Was macht das Theater, Philipp Adlung?

Stück Labor 2024/25

Am Samstag Abend fand im <a href="https://tdz.de/spielort/schauspielhaus-wien">Schauspielhaus Wien</a> die Verleihung des HANS-GRATZER-PREISES 2024 statt. Unter großem Publikumsandrang wurden fünf Stipendiat:innen geehrt: Guido Wertheimer, Yannic Han Biao Federer, Noëlle Haeseling, Jona Rausch und Sophie Steinbeck. <a href="https://tdz.de/person/fe392f3d-093a-46eb-8c41-1e2f6a53460b">Guido Wertheimer</a> sicherte sich den Preis mit seinem Stückentwurf „Die realen Geister“. Der Preis beinhaltet einen Werkauftrag im Wert von 8000 Euro sowie die Uraufführung des Stücks in der Saison 24/25, inszeniert von Stephan Kimmig. Die Jury, bestehend aus Rita Czapka (Dramaturgin am Burgtheater Wien), Ruth Feindel (Lektorin am Suhrkamp Theaterverlag Berlin), Steffen Jäger (Regisseur und Schauspielprofessor am Max-Reinhardt-Seminar Wien) und Sophia Löffler (Ensemblemitglied am Schauspielhaus Wien), würdigte in ihrer Begründung die Geisterbeschwörung einer jüdisch-europäischen Familiengeschichte. Das Stück wurde als geheimnisvolles Roadmovie beschrieben, dessen drei Hauptfiguren von einem Countdown angetrieben werden – ein Verweis auf den brutalen Angriff der Hamas auf israelische Zivilist:innen am 7. Oktober 2023 und den darauffolgenden Gaza-Krieg. Guido Wertheimer gelingt es, das Grauen der Menschheit in poetische Worte zu fassen und die Spuren des Vernichtungskreislaufs zu beschreiben. Das Stück öffnet Ausgänge und Türen, während es gleichzeitig ein flammendes Plädoyer gegen Gewalt ist. <a href="https://tdz.de/person/bbe7f5fe-030a-4987-ac82-378c7b963ed7">Katja Brunner</a>, die das vorausgegangene Stipendium als Mentorin begleitete, äußerte sich ebenfalls: „Ich hatte die Freude, diese Texte zu begleiten,...

Wien: Hans-Gratzer-Preis 2024 geht an Dramatiker Guido Wertheimer

Der Clown in uns

Wach auf, Dornröschen!

Brecht in Anekdoten

Montag, 09. Februar 2026

Staatstheater Mainz: Erkenntnis schadet nie

Was macht die Regie? Verzweifeln? 

Mehr als die Miete

Türen auf für alle!

Bühnen voller Männer

Von Kunqu-Oper bis Drohnenfeuerwerk

Aesthetics of Access

Figurentheater zwischen Tradition und Transformation

Heilbronn: Leon Engler gewinnt mit „Wo die Götter kauern wie Hunde“ den internationalen Dramenwettbewerb „Science & Theatre“ 2025

Ein in Argentinien geborener Autor erforscht seine Familiengeschichte: Guido Wertheimer ist Hausautor am Deutschen Theater in Berlin, war es zuvor am Theater Münster und hat für seine Theaterstücke schon einige Preise bekommen. Seine Urgroßmutter stammt aus Recklinghausen und ist 1939 quasi in letzter Sekunde vor den Nazis nach Argentinien geflohen. Diese Geschichte hat Wertheimer nun recherchiert und die Uraufführung von „Es ist nie Sommer im Ruhrgebiet“ bei den Ruhrfestspielen selbst inszeniert. Filmaufnahmen aus der Zeit des Nationalsozialismus flackern über den Vorhang. Deportierte Juden, stolze Offiziere in Uniform, ihre lachenden, blonden Kinder. Guido Wertheimer hat im Video-Archiv des Landschaftsverbands Westfalen-Lippe eine Menge Material ausgegraben. Die Bilder leiten hin zur Geschichte seiner Urgroßmutter Julia Studinski. Die Familie hatte in Recklinghausen ein erfolgreiches Schuhgeschäft. So konnten sie Julias musikalisches Talent fördern. Sie war eine hochbegabte Pianistin. „Es ist nie Sommer im Ruhrgebiet“ ist zugleich eine Reise in Guido Wertheimers Familiengeschichte und ein Abend über die Musik. Die Familie zieht nach Berlin, im Dezember 1939 bekommt die inzwischen erwachsene und verheiratete Julia die Möglichkeit, mit Mann und Kind nach Argentinien auszuwandern. Der gesamte Besitz – auch der inzwischen angeschaffte Steinway-Flügel – bleibt in Deutschland zurück. Auch die Eltern kommen nicht mit. Als sie später...

