus entstand das Konzept der »Solidarischen Institution«. Seit 2018 fließt es auch in die gemeinsame institutionelle Praxis innerhalb des Bündnisses Internationaler Produktionshäuser ein. Grauzonen und Regelbrüche: Die Kunst der Solidarität Die »Solidarische Institution« übersetzt das Konzept der »Solidarischen Stadt« in eine institutionelle Praxis. Sie entwickelt aktiv Werkzeuge, um ihre eigenen künstlerischen Methoden der (Selbst-)Ermächtigung auf Individuen zu übertragen. Dabei werden administrative Handlungsspielräume kreativ und strategisch ausgereizt und eingesetzt, um mit den Mitteln der Kunst reale, neue Verhältnisse zu produzieren. Die Praktiken der »Solidarischen Institution« bewegen sich punktuell in Grauzonen und gezielten Regelbrüchen. Dieses Potential wird in Kulturinstitutionen oft nicht ausgeschöpft oder entpolitisiert, weil es formal kein ästhetischer Prozess ist – oder als solcher nicht erkannt wird. Dabei ist der Antrieb jeder Kunstproduktion ja gerade nicht die Bestätigung bestehender Werte, sondern deren Verschiebung durch verschiedene künstlerische Strategien, um andere Wahrnehmungsweisen zu eröffnen. Kompliz*innenschaft und die Kunst der solidarischen Praxis gehören zum Selbstverständnis der...

Zwischen administrativer Utopie und künstlerischem Powerplay

»Solidarische Institution«

Das Theater mit den Finanzen

Staatstheater Nürnberg: Globaler Zelluntergang

RambaZamba Theater Berlin: Riesenspaß mit Hintersinn

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Theater ist überlebensnotwendig

Lego meets Ikea

Brennender Schatten

Staatstheater Mainz: Apfelstrudel aus der Tube

An Theatern stellen Künstler*innen Machtfragen auf der Bühne. Aber meist fehlt es hier an Orten, an denen diese Thesen tatsächlich erprobt werden können, an denen sich die Institutionen selbst kritisch hinterfragen und das vermeintlich Ungewollte zulassen. Kampnagel besaß und besitzt verschiedene solcher Orte, die genau das leisten: Es sind Heterotopien im Körper eines ehemals besetzten Ortes, der längst zur Institution geworden ist, und die ihm so den Zerrspiegel vorhalten. Es sind Gegenentwürfe zur konventionellen Theaterinstitution, die für diejenigen als Schlupfloch dienen, die anderswo auf Widerstände stoßen, an den Rand gedrängt und ausgesiebt werden. Es sind Korridore für unvorhergesehene Komplizenschaften, Experimentierfelder für widerständige Praxen und Schönheitssalons für emotionale Frischzellenkuren, die die festen Strukturen der Institution Theater in aufmüpfige Schwingungen versetzen. Diese scheinbaren Ränder erschüttern ihr Zentrum mit radikaler Softness und bewahren Kampnagel so vor institutionellen Verhärtungen – nicht immer gewollt, manchmal bekämpft, von anderen beneidet und nicht zuletzt essentiell für eine Institution, die sich selbst als widerspenstig begreift. Einige dieser Heterotopien behaupten sich hartnäckig, andere hat sich die Institution kannibalistisch einverleibt, wieder andere existierten nur für eine kurze Zeit und wurden dann abgestoßen. Wir stellen hier drei dieser Schlupflöcher als Momentaufnahmen vor. Nightclubbing, nightclubbing. We’re what’s happening. Nightclubbing, nightclubbing. We’re an...

[Temporäre] Heterotopien

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

Eine Wette auf die Zukunft

R Ä U M E

sogar theater Zürich: Easy said, but schwer getan

Das Ährenfeld als stille Utopie

Ja, er lebt noch – oder: Brecht is back!

