Verletzte Körperlandschaft

Im deutschsprachigen Feuilleton wird das Kostümbild als Kunstform einvernehmlich totgeschwiegen. Eine befremdliche Tradition, die Konsequenzen hat. Weder als Hymne noch als Verriss wird es diskutiert. Ist das Kostümbild im Theater so belanglos? Ich lese Kritiken über Inszenierungen, in denen hochgeschätzte Kolleginnen die Kostüme entworfen haben. Sie tauchen in den Besprechungen nicht auf. Als wären nicht Abend für Abend Hunderte von Zuschauern Betrachter eines großen Ganzen, in dessen Mittelpunkt der Schauspieler steht – zu 99 Prozent nicht nackt. Für den Schauspieler ist das Kostüm die zweite Haut. Es hat einen wesentlichen Anteil daran, ob und wie es dem Schauspieler gelingt, sich in eine Figur zu finden. Das Kostüm kann seine gesamte Körperlichkeit extrem forcieren und beeinträchtigen. Es kann ihn die Geschlechter wechseln lassen und die Jahrhunderte. Der Schauspieler kann zum Tier werden oder zum Pausenbrot. Dabei sind bereits Details ausschlaggebend. Ein Schuhwerk etwa beeinflusst Gang und Haltung. Wenn ich den Prinzen von Homburg in einem knielangen Nachthemd und lediglich mit Strümpfen an den Füßen auftreten lasse, ist das eine Herausforderung für den Schauspieler, vielleicht sogar eine Zumutung. Indem ich die Figur das Kostüm im Verlauf der Inszenierung nicht ein einziges Mal wechseln lasse, wird sie aus der Ebene des Traumes nie...

Über die Missachtung des Kostümbilds im deutschsprachigen Feuilleton

… dann spielt doch alles nackt!

Theater für Taiwan

Was macht das Theater, Maciej Nowak?

Rekonstruieren, was uns die Diktatur genommen hat

Freiheiten keinesfalls ungenutzt lassen

Warum Theater,

Das Unbehagen fest umklammert

Guerrilla Marika

50 Jahre nach dem Putsch in Chile

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Dafür gibt es in ihrer Sprache bestimmt einen Ausdruck 

Reaktion als Emanzipation

Räume im Besitz der Bürger

Hessisches Landestheater Marburg: Spiel mir das Lied von der EU-Bürokratie

„Falsch wie Fischstäbchen“

Mein Land

Widerhall einer kollektiven Erinnerung in Chile

Theater als Raumschiff

Allianzen bilden

Am Beginn der Frankfurter Intendanz von Oliver Reese vor sieben Jahren stand ein wuchtiger Antiken-Doppelschlag: „Ödipus/ Antigone“, inszeniert von Regisseur Michael Thalheimer. Zum nahenden Abschied von Reese im kommenden Sommer wird es wiederum Thalheimer sein, der mit „Ödipus vor der Stadt“ als Open-Air-Aufführung den Schlusspunkt setzt, bevor er dann mit Oliver Reese ans Berliner Ensemble wechselt. Dem Publikum haben beide in den vergangenen Jahren manch einen großen Abend beschert: „Maria Stuart“, „Medea“, „Penthesilea“. Jetzt hat Thalheimer am Schauspiel Frankfurt Heinrich von Kleists „Prinz Friedrich von Homburg“ merkwürdig hölzern abgewickelt. Das passt insofern gar nicht schlecht, als dieser Prinz Friedrich Arthur von Homburg im Laufe des Abends zur holzköpfigen Marionette mutiert. Der Schauspieler Felix Rech, der zuletzt an selber Stelle als Achilles neben der Penthesilea von Constanze Becker klein aufspielte, verkörpert ihn im vorerst blütenweißen Nachthemd, grauen Wollsocken und Siegesgewissheit im stechenden Blick als hageren Mann, der nicht von dieser Welt scheint. Wie neben sich steht er an der Bühnenrampe und streckt zuweilen ein Bein nach hinten oder zur Seite aus, als ordne sich sein schlanker Körper nicht steuerbaren Impulsen unter, wie beim Tourette-Syndrom. So einem wie ihm traut man ohne Weiteres zu, dass er den Befehl des Kurfürsten von Brandenburg,...

