Theater Aachen: Silbenflimmern im ewigen Krieg

Hessisches Landestheater Marburg: Habt ihr nichts gelernt?

Das Perfoming Arts Festival (PAF), veranstaltet vom Landesverband freie darstellende Künste Berlin (LAFT), spricht seit 2016 Open Calls für die freie Szene aus. Der Fokus liegt auf Berliner Positionen, Künstler:innen, Gruppen und auf der Verortung dieser in den jeweiligen Kiezen, in denen die zahlreichen, über die Stadt verteilten, Spielorten liegen. Es geht um Vernetzung. Es geht um das (Berliner) Publikum und es geht um das Publikum vom Fach. Das PAF ist ein Begegnungsort auf unterschiedlichen Ebenen und an unterschiedlichen Orten, gleichzeitig und wechselseitig. Wo gehe ich wann hin, um Das dann, dann Das und Das dann an einem anderen Tag sehen zu können. Diese Überlegungen, diese Möglichkeiten machen ein Festival aus und sie zeigen, dass die freie Szene breit aufgestellt ist. In diesen Tagen geht es durch ganz Berlin. Keine Sonne in Schöneberg Im Village in Schöneberg, einem Gemeinschaftszentrum für schwule, bisexuelle, trans* und queere Männer, ist der Raum verhangenen. Keine Sonne, Licht kommt nur vom Beamer, der den Himmel an die Wand wirft. Dann folgen Großstadtaufnahmen. Es beginnt eine berührende Performance in drei Teilen. Alexander Carillo, kolumbianischer Tänzer und Choreograf, based in Berlin, hängt an Luftballons. Der Körper bewegt sich entgegen und mit dem Helium. Einen Song lang, das...

Zum Performing Arts Festival 2023

Open Call: Berlin

Galilei und Brecht und Ost und West

Die Grenzen zwischen Dokumentation und Fiktion verwischen

Das Gym, die Bühne und ein Gebirge aus Bildern

Dienstag, 12. Mai 2026

Ich bin 13 Jahre alt, es ist Wochenende und wir spielen gegen die Jungs aus dem Nachbardorf. Wir spielen auf Kunstrasen, es ist kalt, nach jeder Grätsche fühlt sich die Haut heiß an. Draußen schreien die Väter. Da kommt ein hoher Ball auf mich zu, er ist so lange in der Luft, es fühlt sich an wie Zeitlupe. Ich bin über dreißig und in Miami. Es ist ein warmer Abend, im Stadion von Inter läuft Reggaeton und alle tanzen. Immer wieder Feuerwerk, Nebelkanonen und Strobo. Jede Ballberührung von Lionel Messi ist ein Highlight. Jetzt schießt er, der Ball geht weit übers Tor, das Publikum ist begeistert. Der Ball fliegt ewig auf mich zu. Der Ball ist immer noch in der Luft – Spannung. Bevor ich ihn annehmen kann, haut mich mein Gegenspieler um. Der Aufprall auf den Boden aus Plastik ist hart. Heul nicht, sagt mir der Stürmer: Das ist Fußball, sagt er: Das ist kein Theater. Lars Eidinger weint, alle sind begeistert, ich auch. Ich bin gerade nach Berlin gezogen und Fan. Neben mir filmt eine Charlottenburger Dame. Pass auf, dass Lars das nicht sieht, sagt ihre Begleitung. Ihre Wangen werden rot, ihre Ohrringe klimpern. Lionel Messi bewegt sich,...

Serie: Theater und Sport #3
Nicht erst seit Einar Schleefs extrem sportiver Uraufführung von Elfriede Jelineks „Ein Sportstück“ (1998) ist die Verbindung zwischen Körperertüchtigung, Politik und Theater ein interessantes Feld geworden. Fortsetzung der neuen Serie.

Ein Querpass zwischen den Rängen

Bühnen voller Männer

Schreibt den Mehrtürer!

Biennale München: Tanz mit Karla 

Das Begreifen, der Begriff, die Begrifflichkeit

Donnerstag, 09. April 2026

Zwischen Kung-Fu und Beckett

Von wegen Provinztheater

Nur das Beste des Schweizer Theaters

Süß-saurer Einheitsbrei bremst kulturelle Vielfalt

Eine neue Form des Lebens

Festakt und Vielfalt

Was macht das Theater, Barbara Bily?

