Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

Die Zukunft jetzt gestalten!*

„Das lernen wir hieraus, daß handeln … die Seele der Welt sei … daß ohne denselben all unser Genuß all unsere Empfindungen, all unser Wissen doch nur ein Leiden, doch nur ein aufgeschobener Tod sind. Das lernen wir daraus, daß diese unsre handelnde Kraft nicht eher ruhe, nicht eher ablasse zu wirken, zu regen, zu toben, als bis sie uns Freiheit um uns her verschafft, Platz zu handeln“, schrieb Jakob M. R. Lenz um 1774. Die Umnachtung zwang ihn in einer Moskauer Seitenstraße nieder, als in Frankreich das Septembermassaker unter Justizminister Georges Danton der Revolution ihren gewaltigen Höhepunkt gab. Diese historischen Momente der Verzweiflung, das Ringen um Befreiung, das Scheitern, sind in dem Werk des jungen Dichters Georg Büchner in Beziehung gesetzt. Das Fragment-Festival Büchner in Leipzig widmete sich einer Gesamtschau seiner Werke unter der Leitung der Schaubühne Lindenfels in Kooperation mit dem Institut für Theaterwissenschaft der hiesigen Universität. Zu sehen waren unter anderem die Aufführungen „Lenz“, „Purge“ und „Georg Büchner Fragmentstück“. Mit „Purge“ – Französisch für „Säuberung“ – ist die Bearbeitung von „Dantons Tod“ der Straßburger Theatergruppe Dinoponera / Howl Factory übertitelt. Als Teil der „Trilogie des Ausnahmezustands“ hat sie es sich zur Aufgabe gemacht, mittels Büchners Stück eine...

Das Fragment-Festival Büchner an der Schaubühne Lindenfels Leipzig widmet sich einer Gesamtschau von Georg Büchner

Handeln zur Freiheit

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Fotorealistische Gemälde zeigen Dienstleister, die in den steril grauen Bühnenraum lächeln. Auf dem Boden tummeln sich frohsinnige Figuren: Wir sind in „Rundum Glücklich“, wo arbeitsame Menschen die perfekte Ordnung der neuen Gesellschaft erhalten. Von der Decke beugt sich in einer Videoprojektion der riesige Kopf des Gründers dieser Gesellschaft über seine „Untergeordneten“ und hält eine Motivationsrede zu einem luftig leichten Werbesong. Er propagiert, wie perfekt schon alles ist und dass es noch perfekter werden kann. Mit „Wird schon werden“ von Dmitrij Gawrisch in der Inszenierung von Moritz Schönecker am Theaterhaus Jena wird ein Drama auf die Bühne gebracht, das ohne Konflikte auskommen möchte, um höchst absichtsvoll daran zu scheitern. Im Mittelpunkt der Geschichte steht eine der sogenannten Unterordnungen, in denen die Menschen der neuen Gesellschaft anstelle von Familien zusammenleben. Ihre Namen sind durch die Bezeichnungen ihrer funktionalen Positionen ersetzt: Die drei „Erzogenen“ bekommen von dem „Erfinder“ und der „Erzählerin“ das Hauptprinzip ihres besseren Lebens, die effiziente Arbeit, sowie in Lehrsätzen den Gründungsmythos der Gesellschaft vom Urknall bis zur Erlösung durch den messianischen Gründer eingetrichtert. Garantiert werden die reibungslosen Arbeitsabläufe, um die sich das bessere Leben dreht, durch die Negierung von Konflikten vermittels der Sprache, die nur noch den positiven Ausdruck kennt...

