Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Nicht einem, der ein Künstler, so wie dir fiel zu das schwere Los, das schwerste hier: zu sein ein Jedermann, ein Niemand drum; du sprichst mit tausend Zungen, du bleibst stumm. Der Dichter wandelt ab, was er erlebt; dem Maler sich die Welt gewandelt hebt; es tönt den Ton ein Meister anders her — ein jeder bleibt, uns sichtbar, drum doch er. Du aber, du, um Menschen zu gestalten, darfst, Mensch wie sie, dir nichts von dir erhalten: die Stimme, Gang, die Geste, Kleid, Gesicht — du bist in hundert andern; du bist's nicht. Je höher sonst gereift die Künste steigen, je stärker gibt der Künstler, was sein eigen. Je reifer du in deiner Welt, im Schein, je mehr du schwindest, nichts denn der zu sein, der ruft und schreitet, sinnt und schaut und handelt, der doch nicht du, in den doch du verwandelt ... Ich sah dich stehn vor einem Spiegel, lange; du blicktest tief, durch ihn hindurch; und bange von deinem Munde nicht die Frage wich: heut' dieser, morgen der, — wer bin nun ich? .... Was Glut in deinem Herzen, hoher Flug, Gedanke, Geist, von dir ein andrer trug; ob Liebe ihn, ob ihn der Haß umschwebte...

An einen Schauspieler

Verwandlung

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Frühlingstheater

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Sie haben mir Ihr Stück „Karl Tenhoefft entscheidet sich“ mit der Bitte gesandt, es zu lesen und Ihnen offen meine Meinung darüber zu sagen, selbst wenn diese, wie Sie schreiben, „vernichtend“ wäre. Das ist nun keineswegs der Fall. Überhaupt, glaube ich, kann ein noch so scharfes kritisches Urteil weder ein Werk noch einen Autor „vernichten“; denn ganz abgesehen davon, daß der Kritiker durchaus unrecht haben kann, wird sich eine starke Begabung entweder gegen das Urteil durchsetzen oder es anerkennen und bei kommenden Arbeiten nützen. Und um schwache Begabungen, die den Mut verlieren, ist es nicht schade. Ich habe manchen Grund anzunehmen, daß viele junge Dramatiker mit den gleichen Problemen und Schwierigkeiten ringen wie Sie; deshalb veröffentliche ich meine Antwort. Das soll allerdings nicht bedeuten, daß ich mich hier als Lehrer aufspielen oder gar allgemeingültige Rezepte geben möchte – nein, überprüfen, durchdenken Sie meine Argumente, und was Sie glauben davon annehmen zu können, nehmen Sie an. Wo Sie glauben, mir widersprechen zu müssen, tun Sie es; aber ich bitte Sie: begründen Sie Ihren Widerspruch. Ihrem Begleitschreiben entnehme ich, daß Sie 24 Jahre alt sind und daß das vorliegende Werk Ihren ersten dramaturgischen Versuch darstellt. Es habe Ihnen „keine Ruhe gelassen“, versichern...

Brief an einen jungen Dramatiker

Alles total anders

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Berliner Chaos-Tage

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Pollesch ohne Pollesch

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Nationalsozial-charaktermasken

Editorial

Samtener Schutzraum

Darwin-Theater

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Angstlos! Heimatlos?

Die breite Front der deutschen Durchschnittstheater gerät immer deutlicher in einen schlimmen „Trott“. Man kann verblüfft sein, wie schnell sich diese Entwicklung vollzieht. Wie ist es möglich – so fragt man sich bei nüchterner Betrachtungsweise –, daß das Beharrungsvermögen der Mittelmäßigkeit sogar in der „lebendigsten Kunst“, wie sie das Theater ist, tatsächlich stärker wirkt als die unerhörte Aufwühlung der Erlebniskraft, die in Millionen bereit ist und auf das Wort harrt, das wie eine Fackel in die Seelen hineingeworfen werde? – Dies ist das Bild, das sich bietet: In wildem Tempo vergrößert sich der Abstand zwischen den wenigen avantgardistischen Theatern, die mit hierarchischem Mut in das seelische Neuland vorstoßen, das es unserer Zeit zu erobern gilt, und jener Unzahl im tieferen Sinne provinziellen, gesichtslosen Theater, die die eigentliche Basis der Kulturarbeit zu bilden hätten, aber das verpflichtende und unserem ganzen Volk verpflichtete Amt mit der Unberufenheit eines Kräutersammlers vor dem Operationstisch umschaffen. Heute jedoch gilt es, offen den Einschnitt zu vollziehen, der die Kräfte frei macht, die den künstlerischen Ausdruck der Seele unserer Zeit Gestalt werden lassen! Das Tragische, das unnennbare Grauen, das Ewige selbst hat unser Leben angerührt, wie in der griechischen Sage die Göttin Athene das Haupt des Helden...