Sogar für Festivalpublikum

Junges Theater in Kriegs- und Krisenzeiten

Schauspiel Leipzig: Deutschland im Märchenwald

Staatsoper Stuttgart: Klangarchiv der Sehnsüchte

Er steht auf einem Podest im Bühnensaal im Ballhaus Prinzenallee: Dennis – gespielt von Lukas David Schmidt. Es ist sein Abend, der von Dennis und von Schmidt, der für die Inszenierung, den Text und dafür verantwortlich ist, dass das Publikum dieser Monolog-lastigen Solo-Show gebannt folgt. Schmidt erzählt mit der Biografie seiner Figur Dennis die Geschichte eines Individuums. Eine Biografie, die für viele steht. Es ist die Geschichte von Frustration, Aggression und den Versprechungen von Ideologie und der Ausübung von Gewalt. Dennis ist erst Punk, dann Skinhead, dann Neonazi – zwischen den Jahrhunderten. Er radikalisiert sich in einem Land, das es nicht mehr gibt, der Deutschen Demokratischen Republik. Seine Vorstellungen gehen in der Bundesrepublik ebenso wenig auf wie die versprochenen blühenden Landschaften. Der Abend beginnt am Ende des 20. Jahrhunderts und endet in der Zukunft. Dazwischen Mölln, Solingen, Hoyerswerda und so weiter. „Städte wie Narben“, wie Schmidt sagt. „Einzelne zu Massen.“ Dennis, also Schmidt, trägt die Uniform der Schlägertypen der Baseballschlägerjahre: schwarze Springerstiefel aus Leder, eine dunkle Cargohose, mit roten Hosenträgern, weißes Shirt. Schwarz, Weiß, Rot, die Insignien der Deutschnationalen. Zudem hängt von der Decke, von einem Scheinwerfer angestrahlt: die Bomberjacke. Typ MA-1, für US-amerikanische Kampfpiloten entwickelt, wurde sie von unterschiedlichen...

„Dennis“ // from skin(head) to bone – von und mit Lukas David Schmidt, Bühne & Mali Dönmez, Sound Daan Elsing

Ballhaus Prinzenallee: Städte wie Narben

Staatsschauspiel Dresden: Deine Eltern haben dich nicht lieb

Dienstag, 26. Mai 2026

Den verschwundenen Zirkusgebäuden auf der Spur 

Schauspielhaus Zürich: Die Leerstelle im Monster

Zeitgenössisch für wen? Über Gatekeeping und Zugang im Zirkus  

Bringt euch in Gefahr!

Empathie aus dem 3-D-Drucker

Freitag, 08. Mai 2026

„Angst ist in unserer Zeit allgegenwärtig“

Im wunderschönen Saal des Theaters im Delphi, dem ehemaligen Kino in Berlin Weißensee, ist dort, wo früher eine Leinwand war, nun wieder eine gespannt. Auf dieser sind bunte Lichtgebilde zu sehen. Es sieht zunächst so aus, als liefe dort ein Bildschirmschoner. Auf dem Boden davor steht eine mit Plastikfolie ausgekleidete Holzkonstruktion, in deren Mitte ebenfalls bunte Lichter funkeln. Darum stehen und liegen diverse Instrumente aus Blech, Holz oder Plastik. Mit „YOU/ME/ALIEN“ experimentiert das Opera Lap Berlin mit den Mitteln des Musiktheaters im Weltraum. In der Space-Opera geht es um ein unbekanntes Phänomen und den Versuch einer Raumfahrtbesatzung, mit dieser physikalischen Anomalie Kontakt aufzunehmen – mithilfe von Musik. Dann tritt die Crew auf: Die Astro-Musiker:innen, wie sie sich selbst nennen, stellen sich und ihre Mission vor. Sie wurden geschickt, um folgende Frage zu beantworten: Welche Musik bildet eine Verbindung mit dem Phänomen? Sie beginnen nacheinander, ihre Instrumente anzuspielen, aber das Phänomen, hinter der Holzkonstruktion gefangen, zeigt keine erkennbare Reaktion. Die Crew berät über die weiteren Vorgehensweisen. Sie sitzen an einem großen Konferenztisch. Was jetzt folgt, ist eine Mischung aus Bürokratie, Arbeitszeiterfassung und wissenschaftlicher Dokumentationspflicht. Es wird besprochen: Wer hat heute etwas probiert und mit welchem Ausgang? Wie sind die weiteren Verfahrensweisen?...

„YOU\ME/ALIEN“ eine Space Opera von Opera Lab Berlin (UA) – Regie Opera Lab Berlin, Musik Evan Gardner & Opera Lab Berlin, Musikalische Leitung Francesca Verga, Text Susan Stryker & Peach Kander, Video Samuel Chalela Puccini, Choreographie Sadie Shea

Theater im Delphi: Houston, we have an Opera

Dienstag, 19. Mai 2026

21. April 2026. Der Hörsaal im Institut für Theaterwissenschaft in Berlin-Steglitz ist bis auf den letzten Platz besetzt. Draußen weht ein angenehm warmer Wind, drinnen ist es stickig. Prof. Dr. Jan Lazardig ernennt gerade Lüftungsbeauftragte und verweist darauf, dass, sollte es zu heiß werden, der kommende Vortrag auch in zwei Seminarräume live übertragen werden wird. Lazardig gehörte der Jury an, die die Dramatikerin Sivan Ben Yishai als erste Gastprofessorin der neu eingerichteten René Pollesch-Gastprofessur an der Freien Universität Berlin ausgewählt hat. Ebenfalls daran beteiligt waren die Dramaturgin Anna Heesen, die Theaterwissenschaftlerin und Kuratorin Joy Kristin Kalu, der Wissenschaftshistoriker Hans-Jörg Rheinberger sowie die Theaterkritikerin und Chefredakteurin von nachtkritik.de Esther Slevogt. Die Jury beschrieb Sivan Ben Yishai als Künstlerin, „deren Schreiben die Gegenwart auf ähnlich kompromisslose Weise wie René Pollesch befragt“. Finanziert wird die Professur von der Willms Neuhaus Stiftung – Zufall und Gestaltung und –wie Gründerin Agnes-Neuhaus-Theil gerade in ihrer Vorrede erzählt – kam von Slevogt, die 2024 den Band „Theater und Zufall“ für die Stiftung, u.a. über Zufall im Theater von Pollesch geschrieben hat, die Initiative, das Werk des im Februar 2024 überraschend verstorbenen Dramatikers und Regisseurs zu würdigen. Vom akademischen Zeremoniell der Vorreden ist nur noch die Erleichterung in...