„Es ist nie Sommer im Ruhrgebiet“ von Guido Wertheimer (UA) – Regie Guido Wertheimer, Bühne Shahrzad Rahmani, Kostüme Ayana Lechelt, Video Ana Iramain, Musik Gustavo Obligado

Ruhrfestspiele Recklinghausen/Theater Münster: Ein Krieg führt immer zum nächsten

„Wir werden diese Nacht nicht sterben“ erzählt in den Eindrücken seiner Tagebucheinträge von alltäglichen Gedanken nach dem Ankommen in Berlin. Auf der einen Seite ist seine Sicht vom Terror der Flucht der jüdischen Großeltern aus Berlin nach Argentinien geprägt, Ungreifbare Erinnerungen begleiten ihn beim Herumlaufen durch Berlin wie allgegenwärtige Geister, Auf der anderen Seite sind die berichteten Tage auch voller flüchtiger Kontemplationen über die konkreten Eindrücke und das Gegenwärtige vor ihm. Nach dem ich „Wir werden diese Nacht nicht sterben“ sah fühlte ich mich, wie noch nach keinem anderen Stück. Ich fand es schlicht. Oft schon im fast nebensächlichen Ton. Aber auch tief. Etwas in mir fühlte sich bewegt, aber trotzdem noch leicht. Ich beschloss in einer Momententscheidung auf Guido Wertheimer, Autor und Regisseur des Stücks, zuzugehen und mit ihm zu sprechen. Zu meiner Überraschung stimmte er zu mit mir über die Entstehungsmotive und die thematischen Hintergründe des Stücks zu sprechen und zusammen daraus einen Text zu formulieren. Der folgende Text ist das Ergebnis daraus. ----------------------------- GW: „Solange ich mich erinnern kann, war ich hin- und hergerissen zwischen der Bedeutung des Konkreten und des Unkonkreten. Tagtäglich denke ich darüber nach: Was muss gesagt werden und wie viel, was muss zum...

Dialogische Reflexionen zu „Wir werden diese Nacht nicht sterben“

Benennen, Atmen, Sterben

Nichts aufgeben

Start des Vorprogramms

Mittwoch, 18. Februar 2026

Warum sollen Israelis nicht über Fußball sprechen?

Eine Reibung mit der Gegenwart

Donnerstag, 29. Januar 2026

Schauspiel Leipzig: Der Zollstock im Raum 

Donnerstag, 12. Februar 2026

Mainfranken Theater Würzburg: Vereint in Einsamkeit

Gesellschaftlich und demokratisch fahrlässig

Tanz ist einfach überall

Schauspiel Leipzig: All Too Well (80 Minute Theatre Version)

Zeichnungen halten das Gefühl besser fest

Was macht das Theater, Fee Aviv Dubois?