Trott des Theaters

Während die Berliner Bühnen mit Bienenfleß ihre Mißerfolge jenseits des großen Wassers aufstöbern, bemüht sich das rührige Potsdam voll Mut um den Beweis, daß man zu dem gleichen Ergebnis notfalls auch mit einem deutschen Stück kommen kann. Dennoch - man bemüht sich wenigstens, und wenn Fred Dengers mittelalterlich gewandetes Rattenfängerspiel von der „Pest" in Hameln Anno 1284 alles andere als eine Erfüllung wurde, so heißt es uns heute schon hoffen und danken, daß überhaupt einmal ein Dramatiker der jungen Generation Gelegenheit erhielt, sich und sein Werk auf dem Theater zu erproben. Auch dann, wenn er und es die Probe nicht bestanden. Zwar hat manches auch an diesem neuen Versuch Dengers bühnengerechten Wurf und läßt aufhorchen. Aber bei näherer Betrachtung ist das Zweitgeborene, das er aus einer Mesalliance von 13. und 20. Jahrhundert zeugte, keins von den schönsten Kindern. Sein Anblick enttäuscht um so mehr, als des Verfassers Erstling ‚Wir heißen Euch hoffen', die Reportage von der kranken Jugend, die vor einem Jahr das Deutsche Theater spielte, immerhin zur Anteilnahme zwang und ernsthafte Auseinandersetzung forderte. Um die „Pest" werden keine erregten Debatten stattfinden. Das zweite Stück ist um so viel schwächer als das erste, als Kostüm und Umwelt seiner Menschen Abstand...

Unter dem Titel „Kleine Chronik deutscher Uraufführungen“ werden wir unsern Lesern in wechselnder Form einen Eindruck von den wichtigsten deutschen Uraufführungen auf dem Gebiet des Theaters, der Musik und des Films
vermitteln, sofern uns die zu einer allseitigen Information erforderlichen Pressestimmen zur Verfügung
stehen oder zur Verfügung gestellt werden.

Kleine Chronik deutscher Uraufführungen

Fred Denger „Die Pest" Im Landestheater Potsdam

Ran ans Märchen! 

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

»Drei Mann auf einem Pferd«, amerikanischer Schwank von Holm und Abott, wurde durch die einfallreiche Regie Boleslav Barlogs Serienerfolg des Steglitzer Schloßpark-Theaters. Walter Bluhm der Hauptrolle; Erwin Biegel, Otto Matthies, Axell Monje als charakteristische Rennplatztypen. Kurt Meisel als Franz und Lu Säuberlich als Amalia in der Gartenszene der »Räuber«; Inszenierung: Walter Felsenstein Hebbel-Theater. »Tobias und der Engel« von J. Bridie, ein biblischer Bilderbogen mit Revueeinlagen und einem wirklichen Erzengel (Regie: Albert Fischel, Dresden) übte trotz einhelliger Ablehnung durch die Presse in der »Komödie« auf dem Kurfürstendamm dennoch seine Anziehungskraft aus. Eric Ode als der junge Tobias, Hans Nielsen als Erzengel. Shakespeares »Viel Lärm um Nichts« wurde im Theater am Schiffbauerdamm vor allem durch die Leistung Alfred Balthoffs als »Holzapfel« getragen. Anouilhs Tragödie »Antigone« hatte in der »Komödie« mit Gisela Trowe in der Titelrolle trotz der Regie Bruno Hübners, die den Grundgedanken des ohnehin zwiespältigen Stücks noch verwischte, infolge ihrer dramatischen Wucht eine starke Wirkung. Mit der Komödie »Kapitän Brafbounds Bekehrung« von Shaw wurden die Kammerspiele des Deutschen Theaters eröffnet. Käthe Dorsch, die von Wien kommend sich als Lady Cicely Waynflete vorstellte, wurde vom Berliner Publikum lebhaft gefeiert. Carl Schroth spielte den Drinkwater, Wolfgang Lukschy den Kapitän Brafbound. »Die Familie« von...