Schauspiel Frankfurt: „Prinz Friedrich von Homburg“ von Heinrich von Kleist. Regie Michael Thalheimer, Bühne Olaf Altmann, Kostüme Nehle Balkhausen

Frankfurt: Ein Albtraum, was sonst?

Jetzt ist alles politisch

Lothar Kittstein erzählt in seinem Stück „Der weiße Wolf“ ein deutsches Schauermärchen, eine Gruselgeschichte aus heutigen Tagen. Inspiriert vom Mördertrio des Nationalsozialistischen Untergrunds, NSU, erfindet er drei Gestalten, die mehr oder eher minder an Beate Zschäpe, Uwe Mundlos und Uwe Böhnhardt erinnern. 13 Jahre hielten diese sich gemeinsam versteckt und ermordeten zehn Menschen, acht Türken, einen Griechen und eine Deutsche. Die beiden Männer haben sich 2011 selbst aus dem Leben geschossen, Zschäpe steht bekanntlich seit Mai 2013 in München vor Gericht und schweigt. Bei Kittstein heißen sie Janine, Gräck und Tosch. In der Vergangenheit zogen sie mit dem Wohnmobil mordend durchs Land, heute versuchen sie, sich mit den Verhältnissen zu arrangieren. Janine und Gräck leben ihr schäbiges Leben irgendwo in der deutschen Provinz. Sie, verkörpert von Ines Schiller, ist ein Dummchen im weißen Flatterkleidchen, das auf Plateausohlen wie ein Fohlen über die Bühne stakst. Sascha Nathan spielt Gräck, den polternden Kerl an ihrer Seite. Er verdingt sich als Türsteher einer Disco mit Namen „Der weiße Wolf“, wo er jetzt Geld dafür bekommt, dass er für Recht und Ordnung sorgt, Türken abweist und handgreiflich wird. So würden sie dahinleben, käme nicht unverhofft Tosch, ihr Kampfgefährte aus alten Tagen, ins Haus geschneit....

Schauspiel Frankfurt: „Der weiße Wolf“ (UA) von Lothar Kittstein. Regie Christoph Mehler, Bühne Nehle Balkhausen, Kostüme Janina Brinkmann

Frankfurt am Main: Im schwarzen Loch

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Die Straße wird queer

Der Albtraum ist noch nicht vorbei

Zu woke für das Publikum?

Vom toten Huhn bis zu den Millennials

Emily weint doch nie

Was folgt

Teatro Lautaro in Deutschland gestern und heute

Schauspiel Leipzig: I got to break free

Das unheimliche 13. Jahr

Der ewige Wettkampf

 Das Ende der Verzichtsmetapher

Laudation von Jurymitglied Martin Brachvogel für Lena Gorelik

Etikettenschwindel

Gründung einer Akademie der darstellenden Künste in München

Wenn alles auf der Goldwaage liegt

SagdochmalLuca

Mateja Koležniks „Kinder“

GRIPS 2.0 – Neue Räume für das Kinder- und Jugendtheater

Bonobo

Vom Verschwinden der Körper in frostiger Zeit

Theater für alle versus faire Bezahlung?

Das Stück steht im Ruf, unspielbar zu sein. Kleist selbst hat die Zweifel an seiner Aufführbarkeit genährt. Dabei ist vielleicht gerade das der Irrtum: zu glauben, dass man die „Penthesilea“ spielen müsste. Ereignet sich doch alles, was sie an Action zu bieten hat, in der Sprache. In Botenbericht und Mauerschau. Michael Thalheimer hat das Trauerspiel daher – ebenso mutig wie angemessen – als Sprachfest inszeniert. Als Feier des hohen Tragödientons. Er wagt viel. Und gewinnt. Die Bühne, die Olaf Altmann ins Frankfurter Schauspielhaus gebaut hat, ist weniger Spielfläche als vielmehr Präsentierteller. Eine sich nach hinten verjüngende, schräg ansteigende Rampe, auf der die Darsteller schutzlos ausgesetzt wirken. Sie haben nichts als ihre – teils wörtlich zu verstehen – nackte Gegenwart. Und Kleists Verse. Mit minderen Spielern könnte das schrecklich schiefgehen. Abstürzen in ein hohl tönendes Deklamiertheater. Thalheimer aber hat Schauspieler, die Altmanns steile Bühne als Startrampe zum Triumph zu nutzen verstehen. Sie sind nur zu dritt. Josefin Platt übernimmt ganz allein den Part von Penthesileas Amazonenheer. Im schlichten weißen Trägerkleid erscheint sie wie eine Seherin, die das Unheil, das sich zwischen Penthesilea und dem griechischen Krieger Achilles entspinnt, klar vor Augen sieht und immer wieder eindringlich warnende Worte findet – und...