Sivan Ben Yishai hält die Antrittsvorlesung „Write in the Wrong“  der René Pollesch-Gastprofessur an der Freien Universität Berlin

 Everything that we already know

Tschechische Bilderlust beim Festival One Flew over the Puppetee´ s Nest

Wenn man zu lange in den Abgrund blickt …

Dienstag, 05. Mai 2026

Der einsame Krieger

Mit Tanz und Schattenspiel für Freiräume im Freiheitsentzug

Zwei Veranstaltungen während der 36. Jüdischen Kulturtage Berlin waren Lesungen. Sie fanden in einem Zelt statt, unter dessen Dach sich die spätsommerliche Hitze sammelte und ein Begegnungsort entstand. Es wurde diskutiert, musiziert, erzählt und: aus Büchern gelesen. Bücher jüdischer Autor:innen, Bücher vielfältiger jüdischer Positionen. Unter dem Motto „Kaleidoskop – Das Schöne sehen“ wollte das Festival eine vielgestaltige und lebendige Kultur zeigen. Das ist gelungen. Jedes Buch, jeder Text ist ein Zeugnis davon und bleibt für immer am Leben, wird gelesen – neben der Staatsoper, auf dem Bebelplatz, dort, wo am 10. Mai 1933 die Nationalsozialisten Bücher von jüdischen, sozialdemokratischen und kommunistischen Autor:innen verbrannten. Kultur-Institution „Über jeden Verdacht erhaben“ ist ein Band, der Texte versammelt, die sich wissenschaftlich und künstlerisch mit dem nicht aufgearbeitetem Antisemitismus der deutschen Kulturinstitutionen auseinandersetzen. Text für Text wird das Bild der „rettenden Insel“ der Kultur weggeschwemmt. Zurück bleibt brauner Morast. Herausgegeben wird das Buch von der Kulturwissenschaftlerin Stella Leder, Mitbegründerin des Vereins Instituts für neue soziale Plastik e.V., aus dessen Arbeit zu kultureller Bildung zu Antisemitismus der Band entstand. Leder sitzt auf dem Sofa, das auf der Bühne aufgebaut ist. Sie wird (na klar) nach der Documenta gefragt. Sie sagt, dass die Anfragen an das Institut...

Die Lesungen der 36. Jüdischen Kulturtage in Berlin

Das Schöne sehen

Schauspiel Wuppertal: Erkundungen aus der Komfortzone

Freitag, 22. Mai 2026

Mittwoch, 15. April 2026

„Setzen wir uns auseinander, nicht zusammen“

Der Ball ist hart

Let’s burn down the patriarchy

Brecht und die Folgen

Montag, 04. Mai 2026

Bayerische Staatsoper München: Ein Opernthriller 

Mit Empathie und Sachlichkeit

Vorarlberger Landestheater Bregenz: Konzert globaler Vielstimmigkeit

Die Zwischenmomente erwischen

Freitag, 15. Mai 2026

Freitag, 17. April 2026

Eine Generation folgt auf die nächste, auf die nächste, auf die nächste. Das ist der Lauf der Dinge. Zeit vergeht unaufhörlich und so verändert sich die Welt. Den Blick auf diese hat eine neue Generation Dramatiker:innen gerichtet, deren Texte immer präsenter auf den Bühnen des deutschsprachigen Raumes werden. Ist sie also dabei, die Alten abzulösen? Kommen nun die Jungen? Oder sind es vielmehr einfach die neuen Stücke, die neue Sprachen, neue Themen und neue Akteur:innen auftreten lassen und so eine neue Realität abbilden, im besten Falle diese sogar selbst bilden? Das hätte dann weniger mit dem Alter der Körper zu tun, aus dem diese neuen Texte entstehen, als mit der Art, wie diese Autor:innen die Welt wahrnehmen, die immer eine andere sein wird als gerade gesehen, gerade beschrieben, immer schon geschehen. Es ist sicher lohnender, die Neuerungen der Formen zu betrachten, als Generationen zu formen. Dieses Abarbeiten an der vorherigen Generation ist 2023 allerspätestens aber schon länger out. Referenz, Verfremdung, Pop, Popliteratur, Diskurstheater, Postdramatik. Das ist irgendwie alles over and out und irgendwie halt auch nicht. Einen konservativen Backlash zur Dramatik gab es nicht, ebenso wenig wie das postdramatische Theater abgelöst wurde, hat das „Dagegen“ seine Ambition verloren. Das „Gegen“...