Dramaturgie der Solidarität

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

Belgrad: Nikita Milivojević nicht als künstlerischer Leiter von BITEF verlängert

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Anfangszeiten der Inklusion

Das Thema Hitze  wird in Zukunft  auch dazugehören

Vor dem Hintergrund demografischer Veränderungen, spaltender Politik und globaler Fluchtbewegungen sieht sich Kampnagel in einer klaren Verantwortung: The struggle is real und verlangt nach neuen Strategien, nach solidarischen Plattformen für Partizipation und kulturelle Teilhabe sowie nach Kommunikation. Massenunterkünfte sind und bleiben keine Lösung für diese Probleme. Das Migrantpolitan ist ein kleines Holzhaus auf dem Kampnagel-Gelände. Die Geschichte dieses Hauses beginnt im Jahr 2014, als Kampnagel anlässlich des Internationalen Sommerfestivals Baltic Raw eine Gruppe von Architekt*innen aus Hamburg einlud, das Verhältnis der Stadt zu ihren Gebäuden, Künstler*innen und Einwohner*innen zu reflektieren. Das Ergebnis war der hölzerne Nachbau der Roten Flora, der zum 25. Jahrestag des »politischen Störfaktors« eröffnet wurde. Kurz darauf verweigerte Hamburgs Regierung Lampedusa, einer selbstorganisierten Gruppe von rund 400 Geflüchteten und Migrant*innen aus verschiedenen afrikanischen Staaten, den Aufenthalt und eine kollektive Härtefalllösung wurde abgelehnt. Der Druck, Unterkünfte für Tausende von Menschen zu finden, war groß. Damals wie heute. Auch Kampnagel wurde gebeten, Räume als temporäre Notunterkunft zur Verfügung zu stellen. Nach vielen Diskussionen entschieden wir uns jedoch dagegen. Was wäre der Unterschied zwischen einem leeren Baumarkt und einer leeren Fabrikhalle? Wir halten nichts von Massenunterkünften. Wir brauchen kleine Lösungen für große Probleme. Anstatt das Holzhaus nach dem Festival abzubauen,...

Schlupflöcher produzieren

Migrantpolitan

Laura Chaignat, Anaïs Clerc, Fabienne Lehmann, Silvan Rechsteiner

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

München: Auswahl für Radikal jung Festival

Mit nachhaltiger Kunst  die Menschen berühren

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Was macht das Theater, Alexander Scheer?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Die Zukunft nebenan

Das Problem mit der Apokalyptik

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

Was macht das Theater, Thomas Köck?

Zirkus

Thüringen

Workbook 3

Buchrezensionen

Saarland

Workbook 4

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

TdZ-Geschichte

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Klimawandel

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

double

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Polen

Musiktheater

Queeres Theater

Workbook 1

Europa

Theater der Zeit

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Workbook 2

Tanz

Performance

Kunstinsert

Debatte

Asien

Brandenburg

Neue Dramatik

Wissenschaft

Hessen

Berlin

Post-Ost(deutsch)

Dramaturgie

Afrika

Ukraine

Open Access

Labor Kulturjournalismus

International

Praxiswissen

Digitales Theater

Kinder- & Jugendtheater

Recherchen

Akteur:innen

Dramatik

Baden-Württemberg

Puppen-, Figuren- & Objekttheater

Regie

Theaterkritiken

Schleswig-Holstein

Festivals

Schweiz

Ungarn

Dramaturgie der Zeitenwende

Bertolt Brecht

Freie Szene

Sprechtheater

Kritiken

Stücke

Bühne & Film

Kostüm und Bühne

Georgien

Scène

Stück Labor – Neue Schweizer Dramatik

Kulturkürzungen

Gespräch

Startseite

Der schwebende Diwan. Talkrevue zu ungelösten Fragen

Nadine Jessen ist Dramaturgin und Kuratorin. Innerhalb der Institution liegt der Fokus auf der Produktion von Schlupflöchern, deren Erhalt und Prozessualität. Auf Kampnagel seit der Spielzeit 2007/08 mit dem Beginn der Intendanz von Amelie Deuflhard, mit einer Unterbrechung in der Spielzeit 2016/17 (Kuratorin bei den Wiener Festwochen), Teil des künstlerischen Teams und auch in unterschiedlichen Kunst-Kollektiven bzw. Initiativen aktiv (Avantgarten, Migrantpolitan, Solicasino, Performeum, Art School, Hools of Fashion oder new media socialism).

The Köln Concert, Schauspielhaus Zürich/Trajall Harell, 2020

Hello Deutschland – Die Einwanderer, Premierenabend

Die „bunte Esse“, ein Wahrzeichen von Chemnitz

Sommerfestival 2022

Fanti Fanti Parade, LIVE ART FESTIVAL 2023

Sticker, 2014

Avantgarden

Dieses Buch beschreibt erstmals die wechselvolle Geschichte des Schauspielhauses Chemnitz in einer transdisziplinären Betrachtung von Architektur und theater-künstlerischer Praxis. Es verfolgt gleichermaßen die Entwurfsprozesse wie die Aufführungsweisen der letzten fünfzig Jahre. Neben Darstellungen der verschiedenen Spielorte und der Architektur von Rudolf Weißer werden die Raumaneignungen befragt in Gesprächen mit Theaterleuten wie Hartwig Albiro, Hasko Weber, Carsten Knödler, Gundula Hoffmann und Raj Ullrich. Weitere Theaterkonzepte erklärt Stefan Schmidtke im Kontext der Kulturhauptstadt Europas 2025.
Vor dem Hintergrund der aktuellen Interimssituation von Schauspiel und Figurentheater („Spinnbau“) wird mit der Publikation zugleich die Bedeutung und Perspektive des Theaters als vielschichtiger Kulturort für die Stadt aufgezeigt.
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ISBN 978-3-95749-567-9 (Open Access)  DOI: <a title="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" href="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" data-outlook-id="e526c996-5be6-478d-a074-ff6f174f4806">10.35287/9783957495679</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a title="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" data-outlook-id="b6230f1d-8c98-42e4-bb03-0a4b291c320e">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Zwischen Zeiten und Räumen