Schauspiel Frankfurt: „Penthesilea“ von Heinrich von Kleist. Regie Michael Thalheimer, Bühne Olaf Altmann, Kostüme Nehle Balkhausen

Frankfurt am Main: Im Urgrund

Laudatio von Jurymitglied Brigitte Korn-Wimmer für Marisa Wendt (Auszug)

Der monumentale Holzrahmen, den Bühnenbildner Olaf Altmann ganz vorne an die Rampe des Frankfurter Schauspielhauses gebaut hat, macht diesen kleinen Mann noch kleiner. Hans Falladas Romanheld Johannes Pinneberg und seine Frau Emma Mörschel, genannt Lämmchen, halten sich die meiste Zeit in diesem Rahmen auf, dessen Wucht sie zu Winzlingen macht. Dahinter steigt in voller Bühnenbreite eine mächtige Schräge an, an deren oberem Ende die übrigen Figuren Stellung bezogen haben – bedrohlich und breitbeinig, unbeweglich und ungerührt, eine neben der anderen, rückwärtig von Scheinwerfern angestrahlt und daher nur als Silhouetten erkennbar. Nur wer sich einmischt in die Handlung, wird von frontalem Licht aus der Gesichtslosigkeit herausgeschnitten. Vor allem aber bilden diese Schattenmänner und ‑frauen den Chor der Gesellschaft, die Pinneberg anstachelt und anschnauzt, einschüchtert und kleinredet. Hans Falladas Roman aus dem Jahr 1932 über den kleinen Angestellten Pinneberg, der vergeblich um ein bescheidenes Auskommen für sich und seine Familie kämpft, um am Ende ganz aus der Gesellschaft ausgestoßen zu werden, hat zuletzt wieder vermehrt das Interesse von Theatermachern auf der Suche nach adäquaten Stoffen geweckt, in denen sich auch die gegenwärtige Misere spiegelt. Hat doch die Angst vor Arbeitslosigkeit und Abstieg längst die Mitte der Gesellschaft erfasst. Trotzdem gibt es gute...

Schauspiel Frankfurt: „Kleiner Mann – was nun?“ nach Hans Fallada. Regie Michael Thalheimer, Bühne Olaf Altmann, Kostüme Nehle Balkhausen

Frankfurt am Main: Penetrante Herzensgüte

Laudatio von Jurymitglied Eva-Maria Voigtländer für Yannic Han Biao Federer

Vielleicht ein Aufbruch

Was macht das Theater, Anne Rabe?