Kreuz und quer durch Berliner Premieren 1946

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Figurationen im Film

Der Notfall als Prinzip

Die digitale Masse

Das Theater mit den Finanzen

Die performative Baustelle

Wir haben die Erfahrung gemacht, daß die Künste einander befruchten. Der Impressionismus erwachte in der Malerei und ergriff dann von der Dichtung und der Musik Besitz; die Romantik nahm ihren Ausgang vom Wort und ging später auf bildende Kunst und Tonkunst über. Die Geschichte der Theorie des Films verzeichnet ein ständiges Auseinandersetzen mit den Elementen der Schaubühne, wobei man um die Tatsache nicht herum kann, daß der Film ohne die dramaturgischen Gesetze der theatralischen Kunst undenkbar ist, wenn auch zahlreiche Stimmen laut wurden, die dies bestreiten. Film und Theater, einst sehr nahe beieinander stehend, haben getrennte Wege eingeschlagen und machen nun verschiedene Entwicklungen durch. Das Theater muß sich heute einen Weg suchen, der mit dem Fehlen jeglicher Illusionsmöglichkeit fertig wird, das durch das ungeheure Zerstörungswerk verursacht wurde. Die Technik der Schaubühne ist heute anders, nämlich primitiver als die vergangener Jahrzehnte. Der Theatermensch wäre aber nichts wert, zöge er aus dieser Einschränkung nicht Nutzen! Eine Abkehr vom überladenen Stil zur kargen Stilisierung, ja sogar zum einfachen Vorhang hat sich vollzogen. Das Wort und damit der Geist sind wieder in den Vordergrund getreten. Wie schon zu Shakespeares Zeiten werden an die Einbildungskraft des Zuschauenden hohe Anforderungen gestellt. Hier muß das Theater dem...

Zum Thema Schauspielmusik

Der Surrealismus ist dabei, die bisher gültigen dramatischen Gesetze der Bühne aufzulösen; das ist eine nicht zu leugnende Tatsache. Es bleibt die Frage, wem wir seine Entstehung oder besser gesagt sein Wiederauftauchen verdanken, was wir von ihm in Zukunft zu erwarten haben, und ob wir seine Entwicklung aufhalten können. In unserem durch zwei mörderische Kriege aufgerissenen Jahrhundert befindet sich die Gesellschaft auf dem Wege zu neuen Lebensformen. Daß sich dieser Umwertung, diesem Tasten nach unentdeckten Gestaden das Theater nicht entziehen konnte, liegt auf der Hand. Und doch nimmt es, an anderen Künsten gemessen, eine Sonderstellung ein. Durch Schönberg, Hindemith, Alban Berg und Franҫais wurden schon vor Jahrzehnten die Tore zu einer neuen Musik aufgestoßen. Sie überwand das abstrakte Ideal und manifestierte sich bereits in einem formalen und klanglichen Klassizismus. Mit Klee, Picasso und Kandinsky revolutionierte die Malerei nicht nur ihre Methode, sondern auch die Inhalte und schuf zwar keine Schulen, aber geheime und wirksame neue Gesetze. Im expressionistischen Theater der zwanziger Jahre jedoch kam man mit wenigen Ausnahmen über mystische und formale Experimente nicht hinaus. Daß dazu entscheidende Gründe vorhanden sein mußten, unterliegt keinem Zweifel, und daß ihr wichtigster Grund in der Vergewaltigung der Bühne zum politischen Forum lag, scheint...

Eine Betrachtung zum modernen Drama

Über den Surrealismus

Staatstheater Nürnberg: Globaler Zelluntergang

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Theater ist überlebensnotwendig

Brennender Schatten

Staatstheater Mainz: Apfelstrudel aus der Tube

Betroffen von dem Werk Käthe Kollwitz’ sucht der Angerufene mehr zu erfahren über den Menschen, der es schuf. Er sucht den Weg nachzugehen, der zu solcher Vertiefung führte; es treibt ihn, die Wurzeln des Werks bloßzulegen. So findet er zu Briefen, den einfachsten, aber zugleich menschlichsten Zeugnissen. In anderer, verborgenerer Form spricht sich hier das Werk an; aber der Aufmerksame ist weniger berührt. Denn hier zeugt aus den täglichen Begebenheiten und Verrichtungen, an denen unser Leben so leicht ermüdet oder verbiIlert, die reine Stimme eines großen Menschen. Und er empfindet, wie sehr das Werk nur die Summe, die äußerste Verdichtung des Lebensweges ist. Dem gleichen Drang entsprang es, wenn ich dankbar wahrnahm, dem Schaffensprozeß selbst, soweit er überhaupt sichtbar ist, bei dem Entstehen eines Tanzwerks beiwohnen zu dürfen. Dore Hoyer hat ihren Gruppentanz-Zyklus Käthe Kollwitz gewidmet. Während ich also dem Entstehen dieses Werkes nachzutasten suchte, erhielt ich zugleich Schau in die Wirksamkeit des Lebenswerks von Käthe Kollwitz. Sie ist eine zutiefst innere; so bezieht sich die Widmung Dore Hoyers auch nicht auf thematische oder formale Anregung, die sie Käthe Kollwitz’ Graphiken entnommen hat, sondern sie ist Ausdruck des Dankes für die innere Bereicherung, die sie – und wir – immer...