Theaterhaus Jena: „Wird schon werden“ (UA) von Dmitrij Gawrisch. Regie Moritz Schönecker, Ausstattung Veronika Bleffert und Benjamin Schönecker

Jena: Totale Harmonie

In den Durchgängen und Zwischenräumen hausen die Ungeheuer. „Die Arbeit über die Passagen setzt ein immer rätselhafteres, eindringlicheres Gesicht auf und heult nach Art einer kleinen Bestie in meine Nächte, wenn ich sie tagsüber nicht an den entlegensten Quellen getränkt habe“, notierte Walter Benjamin 1928, über seinem „Passagen-Werk“ brütend. „Weiß Gott, was sie anrichtet, wenn ich sie eines Tages frei lasse.“ Benjamin und Dostojewski teilen die Vermutung, dass in den Passagen als Hort der kapitalistischen Blüte des 19. Jahrhunderts ein Ungetüm lauert, dem es auf die Spur zu kommen gilt. Der Regisseur Christian Franke versucht sich in seiner zweiten Inszenierung am Theaterhaus Jena an einer Aktualisierung von Dostojewskis Text über die Abgründe des Fortschritts. Die wenig bekannte und unvollendet gebliebene satirische Erzählung „Das Krokodil“ kann als Kritik der Modernisierungsmaßnahmen der frühen 1860er Jahre unter Zar Alexander II. gelesen werden, die dem Zarenreich die goldenen Früchte der westlichen Industrialisierung bescheren sollten. Der Mittelpunkt der Handlung ist der Beamte Iwan, welcher kurz vor einer Erkundungsreise nach Europa steht. Mit seiner Frau Jelena und dem gemeinsamen Freund Semjon Semjonowitsch steht zuvor noch ein Besuch bei einer Tierschau in der Passage am Newski-Prospekt an, um ein Krokodil zu bestaunen. Kurzerhand wird Iwan vom Ungetüm...

Theaterhaus Jena: „Dostojewskis Krokodil“ nach der Erzählung von Fjodor M. Dostojewski. Regie Christian Franke, Bühne Sabine Mäder, Kostüme Rahwa Oreyon

Jena: Verschlungen vom Krokokapitalismus

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Wie viele der Publikationen des Soziologen Heinz Bude handelt auch seine neueste – „Adorno für Ruinenkinder. Eine Geschichte von 1968“ – davon, wie verschiedene Generationen an einem historischen Punkt zusammenkommen. Da sind die fünf interviewten Akteure von ’68, geboren zwischen 1938 und 1940, die ihre Kindheit in Kriegsruinen verbrachten. Und dann gibt es den Autor selbst, Jahrgang 1954, der schon in den Achtzigern aus einer eher distanzierten Haltung das Gespräch mit den Altaktivisten für sein 1995 veröffentlichtes Buch „Das Altern einer Generation. Die Jahrgänge 1938–1948“ suchte. Ein Tableau, das Bude nun 2018 zum Jubiläum von ’68 reinszeniert, darum kreisend, welche „Erlebnisschichtung von einer Kindheit im und kurz nach dem Krieg“ zur „Rebellion gegen das Ganze“ und letztlich zur „Adaption ans Unveränderbare“ führten. Es stellt sich also auch die Frage danach, was von der großen Revolte heute geblieben ist. Unter den Interviewten befinden sich bekannte Namen wie der Drehbuchautor Peter Märthesheimer, der mit Rainer Werner Fassbinder arbeitete, und der Gründer des Merve Verlags, Peter Gente. Andere lässt Bude unter Pseudonym sprechen, so eine Adelheid Guttmann und einen Klaus Bregenz, bei denen es sich vermutlich um die feministische Radioikone Gesine Strempel und den marxistischen Ökonomen Helmut Reichelt handelt. Alle teilen sie eine...

Heinz Bude: Adorno für Ruinenkinder. Eine Geschichte von 1968. Carl Hanser Verlag, München 2018, 128 S., 17,00 EUR.