Schauspielhaus Chemnitz

Denken wir heute an „Zirkus“, so tauchen in unseren Köpfen gemeinhin Bilder von Artistik- und Tierdressurnummern in der Manege eines Zirkuszeltes auf. Historische Quellen, die in Archiven und Bibliotheken schlummern, zeichnen jedoch ein überraschend anderes Bild der Zirkuskunst um 1900. Die in diesem Buch versammelten Fotografien, Auszüge aus Briefwechseln, Patentschriften, Presseberichte, Bauzeichnungen und vieles mehr, bieten tiefe Einblicke in die Zirkuskultur Berlins um 1900. Sichtbare Spuren der einst erfolgreichen Zirkusgesellschaften mit ihren pompösen Gebäuden mitten im Stadtzentrum finden sich heute hingegen kaum mehr. Anhand von historischen Quellen lässt das Buch Aufführungspraxis, Architekturen, Herausforderungen und Erfolge von Zirkussen, Künstler:innen und Techniker:innen auf eindrückliche Weise zutage treten.
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ISBN 978-3-95749-565-5 (Open Access)  DOI: <a title="https://doi.org/10.35287/9783957495020" href="https://doi.org/10.35287/9783957495020" data-outlook-id="c180ea25-f06b-4836-a7c2-fc4b1261b69b">10.35287/9783957495655</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Einblicke in eine vergessene Praxis

Zirkuskunst in Berlin um 1900

Workbook zum Jubiläum

Kampnagel Hamburg. 40 Jahre Widerspruch

Vor genau 20 Jahren wurde double gegründet und unsere Leser*innen halten gerade die 50. Ausgabe in der Hand. Dieses Doppeljubiläum war für uns Anlass, den Blick zurück nach vorne zu richten und das Heftthema ‚Reenactment‘ mit der Heftgründung in Verbindung zu bringen. Haben Sie es erkannt? Das Cover greift das Titelbild des allerersten Heftes auf, und auch einige mit ‚Reenact!‘ gekennzeichnete Beiträge spinnen Themen von double 1 weiter fort. Neben aktuellen Berichten nehmen wir uns die Zeit, um unsere Reise zu reflektieren.
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Reenactment im Figurentheater

Same, same but different

Die 24. Ausgabe der Anthologie SCÈNE widmet sich Fragen von Geschlechtskonstruktion und genderbasierter, struktureller Gewalt. Acht Texte von Autor*innen aus Frankreich, Belgien, der Schweiz und Québec machen das Private zum Politischen – oft aus einer queeren Perspektive. Vom experimentellen Prosastück zur (nicht nur sprachlichen) Zurichtung weiblich gelesener Körper über lesbische Science-Fiction-Szenarien bis hin zu feministischen Überschreibungen klassischer Theatertexte ist dabei sowohl thematisch als auch formal große Vielfalt geboten. Gemeinsam ist allen Stücken ihr intersektionaler Ansatz: Soziale, ökologische, antikapitalistische und sexuelle Revolutionen werden zusammengedacht und auf die Bühne gebracht – mal agitatorisch-sprachspielerisch, mal performativ versponnen und mal mit fein-ironischem Humor.
 
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Neue französischsprachige Theaterstücke

In den letzten Jahren wird viel über Generationenwechsel, Generationenkonflikt, Generationengerechtigkeit und -dialog gesprochen. In diesem winterheft wird genauer nachgefragt: Geht es eigentlich um einen Generationen- oder Gesellschaftskonflikt? Auch in den Darstellenden Künsten finden und fanden in den letzten Jahren viele Umbrüche durch u.a. Generationenwechsel in den Leitungen der Theaterhäuser oder Sparten sowie in diesem Jahr innerhalb des ASSITEJ-Vorstandes und der KJTZ-Leitung statt. Dem Theater für und mit jungem Publikum ist die Begegnung verschiedener Generationen quasi per se eingeschrieben. Aber was genau ist mit dem Begriff “Generation” eigentlich gemeint? Und welche Rolle spielen in diesem Zusammenhang Altersdiversität, Adultismus und Ästhetik?
Der wissenschaftliche Beitrag des winterhefts beschäftigt sich mit der sozialen Praxis des Generation-Werdens sowie Konzepten von crip time und queer time, die normativen Vorstellungen von Zeitlichkeit widersprechen. Um das Verhältnis von jungen Menschen und Erwachsenen auf, vor und hinter der Bühne geht es in Artikeln zum Publikum, zu Theaterproduktionen und einer digitalen Bühne. Wie intergenerationelle Räume gestaltet werden können, beschreiben Praxiseinblicke in ein mehrgenerationelles Stadtensemble und die Vermittlung einer Kunsthalle. Zuletzt blicken wir auf uns selbst und laden scheidende ASSITEJ-Vorstandsmitglieder und KJTZ-Leitung zum Gespräch.
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Generation what?!