Dore Hoyer ist in der Nachfolge Mary Wigmans heute eine der stärksten Vertreterinnen des Ausdruckstanzes.

Eine Betrachtung zu Dore Hoyers Gruppentanz-Zyklus „AN KÄTHE KOLLWITZ“

Ursprung des Schöpferischen

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

Eine Wette auf die Zukunft

R Ä U M E

Im Seplember 1941 wurden in Paris deutsche Offiziere von Partisanen erschossen. Als Vergeltungsmaßnahme läßt die deutsche Militärbehörde zehn Geiseln – vollkommen unschuldige Menschen, Juden und Kommunisten – erschießen. Wir werden vom Autor in die Dienststelle geführt, die die Exekution vorzunehmen hat. Neben Super-Nazis sehen wir deutsche Soldaten, auch Offiziere, die mit diesem Gewaltakt durchaus nicht einverstanden sind. Hauptmann Grelinger zieht auch die Konsequenz und erschießt sich, um seine Mitschuld an diesem Mord zu sühnen. Wir sehen die Geiseln. Ahnungslos werden sie in das Dienstzimmer geführt. Hier erfahren sie ihr grausiges Schicksal. In zehn Minuten, die man sie alle inläßt, ringen sie sich zu der Erkenntnis durch, daß sie mit ihrem Tod teilhaben am Kampf gegen die faschistische Gewaltherrschaft, daß es gilt, richtig zu sterben, wie es richtig zu leben galt. Sie gehen in den Tod als Sieger. Denn der Feind, der sie tötet, zeigt damit seine Schwäche, über die sie – sterbend – triumphieren. Zweierlei Nationalgefühl zeigt Leonhard in dieser Tragödie. Für die Franzosen ist Frankreich die Heimstätte ihrer nationalen Kultur und Freiheit, die sie mit allen Mitteln verteidigen müssen. Für die Deutschen ist ihr Vaterland erst dann etwas wert, wenn es gleichbedeutend mit der Weltherrschaft ist. So wenigstens wurde...

Rudolf Leonhards „Geiseln“ in der Berliner „Volksbühne“

Das Ährenfeld als stille Utopie

Schauspiel Essen: Unnachgiebig behutsam

Dramaturgie der Solidarität

Wladimir Jewgenjewitsch Jegorow unterzeichnet seine Skizzen fast nie mit seinem vollen Namen. Nur in eine Ecke des Bildes malt er mit prägnanten und schwungvollen Strichen seine Anfangsbuchstaben W. E. (im Russischen beginnt sein Name mit E). Aber auch ohne seine Signaturen kann man ihn meist als den Maler erkennen; so charakteristisch ist sein Pinselstrich, die Komposition und die Farbgebung. Die Eigenart der Kunst Jegorows hat sich von früher Jugend bis heute unverändert erhalten. Der Künstler wurde 1878 in einer armen Bauernfamilie geboren. Vater und Mutter, aus dem Mzensker Bezirk des Orel-Gouvernements gebürtig, kamen als junge Leute nach Moskau, um sich dort ihr Brot zu verdienen. Die Jegorows nahmen bei dem damals berühmten Zauberkünstler M. W. Lentowski, der in Moskau große Schauvorstellungen inszenierte, eine Stellung an. Seine Feerien und Operetten machten auf die Moskauer durch ihre unerhörte Prachtentfaltung, Phantasmagorien, Lichteffekte und wunderbaren Verwandlungen einen starken Eindruck. All dies betrachtete begierig auch der kleine Wolodja, und diese ersten Bühneneindrücke blieben in der Seele des empfindsamen Knaben haften. Es ist nicht ausgeschlossen, daß seine leidenschaftliche Liebe zur Kunst, sein erstaunliches Gefühl für die Bühne und ihre Möglichkeiten von dieser Zeit herrühren. Die Eltern hatten nicht die Absicht, den Sohn auf den Theaterpfad zu...