Kassandras Hoffnung

Konstruierte Körper

„Die Zuschauer pilgern an diesen Ort, wo Träume sichtbar werden.“ – Guido Wertheimer spricht den Satz mit ruhiger Stimme in ein Mikrophon. Immer wieder. Bis das Publikum vollständig in der Kammer des Deutschen Theaters Platz genommen hat. Wertheimer sitzt an einem abgesengten Pult vor der Rampe. Nachdem er den Satz einige Male gesagt hat, wird seine Stimme langsam von der eines Engels (Komi Mizrajim Togbonou) überlagert. Beinahe wie die Aushändigung eines Heiligtums: Die Worte wandern vom Autor zum Schauspieler. Während Komi Mizrajim Togbonou das Wort ergreift, haften an seinem Rücken zusammengestauchte Engelsflügel – weiße Aluminiumrohre und herabhängende Stahlketten –, die bei jedem Schritt leise klirren. „Also bereitet euren Köper gut darauf vor, eure Organe, eure Muskeln, euer Herz, und geht hinaus. Ich selbst werde vermutlich unter einem Scheinwerfer zu Staub zerfallen.“, verkündet die dystopische Engelsgestalt. Zwischen ihr und Wertheimers Pult tut sich eine Art prophetischer Spalt auf. Ein Spalt, der immer größer wird, und in dem sich die Worte langsam verselbständigen. Es sind Worte, die Guido Wertheimer im Laufe der Spielzeit 2024/2025 als Atelierautor am Deutschen Theater geschrieben hat. Sie gehören zu seinem Stück „Nach dem Hass“, das als eines von vier verschiedenen Atelierarbeiten und zum Abschluss der ATT in...

Zwischen prophetischen Spalten, flirrenden Rave-Kellern und isländischen Polarfüchsen entfalten sich in der Langen Nacht der Autor:innen am Deutschen Theater Begegnungen von Text und Bühne. 

Keine Rechnung ohne Restwert 

Klavier im Fluss

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Buckeln und Treten für die tote Liebe

Maxim Gorki Theater Berlin: Alles Schmus

Nationaltheater Mannheim: Gefangen in den Illusionen der KI 

Wille zum Glauben

Was macht das Theater, Guido Lambrecht?

Mittwoch, 04. Februar 2026

Working Class Heroes vorm Bullseye

Erzgebirgischen Theater- und Orchester Annaberg-Buchholz: Für eine Handvoll Mark (DDR)

Licht im Herzen der Finsternis

DGS auf der Bühne?!

Das Kerngeschäft im Theater sind Feelings

Theater als hörender Ort

ETA Hoffmann Theater Bamberg: Liftboys und Logbücher

Zimmertheater Tübingen: Zukunftsängste in der Geisterbahn

Das Ende des „Safe Space“

„Wir lassen uns nicht vereinzeln!“

„Übung 1“, ruft Giorgio Ferretti und hält demonstrativ vier Finger in die Luft. Dann beginnt er, sprachliche Purzelbäume zu schlagen, macht Spagate zwischen Punkt und Komma und springt mit einem Salto auch einfach mal über den Seitenrand hinaus. Der gebürtige Italiener studiert Literarisches Schreiben am Literaturinstitut in Leipzig und präsentiert an diesem Leseabend als einer von acht Studierenden Auszüge aus aktuellen Arbeiten. Glanz oder Harnisch nennt sich das wiederkehrende Format, das der 13. Jahrgang des Studiengangs Szenisches Schreiben (2014 bis 2018) während seiner Zeit an der Universität der Künste (UdK) Berlin ins Leben gerufen hat, um Studierenden einen Raum zum Ausprobieren zu ermöglichen. Hier werden die Bühne zum Textlabor, das Publikum bereitwillig zum Versuchskaninchen im Sinne der Kultur, die Umsetzungen zu inszenatorischen Versuchsaufbauten. Verschiedene Institutionen stellen ihre Räumlichkeiten zur Verfügung, an diesem Abend ist es die Vagantenbühne im Berliner Westen, wo Glanz oder Harnischals Teil der Reihe von Werkstattlesungen stattfindet. Die präsentierten Textfassungen sind roh, unfertig und reizvoll. Kittel an, Schutzbrille auf und los. Der Abend gestaltet sich in vielerlei Hinsicht sehr abwechslungsreich, mit jedem Beitrag ändern sich Duktus, Präsentation und Thema. Es gibt die sprachlichen Experimente wie bei Ferretis Vortrag mit dem Übertitel „Monologe. Grammatiken. Variationen“. Er testet, in...