Neue Texte im Verhältnis zu einer neuen Realität

Neue Dramatik, alte Geschichten, neue Welten

Schreibweisen der zeitgenössischen Zirkuskritik

Staatsoper Hannover: Kapitalismus ohne Konflikt

Theater Magdeburg: Polyphonie des Schmerzes

An Anlässen, über das Werk Bertolt Brechts und dessen Wirkung nachzudenken, mangelt es nicht. Nun ist im Verbrecher Verlag ein Buch erschienen, das verschiedene Texte über Brecht versammelt, die sich lesen wie auf einer Premierenparty ausdauernd aufeinander antwortenden, leicht monologisierenden, zuweilen durchaus belehrenden Gesprächsbeiträgen zuzuhören und sich nicht losreißen zu können. Die Beiträge kommen von den Redner:innen der Brecht-Tage 2022, die im Literaturforum im Brecht-Haus stattfanden. Unter demselben Titel und Motto der Werkstattgespräche liegt nun mit „Brecht und Klasse und Traum. Stärkende Träume brauchen Bodenhaftung“ der von Falk Strehlow herausgegebene Band vor. Die Bandbreite der Zugänge der Texte ist groß, sie schauen genau hin, oft mit einem direkten Appell. Das fällt durchaus auf, aber hier geht es ja auch um etwas. Denn die thematische Trias Brecht–Klasse–Traum lässt Bezugspunkte zwischen den Beiträgen sowie deren Widersprüche erkennen, in denen Brecht bekanntlich „unsere Hoffnung“ sah. Die Hoffnung, mit der die Lektüre dieses Bandes seine Leser:innen hinterlässt, ist jenes Gefühl, welches das Lesen von Text zuweilen herstellt: etwas gelernt, etwas verlernt zu haben und etwas besser machen zu wollen. Gerüstet werden die Leser:innen zum Beispiel durch den Text von Tanja Abou, der die bürgerlich moralische Macht, die die Realität durch Aufstiegsmythen vernebele, zum Thema...

Der Band zu den Brecht-Tagen 2022 diskutiert die Klassenfrage neu

Solche Träume haben Folgen

Schlicht lebensverändernd

Zirkus

Thüringen

Essay

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

Corona

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Zukunft des Kinder- und Jugendtheaters

Bericht

double

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Musiktheater

Queeres Theater

Europa

Theater der Zeit

Politische Konfliktzonen

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Tanz

Performance

Thema

Kunstinsert

Debatte

Asien

Brandenburg

Neue Dramatik

Wissenschaft

Hessen

Berlin

Dramaturgie

Afrika

Ukraine

Open Access

Labor Kulturjournalismus

International

Praxiswissen

Digitales Theater

Kinder- & Jugendtheater

Recherchen

Akteur:innen

Dramatik

Baden-Württemberg

Auftritt

Puppen-, Figuren- & Objekttheater

Regie

Theaterkritiken

Schleswig-Holstein

Diskurs & Analyse

Festivals

Schweiz

Bertolt Brecht

Freie Szene

Sprechtheater

Kritiken

Stücke

Bühne & Film

Kostüm und Bühne

Musik im Schauspiel

Georgien

Horror, das Unheimliche auf der Bühne

Startseite

Magazin

Autor und Dramaturg, Berlin und Leipzig.

Wenn die Realität härter ist, als jede Fiktion: „Dennis“ // from skin(head) to bone von und mit Lukas David Schmidt am Ballhaus Prinzenallee.

Bertolt Brecht (1954)

„Pirsch“ von Ivana Sokola in der Regie von Christina Gegenbauer am Deutschen Theater Göttingen

Man kann nicht nicht kommunizieren im luftleeren Raum: „YOU\ME/ALIEN“ eine Space Opera von Opera Lab Berlin im Theater im Delphi Berlin.

Das Märzheft 2026 von „Theater der Zeit“ widmet sich dem Schwerpunkt „Bühnenmütter und Mütternarrative“ und fragt, wie sich künstlerische Arbeit und Fürsorge heute vereinbaren lassen. Interviews, Essays und Erfahrungsberichte – unter anderem von Jorinde Dröse, Carola von Seckendorff, Elisabeth Köstner und zu den Arbeiten und u. a. Pina Bergemann – beleuchten strukturelle Hürden, Initiativen wie den Verein Bühnenmütter e. V. und das Projekt Culture.Care sowie aktuelle Mutter-Stoffe auf deutschsprachigen Bühnen.
Der Stückabdruck diesmal: Noam Brusilovskys „Fake Jews“, uraufgeführt am Deutschen Theater Berlin.
Außerdem: Berichte zur neuen Intendanz am Schauspiel Leipzig, zum  Festival Premières am Le Maillon in Straßbourg, ein Inszenierungsbericht von der „Möwe“ gleich zweimal in Norddeutschland sowie, wie immer: das Kunstinsert (diesmal zu den Stadtraum-Pionier:innen Angie Hiesl/Roland Kaiser) Kolumnen und Buchrezensionen.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_03_2026_b_hnenm_tter_und_m_tter_f2daaaccc6d2d1&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Bühnenmütter und Mütternarrative

Einzigartige Primärquellen aus einem weitgehend undbekannten Kapitel der DDR-Ballettgeschichte
Erscheint zum 80. Jubiläum der Zeitschrift Theater der Zeit
 