Der Volkskünstler Jegorow

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Der sowjetische Dichter selbst weist im Titel bereits darauf hin, daß es sich um eine ,Dramatische Erzählung aus dem Leben Charles Darwins' handelt; also eine im Grunde epische Verarbeitung eines zeitlich begrenzten Lebensabschnittes. Aber, und damit sagen wir Wesentliches über die nicht ganz bühnengerechte Form: Rachmanows sicherer Blick für die politische Wirklichkeit und Wahrheit, sein menschliches Ethos und sein klug abwägendes Können schaffen doch die Gestalt eines Stückes fesselnder Dramatik. Eine solche Dichtung rüttelt nicht auf: aber sie berührt uns tief und läßt uns jenseits der Grenzen blicken. Die neun Bilder des aus Anekdote und Belehrung eigenartig gemischten Stückes zeigen uns den berühmten englischen Naturforscher mitten in seiner Lebensarbeit über die Abstammung des Menschen und die Entstehung der Arten durch natürliche Zuchtwahl; zeigen uns Darwin im Zwiespalt mit dem jungen Wallace, dessen Theorie der seinen so überraschend ähnlich war. Weit weniger als von Darwins Handeln und Los werden wir von der Wirkung und Auswirkung seiner Wissenschaft bewegt. Entscheidend dabei ist besonders das Zusammentreffen mit dem jungen Studenten Timirjasew, der die Lehre Darwins schon frühzeitig erkannt und in Rußland verbreitet hat. Beispielhaft führt es uns vor Augen, wie Darwins Erkenntnis der ganzen Kulturwelt galt. Es ist bemerkenswert, daß trotz aller brennenden...

Leonid Rachmanow „Der Einsiedler von Down“ im Stadttheater Plauen

Wenn wir heute über den schauspielerischen Nachwuchs schreiben, so müssen wir eins immer im Auge behalten: niemals kann es der Sinn der Zeit sein, durch Not zu einer Duldung oder Förderung des Mittelmaßes gezwungen zu werden. Immer wieder wird das Ungewöhnliche der Sinn der Kunst sein, das Herausfordernde und über die Zeit Hinwegweisende. Aber auch diese Kunst verlangt eine Basis des soliden Handwerks. Es ist gut, daß die Entwicklung uns gezwungen hat, die üppige Genügsamkeit hinter uns zu lassen. Die jungen Künstler werden es leichter haben, weil sie es schwerer haben. Dieses Bewußtsein und dieses Gefühl sollen ihnen Stachel zugleich sein und Beruhigung. Aufruf zur Ungenügsamkeit und Erkenntnis eines Schicksals, das ihnen Umwege erspart. Es gibt jüngste Schauspieler, die, aus Schulen, Krieg und Rüstung nach dem Zusammenbruch auf die Bühne geworfen, jeder Wirklichkeit standhalten, und doch schon vor einem bewahrt werden müssen: in den alten Prominentenrummel hineingerissen zu werden. Prominentenrummel, das heißt: in das Jahrmarktstreiben der Eitelkeiten und Egoismen, die sich als unabdingbare Forderungen der Kunst ausgeben, in Wahrheit aber nichts anderes als Geltungstrieb und Erstreben materieller Vorrechte sind. Prominentenrummel, darunter ist nicht zu verstehen: die Unruhe zur großen Leistung, die Unruhe der Persönlichkeit und der Drang, weiter zu kommen....

Junge Schauspieler

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Anfangszeiten der Inklusion

„Der Titel ,Heinrich von Kleists Tod' ist ein Irrtum. Nicht Kleists körperlicher Tod ist der Vorwurf: das Ringen dieses unbändigen, sich selbst bändigenden Feuergeistes aus dem Widerhall zwischen Pflicht und Empfindung, der bei aller Sprunghaftigkeit den Kampf des Einzelmenschen gegen die Umwelt zutiefst fühlt, sich auflehnt gegen Gewalt und hergebrachte willkürliche Ordnung (Prinz von Homburg), den Kampf gegen Unrecht, das aus dieser ,Ordnung' entstehen muß (Kohlhaas), der an sich selbst den spröden Widerstand der Welt gegen alle Menschen veranschaulicht, die von der Natur aus für diese Kämpfe sittlich gefestigt sind, aber vom Schicksal aus ihrer Bahn geschleudert werden. Um seinem Werk, dem leidenschaftlichen Kampf um den Zusammensturz des Alten und Vorbereitung einer neuen besseren Ordnung der Dinge, freie Bahn zu schaffen, es von den Widerständen gegen seine Person zu befreien, räumt er sein irdisches Leben freiwillig hinweg. - Diesen inneren Kampf schildert uns Jungnickels dramatisches Gedicht in engem Rahmen, aber in gewaltiger, doch gebändigter Kraft. Jungnickel gelingt als Autor ein großer Wurf. Außerdem aber kommt der junge Autor und führt als Amateur in der Hauptrolle sein Stück zum Siege. Er führt es, weil er ganz besessen vom Geiste Kleists sich selbst in einer harten holzschnittartigen Figur auf die Bretter stellt,...