Die Studierenden des Studiengangs Szenisches Schreiben der Universität der Künste Berlin präsentieren regelmäßig Auszüge aus ihren Arbeiten

Glanz oder Harnisch: Das Laboratorium

Wir sind Punks

„Rasenmäherpolitik“ bedroht Kultur und Gesellschaft in Baden-Württemberg

Dienstag, 10. Februar 2026

Staatstheater Stuttgart: Einsame Menschen in den Datennetzen

Thalia Theater Hamburg: Im Blutmeer der Zukunft

Freitag, 20. Februar 2026

„Ich lausche meinem Körper die choreografische Form ab“

So You Think You Can Turniertanz?

Die Perspektive wechseln

Der Autor und Regisseur Guido Wertheimer ist in der Spielzeit 2023/24 zum zweiten Mal Hausautor des Theater Münster - das gab das Theater Münster am 23.02.2023 bekannt. Wertheimer studierte Szenisches Schreiben an der Universität der Künste in Berlin, ist Stipendiat der Heinrich-Böll-Stiftung und erhielt 2022 den Preis der jungen Dramatik für sein Stück „Wir werden diese Nacht nicht sterben“. Seine Arbeiten kreisen um Fragen der Erinnerung, der Identität sowie des Archivs und begeben sich auf die Suche nach den Spuren seiner jüdischen Familie.

Münster: Guido Wertheimer wird in der Spielzeit 2023/24 Hausautor am Theater Münster

Die energetische Kraft des Lachens

Abgefilmtes Theater – man hat sich daran gewöhnt. Nicht nur in Pandemiezeiten. Videoaufzeichnungen sind eins von wenigen Mittel, um eine Ahnung der flüchtigen Kunstform Theater für die Nachwelt zu bewahren, sie sind geschichtliche Dokumente. In der Gegenwart überzeugen sie oft nicht so ganz, bleiben schlapper ­Ersatz für das Live-Erlebnis. Es gibt Ausnahmen, gerade während der Lockdowns. Das Landestheater Detmold geht nun andere Wege. Unter dem seltsamen Titel „UH? AH!“ – der tiefsinnige Dialog kommt in einem der Texte vor – präsentiert die Bühne auf ihrer Webseite drei kurze Stücke, die extra für die digitale Welt entstanden sind. Geschrieben von Studierenden des Lehrgangs für Szenisches Schreiben an der UdK Berlin. Mastermind hinter dem Projekt ist John von Düffel, der Branche bestens bekannt durch souveräne Roman- und Klassikerbearbeitungen, ein Vielgespielter, ein Pragmatiker. Er ist Professor an der UdK. Wenn seine Studierenden fragen, wie man Dramatiker wird, antwortet Düffel: „Indem man Stücke schreibt.“ Das digitale Theater in Detmold hat klare Vorgaben gemacht. Da sind zum einen die Schauplätze. Die Lkw-Garage des Theaters, ein sehr schmaler Gang, das Büro des Geschäftsführers. Die Dramatikerinnen und Dramatiker müssen sich für einen Spielort entscheiden und dürfen nicht wechseln. Außerdem ist die Besetzung vorgegeben. Sechs Schauspielerinnen und Schauspieler...

Das Landestheater Detmold zeigt drei neue Onlinestücke in Zusammenarbeit mit John von Düffel und dem Studiengang Szenisches Schreiben an der UdK Berlin