DDR-Ballett, ostdeutsche Tanzgeschichte und selten aufgeführte Choreografien zwischen 1975 und der späten „Nachwendezeit“: Dieser Band versammelt erstmals wegweisende Rezensionen, Essays und Augenzeugenberichte aus dem Deutschen Tanzarchiv Köln, der seit 1946 bestehenden Zeitschrift Theater der Zeit und aus Tageszeitungen. Ein erfahrener Tanzredakteur, Dietmar Fritzsche, und sein damals junger, heute renommierter Autor, Volkmar Draeger, führen kenntnisreich durch vergessene Bühnenmomente – von Uraufführungen u. a. in Berlin, Dresden, Leipzig bis zu neu inszenierten Werken aus den, wie es offiziell hieß, „befreundeten sozialistischen Ländern“.
Kompakt, fundiert und spannend zeichnet das Buch die Entwicklung des DDR-Balletts nach, beleuchtet künstlerische Höhepunkte, politische Tendenzen, ästhetische Irrwege. Damit bildet das Buch ein unverzichtbares Nachschlagewerk für Tanzwissenschaft, Kulturgeschichte und alle, die ostdeutsche Bühne, Tanzkritik und Ballettgeschichte erkunden möchten.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank-Manuel Peter (Hg.): Die andere Seite. Tanz in der DDR von 1975 bis 1997" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank-manuel_peter_hg._die_andere_seite._tanz_i&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Tanz in der DDR von 1975 bis 1997

Die andere Seite

Humor auf der Bühne

Spielerische Übungen und künstlerische Experimente für Stimme und Sprechen
94 große Karten und Begleitheft
Ein Kartenset für alle, die Lust haben, gemeinsam die eigene Stimme zu erkunden. 94 Karten in fünf Bereichen laden zu einem spielerischen und vielfältigen Umgang mit Stimme im Theater ein. Übungen, Spiele, Experimente und Wissenskarten fördern künstlerisches Ausprobieren und bewusstes Wahrnehmen. Dafür kommen Perspektiven aus der Stimm- und Sprechbildung, der Theaterpädagogik sowie den Künsten zusammen. Für mutige Stimmen in Theater und Performance, in Bildung, Schule und im Alltag. 
38 Karten üben + wahrnehmen – geben Übungen zu allen Aspekten der Sprechstimme an die Hand – zusammen oder allein.
28 Karten spielen + experimentieren – sind von künstlerischen Beispielen inspiriert und laden ein, gemeinsam Theater und Performancekunst zu machen.
11 Karten Wissen – vermitteln Grundlagenwissen zur Stimme und räumen mit Missverständnissen auf.
6 Karten Material – stellen Gestaltungsmittel und nützliche Begriffe zur Verfügung.
3 Karten Formen – ergänzen eure künstlerischen Experimente.
8 Karten Miteinander – unterstützen eure Zusammenarbeit und regen zum Austausch an.
Konzipiert und geschrieben von Marit Fiedler, Caroline Intrup, Isabelle Zinsmaier, Matthias Dreyer.
Entstanden im Projekt „Fokus Stimme“, Studiengang Lehramt Theater, Hochschule für Musik und Theater Rostock mit freundlicher Unterstützung durch die Stiftung Innovation in der Hochschullehre.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=psst_mit_stimme_theater_machen&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>
 
<a href="../../api/files/4a2c9dd6-094e-4968-9919-3ce1f582de2a/psst-Begleitheft.pdf">Begleitheft herunterladen</a>

PSST! Mit Stimme Theater machen

Die Februar-Ausgabe von Theater der Zeit rückt das Theater in der Ukraine ins Zentrum – als Kunstform im Ausnahmezustand, die zugleich Verteidigung, Selbstbehauptung und Zukunftsentwurf einer von Krieg belagerten Gesellschaft ist. Das kulturelle Leben ist, eines der perversen Kriegsziele Russlands, nicht zum Erliegen gekommen, während der Krieg – zumindest seit der Totalinvasion – diesen Februar ins fünfte Jahr geht. Der Schwerpunkt des Heftes fragt, welche Rolle internationale Kooperation wirklich spielt – und wo sie bislang ausbleibt. Reportage, Essay und Gespräch zeichnen eine Landschaft, in der Luftalarm, Drohnen und Frontberichte den Alltag markieren, während Projekte wie das Ukrainomania-Vorhaben des Wiener Volkstheaters und des Nationaltheaters Maria Zankovetska in Lviv exemplarisch zeigen, wie gemeinsame künstlerische Arbeit neue Räume für Erinnerung und Solidarität eröffnet.​
Flankiert wird der Schwerpunkt von Beiträgen, die andere Bruchstellen der Gegenwart vermessen: ein Bericht über die „Rasenmäherpolitik“ in Baden-Württemberg analysiert, wie Kulturkürzungen ganze Szenen in Stuttgart und Karlsruhe strukturell gefährden, während ein Essay zu René Pollesch die Frage stellt, wie sich kollektive Unbehaustheit und Theaterästhetik nach seinem Tod weiterschreiben lassen.  Mit dem Fokus auf neue Schweizer Dramatik im Rahmen vom Abdruck der im Schweizer „Stück Labor 2024/25 entstandenen Stücke, öffnet die Ausgabe zugleich einen Laborraum für Texte, die Übergangsrituale, Jugendkulturen und postkoloniale Verwerfungen erkunden. Guido Lambrecht, der mit der Monumentalperformance von „Serotonin“​ am Hans Otto Theater Potsdam gerade zum Theatertreffen eingeladen wurde, beantwortet die Frage: „Was macht das Theater?“ Und wie immer: Kolumnen, Kritiken und das Kunstinsert, dieses Mal mit der neuen permanenten Lichtinstallation von James Turrel: „Beyond Horizons“, in Oelsnitz/Erzgebirge.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=theater_der_zeit_02_2026_theater_in_der_ukraine&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Theater in der Ukraine