Theater der Leere macht die Katastrophen des technowissenschaftlichen Zeitalters zum Ausgangspunkt für die Annäherung an das Theater und zeigt, dass die Leere im zeitgenössischen Theater mehr ist als ein bloßes Nichts. Im Gegenteil, sie ist das Potenzial und die Möglichkeit einer radikalen Transformation des Theaters selbst.
In der Hinwendung zur Leere verschränkt Kovacs Debatten über Transformation und Zukunft mit der Reflexion über die komplexe Beziehung zwischen Theater und den Naturwissenschaften und macht deutlich, dass die Theaterformen, die bislang unter dem Begriff des „Postdramatischen Theaters“ diskutiert wurden, eine Zukunft haben.
Kovacs bringt in ihrer Studie Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch zusammen und zeigt, was es bedeutet, wenn der Nullpunkt zum zentralen Energiefeld des Theaters wird. Die Studie entfaltet nicht nur überraschend neue Perspektiven, sondern legt auch bislang übersehene Linien frei, die die Arbeiten dieser vier Theatermacher:innen durchziehen und verbinden. Sie argumentiert, dass wir im ‚Theater der Leere‘ eine theatrale Grammatik entdecken können, die uns in der von Nukleartechnologie und Klimawandel bedrohten Gegenwart viel zu sagen hat.
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Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch

Theater der Leere

Am 5. November heißt es in den USA: Trump oder Harris. Eine Schicksals- und Zukunftswahl für die ganze Welt. In der Theaterwelt sind die USA, ab Mitte des 20. Jahrhunderts wichtiger Impulsgeber für das europäische Theater, längst nicht mehr führend und selbst die immer kreative New Yorker Avantgarde ist für die deutsche Szene kein Magnet mehr, während der Broadway brummt nach Corona und Krise. Trotzdem lohnt ein Blick in die schwächer gewordenen Wechselbeziehungen. Die amerikanische Theaterkünstlerin und Dramaturgin Theresa Buchheister stellt das aufregende New Yorker Performanceduo Peter Mills Weiss und Julia Mounsey vor, Robert Wilson erklärt, warum er mit „Moby Dick“ ein Schlüsselwerk der amerikanischen Kultur inszeniert, und TdZ-Redakteur Stefan Keim spricht mit Noah Haidle, dem aktuell präsentesten amerikanischen Dramatiker auf deutschen Bühnen. Enjoy the show!
Zum Amerika-Schwerpunkt gehören außerdem die Doppelbesprechung der Adaptionen von Ottessa Moshfeghs Roman „Mein Jahr der Ruhe und Entspannung“ in München und Graz sowie der Vorabdruck zu Judith Malinas <a href="https://tdz.de/shop/produkt/daa87cc5-7f2f-4604-8790-e380631debe0">„The Piscator Notebook“</a>, das erstmals auf Deutsch erscheint und somit auch an die früher einmal sehr engen Wechselbeziehungen zwischen amerikanischem und deutschem Theater erinnern soll. Vielleicht wird es ja auch wieder anders?
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Amerikanisches Theater

Die künstlerische Arbeit am Theater ist unmittelbar kooperativ und immer auch Arbeit an ihrer eigenen Form. Theatermacher:innen in der Weimarer Republik haben dies voraussetzend versucht, im mitlaufenden Verweis auf ihr Tun eine bessere, nicht kapitalistische Gesellschaft real und imaginativ vorwegzunehmen. Wieso endete dieser Versuch in einem Lob der großen Produktion statt in einer Befreiung von ihr? Oder in einer naiven Verwendung rassistischer Stereotypen? Tropen des Kollektiven beantwortet diese Fragen, indem es ein solches Scheitern von Utopie am Beispiel des Epischen Theaters – der Piscator-Bühne, der Truppe 31, der Versuche-Gruppe, zu der Bertolt Brecht gehörte – nachvollzieht. Weil das Buch nach dem Verwertungsregime künstlerischer Arbeit schlechthin fragt, gelten die Antworten, die es gibt, nicht nur für die Theater-Avantgarde.
<a href="https://mailchi.mp/tdz.de/rothe-briefing">Briefing</a>
 
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Horizonte der Emanzipation im Epischen Theater

Tropen des Kollektiven

Neuerscheinungen im Verlag