Ausschließlich digital

Das tote Kind tanzt auf dem LED-Bildschirm

Ride & Resistance

Blut vermischt sich mit Wasser, als Jason den ausgenommenen Fisch darin wäscht. Dann legt sie — Jason wird unter Stephan Kimmigs Regie zu einer Frau — ihn auf den Grill. Der Duft von gegrilltem, leicht angebranntem Fisch breitet sich im Theatersaal aus. So körperlich, so unmittelbar gerät der Rest der Inszenierung von „Die realen Geister“ dann leider kaum noch. Dabei hätte das diesem poetischen, in Zwischenwelten angesiedelten Text durchaus gut gestanden. In Guido Wertheimers Stück, für das er mit dem Hans-Gratzer-Preis 2024 ausgezeichnet wurde, reist Jason (Iris Becher) von Südamerika nach Wien auf den Spuren ihrer jüdischen Vorfahren. Begleitet wird sie dabei von Hera (Florentine Krafft), die prompt den Feueralarm am Flughafen auslöst, als sie sich eine Zigarette anzündet. Die Zeiten sind auch nicht mehr dieselben: „Ich hasse dieses Jahrhundert“, stöhnt die genervte und müde Göttin im Fliegerinnen-Outfit mitunter auf. Außerdem mit von der Partie: der Fischer (Kaspar Locher). Auch er ist Jahrtausende alt und des Fische Fangens müde. Er weiß: Alles wiederholt sich und so läuft die Suche nach den Geistern der Vergangenheit auf eine weitere Katastrophe zu, den 7. Oktober 2023, den Terrorangriff der Hamas: „Nur noch drei Monate bis wieder alles explodiert.“ Aber noch liegt dieser Tag...

„Die realen Geister“ von Guido Wertheimer– Regie Stephan Kimmig, Bühne und Kostüme Sigi Colpe, Mitarbeit Kostüme Wiebke Wenker, Musik Scharmien Zandi, Video Maximilian Wigger

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Die Hüfte ist das Zentrum

Eine Klasse für sich

Alle Neune für was Neues

Die Arbeit der Frauen: Punch und Judy

Alleinerziehende am Abend

Oldenburgisches Staatstheater: Betont präzise und seelenlos

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Stück Labor – Neue Schweizer Dramatik

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Die Anatomie eines Hasen

28 Milliarden

Es ist nie Sommer im Ruhrgebiet

Wertheimer studierte Szenisches Schreiben an der Universität der Künste in Berlin, ist Stipendiat der Heinrich-Böll-Stiftung und erhielt 2022 den Preis der jungen Dramatik für sein Stück „Wir werden diese Nacht nicht sterben“. Seine Arbeiten kreisen um Fragen der Erinnerung, der Identität sowie des Archivs und begeben sich auf die Suche nach den Spuren seiner jüdischen Familie.

Soundcheck am Premierentag in Berlin.

Noëlle Haeseling und Guido Wertheimer

André Lassen in „Echtzeit-Komplizen“.

Glanz oder Harnisch heißt die Lesereihe der Studierenden des Studiengangs Szenisches Schreiben an der Universität der Künste Berlin

Wo steht die neue Dramatik? Zur Lange Nacht der Autor:innen zeichnen die Beiträge ein Porträt der Begegnungen.

Mit Humor ist es so eine Sache, auch im Theater. Es gibt ihn, aber er ist schwer zu greifen, und noch schwerer ist es, darüber zu diskutieren, ohne dabei den Humor zu verlieren. Als TdZ den Regisseur Antú Romero Nunes nach seiner Premiere von Shakespeares „Was ihr wollt“ am Berliner Ensemble (auf dem Titel) deswegen anriefen, schien er gleichsam auf eine solche Gelegenheit gewartet zu haben. Nunes, Absolvent der Berliner Hochschule für Theaterkunst Ernst Busch als Regisseur, ist in mehreren Kulturen zu Hause und kann deshalb von innen und außen auf das Thema Humor im deutschen Theater schauen. Das Gespräch war nach dem Interview lange noch nicht beendet und ging immer weiter. Wie auch das über die sogenannte Wertigkeit von Komödien, die als relevante Problemstücke wie Dietmar Jacobs’ „Extrawurst“ großes Publikum ins Theater ziehen. Seine fein gebauten Stücke sind Blockbuster des Theaters und deshalb nicht so leicht einzuordnen. Lachen ist Selbstklärung.
Daneben bietet das Januar-Heft einen Ausblick auf Theater der Welt in Chemnitz 2026, einen Bericht vom Festival Science and Theatre in Heilbronn (mit starkem Fokus auf KI, XR und digitale Ästhetiken) sowie einen Blick auf den Neustart des ETA Hoffmann Theaters Bamberg unter John von Düffel.
Und wie immer: einen Stückabdruck (diesmal die Fassung von Ruth Maria Thomas’ „Die schönste Version“ aus Cottbus), neuen Kolumnist*innen und einer neuen Ausgabe der Serie zu Grenzphänomenen von Theater und Sport.
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Humor auf der Bühne