Heiße Revolution, coole Revolte

Allianzen bilden

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Jetzt ist alles politisch

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

„Ich soll mich finden, sagt mir das Gestirn. Mich finden? Müsst’ ich da mich nicht vorher verlieren?“, spricht die sanfte Stimme des namenlosen Protagonisten aus den „Kleinen Dichtungen“ des Schweizer Schriftstellers Robert Walsers gleich zu Beginn des Stückes. Eine Hand schiebt sich durch den braunen Anzug in den Kopf der Puppe, bringt sie zum Sprechen. Und daneben steht Nikolaus Habjan – die Quelle der Sprache, Mimik und Gestik der menschengroßen Klappmaulpuppe. Der zweifache Nestroy-Preisträger (2012 Beste Off-Produktion, 2016 Publikumspreis) gibt bei dem Euro-Scene Leipzig – Festival zeitgenössischen europäischen Theaters und Tanzes mit vier Stücken einen Einblick in sein umfangreiches Œuvre als Puppenspieler, Regisseur und Kunstpfeifer. Sein Stück „Doch bin ich nirgend, ach! zu Haus“ ist titelund themengebend für das ganze Festival, welches mit 13 Gastspielen aus zehn Ländern vom 8. bis zum 13. November vergangenen Jahres an verschiedenen Leipziger Spielstätten stattfand. Ob sich Habjans Stücke unter dem schlichten Motto „Heimat“ fassen lassen, ist fragwürdig, verdeutlichte seine Werkschau doch eine komplexe Be- und Verarbeitung diverser historischer Stoffe und Variationen des Figuren- und Puppentheaters. Was ihnen gemein ist, sind die Formen der Verfremdung, welche Struktur der Stücke und Charakter der Puppenfiguren prägen. Den Auftakt des Festivals bildete die Aufführung von „F. Zawrel...

Den Höhepunkt des Leipziger Festivals Euro-Scene bildet die Werkschau des Puppenspielers Nikolaus Habjan

Episches Figurentheater

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Was folgt

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Theaterhaus Jena: „Die Stiere“ (UA) von Marcos Díaz und Rogelio Orizondo. Regie Moritz Schönecker, Ausstattung Benjamin Schönecker und Veronika Bleffert

Jena: Castros Enkel

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Der Keil ist größenwahnsinnig, aus einer unterlegenen Position heraus. Der Keil lehnt sich gern aus dem Fenster, denn das ist nicht schlimm: Er wohnt im Keller. Der Keil ist eigenwillig, abgehalftert und selbstverliebt. Er opfert alles einem Witz, ob gut oder schlecht, und probt viel mehr, als man es ihm ansieht. Das Wichtigste: Im Gegensatz zur Theaterszene weiß Der Keil, dass er ein Clown ist. Ist Der Keil eine Person? Eigentlich nicht, doch beim Keil verschwimmen gern die Grenzen zwischen Fakt und Fiktion – ein Umstand, den man einem Theaterkollektiv auch nicht verübeln muss. Erst jüngst manövrierte es sich in einen Eklat um den Leonhard-Frank-Preis; einer der vielen Preise, die sich Der Keil selbst verliehen hat. Hinter dem Keil verbirgt sich ein unabhängiges Theaterkollektiv, das 2003 in Prag gegründet wurde und über Würzburg vor einigen Jahren nach Leipzig zog. Seither ergänzt sich das Ensemble um den harten Kern von zehn Personen je nach Bedarf der Stücke und Andrang interessierter Spieler. Im Vordergrund steht dabei weniger die technische Expertise als vielmehr die Lust am Theatermachen. Daraus ergibt sich eine besondere Art des Spielens, die präzise ist, zuweilen in der feinen Mimik clownesk wird und komische Pausen wie die übertriebene Geste in...

Das Theaterkollektiv Der Keil – Zirkus der 7 Sensationen lernt das Fliegen in der Leipziger Theaterlandschaft