Rudolf Jungnickel „Heinrich von Kleists Tod“ im Stadttheater Nordhausen

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

Guilt-Trip durchs Vogtland

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Unser Musikleben wird in stärkstem Ausmaß durch ältere Musik beherrscht. Die Konzertprogramme der Gegenwart bestehen zum größten Teil aus Werken, deren Autoren nicht mehr am Leben sind. Diese Erscheinung ist heute in der ganzen Welt anzutreffen; am auffälligsten ist sie vielleicht auf dem Gebiet der Oper. Die gleichen Standardwerke aus älterer Zeit bilden den Grundstock aller Spielpläne und Konzertprogramme. Die Musik lebender Komponisten taucht nur selten auf; sie bildet eine „Ausnahme“. Dies war keineswegs immer so. In den gesamten früheren Jahrhunderten war es gerade umgekehrt: es wurden zur Zeit der Troubadours und Minnesänger ebenso wie in den Zeiten der großen Niederländer Meister des 15. und 16. Jahrhunderts ausschließlich Werke von Genossen aufgeführt; die Kantoren und Organisten hatten für die Aufführungen in den Kirchen dauernd Neues zu schreiben (das war noch zur Zeit J. S. Bachs der Fall); die Kapellmeister an den Fürstenhöfen waren zu ebensolcher Tätigkeit verpflichtet – es sei an das Wirken Haydns beim Fürsten Esterhazy erinnert; aber auch die ersten öffentlichen Konzerte im 18. Jahrhundert wie die unter Hiller im Leipziger Gewandhaus brachten in erster Linie zeitgenössische Kompositionen zur Aufführung. Erst unserem Zeitalter, das sich so fortschrittlich zu sein dünkt, blieb es vorbehalten, sich vorwiegend vom Erbe der...

Tradition und Fortschritt im Musikleben der Gegenwart

In Frankreich, Holland und Sowjetrußland ist der Tanz im Leben der nichtindustriellen Bevölkerung ein bedeutungsvoller Ausdruck ihres Lebens. In den Tänzen spiegelt sich die Seele und auch das soziale Leben eines Volks wider. In Paris veranstalten das Museum Guimet und das Musée de l'Homme sowie die von privater Seite unterhaltenen Archive des internationalen Tanzes häufig Darbietungen von Tänzen, Tanzfilmen und Musikschallplatten, und zwar nicht allein aus ihrem eigenen Land, sondern aus allen Teilen der Welt. Auch in Holland sind die Tänze von Java und Bali als untrennbarer Bestandteil des kulturellen Lebens in den Museen von Amsterdam und Leyden zu sehen. In London dagegen, im Herzen des Empires, vermißten wir bis heute eine ähnliche Einrichtung. Die großen indischen Tänzer Shankar und Ram Gopal erhielten keine offizielle Unterstützung; sie kamen auf rein kaufmännischer Grundlage zu einem Durchschnittstheater und wurden durch den Enthusiasmus einer kunstbegierigen Zuhörerschaft gehalten, die bereitwillig hohe Eintrittspreise zahlte. Aber neuerdings ist eine gewisse Änderung eingetreten. Die Tür, an die man so oft vergeblich geklopft hat, hat sich zu einem kleinen Spalt geöffnet. Eine Gruppe junger Indonesier aus Holland setzte während des Krieges ihre heimatlichen Inseltänze fort und ist jetzt in der Lage, sie uns als Ausdruck einer Tradition vorzuführen,...