Die Maiausgabe von „Theater der Zeit“ widmet sich im Schwerpunkt dem Thema Teamintendanzen und fragt, wie kollektive Leitungsmodelle Theaterarbeit, Machtverteilung und Verantwortung verändern. In Interviews und Porträts kommen u. a. Thomas Bockelmann, das Leitungsteam des Nationaltheaters Weimar sowie Inka Neubert und Pascal Wieandt vom Theaterhaus G7 Mannheim zu Wort – was sind die Vorteile einer Teamintendanz? Welche Konflikte gibt es? Ist eine geteilte Intendanz wirklich Machtverteilung oder schafft sie neue Abhängigkeiten? Ergänzt wird der Schwerpunkt durch ein Gespräch mit Schauspielerinnen des Theaters Magdeburg über Probenprozesse in der Teamintendanz, das einen konkreten Blick aus der Ensembleperspektive bietet.
Ergänzt durch Beiträge zu den großen Theaterfestivals im Sommer: die Mülheimer Theatertage, das Theatertreffen, das Schweizer Theatertrffen und: Florentina Holzinger über ihren Auftritt bei der Biennale in Venedig!
Drüber hinaus erinnert die Ausgabe an Peter Zadek und Konstanze Lauterbach und würdigt den verstorbenen Autor und Regisseur Alexander Kluge. Wie immer: Stückabdruck (diesmal Robert Seethalers „Vernissage“), eine Kolumne von Max Glauner und eine Buchkritik zur ersten Biografie von Judith Malina.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="TdZ_05/26_Florentina Holzinger in Venedig" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_05_26_florentina_holzinger_in_venedig&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Schwerpunkt Teamintendanzen

Florentina Holzinger in Venedig

Wie gewinnt ein Textvortrag, obwohl er aus wiederholbaren Zeichen besteht, Bühnenpräsenz? Was kann die heutige Sprechausbildung im Schauspielstudium leisten, um die Studierenden darin zu unterstützen?
Helmut Becker geht diesen zentralen Fragen in seiner Dissertation nach. Basierend auf aktuellen Leiblichkeitskonzepten und einem phänomenologisch orientierten Textbegriff analysiert Becker Möglichkeiten der Texterschließung und Textgestaltung an klassischen Werken von Euripides, Shakespeare, Schiller, Kleist, Kafka, Mann, Camus sowie zeitgenössischen Autoren wie Heißenbüttel, Brinkmann und Gernhardt.
Durch die gezielte Schulung von Atemqualitäten und deren Anwendung am Text entsteht ein neues, tiefgehendes Verständnis von Leiblichkeit. Das Buch zeigt, wie ein solches Leibbewusstsein die Lust am Text, an kraftvoller Bühnenpräsenz und authentischer Textperformanz nachhaltig fördert – und richtet sich an Schauspielstudierende, Bühnenprofis sowie alle, die sich für lebendige Textpräsentation, Stimmtraining und performative Literaturvermittlung begeistern.
Mit zahlreichen Hörbeispielen als Audiofiles begleitend zum Lesen.
<div style="position: relative; padding-top: max(60%,326px); height: 0; width: 100%;"><iframe style="position: absolute; border: none; width: 100%; height: 100%; left: 0; right: 0; top: 0; bottom: 0;" title="Helmut Becker: Die Leiblichkeit der Texte" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=helmut_becker_die_leiblichkeit_der_texte&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe></div>

Die Leiblichkeit der Texte

25 Bühnenbilder von Katrin Brack, entstanden zwischen 2010 und 2025, inklusive ihrer Rauminstallation anlässlich der Verleihung des Goldenen Löwen in Venedig 2017: Die Bildstrecke macht signifikante Gemeinsamkeiten wie auch Brüche und Entwicklungen in diesen 15 Jahren deutlich, die durch die Zusammenarbeit mit u. a. Dimiter Gotscheff, René Pollesch, Luk Perceval, Karin Henkel geprägt ist. Ergänzt wird dieser fotografische Schwerpunkt sowohl von unveröffentlichten Zeichnungen, die Einblicke in Konzeption, Entstehung und Realisation der einzelnen Bühnenarbeiten gewähren, wie von unterschiedlichen Textbeiträgen.Im Gespräch mit dem Herausgeber Frank M. Raddatz erläutert die Ausnahmebühnenbildnerin die Kunstprinzipien, von denen sie sich leiten lässt. Der Philosoph Robert Pfaller verortet ihre Arbeiten in der jüngeren Kunstgeschichte der Gegenwart, während Birgit Wiens die Spezifika dieser Räume aus theaterwissenschaftlicher Sicht untersucht. Josef Bairlein und Götz Leineweber geben Einblicke in Bracks Lehre an der Kunstakademie München und die kollektive Arbeitsweise ihrer Bühnenbildklasse. Statements von Birgit Minichmayr, Tabea Braun, Sybille Meier, Luk Perceval und Thomas Thieme werfen Licht auf diese lebendigen Bühnen.