Künstlerbuch mit ca. 50 Zeichnungen, Skizzen und Malereien
Ca. 50 Gedichte in Originalsprache (Englisch) und deutscher Übersetzung
Das letzte von Sieczkarek maßgeblich betreute Projekt – intim, authentisch, einzigartig
 
„Highland Child“ vereint Bildkunst und Lyrik von Mark Sieczkarek in einem eigenständigen Künstlerbuch: Zeichnungen, kleine Malereien und Collagen begegnen 48 englischsprachigen Gedichten, deren deutsche Übertragungen jedem Exemplar als Einleger beiliegen. Als Tänzer des Tanztheaters Wuppertal Pina Bausch in den 80er Jahren (u. a. „Viktor“, „Ahnen“, „Kontakthof“, „Das Frühlingsopfer“, „Nelken“) und seit 1988 mit über 50 eigenen Produktionen als Tänzer und Choreograph, entfaltet er in diesem Band ein sehr persönliches Universum – Menschen aus seiner nächsten Umgebung, Begegnungen aus der internationalen Tanzszene, Erinnerungen und Gedankenskizzen.
Die Arbeiten in Farbe und Schwarz-Weiß zeigen seine poetische Spannung zwischen Bewegung und Bild. Entstanden ist ein sorgfältig gestaltetes und liebevoll illustriertes Hardcover, das die künstlerische Handschrift Sieczkareks in ihrer Vielschichtigkeit sichtbar macht – ein in seiner Interdisziplinarität beeindruckender Künstler, der über Tanz, Kostüm und Bühnenbild wirkte und sich ebenso hingebungsvoll Zeichnungen, Film und Dichtung widmete.
 
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Art and poetry by Mark Sieczkarek

Highland Child

Checklisten, Best-Practice-Beispiele und konkrete Methoden für kulturelle Teilhabe und Mehrsprachigkeit
Community-Booster: durch kollaborative Netzwerke diversitätsbewusstes Kinder- und Jugendtheaterarbeit positionieren
Teilhabe und Mehrsprachigkeit als ästhetisches Potenzial im Theater für junges Publikum begreifen. Begegnungsraum für junge Menschen mit unterschiedlichen gesellschaftlichen Privilegierungs- und Marginalisierungserfahrungen sein. Neues proletarisches Theater mit jungen Menschen machen. Bewusst Intersektionalität mitdenken und gleichberechtigt Theater schaffen. Sich selbst sowie die eigenen Arbeitsstrukturen machtkritisch befragen und geduldig in Bewegung bringen.
Was wie eine Utopie klingt, ist im Programm „Perspektiv:Wechsel“ der ASSITEJ seit 2022 vielerorts passiert. Und wird auch darüber hinaus in den Darstellenden Künsten für und von jungen Menschen immer öfter praktiziert. Welche (un-)sichtbaren Hürden müssen dabei überwunden werden? Wie können konkrete Schritte geplant und umgesetzt werden? Und warum überhaupt Perspektivwechsel? Dieses „winterheft“ versammelt Praxisberichte in Form von Texten, Videos und Audioformaten, vielstimmige Argumentationen, machtkritische Positionen und Plädoyers dafür nicht mehr allein zu träumen, sondern sich zu verbünden.
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Perspektiv:Wechsel