Indonesische Tänzer in England

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

The Ghost, The Voice, The Faceless

Die Zukunft nebenan

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

Diese Bilanz zweier Jahre über Neuschöpfungen französischer Dramatik und über Wiederaufführungen Pariser Bühnen wird vermutlich keine sensationellen Offenbarungen bringen. Wenn wir dabei versuchen, irgendwelche allgemeinen Ideen herauszustellen, tun wir dies mit viel Vorsicht und Bescheidung; denn wir wissen wohl, wie sehr solche Urteile künftigen Veränderungen unterliegen. Sicherlich enthält unsere Übersicht Andeutungen, die ihren wahren Charakter erst in den folgenden Jahren erweisen werden. Die letzte Saison ist schon viel kennzeichnender als die vorhergehende. Sie wird überstrahlt von drei wichtigen Erfolgen: ‚La Folie de Chaillot‘ von Jean Giraudoux bei Louis Jouvet, ‚Caligula‘ von Albert Camus im Theatre Heberlot, ‚La Maison de Bernarda‘ von Garcia Lorca im Studio des Champs-Élysées. ‚La Folie de Chaillot‘ von Jean Giraudoux wurde mit Spannung erwartet, und die Begeisterung, mit der das Stück von Anfang an aufgenommen wurde, galt dem Ruf des Autors und der Inszenierung von Jouvet. Dieses letzte Werk von Jean Giraudoux beweist, daß er als einziger in der Lage ist, eine formale Handlung, die er selbst erfunden hat, erschöpfend auszugestalten. Sein Geist, die Kraft seiner Bilder und die Feingliedrigkeit seiner Sprache sind notwendig, um landläufige Ideen annehmbar zu machen, die etwas abgenutzt Schablonenhaftes bekommen würden, wenn sie von anderen als von ihm in die Hand...

Bilanz des französischen Theaters 1944–1946

Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

Der Kultur-Kahlschlag droht

Was macht das Theater, Thomas Köck?

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

TdZ-Geschichte

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

double

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Polen

Musiktheater

Queeres Theater

Europa

Theater der Zeit

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Tanz

Performance

Kunstinsert

Debatte

Asien

Brandenburg

Neue Dramatik

Wissenschaft

Hessen

Berlin

Post-Ost(deutsch)

Dramaturgie

Afrika

Ukraine

Open Access

Labor Kulturjournalismus

International

Praxiswissen

Digitales Theater

Kinder- & Jugendtheater

Recherchen

Akteur:innen

Dramatik

Baden-Württemberg

Puppen-, Figuren- & Objekttheater

Regie

Theaterkritiken

Schleswig-Holstein

Festivals

Schweiz

Dramaturgie der Zeitenwende

Bertolt Brecht

Freie Szene

Sprechtheater

Kritiken

Stücke

Bühne & Film

Kostüm und Bühne

Georgien

Scène

Kulturkürzungen

Startseite

Skizzen des russischen Volkskünstlers Wladimir Jegorow zu den Filmen „Todessilo" und „Hall Dich fest, Karlchen".

Alfred Cogho, Peer Schmidl, Ulrich Göhch, Frilz TeIle ring, Agalhe Poschmann, Horst Drinda in der Studio-Aufführung des Deutschen Theaters „Wir heißen Euch hoffen“ von Fred Denger, die Ausmahmslos von jungen Nachwuchskräften bestritten wurde.

Die „bunte Esse“, ein Wahrzeichen von Chemnitz

„In memoriam“. Tanzszene aus dem Käthe-Kollwitz-Zyklus. In der Mitte Dore Hoyer.

Javanische Tänzergruppe in einer charakteristischen Kampfszene

Dieses Buch beschreibt erstmals die wechselvolle Geschichte des Schauspielhauses Chemnitz in einer transdisziplinären Betrachtung von Architektur und theater-künstlerischer Praxis. Es verfolgt gleichermaßen die Entwurfsprozesse wie die Aufführungsweisen der letzten fünfzig Jahre. Neben Darstellungen der verschiedenen Spielorte und der Architektur von Rudolf Weißer werden die Raumaneignungen befragt in Gesprächen mit Theaterleuten wie Hartwig Albiro, Hasko Weber, Carsten Knödler, Gundula Hoffmann und Raj Ullrich. Weitere Theaterkonzepte erklärt Stefan Schmidtke im Kontext der Kulturhauptstadt Europas 2025.
Vor dem Hintergrund der aktuellen Interimssituation von Schauspiel und Figurentheater („Spinnbau“) wird mit der Publikation zugleich die Bedeutung und Perspektive des Theaters als vielschichtiger Kulturort für die Stadt aufgezeigt.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=schauspielhaus_chemnitz_e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>
<a href="../../api/files/55148814-d9c0-4ad5-8dc4-0e7e40a53920/Schauspielhaus_Chemnitz_E-PDF.pdf" target="_blank">Eine kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: PDF-Download (46 MB)</a>
ISBN 978-3-95749-567-9 (Open Access)  DOI: <a title="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" href="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" data-outlook-id="e526c996-5be6-478d-a074-ff6f174f4806">10.35287/9783957495679</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a title="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" data-outlook-id="b6230f1d-8c98-42e4-bb03-0a4b291c320e">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Zwischen Zeiten und Räumen