Theater Bremen: Die persönliche Schmerzfigur

Der erste große Auftritt ist ein Baum. Eine riesige Platane, deren Blätterwerk die vorderen Reihen des Sitzhalbrunds überwölbt und so einen Teil der Zuschauer gleichsam als Raumbaum einbezieht. Jan Pappelbaum hat ihn mit höchster Handwerkskunst bauen lassen, und seine Naturähnlichkeit ruft selbstverständlich die legendären Birken in Peter Steins „Drei Schwestern“ von 1984 mit auf. Alles spielt unter dem mächtigen Baum, den man sich irgendwo in der Nähe Berlins denken kann, denn außer den Figurennamen gibt es hier nichts Russisches. Thomas Ostermeier hat den Schauspielern die Aufgabe gestellt, ihre Figuren aus der Übersetzung von Ulrike Zemme nach eigenen Vorstellungen für die Gegenwart weiterzuerzählen. Das ist vielleicht nicht immer ganz gelungen im dann wieder Zusammenschließen der so entstandenen Erfindungen. Eine der schwierigsten Szenen des Stücks, nämlich wie Kostjas avantgardistisches Theaterstück in neuen Formen gezeigt wird, entscheidet ganz wesentlich mit darüber, ob der Kunst- und Theaterdiskurs in dem Stück ernst zu nehmen ist. Kostjas „Menschen Löwen Adler Rebhühner“ geht hier zwar eindeutig in Richtung Öko-Apokalypse, aber die Performance, die Laurenz Laufenberg in einem Nylonstrumpf-Kostüm auf einem aufblasbaren Pferd aufführt, während Alina Vimbai Strähler als Nina in einem mit Strandmüll besetzten Kleid auf einem Ast steht, wirkt in ihrer grellen Unbeholfenheit beinahe denunziatorisch. Das...

„Die Möwe“ von Anton Tschechow – Regie Thomas Ostermeier, Bühne Jan Pappelbaum, Kostüme Nehle Balkhausen 

Schaubühne Berlin: Komik unterm Laubwerk 

Beste Stücke

Drive in

Mönchszellen und Bühnenräume

Muttertier

Theater und Digitalität

Wir sind pessimistisch

Betriebswirtschaftliche Zusammenhänge im (Freien) Kinder- und Jugendtheater

Schauspiel Wuppertal: Generalabrechnung mit der Menschheit 

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Inspiration durch Stille – Kreativität durch Bewegung

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

„Die Glaswanne darf nie kaltlaufen“

Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer

Viel Potenzial, wenig Raum

Theater Heidelberg: Psychoanalyse mit der VR-Brille

Gebrannt hat es immer schon

Theater und Transformation

Klänge von Gestern und Heute auf den Bühnen Chiles

Leichensäcke mit Leichtigkeit

Warum wir das Theater brauchen

Zirkus

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Am Tag der jungen Talente

Bühnen- und Kostümbildnerin, Berlin. Studium des Bühnen- und Kostümbilds in Berlin, Krakow und Paris. seit 2007 freischaffend für Theater und Tanz - dies u.a. am Deutschen Theater Berlin, der Schaubühne Berlin, dem Schauspiel Frankfurt, den Salzburger Festspielen, dem Dresdener Schauspielhaus, dem Staatstheater Nürnberg, dem Schauspiel Dortmund, dem Schauspiel Köln, dem Staatstheater Braunschweig, dem Berliner Ensemble und dem Thalia Theater in Hamburg.

Theaterregisseur Yair Shermann

Theatermusik ist stets im Wandel. Sie folgt Moden, aber auch eigenen Konventionen – und wie sie dann wieder aufgebrochen werden. Ruhr-Triennale Intendantin Barbara Frey war einst auch Schlagzeugerin. Sie spricht im Interview mit NRW-­Redakteur Stefan Keim über ihre Auffassungen der Musikalisierung des Schauspiels. Thüringen-Redakteur Michael Helbing stellt das Deutsche Nationaltheater Weimar als die wohl im Moment avanciertest Musik-Schauspiel-Bühne vor, und PC Nackt, dieser Wanderer zwischen Elektro-Punk-Projekten und Theaterbühnen mit Schorsch Kamerun und Sebastian Hartmann, lud zum Gespräch auf ein Boot ein, wo die Geräusche des bewegten ­Wassers nebenbei auch als Sounds besprochen wurden. Ein Schwerpunkt auf den Seiten 10 bis 24.
Das Haus der Kulturen der Welt in Berlin hat eine wechselvolle Geschichte. Von dem amerikanischen Architekten Hugh Asher Stubbins, Jr. entworfen, wurde der Bau als Kongresshalle 1957 eingeweiht. Die zu den ikonischen Architekturen des alten West-Berlin zählende „schwangere Auster“ musste nach einem Teileinsturz des Gebäudes 1980 saniert werden und wurde – kurz vor einer anderen Zeitenwende! – im Januar 1989 zum Haus der Kulturen der Welt, mit der Spezialisierung auf die Präsentation nicht-europäischer Kulturen. Nun wird es, nach einer nochmals notwendigen Renovierung, mit neuer Leitung wiedereröffnet. Intendant und Chefkurator Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, studierter Biotechnologe, und sein vielköpfiges Team der verschiedensten Kunst- und Wissenschaftssparten ließen schon bei der Pressekonferenz im März erkennen, dass nun einiges anders gemacht werden soll bei der Programmierung und Kuratierung. Im Zusammenspiel beinahe wie eine Big Band, jedenfalls auch mit großem Spaß an der Sache. Ute Müller-Tischler traf sich mit Ndikung und den beiden für die Performing Arts verantwortlichen Kurator:innen, Carlos Maria Romero und Marie Helene Pereira, zum Gespräch.
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Welttheater – Haus der Kulturen der Welt Berlin