Die 52. Ausgabe von double. Magazin für Puppen-, Figuren- und Objekttheater widmet sich der Figut des Caspar als Superhelden, Spaßmachern und Systemsprenger. Kann die Figur überhaupt im Heute bestehen, ohne ihre anarchische Energie zu verlieren?
Im Zentrum stehen die lustigen Figuren des europäischen Puppenspiels in all ihren Ambivalenzen und Transformationen. Fachbeiträge reflektieren kulturelle Erbe-Diskurse, Genderaspekte und die künstlerisch-ästhetische Entwicklung der komischen Handpuppe vom Kasper bis Punch als Spiegel gesellschaftlicher Herausforderungen und Widerstände. Internationale Festivalberichte, Interviews und Analysen nehmen die Vernetzung der Szene genauso in den Blick wie aktuelle Initiativen zur Unesco-Nominierung.

Kasper und Co. in schwierigen Zeiten

Superheld, Spaßmacher, Systemsprenger

Die erste große Gesamtschau
Vier Jahrzehnte Tanz, über 50 Produktionen
Aufwendige Gestaltung im Großformat mit über 100 Abbildungen
„Open the curtains. Zum Werk von Mark Sieczkarek“ lädt als Journal zu einer Erkundungsreise in das facettenreich inspirierende Schaffen des Choreografen und Künstlers Mark Sieczkarek (10. 9. 1962 bis 8. 9. 2025) ein. In Schottland geboren, kam er über Pina Bausch nach Wuppertal und folgte dann bald seinem eigenen künstlerischen Weg. Anlass für das Journal war die Ausstellung „paths through my garden – Kunst von Mark Sieczkarek“ vom 9. bis 26. Oktober 2025 im Schauspielhaus/ Pina Bausch Zentrum under construction in Wuppertal. Bis zu seinem Tod hat der Künstler die Werkschau mit vorbereitet. Im Journal finden fotografische Aufnahmen seiner Choreografien, Bühnenbilder und Kostüme ihren Raum, die in über 50 Produktionen in vier Jahrzehnten entstanden sind, ebenso wie Verweise auf seine Filme und Skizzen, Zeichnungen und Bilder. Ergänzt werden die Zeugnisse seiner vielfältigen künstlerischen Aktivität durch Stimmen und Betrachtungen mehrerer künstlerischer Weggefährt:innen.
In „Highland Child“ beendet Mark Sieczkarek sein letztes Gedicht „The end“ mit der Zeile „Open the curtains“. Zeitgleich zum Journal erscheint dieser Band als 2025 zusammengeführte Sammlung eigener Bilder und Gedichte. Sieczkareks letztes Lebensjahr war geprägt von den Herausforderungen der Krankheit ALS. Journal und Künstlerbuch laden nun als posthume Würdigung in Mark Sieczkareks sanftes und zugewandtes, irritierendes und rebellisches Universum ein.
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Zum Werk von Mark Sieczkarek

Open the curtains

Die Februar-Ausgabe von Theater der Zeit rückt das Theater in der Ukraine ins Zentrum – als Kunstform im Ausnahmezustand, die zugleich Verteidigung, Selbstbehauptung und Zukunftsentwurf einer von Krieg belagerten Gesellschaft ist. Das kulturelle Leben ist, eines der perversen Kriegsziele Russlands, nicht zum Erliegen gekommen, während der Krieg – zumindest seit der Totalinvasion – diesen Februar ins fünfte Jahr geht. Der Schwerpunkt des Heftes fragt, welche Rolle internationale Kooperation wirklich spielt – und wo sie bislang ausbleibt. Reportage, Essay und Gespräch zeichnen eine Landschaft, in der Luftalarm, Drohnen und Frontberichte den Alltag markieren, während Projekte wie das Ukrainomania-Vorhaben des Wiener Volkstheaters und des Nationaltheaters Maria Zankovetska in Lviv exemplarisch zeigen, wie gemeinsame künstlerische Arbeit neue Räume für Erinnerung und Solidarität eröffnet.​
Flankiert wird der Schwerpunkt von Beiträgen, die andere Bruchstellen der Gegenwart vermessen: ein Bericht über die „Rasenmäherpolitik“ in Baden-Württemberg analysiert, wie Kulturkürzungen ganze Szenen in Stuttgart und Karlsruhe strukturell gefährden, während ein Essay zu René Pollesch die Frage stellt, wie sich kollektive Unbehaustheit und Theaterästhetik nach seinem Tod weiterschreiben lassen.  Mit dem Fokus auf neue Schweizer Dramatik im Rahmen vom Abdruck der im Schweizer „Stück Labor 2024/25 entstandenen Stücke, öffnet die Ausgabe zugleich einen Laborraum für Texte, die Übergangsrituale, Jugendkulturen und postkoloniale Verwerfungen erkunden. Guido Lambrecht, der mit der Monumentalperformance von „Serotonin“​ am Hans Otto Theater Potsdam gerade zum Theatertreffen eingeladen wurde, beantwortet die Frage: „Was macht das Theater?“ Und wie immer: Kolumnen, Kritiken und das Kunstinsert, dieses Mal mit der neuen permanenten Lichtinstallation von James Turrel: „Beyond Horizons“, in Oelsnitz/Erzgebirge.
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Theater in der Ukraine