Ein Gespenst geht um in Leipzig

Derman sendedir

Die Stress-Knoten auflösen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Der Verrofonspieler Philipp Marguerre schreitet über die Bühne zu einem Kleiderkoffer, aus dem er einzelne Kostüme hinter den Vorhang reicht. Zurück an seinem Instrument, bringt er vorsichtig Glas und Wasser zum Klingen. Der Vorhang hebt sich, und ein versprengter Chor kommt zum Vorschein. Das Bühnenbild gleicht der grüngrauen Tristesse einsamer Bahnhöfe. So beginnt die Inszenierung von Ödön von Horváths „Kasimir und Karoline“ in der Regie von Enrico Lübbe am Schauspiel Leipzig zum 85. Jubiläum der Uraufführung, die ebenfalls in Leipzig stattfand. Bei Horváth spielt sich das dramatische Volksstück zwischen Kasimir und Karoline noch auf dem Oktoberfest ab, welches als Spektakel mittelständischer Vergnügung die Protagonisten auseinanderzerrt. In fragmentierten Begegnungen durchleben die beiden ihre Trennung, ihre Entzweiung spiegelt sich auch in den Handlungssträngen: Kasimir stellt Karoline noch eine Weile eifersüchtig nach, bis er von dem halbkriminellen Paar Merkl Franz und Erna in illegale Umtriebe gelockt wird. Karoline wiederum lässt sich vom zwielichtigen Zuschneider Schürzinger bezirzen, bändelt in Hoffnung auf eine bessere Stellung mit den Altherren Speer und Rauch an, durchwandert Abnormitätenschau und Hippodrom samt Pferderitt. Am Ende finden sich die Figuren in einer neuen Ordnung wieder: Kasimir geht mit Erna, Karoline mit Schürzinger. Dabei kommt es nicht zum Happy End, lediglich zu...

Schauspiel Leipzig: „Kasimir und Karoline“ von Ödön von Horváth. Regie Enrico Lübbe, Bühne Hugo Gretler, Kostüme Bianca Deigner

Leipzig: Vorhölle Bahnhofshalle

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

„Is my future all in the past“

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Was wäre, würde der Chor sich auf der Bühne versammeln und nichts tun? Er würde wohl sich selbst zum Symbol werden, das heißt in sich selbst als Bedeutung verharren. So ließe sich Judith Butlers neueste Publikation „Anmerkungen zu einer performativen Theorie der Versammlung“ zusammenfassen. Den Ausgangspunkt bildet die Feststellung, dass eine Versammlung zuerst eine Ansammlung von Körpern ist. Das allein ist schon ein politischer Akt, noch vor den unterschiedlichen Forderungen der von Butler exemplarisch untersuchten Demonstrationen von Black Lives Matter, Pegida oder Occupy. Körper werden von Butler als aufeinander bezogen, relational, und verwundbar, vulnerabel, definiert: Sie können aufgrund ihrer Verwundbarkeit nur innerhalb des ökonomischen, infrastrukturellen und sozialen Beziehungsgeflechts existieren. Daraus lässt sich der Schluss ziehen, dass Körper als Konglomerat von Diskursen begriffen werden müssen. Für die Versammlung als verkörperte Inszenierung ergeben sich nach Butler notwendig politische Forderungen nach Freiheit, Gleichheit und für ein lebbares, nicht prekäres Leben: In der körperlichen Ansammlung wird die Gleichheit der Körper vorausgesetzt und politisch gelebt. Freiheit entsteht mit der Freiheit, in Erscheinung zu treten. Das ist im Kampf um die Öffentlichkeit als Platz politischen Handelns zwar um-, im Moment der Versammlung aber schon erstritten. Der Protest gegen Prekarität äußert sich gleichermaßen darin, dass die versammelten...

Judith Butler: Anmerkungen zu einer performativen Theorie der Versammlung. Suhrkamp Verlag, Berlin 2016, 312 S., 28,00 EUR.

Ich – Du – Wir – Sie

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Unter Beobachtung

Frankfurt/Main: Stadtparlament beschließt Deutschlands größten Kulturneubau

Warum wir das Theater brauchen

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Magazin

Theaterregisseur Yair Shermann

Das Ding mit dem Körper. Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

Theater und Migration

Der Knick im Kopf

Lukas Bärfuss

Freude verdoppelt sich, wenn man sie teilt – Geld nicht.