Theatermusik

Lukas Bärfuss

Freude verdoppelt sich, wenn man sie teilt – Geld nicht.

Wie wollen wir zukünftig leben und arbeiten? Welche Voraussetzungen braucht die Gestaltung sozialer Strukturen jenseits ökonomischer Verwertbarkeit? Orte der Kunst und der Bildung ermöglichen die modellhafte Erforschung und Erprobung von Verfahren, Strukturen und Institutionen und sind damit Impulsgeber für unser Zusammenleben. Sie tragen einen wichtigen Teil dazu bei, um unsere Demokratie in ihrer Komplexität zu erhalten und fortzudenken. Expertinnen und Experten aus verschiedenen sozialen Feldern untersuchen von der Norm abweichende Praxisformen, verorten sie historisch und denken soziale Gegenwart aus einer möglichen Zukunft heraus.
Mit Beiträgen u. a. von Armen Avanessian, Augusto Corrieri, Simone Hain, Isabell Lorey und Joshua Wicke.
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Neue Entwürfe für Kunst, Pädagogik und Politik

Dazwischengehen!

Der Schwerpunkt „Millennials im Theater“ geht auf ein schon viel diskutiertes Generationsphänomen zurück. Die Soziologie versucht, mit immer ausgefeilteren Methoden, Generationen nach gemeinsamen Erfahrungen, Wertvorstellungen, Biografien und – das ist der springende Punkt der letzten Jahrzehnte – im Konsumverhalten zu konstruieren. Gleichzeitig entwerfen Medien, darin zum Teil nur auf die Soziologie zurückgreifend, Generationsbilder, die oft mit kulturellen Akteuren sichtbar werden. Genau an dieser Stelle – oder Schwelle – wollten wir ins Theater blicken: mit den Porträts der Schauspieler:innen Miriam Haltmeier, Jonas Dumke, Dominik Dos-Reis und dem Gespräch mit dem Regisseur Wilke Weermann, zusammen mit den beiden übergreifend betrachtenden Artikeln von Leander F. Badura und Martín Valdés-Stauber. (S. 12­–15) Anna Bertram porträtiert außerdem das Leitungstrio am Theater Neumarkt in Zürich.
 
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Eine Generation auf der Suche

Millennials im Theater

Wolf Biermanns Sohn erzählt seine packende Familiengeschichte Klaus Thaler, und der schrieb sie aus der Sicht einer Puppe auf.
Ich bin eine Puppe, my name is Zorro der Bär. Mein schicksalhaftes Buch lebt von der Vermischung aus absurdem Puppenspiel mit realer Geschichte. Kommt mit auf meinem Flug durch die Ost-Berliner Boheme vor dem Mauerfall! Gleich landen wir im Utopia 1990, direkt auf dem Tacheles mit Eimern voller Niemandsland. Der rote Faden rock‘n‘rollt sich vor- und rückwärts auf. Er entpuppt Biermanns „Treuehand“ und entknotet Freygangs „Firma“. Ich finde eine Spur ins Barocke, erzähle von der legendären Hanswurst-Vertreibung der „Neuberin“ und höre vom gemeinen Rammstein. Ein Märchenbilderbuch deutsch-deutscher Aufklärung von Lessing bis Corona. 
Klappe zu und Vorhang auf!
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Dokumentarroman