Palucca (1902–1993) wollte nicht hübsch und lieblich tanzen und war noch keinesfalls berühmt, als sie im Alter von 23 Jahren eine private Tanzschule gründete. In diesem Band kommen Menschen zu Wort, die eine Beziehung zu Palucca, zur Palucca Schule (gegründet 1925, heute Hochschule), Mut im Kopf und Mumm in den Knochen haben. Sie taten und tun das vorzugsweise in Projekten, mit denen Menschen im und mit Tanz zu Veränderungen angestiftet und befähigt werden, gesellschaftliche Missstände mit Leib und Seele anzugehen. Das erfordert ziemlich viel Mut.
Für den Soziologen Dirk Baecker ist Mut ein Kalkül. Für Palucca war Mut eine Voraussetzung für Kunst. Studierende des 2. und 3. Studienjahres Bachelor Tanz der Palucca Hochschule für Tanz Dresden verraten, wie sich Mut einstellen kann, selbst wenn sie Angst haben. Das könnte man sich glatt zu Herzen nehmen, und dann ist Mut zu haben vielleicht gar keine Kunst?
 
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Faszination und Verantwortung

Mut Palucca

„Wallenstein“ in Dresden

Frank Castorf

Der menschliche Körper ist Gegenstand, Medium und Instrument der Künste! Über und durch den Körper wird dargestellt, wird Geschlecht zugeschrieben, wird ein- und ausgeschlossen, werden künstlerische Formen ebenso wie institutionelles Selbstverständnis geprägt. Die kritische Reflexion von Körperlichkeit war immer auch Anlass zum Umdenken in den Künsten. Im Mai 2024 luden vier Münchner Institutionen zum gemeinsamen Respekttag ein, um Fragen der Repräsentation, Gewaltprävention und Antidiskriminierung mit Fokus auf der Körperlichkeit zu diskutieren: die Bayerische Theaterakademie August Everding (Gastgeberin), die Akademie der Bildenden Künste München, die Hochschule für Fernsehen und Film München und die Hochschule für Musik und Theater München. Der hochschulübergreifende Aktionstag nahm in Vorträgen, Workshops, Diskursformaten und künstlerischen Beiträgen das Spannungsfeld des herausgeforderten und herausfordernden Körpers in der zeitgenössischen Kunst in den Fokus.
Die Publikation ist nicht nur eine Dokumentation und Rückschau auf diesen Respekttag 2024, sondern eine Sammlung von wissenschaftlichen und künstlerischen Perspektiven zu den zentralen Themen des Aktionstages.
Mit Beiträgen von Magz Barrawasser, Franzy Deutscher, Lann Hornscheidt, Nele Jahnke, Jayrôme C. Robinet, Jenny Schrödl u. v. m.
 
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Herausfordernde und herausgeforderte Körper in der zeitgenössischen Kunst

„Challenge(d) Bodies“

Neuerscheinungen im Verlag