Bühne / Stage Katrin Brack

Games, Übungen, Show- und Langformate sind in Form einer umfassenden Liste im vierten Band der Reihe Improvisationstheater enthalten. Darunter Games für jeden Zweck: Theater-Workshops, Shows und Gruppen-Warm-Ups. Sie sind nach ­ Kategorien ­ unterteilt: Körperliche, verbale, erzählerische, szenische Games. Außerdem enthalten sindzahlreiche musikalische Formate und anspruchsvolle Langformen sowie einige Klassiker als auch Inspirationen für Schauspieltrainings und Impro-Shows.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=improvisationstheater_bd._4_games_und_formate._ein&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Games und Formate. Ein Nachschlagewerk

Improvisationstheater (Bd. 4)

„Brecht gebrauchen, ohne ihn zu kritisieren, ist Verrat“, hat B. K. Tragelehns künstlerischer Weggefährte Heiner Müller konstatiert. Als letzter Meisterschüler Bertolt Brechts in den 1950er Jahren hat Tragelehn dessen Erbe nie zum Museumsgut erstarren lassen. Seine aufstörenden Inszenierungen, zeitweise gemeinsam mit Einar Schleef, haben in Ost und West Theatergeschichte geschrieben.Das Lesebuch „Roter Stern in den Wolken 3" erscheint anlässlich des 90. Geburtstags von B. K. Tragelehn und versammelt Gespräche, Gedichte und Aufsätze aus seinen letzten Schaffensjahren. Die Beiträge dokumentieren seine fortwährende Auseinandersetzung mit Brecht und Heiner Müller und zeigen Tragelehn als scharfsinnigen Analytiker des Gegenwartstheaters wie der Theatergeschichte. Sie reflektieren die Rolle der Darstellenden Kunst in ihren gesellschaftlichen Zusammenhängen – und machen diesen Band zu einem unverzichtbaren Dokument deutscher Theaterkultur.

Aufsätze, Reden, Gespräche, Gedichte. Ein Lesebuch

Roter Stern in den Wolken 3

Die sechste Ausgabe der VOICES wechselt die Blickrichtung: weg von der Bühne und hinein in den Publikumsraum. Sie schaut auf diejenigen, die Zeitgenössische Zirkusveranstaltungen besuchen und auf diejenigen, die sie nicht besuchen. Sie fragt nach Zugänglichkeit, Zirkustrends und dem Zirkuserlebnis Was passiert eigentlich zwischen Bühne und Publikumsraum? Wie erleben Zuschauer:innen eine Aufführung? Was verbirgt sich hinter der „Dramaturgie des Risikos“? Wo gibt es Feedbackschleifen und wann Gemeinschaftsgefühle? 
Das Magazin lädt dazu ein, genauer hinzuschauen – und sich selbst zu hinterfragen. Es bricht mit gängigen Zuschreibungen und eröffnet neue Denk- und Erfahrungsräume. Ganz im Sinne des Mottos „Come Closer“ vom Circus Dance Festival 2026 in Köln rücken partizipative Formate und aktuelle Trends der Zirkusproduktion ins Zentrum. VOICES VI betrachtet Möglichkeiten, Verantwortung, interaktive Strategien und Wünsche von Zirkusschaffenden, Programmverantwortlichen, Stadtplaner:innen – und natürlich vom Publikum selbst. Eine Einladung, näherzukommen.
23.05.26, 11 Uhr: Heft-Präsentation und Gespräch im Rahmen des Circus Dance Festivals 2026.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" title="CircusDanceFestival (Hg.): VOICES VI – reach out" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=circusdancefestival_hg._voices_vi_reach_out&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Zirkus und Publikum (VOICES VI)

reach out

Eine Dokumentation der Ära Holger Schultze am Theater und Orchster Heidelberg (2011–2026)
Opulent gestalteter Text-Bild-Band mit Illustrationen
Nach 15 Jahren als Intendant am Theater und Orchester Heidelberg verabschiedet sich Holger Schultze aus der Stadt und aus seiner Leitung.
Das Buch zeichnet den Weg seiner Intendanz nach: von den Anfängen über die umfassende Sanierung und den Wiederbezug des erweiterten Hauses bis zu den künstlerischen Entwicklungen in Musiktheater, Schauspiel, Konzert, Jungem Theater und Tanz.
Im Mittelpunkt steht die internationale Ausrichtung des Hauses, die mit dem Heidelberger Stückemarkt, dem iberoamerikanischen Festival ¡Adelante! und der Tanzbiennale Heidelberg das Profil des Theaters weit über die Region hinaus geschärft hat. Zugleich blieb das Haus unter Schultzes Leitung tief in der Stadtgesellschaft verwurzelt – mit zahlreichen Spielstätten, Festivals und einem engen Dialog mit den Menschen vor Ort.
Holger Schultzes Theaterverständnis als Regisseur und Intendant wird in Beiträgen prägender Wegbegleiterinnen und Wegbegleiter sichtbar. Zahlreiche Inszenierungsfotos und Illustrationen ergänzen diese Bilanz einer lebendigen Theaterära.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" title="Live und in HD. Intendanz Holger Schultze 2011–2026" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=live_und_in_hd._intendanz_holger_schultze_2011_202&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Intendanz Holger Schultze 2011–2026