Eine Puppe packt aus

Theater Thikwa Berlin: Ungezähmtes Spiel

Anlässlich des 50. Jahrestages des Putsches gegen die sozialistische Regierung Salvador Allendes in Chile bringt Theater der Zeit ein SPEZIAL zum zeitgenössischen Theater in Chile heraus. Vorgestellt werden neueste Tendenzen des politischen, feministischen und digitalen Theaters sowie auch die anhaltende Beschäftigung mit dem Putsch und seinen Folgen. Mit Beiträgen von Manuela Infante, Guillermo Calderon, Alejandro Moreno, Verena Lehmkuhl, Amalia Kassai u.a.
Ein Projekt von Goethe-Institut Chile und Theater der Zeit
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Was für eine Art von Theater es nach dem Krieg in Israel geben könnte, haben wir den Regisseur Yair Sherman (auf dem Titel) am Ende eines längeren Videogesprächs gefragt. Eskapistische Komödien, Stücke für Trost und Trauer oder Patriotisches und Politisches? Man müsse erstmal herausfinden, was genau die Menschen fühlen und wie das zu verarbeiten ist, so Sherman in seiner Wohnung in Tel Aviv. Noch Wochen nach dem Angriff vom 7. Oktober stehen alle unter Schock. Sherman war gleich nach der Premiere seiner Inszenierung von Shakespeares „Wintermärchen“ am Theater Freiburg nach Israel zurückgekehrt.
Themen-Schwerpunkt dieser Ausgabe ist das Theater für junges Publikum, welches sich zur Zeit verändert. Die Kinder- und Jugendtheater werden offener, machen mehrsprachige Angebote und führen schon die Jüngsten in Projekte ein.
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Yair Sherman: Theater und Israel

Kinder- und Jugendtheater

In den 1960er Jahren vollzog sich in den Künsten unübersehbar eine performative Wende. Anstelle von „Werken“ erschaffen Künstler zunehmend Ereignisse, an denen nicht nur sie selbst, sondern auch die Betrachter beteiligt sind. Angesichts dieser radikal veränderten künstlerischen Produktion stellt sich auch die Frage nach dem geistigen Eigentum grundlegend neu. Moritz Johannes Ott, Fachanwalt für Urheber- und Medienrecht, untersucht die Ästhetik des Performativen in ihren urheberrechtlichen Konsequenzen.
Er fragt danach, ob und wie performative Kunst urheberrechtlich geschützt ist und inwieweit vor diesem Hintergrund szenische Aufführungen in ihrer Gesamtheit neu zu bewerten sind: Liegt der Schlüssel zum urheberrechtlichen Schutz aller Bühnenkunst im Urheberrecht des Regisseurs an seiner Inszenierung?

Theater, Aktion, Performance

Der urheberrechtliche Schutz performativer Kunst

Die Bayerische Theaterakademie August Everding ist eine der herausragenden Ausbildungsstätten für Bühnenberufe, in der sich Theorie und Praxis auf einzigartige Weise durchdringen. Im Herbst 2023 wird sie dreißig Jahre alt. „DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN“ dokumentiert die wechselvolle Geschichte der Institution in der Vielfalt und Heterogenität ihrer Studiengänge im Spiegel der jüngeren Theatergeschichte. Der Band stellt außerdem Fragen nach einer zeitgenössischen Theaterausbildung und reflektiert das Theater als Kollektiv mit seinen unzähligen Allianzen, Kooperationen und ineinander verwobenen Arbeitsprozessen.
Neben Aufsätzen der Lehrenden enthält das Buch zahlreiche Interviews mit und Statements von Wegbegleiterinnen und -begleitern sowie umfangreiches, bisher unveröffentlichtes Bildmaterial.
Edition Bayerische Theaterakademie August Everding
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30 Jahre Bayerische Theaterakademie August Everding