Schauspielhaus Chemnitz

Denken wir heute an „Zirkus“, so tauchen in unseren Köpfen gemeinhin Bilder von Artistik- und Tierdressurnummern in der Manege eines Zirkuszeltes auf. Historische Quellen, die in Archiven und Bibliotheken schlummern, zeichnen jedoch ein überraschend anderes Bild der Zirkuskunst um 1900. Die in diesem Buch versammelten Fotografien, Auszüge aus Briefwechseln, Patentschriften, Presseberichte, Bauzeichnungen und vieles mehr, bieten tiefe Einblicke in die Zirkuskultur Berlins um 1900. Sichtbare Spuren der einst erfolgreichen Zirkusgesellschaften mit ihren pompösen Gebäuden mitten im Stadtzentrum finden sich heute hingegen kaum mehr. Anhand von historischen Quellen lässt das Buch Aufführungspraxis, Architekturen, Herausforderungen und Erfolge von Zirkussen, Künstler:innen und Techniker:innen auf eindrückliche Weise zutage treten.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=zirkuskunst_in_berlin_e-pdf&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>
Eine kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../api/files/f3468a94-12c9-4680-9280-ee99ad88c389/Zirkuskunst_in_Berlin_OA.pdf" target="_blank">PDF-Download (52 MB) </a>
ISBN 978-3-95749-565-5 (Open Access)  DOI: <a title="https://doi.org/10.35287/9783957495020" href="https://doi.org/10.35287/9783957495020" data-outlook-id="c180ea25-f06b-4836-a7c2-fc4b1261b69b">10.35287/9783957495655</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Einblicke in eine vergessene Praxis

Zirkuskunst in Berlin um 1900

Auf dem Titel und im Kunstinsert: Gisèle Vienne. Die französisch-österreichische Choreografin hat in den letzten 20 Jahren ein „Ensemble“ von lebensgroßen Puppen­ zusammengestellt, die immer wieder in ­ihren Arbeiten zwischen Tanz, Performance, Fotoporträts der offenbar misshandelten Figuren und auch Film anzutreffen sind. Jetzt gibt es in Berlin erstmals eine große Retrospektive dieser ungewöhnlichen Künstlerin – alles im Beitrag von Theresa Schütz auf den Seiten 26 bis 31.
Ensemble heute ist das Thema des Schwerpunkts in diesem Heft. Brechts Berliner Ensemble wurde vor 75 Jahren gegründet. Der derzeitige Intendant Oliver Reese spricht im Interview über seine „Ensemble-Euphorie“, die aufrechtzuerhalten ihm nicht immer leichtfällt, auch wenn er für ein Foto auf das Dach des Hauses mit dem legendären, von Peter Palitzsch entworfenen und noch immer in die Nacht leuchtenden Signet gestiegen ist. Indes gibt es auch ganz andere Ensemble-Modelle, die auf der umfassenden Idee für eine Theatergemeinschaft basieren. Die transnationale KULA Compagnie, das Theaterhaus Jena und das seit über 40 Jahren auf der Schwäbischen Alb bestehende Theater Lindenhof in Melchingen, porträtiert von der Baden-Württemberg-TdZ-­Redakteurin Elisabeth Maier.
 <iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_10-2024&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Gisèle Vienne Unheimliche Collagen

Ensemblekultur heute

Vor genau 20 Jahren wurde double gegründet und unsere Leser*innen halten gerade die 50. Ausgabe in der Hand. Dieses Doppeljubiläum war für uns Anlass, den Blick zurück nach vorne zu richten und das Heftthema ‚Reenactment‘ mit der Heftgründung in Verbindung zu bringen. Haben Sie es erkannt? Das Cover greift das Titelbild des allerersten Heftes auf, und auch einige mit ‚Reenact!‘ gekennzeichnete Beiträge spinnen Themen von double 1 weiter fort. Neben aktuellen Berichten nehmen wir uns die Zeit, um unsere Reise zu reflektieren.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=double50_tdz&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Reenactment im Figurentheater

Same, same but different

Über den Surrealismus

Assoziationen

Theater der Zeit 6/1946

Surrealismus und was man dafür hält

Neuerscheinungen im Verlag