Live und in HD

Occasions – Ereignisse im Raum

Der Leitgedanke eines „Theaters für die Stadtgesellschaft“, das als Ort des Nachdenkens und lebendigen Diskurses allen Bewohner:innen Düsseldorfs offensteht, prägte seit 2016 Wilfried Schulz’ Intendanz am Düsseldorfer Schauspielhaus. Unter seiner Leitung wurde das D’haus zu einem lebendigen Ort der Begegnung, an dem großes Sprechtheater, zeitgenössische Dramatik, Klassikerinszenierungen und spartenübergreifende Projekte ihren Platz fanden. Mit der Wiedereröffnung des Schauspielhauses am Gustaf-Gründgens-Platz erstrahlte 2019 ein Düsseldorfer Wahrzeichen neu und war fortan wieder zentral im Stadtleben verankert. Das Schauspielhaus wurde zu einer relevanten Stimme in gesellschaftlichen Debatten, während zugleich große Herausforderungen gemeistert wurden – von Renovierung und Umbau bis hin zu den Einschränkungen der Pandemie.
Der vorliegende Band bebildert umfassend die programmatische Vielfalt der vergangenen zehn Jahre, die Arbeit des herausragenden Ensembles mit renommierten Regisseur:innen sowie der Sparten Junges Schauspiel und des Stadt:Kollektiv mit seinen vielfältigen partizipativen Projekten. Erinnerungen und Beiträge von Persönlichkeiten, die mit dem D’haus verbunden sind, zeichnen das Bild einer Intendanz, die Kunst, Haltung und Öffentlichkeit einer Stadt nachhaltig geprägt hat.
<iframe style="border:none;width:500px;height:326px" title="D’haus. Düsseldorfer Schauspielhaus 2016–2026" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=d_haus._d_sseldorfer_schauspielhaus_2016_2026&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Schauspiel – Junges Schauspiel – Stadt:Kollektiv

D’haus. Düsseldorfer Schauspielhaus 2016–2026

Kinder ins Spiel bringen – double 53 widmet sich dem Puppen-, Figuren- und Objekttheater für junges Publikum. Der genauere Blick zeigt: In einer offensiven Neuentdeckung des kindlichen Publikums und einem klaren Bekenntnis zu Kindern als kompetenten Zuschauer:innen liegt künstlerisches Entwicklungspotenzial für das Puppen- und Figurentheater.
Gerd Taube eröffnet den Thementeil mit einer kritischen Bestandsaufnahme des historischen Erbes und des heutigen Selbstverständnisses des Puppentheaters zwischen Kindertheater und zeitgenössischer Kunstform. Dramaturg:innen aus Chemnitz, Dresden, Bautzen und Gelsenkirchen berichten über Produktionsbedingungen in der kleinsten Sparte des Stadttheaterbetriebs. Sibylle Peters, Ellinor Lidén und weitere Autor:innen beleuchten Forschungstheater, Publikumsforschung und Figurentheaterpädagogik.​
Dazu: Festivalberichte aus Polen, Prag und Braunschweig, ein Essay zur William-Kentridge-Ausstellung in der Dresdner Puppentheatersammlung sowie ein Rückblick auf zwei Jahre Vernetzungsarbeit im Bündnis KompleXX Figurentheater. Im Schweizer Fenster: Porträt der scheidenden Leiterin des Figurentheaters Winterthur und ein Gespräch über Inklusion am Theater Stadelhofen
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="double 53: Kinder ins Spiel bringen" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=double_53_kinder_ins_spiel_bringen&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Puppentheater für junges Publikum

Kinder ins Spiel bringen 

Die Aprilausgabe widmet ihren Schwerpunkt dem Gefängnistheater — einer Theaterform, die weit über Resozialisierungsmaßnahmen hinausgeht. Im Mittelpunkt steht das Berliner Projekt aufBruch, das seit 1997 in Haftanstalten öffentlich zugängliches Theater produziert, zuletzt Becketts „Warten auf Godot“ in der JVA Plötzensee. Weitere Beiträge beleuchten Gefängnistheater in Baden-Württemberg, Frankreich sowie im Film.
Zum 90. Geburtstag des Regisseurs und Dichters B. K. Tragelehn erscheinen zwei Porträts — über sein Lebenswerk zwischen Brecht und Heiner Müller sowie sein umfangreiches Shakespeare-Übersetzungswerk. Außerdem: Eva Mattes kommt mit ihrer dritten Zusammenarbeit mit Roberto Ciulli am Theater an der Ruhr ans Theater zurück. Die Fotografin Luna Zscharnt stellt in einem Kunstinsert ihre Bühnenfotografie vor.
Im Magazinteil analysiert Michael Helbing die Theaterpolitik der AfD Sachsen-Anhalt, Lina Wölfel kommentiert das Klassiker-Mashup-Poptheater in ihrer Kolumne. Außerdem: Fabienne Dürs neues Stück „Geisterstück“, ein Bericht über Dokumentartheater am Schauspiel Köln sowie ein Film-Essay über Einar Schleef.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="TdZ 04/26_Gefängnistheater" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=tdz_04_26_gef_ngnistheater&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Gefängnistheater

Iven Yorick Fenker