DAS FLÜCHTIGE GESTALTEN

Der niederländische Theaterkünstler Johan Simons kann auf eine großartige Karriere als Regisseur und Theaterleiter zurückblicken. Erste Erfolge als künstlerischer Leiter der Theatergroep Hollandia machten ihn in den 1980er und -90er Jahren international bekannt. Seine Arbeit hat ihn in die Leitung der Münchner Kammerspiele und der Ruhrtriennale (2015 bis 2017) geführt, seit 2018 ist er Intendant des Bochumer Schauspielhauses. Das vielleicht wichtigste Thema seiner Inszenierungen ist die Auseinandersetzung mit dem Tod, legendär seine Bochumer „Hamlet“-Inszenierung von 2019 mit der Ausnahmeschauspielerin Sandra Hüller in der Titelrolle.
Dieses reich illustrierte Arbeitsbuch will nicht nur Aufschluss geben über verschiedene Aspekte der Arbeit des Regisseurs Johan Simons, es versammelt auch Zeugnisse seiner Mitstreiter:innen und Weggefährt:innen. Zu Wort kommen u. a. Sandra Hüller, Pierre Bockma, Elsie de Brauw und Mieke Koenen in Interviews, Essays, Bildern und Skizzen.
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Dialog mit dem Tod

Johan Simons

Der Dresdner Musiker-Schauspieler Christian Friedel

Frontmann Hamlet

Karin Beier empfing zum Gespräch nur wenige Tage vor der ersten Premiere ihres Antikenzyklus „Anthropolis“, an dem sie insgesamt zwei Jahre geprobt hat. Für unseren Fotografen Nikolaus Stein ließ sie die lebensgroße Tierplastik einer Kuh, zentrales Symbol des Fünfteilers um die Stadt Theben, in das Foyer des Deutschen Schauspielhaus Hamburg legen – siehe Titelbild. Lesen Sie das Gespräch auf den Seiten 28 bis 33.
Am 18. Oktober öffnet die Frankfurter Buchmesse ihre Tore, Gastland ist in diesem Jahr Slowenien. Zu den Höhepunkten des Programms jenseits der Bücher gehört der Auftritt der slowenischen Band Laibach in der Frankfurter Jahrhunderthalle am 19. Oktober. Laibach war einst Teil einer Untergrundkunstbewegung mit dem deutschen Namen Neue Slowenische Kunst, kurz NSK, die auch wesentlich zur Entwicklung der Performance-Szene in dieser jugoslawischen Teilrepublik und darüber hinaus beitrug. Später gehörte beispielsweise die Berliner Volksbühne zu den assoziierten Mitgliedern. Einen Schwerpunkt Slowenien, kuratiert von der Dramaturgin und einstigen Leiterin des slowenischen Theatertreffens Alja Predan, gibt es auf den Seiten 12 bis 26 bzw. noch erweitert im <a href="https://tdz.de/dossier/668ec5f3-8fab-45ce-9f15-599b7c730358">Online-Dossier zu Slowenien</a> auf tdz.de.
 
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Karin Beier: Antike als große Geste

Theater in Slowenien

Queeres Theater wird oft zuerst als Politikum oder Aktivismus wahrgenommen. Dabei entsteht es nicht mehr allein aus der freien Szene heraus, sondern queere Themen und Ästhetiken haben längst den Mainstream der Stadt- und Staatstheater erreicht und es wird viel diskutiert, was es dort bewirkt und an wen es sich in erster Linie wendet. Zeit für einen Schwerpunkt, den die Juniorprofessorin und Spezialistin für queeres Theater Jenny Schrödl mit einem ausführlichen Überblick einleitet, gefolgt von einer publikumssoziologischen Untersuchung und einem besonderen Beispiel am Landestheater Eisenach in Thüringen.
Romeo Castellucci sprach mit Thomas Oberender über seine neue Inszenierung „Mystery 11 Ma“, die am 1. September in der europäischen Kulturhauptstadt Elefsina in Griechenland Premiere hat und sich auf die frühantiken Initiations- und Weihe-Riten der Mysterien von Eleusis bezieht. Der Ort, das heutige Elefsina 30 km nordwestlich von Athen, war einst für Castellucci als Student der Ausgangspunkt für alles, was der Theatermacher bis heute geschaffen hat.
 
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Romeo Castellucci — Die Mysterien von Eleusis

… dann spielt doch alles nackt!

Neuerscheinungen im Verlag