Die Folgen des Klimawandels, das Fortschreiten antidemokratischer Tendenzen, die Corona-Pandemie aber auch tiefgreifende technologische Entwicklungen lassen die gesellschaftliche Gegenwart als multiple Krise erscheinen. Wie bearbeiten Theater diese Herausforderungen? Welche Fähigkeiten entwickeln Theaterschaffende dabei? Vom 15. bis zum 17. Juni 2022 trafen sich Praktiker:innen und Forschende mit internationalen Studierenden an der Theaterakademie August Everding, um verschiedene Visionen für die Kunst, ihre Institutionen und die Ausbildung zu diskutieren. Die Publikation dokumentiert ihre differenzierten Analysen und originellen Zukunftsideen mit dem Ziel, daraus für die Gegenwart zu lernen.
Mit Beiträgen u.a. von Sivan Ben Yishai, Amelie Deuflhard, Jennifer Gunkel, Adrienne Goehler, Pınar Karabulut, Friedrich Kirschner, Tine Milz, Jasmin Maghames, Manolis Tsipos, Yener Bayramoğlu, Lisa Jopt und Barbara Gronau.
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Zukunftskonferenz für die Darstellenden Künste

Learning for the Future

Martin Linzer Theaterpreis 2017

Schauspiel Leipzig

Der Schwerpunkt „Millennials im Theater“ geht auf ein schon viel diskutiertes Generationsphänomen zurück. Die Soziologie versucht, mit immer ausgefeilteren Methoden, Generationen nach gemeinsamen Erfahrungen, Wertvorstellungen, Biografien und – das ist der springende Punkt der letzten Jahrzehnte – im Konsumverhalten zu konstruieren. Gleichzeitig entwerfen Medien, darin zum Teil nur auf die Soziologie zurückgreifend, Generationsbilder, die oft mit kulturellen Akteuren sichtbar werden. Genau an dieser Stelle – oder Schwelle – wollten wir ins Theater blicken: mit den Porträts der Schauspieler:innen Miriam Haltmeier, Jonas Dumke, Dominik Dos-Reis und dem Gespräch mit dem Regisseur Wilke Weermann, zusammen mit den beiden übergreifend betrachtenden Artikeln von Leander F. Badura und Martín Valdés-Stauber. (S. 12­–15) Anna Bertram porträtiert außerdem das Leitungstrio am Theater Neumarkt in Zürich.
 
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Eine Generation auf der Suche

Millennials im Theater

Theater Thikwa Berlin: Ungezähmtes Spiel

Was für eine Art von Theater es nach dem Krieg in Israel geben könnte, haben wir den Regisseur Yair Sherman (auf dem Titel) am Ende eines längeren Videogesprächs gefragt. Eskapistische Komödien, Stücke für Trost und Trauer oder Patriotisches und Politisches? Man müsse erstmal herausfinden, was genau die Menschen fühlen und wie das zu verarbeiten ist, so Sherman in seiner Wohnung in Tel Aviv. Noch Wochen nach dem Angriff vom 7. Oktober stehen alle unter Schock. Sherman war gleich nach der Premiere seiner Inszenierung von Shakespeares „Wintermärchen“ am Theater Freiburg nach Israel zurückgekehrt.
Themen-Schwerpunkt dieser Ausgabe ist das Theater für junges Publikum, welches sich zur Zeit verändert. Die Kinder- und Jugendtheater werden offener, machen mehrsprachige Angebote und führen schon die Jüngsten in Projekte ein.
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Yair Sherman: Theater und Israel

Kinder- und Jugendtheater

Die Bayerische Theaterakademie August Everding ist eine der herausragenden Ausbildungsstätten für Bühnenberufe, in der sich Theorie und Praxis auf einzigartige Weise durchdringen. Im Herbst 2023 wird sie dreißig Jahre alt. „DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN“ dokumentiert die wechselvolle Geschichte der Institution in der Vielfalt und Heterogenität ihrer Studiengänge im Spiegel der jüngeren Theatergeschichte. Der Band stellt außerdem Fragen nach einer zeitgenössischen Theaterausbildung und reflektiert das Theater als Kollektiv mit seinen unzähligen Allianzen, Kooperationen und ineinander verwobenen Arbeitsprozessen.
Neben Aufsätzen der Lehrenden enthält das Buch zahlreiche Interviews mit und Statements von Wegbegleiterinnen und -begleitern sowie umfangreiches, bisher unveröffentlichtes Bildmaterial.
Edition Bayerische Theaterakademie August Everding
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30 Jahre Bayerische Theaterakademie August Everding

DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN

In seiner Besprechung von Ramon Gómez de la Sernas Buch „Der Zirkus“ von 1927 stellt Walter Benjamin die These auf, dass „im Zirkus der Mensch ein Gast des Tierreichs“ sei. „Die Tiere stehen doch nur scheinbar unter der Botmäßigkeit des Dompteurs, die Kunststücke, die sie machen, sind ihre Art den jüngeren Bruder zu unterhalten und zu zerstreuen, da sie ja Besseres mit ihm nicht anfangen können. Die Zirkusleute haben von ihnen gelernt.“
An Benjamin anschließend, könnte man behaupten, der zeitgenössische Zirkus sei im Reich der Dinge zu Gast und die Artist*innen hätten von ihnen gelernt. Denn wie im „Theater der Dinge“ werden hier Dinge und Materialien zu echten Gegenspielern, Materialien erforscht, die Hierarchie zwischen Objekt und Subjekt wird in Frage gestellt.
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Zeitgenössischer Zirkus und Figurentheater

Das Ding mit dem Körper

Als wir den Schwerpunkt für dieses Heft ankündigten, meinte ein in einem anderen Bereich tätiger Medienkollege: „Schönheit im Theater? Die Schauspieler und Schauspielerinnen? Ist ja hochinteressant, aber wohl auch äußerst riskant.“ Nein, um Beauty-Wertungen geht es nicht. Theater besteht ja aus vielem, das schön sein kann oder als solches empfunden wird. Aber angesprochen, ob von der professionellen Kritik oder den Theaterkünstler:innen selbst, wird das eher selten.
Die Frage war also, wie man den Begriff für das heutige Theater diskutieren kann, ohne gleich mit Hegels 1400 Seiten umfassenden Vorlesungen zur Ästhetik in „das weite Reich des Schönen“ zurückzugehen. Der Düsseldorfer Intendant Wilfried Schulz schaute für die Vorbereitung des Gesprächs zum Thema, wie er schmunzelnd mitteilte, doch noch einmal in seine alten Aufzeichnungen aus den Hegel-Seminaren der Universitätsjahre hinein.
Die Kostümbildnerin Vanessa Rust indes kommt ursprünglich aus der Modeindustrie, wo der Begriff der Schönheit als ganz unverdächtig unverbraucht gelten darf – und muss. Florentina Holzingers Arbeiten gehören heute, so wie sie die Theaterwissenschaftlerin Hannah Schünemann als wichtiges Beispiel aufgreift, unbedingt ins weite Reich des ­Schönen im Theater. Also mit diesem Schwerpunkt hinein in die Diskussion von Begriff und Phänomen!
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Eine unterschätzte Kategorie

Im vorliegenden Band wird untersucht, wie in den siebziger Jahren in Ost-Berlin das festgefügte und außengelenkte System „DDR-Theater“ von innen heraus, durch die Arbeit Heiner Müllers und einer kleinen Gruppe von Schauspieler:innen, Regisseuren und Bühnenbildnern in seinen ideologischen und ästhetischen Grundfesten erschüttert wurde. Thomas Wieck und Renate Ziemer haben Theaterarchive ausgewertet und umfangreiche Gespräche geführt. Hermann Beyer, Michael Gwisdek, Jürgen Holtz, Dieter Montag und Johanna Schall erinnern in den hier protokollierten Gesprächen an die theatralische Unbedingtheit und Kraft kollektiver schauspielerischer Selbstbestimmung. Diese zwischen 1940 und 1950 geborene Schauspielergeneration zog eine theatralisch überzeugende Bilanz des „gesellschaftspolitischen Experiments“ in einem Teil Deutschlands und stellte ihm eine niederschmetternde Diagnose – „politisches Theater“ im besten Sinne, vorbildlich und wirksam über die Zeiten hin.
 
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Hermann Beyer, Michael Gwisdek, Dieter Montag über die Kunst des Schauspielens in der DDR

Wir waren die Müller-Spieler

Lilli Helmbold